Art Deco is een populaire ontwerptrend uit de jaren 1920 en 1930, gekenmerkt door elegante geometrische of gestileerde vormen en het gebruik van door de mens gemaakte materialen.
De kenmerken van de Art Deco-stijl ontstonden in Frankrijk halverwege en eind jaren 1910, en volwassen tijdens de Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes in Parijs in 1925, waar het een belangrijke stijl werd in West-Europa en de Verenigde Staten in de jaren 1930.
De karakteristieke eigenschappen van Art Deco weerspiegelen de bewondering voor de moderniteit van de machine en de ontwerpeigenschappen die inherent zijn aan door de machine gemaakte objecten, zoals relatieve eenvoud, vlakheid, symmetrie en ongewijzigde herhaling van elementen. Art Deco-voorwerpen vertonen vaak eenvoudige en schone vormen, meestal met een "gestileerd" uiterlijk; geometrische of gestileerde ornamenten afgeleid van figuratieve vormen zoals bloemen, dieren en zonnestralen; en het gebruik van door de mens gemaakte stoffen, waaronder plastic, vitamineglas en gewapend beton, vaak gecombineerd met natuurlijke materialen zoals jade, zilver, ivoor en chroom.
Art Deco - poster
Onder de vormgevende invloeden van Art Deco bevinden zich Art Nouveau, de Bauhaus, het kubisme en de Ballets Russes van Serge Diaghilev. Praktijkers van Art Deco vonden ook inspiratie in bronnen van de Amerikaanse indianen, de oude Egyptenaren en de vroege klassieken, evenals in de natuur.
Net als Art Deco is Art Nouveau een ornamentale stijl die van toepassing is op media zoals architectuur, interieurontwerp, juwelen en illustratie. Beide stijlen waren populair in Europa en de Verenigde Staten, maar Art Nouveau bloeide eerder, tussen 1890 en 1910.
Art Deco bereikte zijn hoogtepunt aan het einde van de jaren 1920 en het begin van de jaren 1930. Art Nouveau benadrukte de natuur, en de objecten werden gekenmerkt door asymmetrische golvende lijnen, die vaak de vorm aannamen van stelen en knoppen van bloemen, ranken, insectenvleugels en andere delicate natuurlijke objecten. Art Deco daarentegen vierde de moderne machine en bevorderde geometrische lijnen en elegante vormen.
Het belangrijkste verschil met Art Nouveau is de invloed van het kubisme, die het Art Deco-ontwerp een meer gefragmenteerd geometrisch karakter geeft. Toch bleven beelden op basis van plantvormen en golvende lijnen in sommige Art Deco-ontwerpen, bijvoorbeeld die van Clarice Cliff in Groot-Brittannië. Art Deco was zeer gevarieerd in zijn invloeden, geïnspireerd door de oude Egyptische kunst, Azteekse kunst en andere pre-Columbiaanse kunst, evenals door het ontwerp van moderne boten, treinen en auto's. Het was ook geïnspireerd door de moderne architectuur en het ontwerp van de Bauhaus en van architecten zoals Le Corbusier en Mies van der Rohe.
Art Deco ontleende zijn naam aan de Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, gehouden in Parijs in 1925, waar de stijl voor het eerst werd tentoongesteld. Art Deco-ontwerp vertegenwoordigde modernisme dat mode werd. Zijn producten omvatten zowel luxe handgemaakte artikelen als massaproductie, maar in beide gevallen was de bedoeling om een elegante en ontraditionele elegantie te creëren die rijkdom en verfijning symboliseerde.
De meeste opmerkelijke Art Deco-makers ontwierpen handgemaakte of gelimiteerde oplage artikelen. Onder hen waren de meubelontwerpers Jacques Ruhlmann en Maurice Dufrène; de architect Eliel Saarinen; de edelsmid Jean Puiforcat; de juwelier en glasspecialist René Lalique; de modeontwerper Erté; de kunstenaars-juweliers Raymond Templier, HG Murphy en Wiwen Nilsson; en de figuratieve beeldhouwer Chiparus.
Art Deco - meubel van Jacques Ruhlmann
Art Deco van de edelsmid Jean Puiforcat
Begin van Art Deco
Aan het einde van de 19e eeuw in Frankrijk erkenden veel van de opmerkelijke kunstenaars, architecten en ontwerpers die een belangrijke rol hadden gespeeld in de ontwikkeling van de Art Nouveau-stijl dat deze steeds meer uit de mode raakte. Aan het einde van een eeuw die de Industriële Revolutie zag vestigen, werd het moderne leven heel anders dan een paar decennia eerder. Het was tijd voor iets nieuws, iets dat "20e eeuw" vanaf de modernistische en smaakvolle daken uit zou roepen.
De Vereniging van Decoratieve Artiesten van Frankrijk
Uit deze wens om vooruit te gaan naar de nieuwe eeuw, op de voet van de innovatie in plaats van te worden tegengehouden door nostalgie, vormde een groep Franse artistieke vernieuwers een organisatie genaamd Societé des Artistes Décorateurs (De Vereniging van Decoratieve Artiesten). De groep bestond uit erkende figuren zoals de ontwerper en graveur in de Art Nouveau-stijl Eugene Grasset en de Art Nouveau-architect Hector Guimard, samen met opkomende decoratieve kunstenaars en ontwerpers zoals Pierre Chareau en Francis Jourdain. De Franse staat steunde en bevorderde deze richting van artistieke activiteit.
Art Deco - De Vereniging van Decoratieve Artiesten
Een van de belangrijkste doelstellingen van de nieuwe groep was het uitdagen van de hiërarchische structuur van de visuele kunsten die decoratieve kunstenaars een lagere status toekende dan de meer klassieke media van schilderkunst en beeldhouwkunst. Jourdain wordt vaak geciteerd: "Daarom besloten we om de decoratieve kunst, onterecht behandeld als een Assepoester of een arme verwant die met de bedienden mocht eten, terug te brengen naar de belangrijke, bijna preponderante plaats die het in het verleden heeft ingenomen, van alle tijden en in alle tijden" van de landen van de wereld".
Het plan voor een grote tentoonstelling die een nieuw type decoratieve kunst zou presenteren, werd oorspronkelijk voor 1914 bedacht, maar moest worden uitgesteld tot na het einde van de Eerste Wereldoorlog en werd vervolgens om verschillende redenen uitgesteld tot 1925.
De Tentoonstelling die de Art Deco-beweging officieel lanceerde
De Franse regering, die de tentoonstelling organiseerde tussen het plein van Les Invalides met zijn gouden koepel en de ingangen van het Petit Palais en het Grand Palais aan weerszijden van de Seine, deed haar best om de nieuwe stijl te tonen. Meer dan 15.000 kunstenaars, architecten en ontwerpers toonden hun werk in de tentoonstelling. Gedurende de zeven maanden van de tentoonstelling bezochten meer dan 16 miljoen mensen de vele individuele exposities. Deze tentoonstelling was de katalysator voor het begin van de beweging.
Art Nouveau en Art Déco
Art Deco was een directe esthetische en filosofische reactie op de Art Nouveau-stijl en het bredere culturele fenomeen van het modernisme. Art Nouveau begon uit de mode te raken tijdens de Eerste Wereldoorlog, aangezien veel critici vonden dat de uitgebreide details, delicate ontwerpen, vaak dure materialen en productiemethoden van de stijl niet paste in een moderne, uitdagende, onzekere en steeds meer gem mecaniseerde wereld. Terwijl de Art Nouveau-beweging zijn intrigerende en gestileerde vormen ontleende aan de natuur en de deugden van handwerk bezong, benadrukte de esthetiek van Art Deco de aerodynamica en de elegante geometrie van het machine-tijdperk.
Art Deco en Modernisme
De Exposition Internationale verenigde niet alleen werken in de Art Deco-stijl, maar plaatste ambachtelijke artikelen naast voorbeelden van avant-garde schilderijen en sculpturen in stijlen zoals kubisme, constructivisme, Bauhaus, De Stijl en futurisme. In de jaren 1920 was Art Deco een exuberante, maar overwegend conventionele tegenhanger van de meer cerebrale esthetiek van Bauhaus en De Stijl. Alle drie deelden ze een nadruk op schone en sterke lijnen als organiserend ontwerpprincipe. De beoefenaars van Art Deco omarmden technologische innovatie, moderne materialen en mechanisatie en probeerden deze te benadrukken in de algemene esthetiek van de stijl zelf. De beoefenaars leenden ook van en leerden van andere modernistische bewegingen. Art Deco kwam te worden beschouwd door bewonderaars die op de hoogte waren van de vooruitstrevende perspectieven van de hedendaagse avant-garde bewegingen. Ironisch genoeg speelden modernistische schilderkunst en beeldhouwkunst een secundaire rol in de tentoonstelling, met de enkele uitzonderingen van het Sovjetpaviljoen en het Esprit Nouveau-paviljoen van Le Corbusier.
Art Deco na de Grote Depressie
Het begin van de tweede fase van Art Deco viel samen met het begin van de Grote Depressie. De soberheid kon feitelijk de centrale esthetiek zijn, zowel om pragmatische als conceptuele redenen, voor deze tweede ontwikkeling van Art Deco. Terwijl de Art Deco-architectuur bijvoorbeeld verticaal was gericht met wolkenkrabbers die naar grote hoogten reikten, symboliseerden latere Art Deco-gebouwen met hun over het algemeen onversierde buitenkant, elegante krommingen en horizontale accenten robuustheid, rustige digniteit en veerkracht. Gedurende de slechtste jaren van de economische ramp, van 1929 tot 1931, ging de Amerikaanse Art Deco van het volgen van trends naar het stellen ervan.
Streamline Moderne
Streamline Moderne werd de Amerikaanse voortzetting van de Europese Art Deco-beweging. Voorbij de ernstige economische en filosofische invloeden, was de esthetische inspiratie voor de vroege Streamline Moderne-structuren gebouwen die waren ontworpen door voorstanders van de Nieuwe Objectiviteit in Duitsland, die voortkwam uit een informele vereniging van architecten, ontwerpers en kunstenaars in Duitsland die begin -XXe eeuw was gevormd.
Art Deco - Streamline Moderne
De kunstenaars en architecten van de Nieuwe Objectiviteit lieten zich inspireren door hetzelfde soort sobere pragmatisme dat de voorstanders van Streamline Moderne dreef om de excessen te elimineren, inclusief de emotie van het expressionisme. Architecten van de Nieuwe Objectiviteit richtten zich op het produceren van structuren die als praktisch konden worden beschouwd, als een reflectie van de eisen van het echte leven. Ze gaven er de voorkeur aan dat hun ontwerpen zich aanpasten aan de echte wereld, in plaats van anderen zich aan te laten passen aan een onpraktische esthetiek. Met dat doel voor ogen waren de architecten van de Nieuwe Objectiviteit zelfs pioniers in de technologie van prefabricage (wat hielp om de armen van Duitsland snel en efficiënt onderdak te bieden).
Onversierd, vertoonde Streamline Moderne-architectuur schone krommingen, lange horizontale lijnen (waaronder vensterbanden), glazen blokken, patrijspoorten en cilindrische en soms nautische vormen. Meer dan ooit lag de nadruk op aerodynamica en andere uitdrukkingen van moderne technologie. De duurdere en vaak exotische materialen van Art Deco werden vervangen door beton, glas en chroom in Streamline Moderne. Kleur werd spaarzaam gebruikt, aangezien witte, beige en aardetinten de heldere kleuren van Art Deco vervingen. De stijl werd eerst in de architectuur geïntroduceerd en breidde zich vervolgens uit naar andere objecten, op een vergelijkbare manier als in de traditionele Art Deco-stijl.
Art Deco wordt retroactief benoemd
Oorspronkelijk werd de term "Art Deco" spottend gebruikt door een beroemde criticus, de modernistische architect Le Corbusier, in artikelen waarin hij de stijl bekritiseerde vanwege zijn ornamentatie, een kenmerk dat hij als onnodig beschouwde in de moderne architectuur. Terwijl voorstanders van de stijl het prezen als een modernistische en vereenvoudigde reactie op overmatige ornamentatie, vooral in vergelijking met zijn onmiddellijke voorganger, Art Nouveau, aangezien elke decoratie overbodig was voor Le Corbusier. Pas eind jaren 1960, toen de interesse in de stijl werd nieuw leven ingeblazen, gebruikte de Britse kunsthistoricus en criticus Bevis Hillier de term "Art Deco" op een positieve manier.
Art Deco in de Verenigde Staten
In de Verenigde Staten ontwikkelde de ontvangst van de Art Deco-beweging zich langs een andere lijn. Herbert Hoover, de toenmalige Secretaris van Handel van de VS, verklaarde dat Amerikaanse ontwerpers en architecten hun werk niet konden tentoonstellen op de Internationale Tentoonstelling omdat hij vond dat het land nog een duidelijk Amerikaans kunststijl moest bedenken die "voldaan was aan de criteria van 'nieuw genoeg'." Als alternatief stuurde hij een delegatie naar Frankrijk om de aanbiedingen op de Tentoonstelling te evalueren en toepassen wat ze zagen op een eigentijdse Amerikaanse artistieke en architecturale stijl. In de esthetische afgevaardigden die door Hoover werden gestuurd, zaten belangrijke figuren van het American Institute of Architects, het Metropolitan Museum of Art en The New York Times. De missie inspireerde een vrijwel onmiddellijke opleving van artistieke innovatie in de VS.
In 1926 trok een kleinere versie van de Franse beurs genaamd "Een geselecteerde verzameling objecten van de Internationale Tentoonstelling van Moderne, Industiële en Decoratieve Kunsten" door veel steden in de VS, zoals New York, Cleveland, Chicago, Detroit, St. Louis, Boston, Minneapolis, en Philadelphia. Amerikaanse wereldbeurzen in Chicago (1933) en New York City (1939) benadrukten de Art Deco-ontwerpen, terwijl Hollywood de esthetiek omarmde en het glamoureus maakte in het hele land. Zelfs Amerikaanse bedrijven zoals General Motors en Ford bouwden paviljoens op de Wereldtentoonstelling in New York.
Art Deco - Wereldtentoonstelling in New York
Onder de meest bekende voorbeelden van de Amerikaanse Art Deco-stijl bevinden zich de wolkenkrabbers en andere grootschalige gebouwen. In feite wordt de Amerikaanse iteratie van Art Deco in de gebouwontwerpen Zigzag Modern genoemd vanwege zijn hoekige en geometrische patronen als ingewikkelde architectonische gevels. Echter, de Amerikaanse Art Deco is over het algemeen vaak minder ornamentaal dan zijn Europese voorganger. Voorbij de schone lijnen en sterke krommingen, de gewaagde geometrische vormen, de intense kleuren en soms de luxueuze ornamentatie, is de Amerikaanse versie eenvoudiger. Terwijl belangrijke invloeden zoals de Nieuwe Objectiviteit en de Internationale Stijl van de architectuur, evenals de ernstige economische tegenslagen van het einde van de jaren 1920 en het begin van de jaren 1930, begonnen de esthetiek van Art Deco te beïnvloeden, werd de stijl veel minder luxueus.
Art Deco - Zig Zag Modern
De Amerikaanse Art Deco-stijl ontwikkelde zich als een viering van technologische vooruitgang, inclusief massaproductie, en een herstelde geloof in sociale vooruitgang. In wezen zouden deze prestaties kunnen worden beschouwd als een weerspiegeling van nationale trots. In de jaren dertig, onder de Works Progress Administration (WPA) van Roosevelt, werden veel van de werken die werden gemaakt Art Deco, van gemeentelijke structuren zoals bibliotheken en scholen tot massieve openbare muurschilderingen. De WPA was bedoeld om de Amerikaanse economie van de naoorlogse periode te stimuleren door banen te creëren in openbare werken, en zocht de gemeenschap te dienen door banen te creëren en de Amerikaanse waarden binnen het ontwerp te cultiveren. Het gebruik van de Amerikaanse Art Deco bracht daarmee een uitdrukking van democratie door middel van ontwerp. Sommige materialen die vaak werden gebruikt in de creatie van Art Deco waren duur en dus buiten het bereik van de gemiddelde man. Het gebruik van nieuwe of goedkope materialen maakte het echter mogelijk om een breed scala aan betaalbare producten te produceren en bracht daardoor schoonheid op een nieuwe manier in de publieke sfeer.
Globale groei van Art Deco
De Art Deco-stijl vestigde zich in wereldsteden van uiteenlopende aard zoals Havana, Cuba, Mumbai en Jakarta. Havana heeft een hele wijk gebouwd in Art Deco-stijl. Het ondergrondse metrosysteem van Londen omvat grotendeels de stijl. De haven van Shanghai bevat meer dan vijftig Art Deco-structuren, waarvan de meeste zijn ontworpen door de Hongaarse Laszlo Hudec. Van oorlogsmonumenten tot ziekenhuizen, zelfs verre steden zoals Sydney en Melbourne in Australië hebben ook de fenomenale stijl geabsorbeerd.
Art Deco - Laszlo Hudec
De belangrijkste visuele kenmerken van Art Deco zijn afgeleid van het repetitieve gebruik van lineaire en geometrische vormen die driehoeken, zigzag- en trapeziumvormige en chevron-patronen omvatten. Net als zijn voorganger, Art Nouveau, wanneer objecten zoals bloemen, dieren of menselijke figuren worden afgebeeld, worden deze in hoge mate gestileerd en vereenvoudigd om de algemene esthetiek van Art Deco te behouden. De aard en het bereik van de stilering en vereenvoudiging varieert volgens de regionale iteratie van de stijl. Bijvoorbeeld, een figuur zoals De vuurbird (1922) van de Franse ontwerper René Lalique is elegant slank en gedempte, terwijl de Atlas van Lee Lawrie (1937) buiten het Rockefeller Center solide en robuust is met een nadruk op lineaire spiermassa, hoewel beiden worden beschouwd als goede representaties van de Deco-stijl.
Art Deco - Atlas van Lee Lawrie in het Rockefeller-gebouw
In overeenstemming met de nadruk van de beweging op moderne technologie, exploiteerden de kunstenaars en ontwerpers van Art Deco moderne materialen zoals plastic, bakeliet en roestvrij staal. Maar wanneer een vleugje rijkdom en verfijning nodig was, incorporeerden de ontwerpers meer exotische materialen zoals ivoor, hoorn en zebra-leer. Net als bij de Art Nouveau- en Arts and Crafts-bewegingen, werd de Art Deco-stijl veel minder toegepast op de traditioneel hooggeplaatste visuele kunstvormen: schilderkunst en beeldhouwkunst.
Art Deco ontwerp
De Art Deco-stijl had invloed op de grafische kunsten op een manier die de invloed van het Italiaanse futurisme onthult, met zijn liefde voor snelheid en aanbidding van de machine. Futuristische kunstenaars gebruikten lijnen om beweging aan te geven, bekend als "snelheids snorharen", die uit de wielen van snelbewegende auto’s en treinen kwamen. Bovendien gebruikten de beoefenaars van Art Deco parallelle lijnen en conische vormen die symmetrie en aerodynamica suggereren. De typografie werd beïnvloed door de internationale invloeden van Art Deco, en de lettertypen Bifur, Broadway en Peignot verwijzen onmiddellijk naar de stijl.
Art Deco - lettertype Bifur
Wat betreft beelden, herinneren eenvoudige vormen en grote gebieden van effen kleur aan de Japanse houtsnedes, die een belangrijke invloed zijn geworden voor westerse kunstenaars, vooral in Frankrijk, na het einde van de isolerende Edo-periode in 1868. De daaropvolgende instroom van Japanse kunst naar Europa had een enorme impact. In het bijzonder vonden kunstenaars in de formele eenvoud van houtsnedes een model om hun eigen onderscheidend moderne stijlen te creëren, te beginnen met de impressionistische.
Art Deco meubilair
Tot het einde van de jaren 1920 bestond het avant-garde meubelontwerp in Frankrijk voornamelijk uit variaties van de Art Nouveau-stijl, maar dan vereenvoudigd en minder kronkelig. Naarmate het decennium vorderde, kwam Émile-Jacques Ruhlmann naar voren als de belangrijkste meubelontwerper (Ruhlmann had zijn eigen paviljoen op de tentoonstelling van 1925). Hoewel zijn ontwerpen voornamelijk geïnspireerd waren op 18e-eeuwse stukken in de neoclassicistische stijl, verwijderde hij veel van de ornamentatie zonder de door Art Nouveau-ontwerpers gewenste exotische materialen, zoals mahonie, ebbehout, palissander, ivoor en schildpad-schelp uit het oog te verliezen. Uiteraard waren zijn stukken vaak te duur voor wie dan ook om te kopen, behalve voor de rijksten.
In contrast met de luxueuze ontwerpen van Ruhlmann, die tussen de Art Nouveau- en Art Deco-stijlen leken te hangen, was de meubelontwerper die het meest definitief Art Deco in Frankrijk vertegenwoordigde Jules Leleu. Hij was een traditionele ontwerper totdat de nieuwe stijl de Art Nouveau verving en is bekend om het ontwerp van de grote eetkamer van het Élysée-paleis in Parijs en de luxe hutten op het eerste klasdek van het elegante stoomschip Normandie.
Art Deco - meubel van Jules Leleu
In tegenstelling tot Leleu en Ruhlmann, was Le Corbusier een voorstander van een zeer vereenvoudigde en onverfraaide versie van de Art Deco-stijl, die vaak meubels creëerde die geschikt waren voor de sobere interieurs van zijn eigen architectonische structuren. Zijn bedoeling was om prototypes te ontwerpen, met name van stoelen, die massaal konden worden geproduceerd en daardoor betaalbaar waren voor een breder publiek.
Art Deco - meubel van Le Corbusier
Art Deco architectuur
Art Deco-architectuur wordt gekenmerkt door ontwerpen met scherpe randen, vaak rijkelijk versierd, benadrukt door glanzende metalen details. Veel van deze gebouwen hebben een verticale nadruk, gebouwd met de bedoeling om de aandacht naar boven te trekken. De rechthoekige vormen, vaak in blokken, zijn geometrisch gerangschikt, met toevoegingen van torenspitsen op het dak en/of gebogen ornamentale elementen voor een aerodynamisch effect. De wolkenkrabbers van New York en de pastelgekleurde gebouwen van Miami behoren tot de meest beroemde Amerikaanse voorbeelden, hoewel de stijl in een verscheidenheid aan structuren over de hele wereld werd toegepast.
In de Verenigde Staten hielp de Works Progress Administration om de Art Deco-architectuur algemeen te maken. Opmerkelijk is dat de fusie van Art Deco-klassiekisme en Beaux-Arts die in veel openbare werken uit de depressiejaren te zien is bekend staat als PWA Moderne of Depression Moderne.
Art Deco PWA Moderne - Depression Moderne
Latere ontwikkelingen: na Art Deco
Art Deco raakte uit de mode tijdens de Tweede Wereldoorlog in Europa en Noord-Amerika, waarbij de soberheid van de oorlogstijd de stijl steeds meer flamboyant en decadent deed lijken. Metaal werd gerecycled voor gebruik in wapens in plaats van ter versiering van gebouwen of interieurs. Meubilair werd niet langer beschouwd als statussymbolen. Andere technologische vooruitgangen maakten goedkopere productie van basisconsumptiegoederen mogelijk, wat de behoefte aan en populariteit van Art Deco-ontwerpers uitschalt.
Een beweging die in veel opzichten probeerde te breken met het verleden, is nu een klassieker geworden die superieure nostalgie oproept en met genegenheid wordt herinnerd. Sinds de jaren 1960 is er een constante en voortdurende interesse in de stijl geweest. Er zijn echo's van Art Deco te zien in het moderne ontwerp van de midden eeuw, dat de aerodynamische esthetiek van Deco voortzet en de schone eenvoud van Bauhaus herbezoekt. Deco hielp ook de Memphis Group te inspireren, een ontwerp- en architectuurbeweging die zich in de jaren 1980 op Milaan richtte. Memphis baseerde zich ook op popkunst en kitsch als bronnen voor zijn kleurrijke en bewust postmoderne ontwerpen.
KUADROS ©, een beroemde schilderij aan je muur.
