कला के इतिहास के मूल तत्व कई हजार साल पहले की ओर लौटते हैं, जब प्राचीन सभ्यताएँ उपलब्ध तकनीकों और माध्यमों का उपयोग करके सांस्कृतिक रूप से महत्वपूर्ण विषयों को दर्शाने के लिए काम कर रही थीं। इन पहले उदाहरणों से कई कला आंदोलनों ने जन्म लिया है, प्रत्येक के अपने विशेष शैली और लक्षण होते हैं जो उनके समय के राजनीतिक और सामाजिक प्रभावों को दर्शाते हैं।
फौविज्म का क्या अर्थ है और अवधारणात्मक कला क्या है? कला के बारे में बात करना अपने आप में एक अनुशासन है, और यदि आप इस दुनिया में नए हैं, तो शायद आपके पास कई प्रश्न होंगे, विशेष रूप से प्रत्येक आंदोलन और विभिन्न प्रकार की कला के बारे में।
रिनेसांसे से लेकर आधुनिकता के उदय तक, प्रभावशाली कला शैलियों ने इतिहास पर एक अमिट छाप छोड़ी है।
कला के आंदोलनों के इतिहास और महत्व पर स्पष्ट विचार करने से, हम समझ सकते हैं कि कैसे प्रसिद्ध कलाकार जैसे कि वैन गॉग, पिकासो, और वारहोल ने कला की दुनिया में क्रांति की।
Kuadros ने आपके लिए सबसे महत्वपूर्ण आंदोलनों की एक सूची तैयार की है।
No.1 इटैलियन रिनेसांस (1400–1550)
कुछ प्रमुख कलाकार: घिबरति के दरवाज़े, ब्रुनलेस्की, डोनाटेलो, बोटिचेली, लियोनार्डो, माइकलएंजेलो, राफेल।
चौदहवीं शताब्दी के अंत में, एक समूह इतालवी विचारकों ने घोषित किया कि वे एक नए युग में जी रहे हैं। अंधेरे और बर्बर "मध्य युग" का अंत हो चुका था; सीखने, साहित्य, कला और संस्कृति का एक "रिनास्चिता" ("पुनर्जागरण") शुरू हो रहा था। यह अब रिनेसांस के रूप में जाने जाने वाले युग का जन्म था। सदियों से, विद्वानों ने सहमति व्यक्त की है कि इटालियन रिनेसांस इस तरह हुआ: चौदहवीं और सत्रहवीं शताब्दियों के बीच, दुनिया के बारे में सोचने का एक आधुनिक तरीका और मनुष्य का स्थान पुराने विचारों को बदल दिया। इस समय की वैज्ञानिक, कलात्मक और सांस्कृतिक उपलब्धियों में आम विषय हैं, विशेष रूप से यह मानवता की धारणा कि मनुष्य अपने स्वयं के ब्रह्मांड का केंद्र है।
पंद्रहवीं शताब्दी में इटली यूरोप के किसी अन्य स्थान से अलग था। यह स्वतंत्र शहर-राज्यों में विभाजित था, प्रत्येक में अपनी सरकार थी। फ्लोरेंस, जहां इटालियन रिनेसांस शुरू हुआ, एक स्वतंत्र गणतंत्र और बैंकिंग एवं वाणिज्य का केंद्र था। धनी फ्लोरेंटिनो ने कलाकारों और बुद्धिजीवियों का समर्थन करके अपना शक्ति प्रदर्शित किया, शहर को यूरोप और रिनेसांस का सांस्कृतिक केंद्र बना दिया।
पुनर्जागरण को दो मुख्य भागों में विभाजित किया गया है:
प्रारंभिक रिनेसांस के दौरान, कलाकारों ने धार्मिक चित्रांकन के बायज़ेंटिन शैली को अस्वीकार करना शुरू कर दिया और मानव रूप और स्थान की प्रतिनिधित्व में यथार्थवाद लाने का प्रयास किया। यह लक्ष्य चिमबुए और गियोटो से शुरू हुआ, और एंड्रिया मंटेग्ना और पाओलो उचेल्लो जैसे कलाकारों के साथ अपने चरम पर पहुंच गया। यद्यपि धर्म अपने दैनिक जीवन में महत्वपूर्ण बना रहा, पौराणिक विषय भी अपना रास्ता बना रहे थे। कई कला इतिहासकार बोटिचेली के वीनस का जन्म को पहली पैनल पेंटिंग मानते हैं जिसमें एक पौराणिक दृश्य है।
उच्च पुनर्जागरण के रूप में जाना जाने वाला काल प्रारंभिक पुनर्जागरण के लक्ष्यों की पूर्ति का प्रतीक है। प्रमुख कलाकार लियोनार्डो दा विंची, राफेल, टिज़ियान और माइकलएंजेलो हैं। उनकी पेंटिंग और भित्तिचित्र दुनिया की कुछ सबसे प्रसिद्ध कृतियों में से हैं, जैसे अंतिम भोज, एथेन्स की स्कूल और माइकलएंजेलो की सिक्स्थीन चैपल की छत की पेंटिंग।
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No.2 बारोक (1600–1750)
कुछ प्रमुख कलाकार: रुबन्स, रेम्ब्रांट, कारवागियो, वेलाज़क्वेज, वर्सेल्स का महल।
बारोक शब्द संभवतः इटालियन "बारोक्को" से निकला है, जिसका उपयोग मध्ययुगीन समय में तार्किक बाधाओं का वर्णन करने के लिए किया जाता था। बाद में, इसका अर्थ जटिल विचारों या विकृत विचार प्रक्रियाओं में बदल गया। एक और संभावित स्रोत पुर्तगाली "बारोकको" (स्पेनिश "बैरूको") है, जिसका अर्थ है असामान्य या अपूर्ण आकार की एक मोती। बारोक एक कला और वास्तुकला आंदोलन है जो 17वीं शताब्दी की शुरुआत से 18वीं शताब्दी के मध्य तक यूरोप में विकसित हुआ। यह नाटकीय और अतिशयोक्तिपूर्ण आंदोलन और स्पष्ट विवरणों पर जोर देता है ताकि नाटक, तनाव, भव्यता और महिमा पैदा की जा सके।
प्रारंभिक अभिव्यक्तियाँ 16वीं शताब्दी के अंतिम दशकों में इटली में हुई, जबकि जर्मनी और उपनिवेशीय दक्षिण अमेरिका जैसी क्षेत्रों में, बारोक की कुछ प्रमुख उपलब्धियाँ 18वीं शताब्दी में नहीं हुईं।
कलाकारों ने पुनर्जागरण के सौंदर्य मानकों को पुनर्जीवित किया, कला, संगीत और वास्तुकला में एक नई विलासिता और सजावट को जोड़ा। इस शैली, जिसे बारोक के रूप में जाना जाता है, ने नवीन तकनीकों और विस्तृत विवरणों की विशेषता थी, जो एक अपेक्षाकृत मध्यम अवधि में एक विलासितापूर्ण दृश्य भाषा प्रदान करती है। बारोक पूरे यूरोप में फैला, रोम में पोप और इटली, फ्रांस, स्पेन और फ़्लैंडर्स में कैथोलिक शासकों द्वारा प्रोत्साहित किया गया। यह धार्मिक आदेशों के माध्यम से मठों और convents के माध्यम से और भी अधिक फैल गया।
उभरा हुआ बारोक स्टाइल दोनों संवेदनशील और आध्यात्मिक था। एक प्राकृतिकतावादी उपचार ने धार्मिक चित्रों को अधिक सुलभ बना दिया, जबकि नाटकीय और मायावी प्रभाव भक्ति को बढ़ावा देते थे और दिव्य महिमा का प्रचार करते थे। चर्चों की छतें उन चित्रित दृश्यों में विलीन हो जाती थीं जो इंद्रियों को स्वर्गीय पक्ष की ओर ले जाती थीं।
हालाँकि विषय और शैली बारोक पेंटिंग के बीच भिन्न हो सकती है, अधिकांश में एक सामान्य तत्व के रूप में नाटक साझा होता है। कलाकारों जैसे कारवागियो और रेम्ब्रांट में नाटक के प्रति रुचि प्रखर प्रकाश और छाया के तीव्र विपरीत में प्रकट होती है।
स्पेनिश शासित कैथोलिक क्षेत्र के महान मास्टर थे चित्रकार पीटर पॉल रुबेंस, जिनकी गतिशील संरचनाएँ और जीवंत आकृतियाँ बारोक चित्रकला का प्रतीक हैं। एंथोनी वान डाइक की शानदार चित्र और याकब जोर्डेंस के ठोस कार्यों ने उनके उदाहरण का पालन किया। कम ऊंची कला की पसंद के कारण नीदरलैंड की कला यथार्थवादी श्रेणी से प्रभावित थी, इसलिए कलाकार जैसे रेम्ब्रांट और फ्रांस हॉल्स महत्वपूर्ण पहलुओं में बारोक शैली से स्वतंत्र बने रहे। हालाँकि, बारोक ने इंग्लैंड पर उल्लेखनीय प्रभाव डाला, विशेषकर सर क्रिस्टोफर व्रेन और सर जॉन वैनब्रुघ द्वारा डिज़ाइन की गई चर्चों और महलों में।
रिनेसांस की मूर्तियों की तरह, जैसे कि माइकलएंजेलो का प्रतीकात्मक डेविड, बारोक की मूर्तियाँ अक्सर भव्य इमारतों और अन्य भव्य सेटिंग्स, जैसे कि चर्चों के अंदर और शाही बागों को सजाने के लिए बनाई जाती थीं।
बारोक का अंतिम विस्फोट दक्षिण जर्मनी और ऑस्ट्रिया में हुआ, जहाँ देशी आर्किटेक्ट्स ने 1720 के दशक में इटालियन मॉडल से दूर चले गए।
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No.3 यथार्थवाद (1848–1900)
कुछ प्रमुख कलाकार: कोरोट, कौरबेत, डाउमियर, मिलेट।
यथार्थवाद प्रकृति या समकालीन जीवन का सटीक, विस्तृत और बिना सजावट के प्रतिनिधित्व है। यह बाहरी उपस्थिति की करीबी अवलोकन के पक्ष में आदर्शीकरण को अस्वीकार करता है। इस प्रकार, यथार्थवाद ने विभिन्न सभ्यताओं में कई कला धाराओं को शामिल किया है। दृश्य कला में, उदाहरण के लिए, इसे हिब्रू स्कल्पचर में पाया जा सकता है जो मुक्केबाजों और बुढ़ियों को दर्शाता है। 17वीं शताब्दी के पेंटर्स जैसे कि कारवागियो, डच शैली के चित्रकार, स्पेनिश जोसे डे रिबेरा, डिएगो वेलाज़क्वेज और फ्रांसिस्को डे ज़ुबरन, और फ्रांस में ले नाइन भाईयों की कृतियाँ यथार्थवादी दृष्टिकोण रखती हैं। 18वीं शताब्दी के अंग्रेजी उपन्यासकारों के काम को भी यथार्थवादी कहा जा सकता है।
यथार्थवाद 1850 की दशक में फ्रांस में उभरा, 1848 की क्रांति के बाद, जिसने देश में "काम करने का अधिकार" स्थापित किया। यह आम लोगों, समकालीन सेटिंग और दैनिक दृश्यों को कला विषयों के योग्य के रूप में लाया।
यह यूरोप में फैल गया, अलेक्ज़ेंडर II की रूस से लेकर रानी विक्टोरिया के ब्रिटेन, विल्हेम I के जर्मनी, रिसॉर्जिमेंटो के इटली और इसके आगे। 1855 का वर्ष यथार्थवाद के स्थापना में महत्वपूर्ण था।
गस्टाव कौरबेत को यथार्थवाद की प्रमुख शख्सियत माना जाता है। उन्होंने 1840 के दशक में इस आंदोलन की नींव रखी, कृषक और श्रमिकों को बिना उन्हें महिमामंडित किए दिखाते हुए, उन्हें साहसिक और कठोर तरीके से प्रस्तुत किया, जिसने विवाद उत्पन्न किया।
कौरबेत की शैली और विषय में बारबिज़ोन स्कूल के चित्रकारों के काम की प्रेरणा थी। थिओडोर रुसो, चार्ल्स-फ्रांस्वा डॉबिग्नी, जीन-फ्रेंकोइस मिलेट और अन्य ने फ़्राँसीसी गाँव बारबिजॉं में स्थायी रूप से रहकर स्थानीय परिदृश्य के चरित्र को सटीकता से पुन: प्रस्तुत करने का उद्देश्य रखा।
फ्रांस के बाहर चित्रात्मक यथार्थवाद को 19वीं शताब्दी में अमेरिका में अच्छे से दर्शाया गया। समुद्री विषयों पर विंस्लो होमर की शक्तिशाली और अभिव्यक्तिपूर्ण पेंटिंग और थॉमस ईकीन की कृतियाँ समकालीन जीवन के ईमानदार और बहुत अवलोकित रिकॉर्ड हैं। यथार्थवाद 20वीं सदी की कला में एक अलग धारणा थी, जो कलाकारों की इच्छा से उपजी कि वे रोज़मर्रा के जीवन के अधिक ईमानदार और बिना आदर्श की दृष्टियाँ प्रस्तुत करें या कला का उपयोग सामाजिक और राजनीतिक आलोचना का माध्यम बनाएं।
शहरी जीवन की कठोर और लगभग पत्रकारिता जैसी दृश्यें एक समूह के रूप में जानी जाती हैं जिसे द एट (The Eight) कहा जाता है। जर्मन आंदोलन नई वस्तुवाद (Neue Sachlichkeit) ने पहले विश्व युद्ध के बाद जर्मनी में यथार्थवादी शैली में काम किया। सोवियत संघ में सामाजिक यथार्थवाद ने साहसी श्रमिकों और इंजीनियरों के चित्र बनाने के लिए नैतिकता की आदर्शता की तकनीकों का उपयोग किया।
इसके अलावा, यथार्थवाद ने सीधे समकालीन कला आंदोलनों को प्रेरित किया जैसे कि फोटोरियालिज़्म और हाइपररियालिज़्म, जो इसके दीर्घकालिक और विकासशील विरासत को प्रदर्शित करता है।
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No.4 इंप्रेशनिज़्म (1865–1885)
कुछ प्रमुख कलाकार: माने, मोनेट, रेनॉयर, पिसार्रो, कैसैट, मौरिसोट, डेगास।
फ्रेंच इंप्रेशनिज़्म एक महत्वपूर्ण आंदोलन है जो मुख्य रूप से 19वीं शताब्दी के अंत और 20वीं शताब्दी की शुरुआत में फ्रांस में विकसित हुआ। इसका सबसे उल्लेखनीय विशेषता दृश्य वास्तविकता को सटीक और वस्तुनिष्ठ तरीके से रिकॉर्ड करने का प्रयास था, जो प्रकाश और रंग के क्षणिक प्रभावों के संदर्भ में था। इंप्रेशनिस्ट कलाकारों ने दुनिया को देखने और प्रदर्शित करने का एक नया तरीका दिखाया, वास्तविकता के प्रदर्शन से हटा कर अक्सर अपने वातावरण के क्षणिक प्रभावों की छवियाँ प्रदान की। संगीत में, यह एक विचार या एक प्रभाव का संप्रेषण करने का प्रयास था जब एक ध्वनि प्रवाह के माध्यम से किया जाता है बजाय कि एक कठोर औपचारिक संरचना।
1860 के दशक के अंत में, माने के कला ने एक नई एस्टेटिक को उजागर किया जो इंप्रेशनिस्ट काम में एक मार्गदर्शक शक्ति बन गई, जहां पारंपरिक विषय की महत्ता कम होने लगी और ध्यान रंग, स्वर और बनावट की प्रबंधन की ओर स्थानांतरित हो गया।
1874 में, एक समूह कलाकारों ने, जिनका नाम "सॉसायटी एनोनिमा" रखा गया, ने पेरिस में एक प्रदर्शनी आयोजित की जो इंप्रेशनिज़्म नाम की धारणा को लागू किया। इसके संस्थापक सदस्यों में क्लॉड मोनेट, एdgार डेगास और कैमिल पिसार्रो शामिल थे। मोनेट की पेंटिंग Impresión, सोल निसेंट (1872) ने पत्रकार लुई लेरोई के द्वारा उन पर मजाकात्मक "इंप्रेशनिस्ट्स" का नाम देने पर उन्हें यह नाम मिला। कलाकारों ने जल्द ही इस नाम को अपनी "दृश्यों की छवियों" को प्रक्षिप्त करने के लिए योजना दर्शाने के अर्थ के रूप में अपनाया। जबकि पारंपरिक आलोचक उनके काम को अधूरा और स्केच की तरह आंकते थे, अधिक प्रगतिशील लेखक इसे आधुनिक जीवन के उनके विवरण के लिए प्रशंसा करते थे।
अपने निर्माण के बाद से, इंप्रेशनिज़्म को ढीली ब्रश स्ट्रोक, विशिष्ट रंग, सामान्य विषयों की प्रस्तुति, प्रकाश पर ध्यान और फ़ोटोग्राफी से प्रेरित संरचनाओं जैसे विशेषताओं द्वारा परिभाषित किया गया है।
1885 के लगभग, इंप्रेशनिस्ट समूह विघटन होने लगा क्योंकि प्रत्येक चित्रकार अपने व्यक्तिगत रुचियों और ऐस्थेटिक सिद्धांतों का पालन करने लगा। फिर भी, उन्होंने कला के इतिहास में एक क्रांति की, पोस्ट इंप्रेशनिस्ट कलाकारों जैसे सेज़ान, डेगास, गौग्विन, वैन गॉग और जॉर्जेस सूरात के लिए तकनीकी शुरुआत प्रदान की, पश्चिमी पेंटिंग को पारंपरिक तकनीकों और दृष्टिकोण से मुक्त किया।
इंप्रेशनिज़्म की विरासत और वर्तमान में उपस्थिति
आधुर्नवाद की शुरुआती आधार का आयोजन करते हुए, इंप्रेशनिज़्म ने कई बाद के आंदोलनों पर प्रभाव डाला। पोस्ट इंप्रेशनिस्टों ने उनके ढीले ब्रश स्ट्रोक को अपनाया; अमूर्त निराकारवादियों ने मोनेट के गैर पारंपरिक दृष्टिकोण से प्रेरणा ली; और कई समकालीन कलाकार आज भी नियो-इंप्रेशनिस्ट शैली में काम कर रहे हैं।
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No.5 पोस्ट इंप्रेशनिज़्म (1885–1910)
कुछ प्रमुख कलाकार: वैन गॉग, गौगिन, सेज़ान, सूरात।
पोस्ट इंप्रेशनिज़्म एक ऐसा शब्द है जिसका उपयोग 1880 के दशक में इम्प्रेशनिज़्म के खिलाफ प्रतिक्रिया का वर्णन करने के लिए किया जाता है। इसे पॉल सेज़ान, पॉल गौगिन, वीनस वैन गॉग और जॉर्जेस सूरात ने नेतृत्व किया। पोस्ट इंप्रेशनिस्टों ने इम्प्रेशनिज़्म की प्रकाश और रंग की स्वाभाविक और स्वाभाविकता की तत्काल प्रतिनिधित्व की चिंता को अस्वीकार कर दिया।
ये पेंटर, वैन गॉग को छोड़कर, फ्रेंच थे और अधिकांश ने इंप्रेशनिस्ट्स के रूप में शुरुआत की; उनमें से प्रत्येक ने इस शैली को छोड़कर अपनी अत्यधिक व्यक्तिगत कला बनाने के लिए आगे बढ़ा।
इंप्रेशनिस्टों की तरह, उन्होंने छवि की कृत्रिमता को दर्शाया। उन्होंने विश्वास किया कि रंग आकार और संरचना से स्वतंत्र हो सकते हैं और कि इसका भावनात्मक और एस्थेटिक अर्थ हो सकता है। इम्प्रेशनिज़्म और पोस्ट इम्प्रेशनिज़्म दोनों में आधुनिक कला की कुछ सबसे प्रसिद्ध कृतियाँ शामिल हैं, जैसे मोनेट के निलंबन और वैन गॉग का लास्ट नाइट स्टेलेड।
उन्होंने अपने काम को पेरिस में स्वतंत्र प्रदर्शनी के माध्यम से जनता के सामने रखा। 1910 में, कला समीक्षक रोजर फ्राई ने "पोस्ट इंप्रेशनिज़्म" शब्द को अपने प्रदर्शनी "माने और पोस्ट इंप्रेशनिस्ट" के तहत गढ़ा। फ्राई का मानना था कि कला की सुंदरता धारणा में निहित है। "कला जीवन के वास्तविकता की नकल नहीं है, बल्कि जीवन की कलात्मकता और संवेदनाओं का एक प्रोत्साहन है," उन्होंने "एसे में एस्थेटिक्स" में बताया।
पोस्ट इंप्रेशनिस्टों का मानना था कि कला का कोई कार्य शैली, प्रक्रिया या एस्थेटिक दृष्टिकोण केंद्र में नहीं होना चाहिए, बल्कि प्रतीकवाद को उजागर करते हुए, कलाकार की अवचेतनता से संदेशों का संप्रेषण करना चाहिए।
वे अक्सर एक साथ प्रदर्शित होते थे, लेकिन इम्प्रेशनिस्टों की तरह जो एक एकीकृत समूह के रूप में शुरू होते थे, वे ज्यादातर अकेले चित्रित करते थे। सेज़ान ने Aix-en-Provence में एकाकी चित्रित किया; गौगिन 1891 में ताहिती में बस गया; और वैन गॉग ने अरल्स में गाँव में चित्रित किया। गौगिन और वैन गॉग ने इम्प्रेशनिज़्म की वस्तुनिष्ठता को एक अधिक व्यक्तिगत आध्यात्मिक अभिव्यक्ति के पक्ष में अस्वीकार कर दिया।
"रंग! कितनी गहरी और रहस्यमय भाषा, सपनों की भाषा।" - पॉल गौगिन
इम्प्रेशनिस्टों की तरह जो प्राकृतिक प्रकाश के प्रभाव को पकड़ने की कोशिश करते थे, पोस्ट इंप्रेशनिस्टों ने अपनी दुनिया की धारणाओं को चित्रित करने के लिए एक कृत्रिम रंग पैलेट का उपयोग किया। उनके चित्रों में संतृप्त शेड्स और बहु-रंग की छायाएँ स्पष्ट रूप से उनकी अभिनव दृष्टिकोण को प्रदर्शित करती हैं।
पोस्ट इंप्रेशनिज़्म ने एक प्राकृतिकता के दृष्टिकोण से दूरता की ओर ध्यान केंद्रित किया, जैसे कि क्यूबिज़्म और फौविज़्म, जो रंग और रेखा के माध्यम से भावनाओं को उजागर करने का प्रयास करते हैं।
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No.6 फौविज़्म और एक्सप्रेशनिज़्म (1900–1935)
मोटी पेंटिंग, पन्ने से बाहर निकलते रंग और अस्वाभाविक टोन: फौविज़्म और एक्सप्रेशनिज़्म इस विशेषताओं को जीवंत करने वाले दो आंदोलनों में से हैं। तो, यदि उन्हें एक ही तरीके से वर्णित किया जा सकता है, तो उनके बीच असली अंतर क्या है? पहले, हम फौविज़्म और एक्सप्रेशनिज़्म को अलग-अलग स्पष्ट करेंगे।
फौविज़्म
कुछ प्रमुख कलाकार: मटिस, डेराइन, सिग्नैक
फौविज़्म 1905 से 1910 के बीच कला दृश्य पर हावी हो गया, जो गहन रंगों और साहसी ब्रश स्ट्रोक से विशेषता है। कुछ मामलों में, कलाकारों ने सीधे ट्यूब से पेंटिंग की। रंगों को प्रकृति के प्रति वफादार नहीं होना था; उन्हें भावनाएँ व्यक्त करने के लिए बदलना हो सकता है। उन्होंने सरल विषयों को चुना और इसलिए चित्र लगभग अमूर्त हो गए। कला आलोचक लुई वॉक्ससेल ने 1905 में पेरिस में सैलॉन डी'ऑटोमन में हेनरी माटिस और आंद्रे डेराइन के काम का वर्णन करते हुए "लेस फॉव्स" या "जंगली जानवर" शब्द को गढ़ा। उनके काम में अस्वाभाविक रंग और कैनवास पर असाधारण पेंट चित्रीकरण भरे हुए थे। यह फौविज़्म की शुरुआत होगी।
फौविज़िस्ट कलाकारों को 19वीं शताब्दी के रंग के वैज्ञानिक सिद्धांत में गहरी रुचि थी। विशेष रूप से, पूरक रंगों के उपयोग के साथ, वे यह समझते थे कि रंगों को अधिक उज्ज्वल और साहसी बनाने के लिए इन सिद्धांतों को कैसे शामिल किया जा सकता है।
माटिस की पेंटिंग "मातृ क्राउन" को महिला के चेहरे पर अस्वाभाविक रंगों के लिए आलोचना की गई। पॉल सिग्नैक अपने पॉइंटिलिज़्म के लिए प्रसिद्ध हैं और माटिस के शिक्षक थे। पॉइंटिलिज़्म एक तकनीक है जिसमें छोटे बिंदुओं को एक साथ रखा जाता है; जब आप पीछे हटते हैं, तब ये एक एकल चित्र में मिल जाते हैं। इसे कंप्यूटर स्क्रीन पर पिक्सल के साथ तुलना की जा सकती है।
माटिस और डेराइन के अलावा, अन्य महत्वपूर्ण फौविज़िस्ट कलाकारों में जॉर्जेस ब्रैक, रॉउल डुफी, जॉर्जेस रोउल्ट और मॉरिस डे व्लामिन्क शामिल हैं।
एक्सप्रेशनिज़्म
कुछ प्रमुख कलाकार: मंक, कंदिंस्की, क्ले
एक्सप्रेशनिज़्म एक सामान्य शब्द है जिसका उपयोग किसी भी कलाकृति के लिए किया जाता है जो आंतरिक भावनाओं, दृष्टिकोणों या विचारों के साथ मेल खाने के लिए वास्तविकता को विकृत करती है। संक्षेप में, यह एक कला है जो बाहरी दुनिया में आंतरिक वास्तविकताओं को व्यक्त करती है। एक्सप्रेशनिज़्म की विशिष्ट विशेषताएँ हैं: तीव्र और अस्वाभाविक रंग, कैनवास पर बड़ी मात्रा में लागू की गई पेंटिंग।
एक्सप्रेशनिज़्म "भीतर से" आया, जो आर्टिस्ट की भावनाएँ दर्शाता है न कि किसी दृश्य का प्रतिनिधित्व करता है। दो प्रभावशाली एक्सप्रेशनिज़्म कलाकार एमिल नोल्डे और एडवर्ड मंक थे।
जहाँ तक विषय concern किया गया है, एक्सप्रेशनिज़्म का कला आम तौर पर भावनात्मक होता है और कभी-कभी यहां तक कि दैवीय भी होता है। चूँकि एक्सप्रेशनिज़्म एक बहुत व्यापक शब्द है, इसे किसी भी समय के सभी कला के लिए ऐतिहासिक करना आसान है, लेकिन आमतौर पर इसे 20वीं सदी की कला पर लागू किया जाता है। इसे वीनस वैन गॉग के कामों से शुरू होने का माना जाता है और आज की आधुनिक कला तक फैला हुआ है।
एक्सप्रेशनिज़्म के आंदोलन के प्रमुख योगदानकर्ताओं में कलाकार जैसे वासिली कंदिंस्की, पॉल क्ले, मैक्स बेकेमैन, अर्न्स्ट लुडविग किर्च़नेर और अन्य शामिल हैं।
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फौविज़्म को एक्सप्रेशनिज़्म का एक उपसंरचना माना जा सकता है। वे समान तकनीकों का उपयोग करते हैं और समान विशेषताओं द्वारा वर्गीकृत होते हैं; असली अंतर विशेषता की प्राकृतिकता फौविज़्म के सतही दृष्टिकोण के मुकाबले है।
कुछ ऐसा जो फौविज़्म के रूप में माना जा सकता है, एक्सप्रेशनिज़्म के क्षेत्र का भी हिस्सा हो सकता है, लेकिन न तो सभी एक्सप्रेशनिज़्म फौविज़्म हैं। फौविज़्म थोड़ा अधिक उग्र होता है, लेकिन इसका विषय थोड़ा अधिक सरल होता है।
No.7 क्यूबिज़्म (1905–1920)
कुछ प्रमुख कलाकार: पाब्लो पिकासो, जॉर्जेस ब्रैक
क्यूबिज़्म 20वीं शताब्दी की एक बहुत प्रभावशाली दृश्य कला शैली है, जिसे मुख्य रूप से पाब्लो पिकासो और जॉर्जेस ब्रैक द्वारा 1907 और 1914 के बीच पेरिस में विकसित किया गया। क्यूबिज़्म की शैली ने चित्र की सपाट और द्विदिशात्मक सतह पर जोर दिया, पारंपरिक दृष्टिकोण की तकनीकों, ड्राइंग, मॉडलिंग और चीयरस्को का इनकार किया, और प्राचीन सिद्धांतों को इसकी मान्यता दी कि कला को प्रकृति की नकल करनी चाहिए। क्यूबिज़्म के कलाकारों ने यह माना कि पश्चिमी कला की परंपराएँ समाप्त हो गई हैं और अपने काम को फिर से जीवित करने के लिए, उन्होंने अन्य संस्कृतियों की कला, विशेष रूप से अफ़्रीकी कला की अभिव्यक्ति की ऊर्जा पर ध्यान दिया।
क्यूबिज़्म ने अपने नाम को आलोचक लुई वॉक्ससेल की टिप्पणियों से प्राप्त किया, जिन्होंने 1908 में ब्रैक के काम को उपहास करते हुए वर्णन किया कि वह खोखले आकारों से बना था। ब्रैक के पेंटिंग में, घरों के वॉल्यूम, पेड़ों के सिलिंड्रिकल आकार और रंग योजना ने पॉल सेज़ान की परिदृश्यों का अनुसरण किया, जिसने क्यूबिज़्म के प्रारंभिक विकास के पहले चरण तक गहरा प्रभाव डाला (1909 तक)। हालाँकि, यह Les Demoiselles d'Avignon, जो पिकासो द्वारा 1907 में चित्रित की गई थी, है जो नए शैली का संकेत देती है; इस काम में, पांच नग्न महिलाओं के आकार कोणीय और टुकड़े-टुकड़े हो जाते हैं।
क्यूबिज़्म दो अलग-अलग चरणों में विकसित हुआ: विश्लेषात्मक क्यूबिज़्म और संश्लेषण क्यूबिज़्म। विश्लेषणात्मक क्यूबिज़्म (1908-1912) अधिक गंभीर है और धुंधले रंगों में प्लेन और लाइनों का संयोजन करता है। संश्लेषण क्यूबिज़्म (1912-1914) सरल आकृतियों और चमकीले रंगों की विशेषता है, जिसमें वास्तविक वस्त्र जैसे की अखबारों के तत्व शामिल हैं। कला में सीधे असली वस्तुओं की शामिल करने का विचार आधुनिक कला के सबसे महत्वपूर्ण विचारों में से एक की शुरुआत थी।
हालांकि इस नए दृश्य भाषा की सृष्टि का श्रेय पिकासो और ब्रैक को दिया जाता है, लेकिन इसे कई चित्रकारों द्वारा अपनाया और विकसित किया गया, जैसे फर्नांड लेजेर, रॉबर्ट और सोन्या डेलोनाय, जुआन ग्रिस और अन्य। क्यूबिज़्म ने 20वीं सदी की मूर्तियों और वास्तुकला पर भी गहरा प्रभाव डाला।
क्यूबिज़्म द्वारा प्रारंभ की गई औपचारिक विचारशीलता के विचारों ने दादा और अतिवास्तुकला की धाराओं के लिए दूरदर्शी परिणाम दिए, जैसा कि दुनिया भर के कलाकारों ने अमूर्तता की खोज की।
No.8 दादा और अतिवास्तुकला (1917–1950)
दादा
कुछ प्रमुख कलाकार: ह्यूगो बॉल, मार्सेल डुचैम्प, एम्मी हैनिंग्स, हंस आर्प, रॉउल हौसंमैन, हन्ना होच, फ्रांसिस पिकाबिया, जॉर्ज ग्रोस
दादा एक यूरोपीय आर्ट मूवमेंट था, जिसे ज़्यूरिक और न्यूयॉर्क में केंद्रित किया गया। यह प्रथम विश्व युद्ध की नरसंहार, प्रचार और पागलपन के प्रत्यक्ष प्रतिक्रिया के रूप में उभरा। समान विचारों से जुड़े स्वतंत्र समूहों ने बर्लिन, पेरिस और अन्य स्थानों पर उभरे। इनका कोई सार्वभौमिक शैली नहीं थी, बल्कि वे पुरानी कलात्मक मानक और बौद्धिकता के प्रति अस्वीकृति से जुड़े थे।
"दादा" नाम को 1916 में एक शब्दकोश से यादृच्छिक रूप से निकाला गया, जिसका अर्थ है "घोड़ा" या "हां हां" है। लेकिन एक आंदोलन के नाम के रूप में, वास्तव में इसका कोई अर्थ नहीं है। प्रथम विश्व युद्ध के जनसंहार से उत्पन्न संस्कृति से थक कर, दादावादियों ने सभी मान्यता को चुनौती दी, संयोग और व्यंग्य का जश्न मनाया।
दादा की जड़ें युद्ध से पहले की आर्ट अवांगार्ड में हैं। "एंटीआर्ट" शब्द, जो दादा का प्रीकुशोर है, को मार्सेल डुचैम्प द्वारा 1913 के आसपास गढ़ा गया, यह उन कार्यों को चरितार्थ करने के लिए जो कलाकारी की स्वीकृत सीमाओं को चुनौती देते हैं।
दादा आंदोलन में सार्वजनिक मेटिंग्स, प्रदर्शनी और कला और साहित्य की पत्रिकाओं के प्रकाशन शामिल थे। कला, राजनीति और संस्कृति इस आंदोलन में अक्सर चर्चा के विषय बनते थे।
अतिवास्तुकला
कुछ प्रमुख कलाकार: मैक्स एर्न्स्ट, आंद्रे मैसोन, साल्वाडोर डाली, रेन मैग्रिट
अतिवास्तुकला 20वीं शताब्दी के सबसे महत्वपूर्ण और विद्रोही आंदोलनों में से एक है। यह 1920 के दशक में उभरा और क्यूबिज़्म की तर्कशीलता और औपचारिक गुणों के लिए एक कट्टर विकल्प प्रदान किया। यह एक साहित्यिक, दार्शनिक और कलात्मक आंदोलन था जो मानसिकता के कार्य के अध्ययन में लगा था, जो निराशाजनक, काव्यात्मक और क्रांतिकारी सब कुछ का समर्थन करता था।
दादा की विपरीत, जिसमें कई प्रकार में उभरा, इसने पिछले परंपराओं के सकारात्मक अस्वीकृति पर जोर दिया। पेरिस में एक नए समूह के कवियों और कलाकारों के नेता आंद्रे ब्रीटॉन ने 1924 में अपने "अतिवास्तुकला की घोषणापत्र" में इसे परिभाषित किया: "शुद्ध मानसिकता की स्वतंन्त्रता, जिसके माध्यम से वास्तविक सोच का प्रदर्शन किया जाता है।"
अतिवास्तुकला के दृश्य अभिव्यक्ति में कई धारा अलग की जा सकती हैं। कलाकारों जैसे मैक्स एर्न्स्ट और आंद्रे मैसोन ने स्वचालन को प्राथमिकता दी, जहां चेतन नियंत्रण को दबाया गया और अवचेतन को नियंत्रण में आने दिया। इसके विपरीत, साल्वाडोर डाली और रेन मैग्रिट ने बहुत ही वास्तविक प्राप्ति की प्रवृत्तियों का पीछा किया जिसमें चित्रित दृश्य का कोई वास्तविक अर्थ नहीं होता। एक तीसरी भिन्नता अनसंबंधित तत्वों की समुच्चय थी, जो सामान्य परिवृत्तियों से अलग एक वास्तविकता निर्धारित करती थी।
अतिवास्तुकला पेरिस में उत्पन्न हुआ, लेकिन इसका प्रभाव पत्रिकाओं और अंतर्राष्ट्रीय प्रदर्शनों के माध्यम से फैल गया। जब द्वितीय विश्व युद्ध भड़क गया, तो अतिवास्तुकला की गतिविधियों का केंद्र न्यूयॉर्क में स्थानांतरित हो गया। हालाँकि, यह आंदोलन युद्ध के बाद सामंजस्य खो बैठा, लेकिन इसने समकालीन कला में शक्ति से प्रभाव बनाए रखा।
No.9 अमूर्त एक्सप्रेशनिज़्म (1940–1950)
कुछ प्रमुख कलाकार: जैक्सन पोल्क, विलेम डी कूनिंग, फ्रांज क्लाइन
"अमूर्त एक्सप्रेशनिज़्म" एक ऐसा आंदोलन था जो 1940 और 1950 के दशकों में न्यूयॉर्क में विकसित हुआ। यद्यपि यह नाम आदर्श नहीं था, इसमें उन कलाकारों को शामिल किया गया जो अपने कैनवस को रंगों और अमूर्त आकारों के क्षेत्र से भरते थे, और जो अपने कैनवस पर शक्तिशाली एक्सप्रेशनिज्म के माध्यम से काम करते थे। सभी इस बात के प्रति प्रतिबद्ध थे कि कला आत्म की अभिव्यक्ति है, जो गहरे भावनाओं और सार्वभौमिक विषयों से उत्पन्न होती है।
यह आंदोलन विभिन्न प्रकार की चित्रात्मक शैलियों का समावेश करता था। कुछ कलाकारों जैसे जैक्सन पोल्क और विलेम डी कूनिंग परिभाषित होते थे, तेज गर्मियों और गतिशील तरीके से चित्रित करते थे। अन्य, जैसे मार्क रोथको ने प्रभावों को प्राप्त करने के लिए रंग के विस्तृत क्षेत्रों का उपयोग किया जो सामरिक और ध्यानालय होते हैं।
हालाँकि इस आंदोलन को काफी हद तक पुरुष कलाकारों का हिस्सा माना जाता है, लेकिन कई महत्वपूर्ण महिला अमूर्त एक्सप्रेशनिस्ट भी इस अवधि में उभर कर सामने आईं।
No.10 पॉप आर्ट (1960)
कुछ प्रमुख कलाकार: एंडी वारहोल, रॉय लichtenstein, जेम्स रोज़ेनक्विस्ट, क्लेस ऑल्डेनबर्ग
पॉप आर्ट न्यूयॉर्क के कलाकारों जैसे एंडी वारहोल, रॉय लichtenstein, जेम्स रोज़ेनक्विस्ट और क्लेस ऑल्डेनबर्ग द्वारा शुरू किया गया, जिन्होंने लोकप्रिय छवियों से प्रेरणा ली और एक अंतरराष्ट्रीय घटना का हिस्सा बने। यह कला और संस्कृति के प्रभुत्व और उन पारंपरिक विचारों के खिलाफ विद्रोह था कि कला क्या होनी चाहिए। युवा कलाकारों ने महसूस किया कि कला स्कूल में जो कुछ भी सिखाया जा रहा था और जो उन्होंने संग्रहालयों में देखा था, उसका उनके जीवन से कुछ नहीं था।
1957 में, पॉप आर्ट के कलाकार रिचर्ड हैमिल्टन ने एक पत्र में पॉप आर्ट की विशेषताओं की सूची दी: "पॉप आर्ट: लोकप्रिय, अस्थायी, हानिकारक, सस्ती, सामूहिक उत्पादन, युवा, चतुर, आकर्षक, अद्भुत, बड़े व्यापार का हिस्सा है।"
पॉप ने कला को नए विषयों के क्षेत्र में पहुँचाया और इसे प्रस्तुत करने के नए तरीके विकसित किए, और इसे आधुनिकता के पहले प्रतीक के रूप में देखा जा सकता है।
No.11 पोस्टमॉडर्निज़्म (1970–)
कुछ प्रमुख कलाकार: गेरहार्ड रिचटर, सिंडी शेरमैन, अन्सेलम कीफर, फ्रैंक गेरी, ज़ाहा हदीद
मार्लिन एन द सियर्क जेम्स गिल द्वारा
"पोस्टमॉडर्न आर्ट" का शब्दांकन एक व्यापक श्रेणी का आधुनिक कला को संदर्भित करता है जो लगभग 1970 के बाद से निर्मित है। इसका विशिष्ट पहचान इसकी पारंपरिक सौंदर्य का अस्वीकार है, जिस पर "आधुनिक कला" का पिछला आधार था। एक अस्वीकृत मूल्य यह है कि "कला" कुछ "विशेष" है, जो जनता की पसंद से अलग होना चाहिए।
सत्य दर्ज करने के लिए, पोस्टमॉडर्निज़्म ने सभी शैलियों या कला की परिभाषा की प्राधिकृति को मान्यता देने से इनकार कर दिया। इसने उच्च संस्कृति और लोकप्रिय संस्कृति, कला और दैनिक जीवन के बीच भेद को नष्ट कर दिया। इसने एक नई स्वतंत्रता की युग की शुरुआत की और यह भावना प्रकट की कि "सब कुछ उचित है।"
अक्सर विभिन्न शैलियों और माध्यमों को मिश्रित करते हुए, पोस्टमॉडर्न आर्ट भी पिछले शैलियों को उधार ले सकता है या उन पर विडंबना से टिप्पणी कर सकता है। पोस्टमॉडर्न कलाकार अपने सैद्धांतिक दृष्टिकोण को समावेशी और लोकतांत्रिक मानते हैं।
1980 और 1990 के दशकों में, पोस्टमॉडर्निज़्म "पहचान की राजनीति" के आंदोलन का अनौपचारिक दर्शन बन गया।
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