Art Deco er en populær designstil fra 1920- og 1930-tallet, spesielt preget av elegante geometriske eller stiliserte former og bruken av menneskeskapte materialer.
Kjennetegnene ved Art Deco-stilen oppstod i Frankrike på midten og slutten av 1910-årene, modnet under den internasjonale utstillingen av dekorative kunst og moderne industrier som ble holdt i Paris i 1925, og ble en viktig stil i Vest-Europa og USA på 1930-tallet.
De karakteristiske trekkene ved Art Deco reflekterer beundringen for moderne maskiner og de designkvaliteter som er iboende i maskintilvirkede objekter, for eksempel relativ enkelhet, planhet, symmetri og uforanderlig repetisjon av elementer. Art Deco-objekter viser ofte enkle og rene former, vanligvis med et "stilisert" utseende; geometrisk eller stilisert ornamentering fra figurative former som blomster, dyr og solstråler; og bruken av menneskeskapte stoffer, inkludert plast, vitaminglass og armert betong, ofte kombinert med naturlige materialer som jade, sølv, elfenbein og krom.
Art Deco - plakat
Blant de formende influensene på Art Deco finner vi Art Nouveau, Bauhaus, kubisme og Serge Diaghilevs Ballets Russes. Utøverne av Art Deco fant også inspirasjon i kilder fra amerikanske indianere, egyptiske og tidlige klassiske kulturer, samt i naturen.
På samme måte som Art Deco, er art nouveau en ornamentalt stil som anvendes på medier som arkitektur, interiørdesign, smykker og illustrasjon. Begge stilene var populære i Europa og USA, men Art Nouveau blomstret tidligere, mellom 1890 og 1910.
Samtidig nådde Art Deco sitt høydepunkt mot slutten av 1920-tallet og begynnelsen av 1930-tallet. Art Nouveau la vekt på naturen, og objektene kjennetegnes spesielt av asymmetrisk bølgende linjer som ofte tok form av stilker og blomsterknopper, vindruedrueklaser, insektsvinger og andre delikate naturlige objekter. Art Deco, derimot, feiret den moderne maskinen og promoverte geometriske linjer og elegante former.
Den viktigste forskjellen fra art nouveau er kubismens innflytelse, som gir Art Deco-designen en mer fragmentert geometrisk karakter. Imidlertid forble bilder basert på planteformer og bølgende kurver i noen Art Deco-design, for eksempel de fra Clarice Cliff i Storbritannia. Art Deco var svært variert i sine påvirkninger, inspirert av antikk egyptisk kunst, aztekisk kunst og annen gammel sentralamerikansk kunst, samt design av moderne båter, tog og biler. Det ble også inspirert av moderne arkitektur og design fra Bauhaus og arkitekter som Le Corbusier og Mies van der Rohe.
Art Deco fikk sitt navn fra Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, som ble holdt i Paris i 1925, hvor stilen ble vist for første gang. Art Deco-design representerte modernismen som ble mote. Produktene inkluderte både luksusartikler laget for hånd og masseproduserte varer, men i alle tilfeller var hensikten å skape en stilfull og utradisjonell eleganse som symboliserte rikdom og sofistikering.
De fleste av de fremtredende Art Deco-skaperne designet håndlagede eller begrensede utgaveartikler. De inkluderte møbeldesignerne Jacques Ruhlmann og Maurice Dufrène; arkitekten Eliel Saarinen; gullsmeden Jean Puiforcat; smykkedesigneren René Lalique; motedesigneren Erté; kunstner-smykkebesitterne Raymond Templier, HG Murphy og Wiwen Nilsson; og den figurative skulptøren Chiparus.
Art Deco - møbel av Jacques Ruhlmann
Art Deco av gullsmeden Jean Puiforcat
Begynnelsen av Art Deco
På slutten av 1800-tallet i Frankrike innså mange av de bemerkelsesverdige kunstnerne, arkitektene og designerne som hadde spilt en viktig rolle i utviklingen av Art Nouveau-stilen, at den holdt på å bli stadig mer umoderne. På slutten av et århundre som så den industrielle revolusjonen slå rot, ble det moderne livet svært forskjellig fra bare noen tiår tidligere. Det var på tide med noe nytt, noe som skulle utbasunere "20. århundre" fra de moderne og stilige takene.
Den franske foreningen av dekorative kunstnere
I dette ønske om å bevege seg mot det nye århundret i takt med innovasjon i stedet for å bli hemmet av nostalgi, dannet en gruppe franske kunstneriske innovatører en organisasjon kalt Societé des Artistes Décorateurs (Foreningen av dekorative kunstnere). Gruppen bestod av kjente skikkelser som designeren og gravøren i Art Nouveau-stil, Eugene Grasset, og Art Nouveau-arkitekten Hector Guimard, sammen med fremvoksende dekorative kunstnere og designere som Pierre Chareau og Francis Jourdain. Den franske staten støttet og oppmuntret denne retningen av kunstnerisk virksomhet.
Art Deco - Foreningen av dekorative kunstnere
Et av hovedmålene for den nye gruppen var å utfordre den hierarkiske strukturen av visuelle kunst som nedprioriterte dekorative kunstnere til en lavere status enn de mer klassiske mediene i maleri og skulptur. Jourdain er berømt sitert: "Derfor bestemte vi oss for å returnere dekorativ kunst, som ble behandlet som en Askepott eller en fattig slektning som ble tillatt å spise med tjenerne, tilbake til den viktige, nesten dominerende plassen den hadde i fortidens alle tider og i alle land.".
Planen for en stor utstilling som skulle presentere en ny type dekorativ kunst ble opprinnelig tenkt for 1914, men måtte utsettes til etter første verdenskrig, og deretter ble det forsinket av flere årsaker frem til 1925.
Utstillingen som offisielt lanserte Art Deco-bevegelsen
Den franske regjeringen, som holdt utstillingen mellom plassen Les Invalides med den gyldne kuppelen og inngangene til Petit Palais og Grand Palais på begge sider av Seinen, anstrengte seg for å vise den nye stilen. Over 15 000 kunstnere, arkitekter og designere stilte ut arbeidet sitt på utstillingen. I løpet av de syv månedene av utstillingen gikk mer enn 16 millioner mennesker gjennom de mange individuelle utstillingene. Denne utstillingen var katalysatoren for begynnelsen av bevegelsen.
Art Nouveau og Art Déco
Art Deco var et direkte estetisk og filosofisk svar på stilen Art Nouveau og det bredere kulturelle fenomenet modernisme. Art Nouveau begynte å gå ut av moten under første verdenskrig, da mange kritikere mente at de detaljerte, delikate designene, ofte kostbare materialer og produksjonsmetodene ikke passet til en moderne, utfordrende, ustabil og stadig mer mekanisert verden. Mens Art Nouveau-bevegelsen hentet sine intrikate og stiliserte former fra naturen og hevet dyder ved håndverk, fremhevet Art Deco-estetikken aerodynamikk og elegant geometri fra maskinens tidsalder.
Art Deco og modernisme
Den internasjonale utstillingen samlet ikke bare verk i Art Deco-stilen, men plasserte håndlagde artikler nær eksempler på samtidskunst og skulpturer i stiler som kubisme, konstruktivisme, Bauhaus, De Stijl og futurisme. På 1920-tallet var Art Deco en eksuberant, men stort sett konvensjonell motsetning til den mer cerebrale estetikken til Bauhaus og De Stijl. De tre delte en vekt på rene og sterke linjer som et organiserende designprinsipp. Utøverne av Art Deco adopterte teknologisk innovasjon, moderne materialer og mekanisering, og prøvde å fremheve dem i den generelle estetikken til stilen selv. Utøverne lånte også fra og lærte av andre modernistiske bevegelser. Art Deco ble ansett av beundrere å være i tråd med fremtidsvyer fra samtidige avantgardebevegelser. Ironisk nok spilte modernistisk maleri og skulptur en annen rolle i utstillingen, bortsett fra de få unntakene til Sovjetunionens paviljong og Le Corbusiers Esprit Nouveau-paviljong.
Art Deco etter den store depresjonen
Begynnelsen av den andre fasen av Art Deco sammenfalt med starten av den store depresjonen. Austeriteten kunne faktisk være den sentrale estetikken både av pragmatiske og konseptuelle grunner for denne andre utviklingen av Art Deco. Mens Art Deco-arkitekturen for eksempel hadde en vertikal orientering med skyskrapere som stiger til store høyder, symboliserte de senere Art Deco-bygningene med sine for det meste nakne fasader, elegante kurver og horisontal vekt en robusthet, stille verdighet og motstandskraft. I løpet av de verste årene av den økonomiske katastrofen, fra 1929 til 1931, gikk amerikansk Art Deco fra å følge trender til å etablere dem.
Streamline Moderne
Streamline Moderne ble den amerikanske fortsettelsen av den europeiske Art Deco-bevegelsen. Utover de alvorlige økonomiske og filosofiske påvirkningene, var den estetiske inspirasjonen for de tidlige Streamline Moderne-strukturene bygninger designet av tilhengere av den nye objektiviteten i Tyskland, som oppsto fra en uformell forening av tyske arkitekter, designere og kunstnere som hadde blitt dannet tidlig på 20. århundre.
Art Deco - Streamline Moderne
Kunstnerne og arkitektene fra den nye objektiviteten hentet inspirasjon fra den samme typen nøktern pragmatisme som tvang tilhengerne av Streamline Moderne til å eliminere overflødighet, inkludert uttrykksfullhet fra ekspresjonismen. Arkitektene fra den nye objektiviteten fokuserte på å produsere strukturer som kunne betraktes som praktiske, som et svar på kravene fra virkeligheten. De foretrakk at designene deres skulle tilpasses den virkelige verden i stedet for å tvinge andre til å tilpasse seg en upraktisk estetikk. For dette formålet var arkitektene fra ny objektivitet til og med pionerer innen prefabrikeringsteknologi (som hjalp til med å husly de fattige i Tyskland raskt og effektivt).
Uten pynt fremviste Streamline Moderne-arkitekturen rene kurver, lange horisontale linjer (inkludert vindusbånd), glassmurstein, bullauger og sylindrisk og tidvis maritim form. Det var mer enn noen gang fokus på aerodynamikk og andre uttrykk for moderne teknologi. De dyrere og ofte eksotiske materialene fra Art Deco ble erstattet med betong, glass og krom i Streamline Moderne. Farge ble brukt med måte, ettersom blek hvite, beige og jordfarger erstattet de mer livlige fargene fra Art Deco. Stilen ble først innført i arkitektur og deretter utvidet til andre gjenstander, på en lignende måte som tradisjonell Art Deco-stil.
Art Deco blir retroaktivt navngitt
Opprinnelig ble begrepet "Art Deco" brukt nedsettende av en kjent kritiker, den modernistiske arkitekten Le Corbusier, i artikler der han kritiserte stilen for sin ornamentering, en egenskap han anså som unødvendig i moderne arkitektur. Mens tilhengerne av stilen hyllet det som et modernistisk og forenklet svar på overdreven ornamentering, spesielt sammenlignet med dens umiddelbare forgjenger, Art Nouveau, ettersom all dekorasjon var overflødig for Le Corbusier. Det var ikke før på slutten av 1960-tallet, da interessen for stilen blomstrer igjen, at den britiske kunsthistorikeren og kritikeren Bevis Hillier positivt brukte begrepet "Art Deco".
Art Deco i USA
I USA utviklet mottakelsen av Art Deco-bevegelsen seg i en annen retning. Herbert Hoover, USAs handelsminister på den tiden, erklærte at amerikanske designere og arkitekter ikke kunne vise arbeidet sitt på den internasjonale utstillingen fordi han mente at landet fortsatt måtte conceptere en klart amerikansk kunststil som var "ny nok". Som alternativ sendte han en delegasjon til Frankrike for å evaluere tilbudene på utstillingen, og deretter anvende det de så til en samtid kunstnerisk og arkitektonisk stil i USA. I kontingenten av estetiske sendebud sendt av Hoover var betydningsfulle figurer fra American Institute of Architects, Metropolitan Museum of Art og The New York Times. Oppdraget inspirerte en nesten umiddelbar oppblomstring av kunstnerisk innovasjon i USA.
For 1926 reiste en mindre versjon av den franske messen kalt "Et utvalg av objekter fra den internasjonale utstillingen for moderne, industrielle og dekorative kunst" til mange byer i USA som New York, Cleveland, Chicago, Detroit, St. Louis, Boston, Minneapolis og Philadelphia. De amerikanske verdensmessene i Chicago (1933) og New York City (1939) fremhevet Art Deco-design, mens Hollywood adopterte estetikken og glamouriserte den over hele landet. Selv amerikanske selskaper som General Motors og Ford bygde paviljonger på verdensutstillingen i New York.
Art Deco - Verdensutstilling i New York
Blant de mest kjente eksemplene på amerikansk Art Deco-stil finnes skyskrapere og andre storskala bygninger. Egentlig har den amerikanske iterasjonen av Art Deco i bygningene blitt kalt Zigzag Modern for sine vinkelrette og geometriske mønstre som utsmykninger. Imidlertid er den amerikanske Art Deco generelt ofte mindre ornamentert enn forgjengeren i Europa. Utover de rene linjene og sterke kurvene, er de dristige geometriske formene, intense fargene og til tider luksuriøse ornamentikken, den amerikanske versjonen mer ukomplisert. Etter hvert som viktige påvirkninger som den nye objektiviteten og den internasjonale stilen i arkitektur, så vel som de alvorlige økonomiske tilbakeslagene på slutten av 1920-tallet og begynnelsen av 1930-tallet, begynte å påvirke Art Deco-estetikken, ble stilen mye mindre luksuriøs.
Art Deco - Zig Zag Modern
Den amerikanske Art Deco-stilen utviklet seg som en feiring av teknologisk fremgang, inkludert masseproduksjon, og en restaurert tro på sosial fremgang. I essens kunne disse prestasjonene betraktes som et speil av nasjonal stolthet. I 1930-årene, under Works Progress Administration (WPA) av Roosevelt, ble mange av verkene som ble skapt Art Deco, fra kommunale strukturer som biblioteker og skoler til massive offentlige veggmalerier. WPA hadde til hensikt å stimulere den amerikanske økonomien etter krigen ved å skape arbeidsplasser i offentlige arbeider, og søkte å betjene samfunnet gjennom å skape jobber og innpode amerikanske verdier i design. Bruken av amerikansk Art Deco brakte dermed en uttrykk for demokrati gjennom design. Noen materialer som ble brukt i Art Deco-skaping var dyre og derfor utenfor rekkevidde for den gjennomsnittlige mannen. Imidlertid gjorde bruken av nye eller rimelige materialer det mulig å produsere et bredt spekter av rimelige produkter, og brakte dermed skjønnhet inn i det offentlige rom på en ny måte.
Global vekst av Art Deco
Art Deco-stilen festet seg i verdens hovedsteder så forskjellige som Havana, Cuba, Mumbai og Jakarta. Havanna har et helt nabolag bygget i Art Deco-stil. Londons undergrunnsbanesystem inkorporerer i stor utstrekning stilen. Shanghai havn inneholder mer enn femti Art Deco-strukturer, de fleste designet av ungareren Laszlo Hudec. Fra krigsminnesmerker til sykehus, byer så fjernt som Sydney og Melbourne i Australia har også tatt opp denne fenomenale stilen.
Art Deco - Laszlo Hudec
De viktigste visuelle kjennetegnene ved Art Deco er avledet fra den repetitive bruken av linjære og geometriske former som inkluderer triangulære, zigzag, trapezoidal og chevron-mønster. I likhet med sin forgjenger, Art Nouveau, når objekter som blomster, dyr eller menneskelige figurer fremstilles, blir de sterkt stilisert og forenklet for å opprettholde den generelle estetikken til Art Deco. Naturen og omfanget av stiliseringen og forenklingen varierer avhengig av den regionale iterasjonen av stilen. For eksempel er en figur som Ildfuglen (1922) av den franske designeren René Lalique, elegant slank og dempet, mens Atlas av Lee Lawrie (1937) utenfor Rockefeller-senteret er solid og robust med en tydelig lineær muskulatur, selv om begge regnes som gode representasjoner av Deco-stilen.
Art Deco - Atlas av Lee Lawrie i Rockefeller-bygningen
I tråd med bevegelsens vekt på moderne teknologi, utnyttet Art Deco-kunstnere og designere moderne materialer som plast, bakelitt og rustfritt stål. Men når det var behov for et preg av rikdom og raffinement, integrerte designerne mer eksotiske materialer som elfenbein, horn og sebrahud. I likhet med Art Nouveau- og Arts and Crafts-bevegelsene, ble Art Deco-stilen mye mindre anvendt på de tradisjonelt høyt rangerte visuelle kunstformene: maleri og skulptur.
Art Deco-design
Art Deco-stilen utøvde sin innflytelse på grafisk kunst på en måte som avslører innflytelsen fra italiensk futurisme med sin kjærlighet til fart og tilbedelse av maskinen. Futuristiske kunstnere brukte linjer for å indikere bevegelse, kjent som "hastighetsskjegg", som kom fra hjulene til biler og hurtiggående tog. I tillegg benyttet utøverne av Art Deco parallelle linjer og koniske former som antyder symmetri og aerodynamikk. Typografien ble påvirket av den internasjonale innflytelsen fra Art Deco, og fontene Bifur, Broadway og Peignot minner umiddelbart om stilen.
Art Deco - font Bifur
Når det gjelder bilder, minner de enkle formene og de store områdene av solid farge om japanske tresnitt, som hadde blitt en viktig kilde til innflytelse for vestlige kunstnere, spesielt i Frankrike, etter slutten av den isolasjonistiske Edo-perioden i 1868. Den påfølgende strømmen av japansk kunst til Europa hadde enorm innvirkning. I særdeleshet fant kunstnerne i den formelle enkelheten av tresnit et modell for å skape sine egne distinkt moderne stiler, som begynte med impresjonismen.
Art Deco-møbler
Inntil slutten av 1920-tallet bestod avantgardemøbel-design i Frankrike hovedsakelig av varianter av Art Nouveau-stilen, men forenklet og mindre kurvet. Etter hvert som tiåret skred frem, dukket Émile-Jacques Ruhlmann opp som den fremste møbeldesigneren (Ruhlmann hadde sitt eget paviljong på utstillingen i 1925). Selv om designene hans hovedsakelig var inspirert av 1700-tallsstykker produsert i den neoklassiske stilen, eliminerte han mye av ornamenter uten å gi opp eksotiske materialer favorisert av Art Nouveau-designere, som mahogni, ibenholt, rosewood, elfenbein og skallet av skilpadden. Hans stykker var naturligvis ofte for dyre for noen å kjøpe, unntatt de rikeste.
I kontrast til Ruhlmanns luksuriøse design, som så ut til å balansere mellom Art Nouveau- og Art Deco-stilene, var den mest definerte Art Deco-møbeldesigneren i Frankrike Jules Leleu. Han hadde vært en tradisjonell designer til den nye stilen erstattet Art Nouveau og er kjent for designen av den store spisesalen i Palais de l'Élysée i Paris og de luksuriøse lugarene på første klasse på det elegante dampskipet Normandie.
Art Deco - møbel av Jules Leleu
I kontrast til Leleu og Ruhlmann, var Le Corbusier en forkjemper for en veldig redusert og uornamentert versjon av Art Deco-stilen, ofte lage møbler som passet til de strenge interiørene i sine egne arkitektoniske strukturer. Hans intensjon var å designe prototyper, spesielt stoler, som kunne masseproduseres, og dermed være rimelige for et bredere marked.
også verdt å merke seg at Donald Deskeys innredningsdesign av den berømte New York City-landemerke, Radio City Music Hall, er et utmerket eksempel på amerikansk Art Deco-møbel-design som fortsatt er intakt i sin originale form i dag.
Art Deco - møbel av Le Corbusier
Art Deco-arkitektur
Art Deco-arkitekturen kjennetegnes av harde kanter, ofte rikt dekorerte design, akkompagnert av glitrende metalliske detaljer. Mange av disse bygningene har en vertikal vekt, bygget med det formål å tiltrekke oppmerksomhet oppover. Firkantede former, ofte i blokker, er ordnet geometrisk, med tillegget av spir på taket og/eller buede dekorative elementer for å gi en aerodynamisk effekt. Skyskraperne i New York og pastellfargede bygninger i Miami er blant de mest kjente amerikanske eksemplene, selv om stilen ble implementert i en rekke strukturer over hele verden.
I USA hjalp Works Progress Administration til å utbre Art Deco-arkitekturen. Interessant nok kalles fusjonen av Art Deco-klassisisme og Beaux-Arts-stilen som ses i mange offentlige verk fra depresjonens tid PWA Moderne eller Depression Moderne.
Art Deco PWA Moderne - Depression Moderne
Sen utvikling: etter Art Deco
Art Deco gikk av moten under andre verdenskrig i Europa og Nord-Amerika, med krigens strenge forhold som gjorde at stilen så mer og mer prangende og dekadent ut. Metallene ble gjenvunnet for å bruke i bygging av våpen, i stedet for å dekorere bygninger eller interiørrom. Møbler ble ikke lenger ansett som statussymboler. Andre teknologiske fremskritt muliggjorde billigere produksjon av grunnleggende forbruksvarer, og eliminerte behovet for og populariteten til Art Deco-designere.
En bevegelse som i mange sammenhenger søkte å bryte med fortiden, har nå blitt en klassiker som skaper ekstrem nostalgi og huskes med kjærlighet. Siden 1960-tallet har det vært konstant og vedvarende interesse for stilen. Ekkon av Art Deco kan sees i moderne mid-century design, som viderefører Dekos aerodynamiske estetikk og rebesøker Bauhaus' rene enkelhet. Deco hjalp også til med å inspirere Memphis-gruppen, en design- og arkitekturbevegelse sentrert i Milano på 1980-tallet. Memphis tok også utgangspunkt i popkunst og kitsch som kilder til sine fargerike og bevisst postmodernistiske design.
KUADROS ©, et berømt maleri på veggen din.
