सबसे प्रसिद्ध 10 अमूर्त पेंटिंग्स'

बिना शीर्षक - पहली अमूर्त जलरंग में हमें रंगों की एक अच्छी बौछार मिलती है, जैसा कि अधिकांश उनकी चित्रकला में होता है, लेकिन जल रंगों के उपयोग ने तेलों की जगह एक स्पष्ट रूप से अलग खत्म प्रदान किया है, जिससे यह कला 1910 में उनकी उत्पादन से दिलचस्प और काफी अद्वितीय बन गई है। यह कड़ी से लगता है कि इसे जल्दी पूरा किया गया, जो इस प्रकार की कला के लिए विशिष्ट है, क्योंकि चित्र बहुत जल्दी सुखता है। यह भी अभिव्यक्तिपूर्ण रूप से काम करता है, अत्यधिक सटीकता की चिंता किए बिना, बजाय इसके कि रंगों के चयन पर ध्यान केंद्रित करें और विभिन्न आकृतियों और रेखाओं के साथ कैनवास को भरें। यह वास्तव में अमूर्त था और यह कुछ ऐसा था जो उनके करियर के साथ आगे बढ़ते रहा, क्योंकि वह उपयोग की गई आकृतियों में वास्तविकता से और अधिक दूर होते गए।

कंदिंस्की ने तेल रंगों में विशेषज्ञता प्राप्त की, लेकिन समय-समय पर जल रंगों के साथ भी काम किया। उन्होंने इस माध्यम को काम करने के लिए आसान पाया और यह उन तात्कालिक अध्ययन के टुकड़ों के साथ भी अच्छी तरह से फिट था, जहाँ वह भविष्य के टुकड़े के लिए डिज़ाइन के बारे में समझने की कोशिश कर रहे थे। उन्होंने अन्य अवधियों में भी lithography, woodcuts और etching का उपयोग किया, विशेषकर उनके करियर की प्रारंभिक चरणों में जब वे विशेष रूप से प्रयोगात्मक थे।

जल रंगों के साथ काम करते हुए, कंदिंस्की ने इस चित्र को केवल तीन दिनों में पूरा किया। हालाँकि, उनकी जल्दी के बावजूद, कंदिंस्की ने इस कला के लिए अंतिम संरचना शुरू करने से पहले कई अध्ययन किए। बिन शीर्षक में जो गति देखी जा सकती है, वह उनके रंग चयन से मिली, क्योंकि कंदिंस्की ने स्मार्ट तरीके से ऐसे रंगों का चयन किया जिन्हें उन्होंने जान लिया था कि वे उस समय उनकी भावनाओं को सही तरीके से दर्शाएंगे। निर्मित रेखाएँ और आकृतियाँ भी सम्मिलित होती हैं और इस चित्र को देखने पर अनुभव होने वाले अराजकता और तात्कालिकता को जोर देती हैं।

यह अमूर्तता इस कला में स्पष्ट रूप से प्रदर्शित होती है, जिसका प्रतिनिधित्व ढीली और अस्पष्ट रेखाओं द्वारा होता है, जिसने उस समय की कला की भीड़ में काफी रुचि उत्पन्न की। बिना शीर्षक अमूर्त कला आंदोलन के एक महत्वपूर्ण प्रेरक के रूप में मौजूद है, क्योंकि यह पहली बार था जब कोई भी दूर से अलग और अनियंत्रित वस्तु उस समय कला कार्यों के भीतर उपयुक्त विषय के रूप में स्वीकृत किया गया। बिना शीर्षक यूरोपीय कला के भीतर एक परिभाषित बिंदु था, जो पारंपरिक कला कार्यों से एक स्पष्ट गति को दर्शाता है, अमूर्त और बिना रोकटोक के कला टुकड़ों की दिशा में।

1910 से 1914 के बीच का समय कंदिंस्की के करियर की ऊँचाई और उनके सबसे बड़े कला पहचान का शिखर माना गया। इसलिए, बिना शीर्षक इस प्रकार की पहली कला बन गई जो स्पष्ट रूप से सभी पहचान योग्य आकृतियों के संदर्भों को त्यागती है और पश्चिमी यूरोप की चित्रण की अवधियों द्वारा लगाए गए प्रतिबंधों से उभरती है।

यह पूरी स्वतंत्रता की धारणा इस अवधि के दौरान कंदिंस्की द्वारा बनाए गए अधिकांश कार्यों में महत्वपूर्ण स्थान बन गई।

नं. 2 वयस्कता # 7 - हिल्मा एएफ क्लिंट

हालांकि वह अपने समय के कई पुरुष कलाकारों की तरह प्रसिद्ध नहीं थीं, स्वीडिश कलाकार हिल्मा एएफ क्लिंट एक अग्रणी अमूर्त कलाकार थीं जिनकी उग्र चित्रकारी अपने समकालीन पुरुषों की तुलना में पहले आई। उन्होंने अपनी बड़ी कला, जिसमें से अधिकांश उनके जीवनकाल के दौरान प्रदर्शित नहीं हुई, की मांग की कि 20 साल बाद उनकी मृत्यु के बाद इसे छिपा दिया जाए।

यह संग्रह जीवन के विभिन्न चरणों का प्रतिनिधित्व करता है, जिसमें बचपन, युवा, परिपक्वता और वृद्धावस्था शामिल है। इसमें जैविक तत्वों और प्रकट वस्तुओं को जन्म और विकास का संदर्भ देने के लिए जोड़ा गया है।

इस वयस्कता नं. 7 के हिल्मा क्लिंट साल 3 मीटर ऊँचा और 2 मीटर चौड़ा एक विशाल कैनवास है, जो कागज पर, स्टूडियो के फर्श पर चित्रित किया गया था, और फिर कैनवास पर चिपकाया गया था।

एएफ क्लिंट वयस्कता को अपनी पूरी चमक में चित्रित करती हैं, विभिन्न आकारों और रंगों में बहने वाली आकृतियों को एक बैकग्राउंड लिलाक ​​पर चित्रित करती हैं। केंद्रीय पीला प्रतीक एक फूल जैसा दिखता है, जबकि सर्पिल और जैविक रूप विकास और उर्वरता के प्रतीक हैं।

नं. 3 सेनेसियो - पॉल क्ले

1922 में पूरा हुआ, चित्र सेनेसियो पॉल की हास्य भावना और अफ्रीकी संस्कृति का प्रतीक है। सरल रंगों और आकृतियों का उपयोग करते हुए, पॉल ने कई नारंगी, लाल और पीले रंगों का उपयोग किया है ताकि एक वृद्ध व्यक्ति का चित्र प्रस्तुत किया जा सके। आकृतियों का कलात्मक उपयोग इस धारणा को उत्पन्न करता है कि एक आंख उठाई गई है। उनकी बायीं भौहें एक त्रिकोण द्वारा प्रदर्शित की गई हैं, जबकि दूसरी एक साधारण वक्र रेखा के रूप में बनी हुई है। यह चित्र 'हेड ऑफ ए मैन गोइंग सेनाइल' के नाम से भी जाना जाता है और जानबूझकर बच्चों की कला के कामों की नकल करता है, जिसमें अस्पष्ट आकृतियों का उपयोग किया गया है जो न्यूनतम चेहरे के विवरण के साथ हैं।

इस मानव चेहरे का अनुकूलन रंग द्वारा आयतों में विभाजित किया गया है। ज्यामितीय वर्ग सपाट रहते हैं जो एक गोल में कैद होते हैं, जो एक गुप्त चेहरे का प्रतिनिधित्व करते हैं और एक जोकर की मल्टी-कलर टक्सीडो को प्रदर्शित करते हैं। कलाकार प्रदर्शनकार सेनेसियो का यह चित्र कला, भ्रांतियों और मंच की दुनिया के बीच बदलती हुई संबंधों का प्रतीक हो सकता है। यह चित्र क्ली की कला के सिद्धांतों को प्रदर्शित करता है, जिसमें रेखा, रंग की सतहें और स्थान के ग्राफिक तत्व व्याकरण के ढांचे द्वारा कलाकार की मानसिकता की ऊर्जा द्वारा गतिशील किए जाते हैं। अपने कल्पनाशील स्केच में, उन्हें अपने शब्दों में, "एक रेखा को चलाने" का शौक था।

नं. 4 एटॉइल ब्ल्यू - जोआन मिरो

चित्र एटॉइल ब्ल्यू मिरो की चित्रकारी के बीच चित्रित और अमूर्त कला के बीच संक्रमण रहा है।

यह चित्र मिरो के करियर में सबसे महत्वपूर्ण चित्रों में से एक के रूप में जाना जाता है। विशेष रूप से, इसका उपयोग किया गया नीला रंग भविष्य के कई कामों में देखा जा सकता है और यहां तक ​​कि मार्क रोथको और यव्स क्लेन जैसे चित्रकारों को प्रभावित किया।

एटॉइल ब्ल्यू एक बड़ा चित्र है, लेकिन यह प्रश्नों का चित्र है, उत्तरों का नहीं।

मिरो ने विविध विचारों के एक युग के महान संकलनकर्ता के रूप में काम किया, कुछ ऐसा जो आज भी है, लेकिन उस समय के कला संबंधी विचार आज की तुलना में कहीं अधिक जटिल थे।

यह चित्र फौविस्ट रंगों, क्यूबिस्ट आकृतियों और अतियथार्थवादी इरादों को एक काम में मिलाता है, जो दर्शक को बार-बार दृश्य रूप से खोजने की अनुमति देती है। यह कई चीजों में से एक है जो आपको कई प्रश्न छोड़ता है, जिनके उत्तर चित्र के समान सपने जैसे हैं।

यदि आप चित्र के ऊपरी बाएँ कोने में नीली आकृति पर ध्यान दें। यह एक पक्षी है। संभवतः यह है, लेकिन कौन सा पक्षी स्पष्ट नहीं है। इसे एक समय तक देख रहे हैं, तो निश्चित रूप से कहा जा सकता है कि यह एक गतिशील आकृति है, लेकिन इसे आसानी से कहा जा सकता है कि यह बाईं ओर, दाईं ओर या यहां तक ​​कि नीचे और हमारे पास उड़ रहा है।

केंद्र के निचले भाग में बड़ी लाल आकृति। क्या यह एक पैर है? निश्चित रूप से यह उतना स्थिर और स्थिर दिखता है जितना नीला तत्व गतिशील है।

यह चित्र अपने प्रेमियों के लिए एक रत्न है। पहली नज़र में, यह थोड़ा हिलता है और चलता है, लेकिन एक पल में, यह नीचे दाहिने किनारे पर उस लचीली आकृति के खिलाफ चलता है।

मिरो, जो कि 1893 में बार्सिलोना में पैदा हुए एक कटालान कलाकार हैं, ने अपनी स्वप्निल अतियथार्थवादी परिदृश्य को पेंट्रिंग ( Étoile Bleue ) 1927 में एक प्रमुख छवि के रूप में बताया, जिसमें ऐसे प्रतीक शामिल हैं जिन्हें उन्होंने भविष्य के वर्षों में बार-बार उपयोग किया, यहां तक कि नीला रंग भी बाद में चित्रकारों, जैसे मार्क रोथको और यव्स क्लेन को प्रभावित करता है।

नं. 5. कंपोजीशन VII - वासिली कंदिंस्की

वासिली कंदिंस्की की पेंटिंग कंपोजीशन VII को कई अमूर्त कला प्रेमियों द्वारा 20वीं सदी का सबसे महत्वपूर्ण कला कार्य माना जाता है, शायद यहां तक कि कभी भी बनाई गई सबसे महत्वपूर्ण अमूर्त चित्रकला।

यह कार्य कंपोजीशन V और  कंपोजीशन VI की तार्किक निरंतरता है। इन तीन पेंटिंग को प्रलय के विषय द्वारा जोड़ा गया है। कंपोजीशन VI के तत्व, जैसे बड़ा जलप्रलय और पुनर्जागरण, इस कार्य में पाए जा सकते हैं। इसका मुख्य विषय अंतिम न्याय है, लेकिन इसे एक आपदा के रूप में नहीं, बल्कि एक मुक्ति के रूप में देखा जाता है, भौतिक ज्ञान से आध्यात्मिक ज्ञान की ओर संक्रमण। इसलिए, कंपोजीशन VII श्रृंखला के अन्य कार्यों से अलग है इसकी हल्की रंगत और चमकीली रेखाओं के कारण।

कंदिंस्की ने प्रत्येक रचना को इस तरह से तैयार किया कि दर्शक चित्र में इस तरह कदम रख सके जैसे वे इसके भीतर घूमते हैं। उन्होंने इस रचना के निचले किनारे को अधिक भारी बना दिया, इसे आगे बढ़ाते हुए, जबकि ऊपरी हिस्सा अधिक हल्का और दर्शक के लिए अधिक दूर रहता है। कलाकार के प्रमुख विपरीतता में, नीला और पीला एक केंद्रीय क्षेत्र का निर्माण करते हैं जो अंदर और बाहर सक्रिय गति में है।

कंदिंस्की ने अपने कंपोजीशन VII की तैयारी में कई महीने बिताए, लेकिन इसे चित्रित करने में केवल चार दिन लगे। कलाकार ने इस चित्र के लिए लगभग 30 अध्ययन किए। इनमें से कुछ कैरवाजो या लिओनार्डो दा विंची द्वारा किए गए थे, जिसमें कपड़े की तह, पेड़ों के पत्तों या मानव अंगों का विस्तृत अध्ययन शामिल है। इस श्रृंखला के कुछ कार्य एक ही वक्र रेखा को बार-बार प्रस्तुत करते हैं, अन्य रचनाओं की संरचनात्मक तत्व दिखाई देती हैं और कुछ में रचना का विस्तृत योजना होता है। इसके अलावा, कंपोजीशन VII से संबंधित 15 से अधिक भिन्न चित्र हैं: ये तेल या पेंसिल में स्केच, जल रंग, कांच पर चित्र और प्रिंट हैं।

गैब्रिएल मंटर, जिन्होंने इस चित्र के निर्माण को देखा, ने अपने डायरियों में 25 नवंबर 1913 को लिखा कि कंपोजीशन VII का कैनवास उनके घर में मुरनाऊ में आया, और कंदिंस्की उसी रात काम करने लगे। अगली सुबह उन्होंने चित्र का पहला फ़ोटो लिया और दोपहर के भोजन के बाद दूसरा। मंटर के डायरियों में 28 नवंबर की प्रविष्टि ने कहा कि चित्र पूरा हो गया था। 29 नवंबर को, उन्होंने समाप्त कलाकृति का एक फोटो लिया। इस प्रकार एक बड़ी कलाकृति का जन्म दर्ज किया गया।

कंपोजीशन VII हमारी प्रसिद्ध चित्रों की सूची में 100वें स्थान पर है

नं. 6 कंपोजीशन X - कंदिंस्की

अमूर्त चित्रकला के पहले चैंपियन में से एक के रूप में उद्धृत, वासिली कंदिंस्की न केवल एक रूसी चित्रकार थे, बल्कि एक कला के सिद्धांतकार भी थे। कला और अमूर्तता की दुनिया में उन्होंने जो प्रभाव डाला और छोड़ दिया, वह विशाल था क्योंकि उन्होंने कला फालैक्स और द न्यू ग्रुप ऑफ आर्टिस्ट का सह-संस्थापना किया, उसके बाद अपने समय के समकालीन कलाकारों के लिए प्रदर्शनियों का आयोजन किया। उन्होंने अपने करियर के दौरान 600 से अधिक कार्यों का उत्पादन किया, जिसमें 2017 में 41.6 मिलियन डॉलर की रिकॉर्ड नीलामी मूल्य पर पहुंची 1913 की एक पेंटिंग शामिल है। 

हालांकि इस प्रभावशाली रिकॉर्ड के बावजूद, उनका सबसे महत्वपूर्ण कार्य संभवतः कंपोजीशन X था। यह 'कंपोजिशन' के अपने जीवन भर के श्रृंखला में अंतिम था। इसके साथ उन्होंने इस कार्य के माध्यम से रूप और अभिव्यक्ति की शुद्धता पर अपनी खोज को समाप्त करने का प्रयास किया। अब तक अपनी प्रथाओं में काले रंग का संयमित उपयोग करते हुए, इसे आलोचना का विषय बनाया गया है कि यह काम ब्रह्मांड के साथ-साथ उनके जीवन के अंत का अंधकार भी दिखाता है। 

आधार से, कंपोजीशन X का निर्माण प्रारंभ में अतियथार्थवाद की जैविक आकृतियों द्वारा प्रभावित था।

हालांकि, बाद में वासिली कंदिंस्की ने अपनी चित्रकारी में जैविक आकृतियों के उपयोग पर कला का प्रयोग किया। यह एक शैली है जिसका उन्होंने बाद में अपनी चित्रकला के दौरान इस्तेमाल किया।

इस शैली ने उनके कार्य को विशिष्टता प्रदान की। यह आसान था और लगभग असंभव था कि वासिली कंदिंस्की द्वारा निर्मित चित्रों को जब प्रदर्शित किया गया तो उन्हें पहचानना न हो।

इसके अलावा, कंपोजीशन X फ्रांस में बनाया गया था। जैसे ही चित्र को नजदीकी रूप से देखा जाता है, यह ध्यान दिया जाता है कि चित्रकार ने एक काला पृष्ठभूमि का उपयोग किया था। काले पृष्ठभूमि का उपयोग करने का मुख्य कारण यह था कि अग्रभूमि के रंग स्पष्टता से देखे जा सकें।

नं. 7 कन्वर्जेंस - जैक्सन पोलॉक

कन्वर्जेंस — एक सफेद और काले चित्र पर पोलॉक द्वारा प्राथमिक रंगों को फेंकने वाला — शीत युद्ध के संकट को दर्शाता है। यह उनकी कृतियों में से एक है, और यह एक अभिव्यक्तिवादी अमूर्त चित्रका हो सकता है। 1964 में, स्प्रिंगबोक एडिशन्स ने इस पेंटिंग का एक पहेली तैयार किया, जिसे "दुनिया की सबसे कठिन पहेली" के रूप में प्रचारित किया गया, और सैकड़ों हजारों अमेरिकियों ने इसे खरीदा।

1951 में, पोलॉक ने कहा: "मुझे लगता है कि आधुनिक चित्रकार अपने युग, विमान, परमाणु बम, रेडियो को पुनर्जागरण के पुराने रूपों या किसी अन्य पिछली संस्कृति के माध्यम से नहीं व्यक्त कर सकते। हर युग अपनी तकनीक खोजता है।” पोलॉक ने अपने समय को व्यक्त करने के लिए घरों और ड्रिप पेंटिंग में अपनी तकनीक खोजी।

कन्वर्जेंस, जिसका आकार 237 × 394 सेंटीमीटर है, पोलॉक का एक सबसे महत्वाकांक्षी चित्रों में से एक है। यह अपनी दृश्यता की चमक के लिए और दर्शक में गहरे भावनाओं को उजागर करने के लिए जाना जाता है। हालांकि जैक्सन की कलाएँ विशेषज्ञों के लिए भी व्याख्या में कठिन होती हैं, उनकी चित्रकला को स्वतंत्रता की अभिव्यक्ति के रूप में माना जाता है। कन्वर्जेंस, जो इस संदर्भ के एक उत्कृष्ट उदाहरण है, अब भी उनकी सबसे प्रसिद्ध कला कार्यों में से एक है।

नं. 8 स्पेनिश रिपब्लिक के लिए एलीजी - रॉबर्ट मदरवेल

हालांकि रॉबर्ट मदरवेल केवल 21 साल के थे जब स्पेनिश गृहयुद्घ भड़क गया, उनकी क्रूरताएँ उन पर कई सालों तक भारी प्रभाव डालती रहीं। इससे उन्होंने 200 से अधिक चित्रों की एक श्रृंखला बनाने के लिए प्रेरित किया। 'स्पेनिश रिपब्लिक के लिए एलीजी' श्रृंखला मानव पीड़ा की कई स्मृतियाँ प्रदान करती हैं, साथ ही "जीवन और मृत्यु के अनिवार्य चक्र के लिए अमूर्त और काव्यात्मक प्रतीकों" के रूप में कार्य करती हैं।

एलीज के बारे में, मदरवेल ने कहा, "उनका चित्रित करने के एक समय के बाद, मैंने काले रंग के एक विषय के रूप में पता लगाया, और काले रंग के साथ, विपरीत सफेद, जीवन और मृत्यु का एक ऐसा अनुभव जो मेरे लिए काफी स्पेनिश था। वे मूल रूप से मौत के काले स्पेनिश हैं जो मैटिस की धूप की रोशनी के ग्लॉरी से भिन्न होते हैं।"

उनकी एलीज जीवन और मृत्यु के बारे में विस्तारित अमूर्त ध्यान हैं। श्रृंखला भर में, क्षैतिज सफेद कैनवास ढीले ढंग से खींची गई दो या तीन ऊर्ध्वाधर पट्टियों द्वारा रिदमिक रूप से विभाजित होते हैं और विभिन्न अंतराल पर अंडाकार आकृतियों द्वारा प्वाइंट कर दिए जाते हैं। चित्र अक्सर सफेद और काले रंगों में पूरी तरह से होते हैं, शोक और चमक, मृत्यु और जीवन के रंग। मदरवेल ने उन बलों की उलझन को एक उपमा के रूप में बताया, जो जीवन में रहने के अनुभव को समझाने की उनकी समझ है।

एलीजी स्पेनिश रिपब्लिक की संगठित और ज्यामितीय वस्तुओं, आकस्मिक और जानबूझकर को दर्शाती है। अन्य अभिव्यक्तिवादी अमूर्तों की तरह, मदरवेल स्वचालितता के सिद्धांत के आकर्षण में आए — ऐसे तरीके जो कलाकार की जानबूझकर इरादे से बचते हैं — और उनकी ब्रशस्टोक में एक भावनात्मक वजन है, लेकिन एक निश्चित गंभीरता की सामान्य संरचना के भीतर। वास्तव में, मदरवेल ने रंग और आकृति के सावधानीपूर्वक व्यवस्थाओं को अमूर्त कला का दिल देखा, जो उन्होंने कहा, "इसे कमजोर करने के लिए चीजों को हटा देता है, अपने तालों, स्थानिक अंतराल और रंग संरचना को तेज करता है।"

नं. 9 काला आइरिस – जॉर्जिया ओ'कीफ

यह फूलों की विशाल चित्रकला ओ'कीफ की पहली कलाकृतियों में से एक है। जब उन्होंने पंखुड़ियों को प्राकृतिक आकार से बहुत अधिक बढ़ा दिया है, तो यह दर्शक को छोटे विवरणों पर ध्यान देने के लिए मजबूर करता है जो अन्यथा अनदेखा रह जाते। जब इस समूह के चित्रों को 1924 में पहली बार प्रदर्शित किया गया, तो यहां तक कि उनके पति और व्यापारी एल्प्रेड स्टाइग्लिट्ज भी उनकी साहसिकता से चकित थे।

जॉर्जिया ओ'कीफ का काला आइरिस उनके कई कामों में से एक का उदाहरण है जो फूलों के विषय पर हैं, और विशेष रूप से आइरिस, एक प्रतीकात्मक रूप से समृद्ध फूल। हालांकि, ब्लैक आइरिस III में, ओ'कीफ का उद्देश्य इस प्रतीकात्मकता का संदर्भ बनाना या जोड़ना नहीं था, बल्कि दर्शक को देखने और फूल को देखने के लिए प्रोत्साहित करना और लोगों के देखने के विभिन्न तरीकों पर विचार करना था। इस प्रकार यह देखने की कला के बारे में एक गहन ध्यान बन जाता है, न केवल कला बल्कि जीवन के लिए भी। इस लेख में, सिंगुलार्ट ओ'कीफ की चित्रकारी में प्रक्षिप्त प्रतीकवाद और ब्लैक आइरिस III बनाने के दौरान अपनी खुद की इरादों का विश्लेषण करता है।

जॉर्जिया ओ'कीफ कई वर्षों से आइरिस की चित्रकारी के विषय में चिंतित थीं, विशेष रूप से काले आइरिस के, जो ढूंढना अधिक कठिन था और केवल न्यूयॉर्क में साल में कुछ हफ्तों के लिए उपलब्ध था। आइरिस पश्चिमी दुनिया में एक पुराना प्रतीक है: ग्रीक मिथोलॉजी में, देवी आइरिस इंद्रधनुष और आसमान और धरती के बीच संबंध का प्रतिनिधित्व करती हैं; ईसाई धर्म में, आइरिस मसीह की पीड़ा और पुनरुत्थान, साथ ही मैरी का कष्ट दर्शाता है। अपनी ओर से, कला इतिहासकार लिंडा नॉचलीन ने ओ'कीफ के आइरिसों को एक नारीवादी प्रतीक के रूप में परिवर्तित कर दिया, जिसका वर्णन उन्होंने "आकृति की उपमा" के रूप में किया, जो महिला जननांगों को दर्शाती है, "नारी और प्राकृतिक क्रम की एकता" को दर्शाती है। नॉचलीन के ब्लैक आइरिस III और ओ'कीफ के अन्य आइरिस चित्रों का वर्णन उन्हें कला के इतिहास और नारीवाद और नारीवादी कला के इतिहास में मजबूती से स्थापित करता है।

हालांकि, ओ'कीफ ने इस वर्णन को अस्वीकार कर दिया, यह कहते हुए: "कोई भी वास्तव में एक फूल नहीं देखता, यह इतना छोटा है। हमारे पास समय नहीं है, और देखना समय लेता है जैसा कि एक दोस्त रखने में समय लगता है। अगर मैं फूल को ठीक उसी तरह चित्रित करूँ जैसा मैं देखती हूँ, तो कोई भी नहीं देखेगा जो मैं देखती हूँ क्योंकि मैं इसे छोटे आकार में चित्रित करूँगी जैसा कि फूल का आकार छोटा है। इसलिए मैंने कहा: मैं वही चित्रित करूंगी जो मैं देखती हूँ, जो मेरे लिए फूल है, लेकिन इसे बड़ा चित्रित करूंगी और आप चौंकेंगे कि इसे देखने का समय लेंगे, मैं यहां तक कि व्यस्त न्यू यॉर्कर्स को देखने के लिए कहूँगी कि मैं फूलों को जो देखती हूँ। मैंने आपको देखने का समय बनाया कि मैंने क्या देखा और जब आपने वास्तव में मेरे फूल पर ध्यान दिया तो आपने इसे अपने फूल के साथ अपने सभी संघों में डाला और मेरे फूल के बारे में लिखा जैसे कि मैं सोचती और देखती हूं कि आप क्या सोचते और देखते हैं। फूल, और मैं नहीं।

नं. 10 इंटरचेंज - विलियम डी कूनिंग

1955 में, विलियम डी कूनिंग ने इंटरचेंज चित्र को पूरा किया। उन्होंने 1948 में शुरू किए गए महिलाओं को शामिल करने वाले आकृतियों के अध्ययन को फिर से तैयार करने में काफी समय बिताया। ये उनके व्यक्तिगत प्रदर्शन के साथ जुड़े थे, 1953 में महिलाओ के विषय पर चित्रकलाएँ, जो न्यू यॉर्क में उस समय उद्घाटन की गई। इन कार्यों के कुछ शीर्षक में महिला I, महिला III और महिला V, और दो महिलाएँ और एक प्रकृति मरे शामिल हैं।

1955 तक, डि कूनिंग ने मानव आकृतियों को चित्रित करना बंद कर दिया और न्यू यॉर्क के आर्किटेक्चर और समुदायों की अमूर्त प्रतिनिधित्वों का उपयोग करना जारी रखा।

विलियम डी कूनिंग ने कैनवास पर त्वरित संकेतों के चिह्नों का उपयोग किया। यह चित्र एक कुर्सी पर बैठी हुई महिला को दिखाता है, लेकिन महिलाएँ केवल एक चोटी की एक मांस के रूप में दिखाई देती हैं। अपने चित्रों का नाम रखना हमेशा अपने निवास स्थान के लिंक को पसंद करते थे। इंटरचेंज को उस क्षेत्र का नाम दिया गया, न्यू यॉर्क का केंद्र, जहाँ वह उस समय रहते थे।

इस चित्र को मूल रूप से 1955 में कलाकार द्वारा $ 4,000 में बेचा गया था।

इसके बाद इसे डेविड ग्रेफेन फाउंडेशन द्वारा केनेथ सी. ग्रिफिन को $ 300 मिलियन डॉलर में सितंबर 2015 में बेचा गया, जिससे यह सबसे महंगी पेंटिंग की सूची में दूसरे स्थान पर पहुंच गई, केवल लियानार्डो दा विंची का साल्वेटर मुंडी इसे हराते हुए, जो नवंबर 2017 में 450.3 मिलियन डॉलर में बिका।

KUADROS ©, आपकी दीवार पर एक प्रसिद्ध चित्र।