10 הציורים המפורסמים ביותר של ישו

דמותו של ישו היא אחת מהדמויות האייקוניות ביותר בהיסטוריה.

האומנות סביב דמותו של ישו הייתה אידיאולוגית כאמור על ידי אמנים חובבים וכמו כן על ידי אמנים גדולים.

איך אפשר להראות בדמוי את הדמות שהיא גם אנושית לחלוטין וגם אלוהית לחלוטין? סוג זה של חוצפה אומנותית הוא משהו שאפילו נועז לנסות.

האמנים שציירו לפי המסורת הנוצרית עשו בדיוק את זה במשך אלפי שנים.

10 הציורים המפורסמים ביותר של ישו

זו היא הסתכלות על 10 הציורים המפורסמים ביותר של ישו לאורך ההיסטוריה, בהתאם לדירוג שנעשה על ידי מומחים של Kuadros.

# 1 הסעודה האחרונה - ליאונרדו דה וינצ'י

הציור המפורסם ביותר של ישו הוא ללא ספק הסעודה האחרונה של ליאונרדו דה וינצ'י.

היצירה משחזרת את המפגש האחרון של הפסח בין ישו לבין תלמידיו, לפי הסיפור המתואר באותו יום של הקדוש יוחנן, פרק 13. האמן דמיין, והצליח לבטא, את הרצון שמניח בתודעה של התלמידים לדעת מי בוגד במורם.

צוייר בסוף המאה החמישה עשר כנושא קיר בקירות המזכיר של מנזר סנטה מריה דלה גרציה במילאנו.

הציורים הפרסקיים נוצרו בדרך כלל על ידי הנחת פיגמנט על אינטונקו, שכבת גזית דקה ולחה.

זו בדרך כלל השיטה הטובה ביותר להשתמש בה, שכן היא מאפשרת לפרסקו להתמודד עם הנשימה הטבעית או הזיעה שעושה קיר כאשר הלחות זורמת על פני השטח.

עם זאת, בסעודה האחרונה, דה וינצ'י החליט להשתמש בצבעי שמן שכן חומר זה מתייבש הרבה יותר לאט, מה שאפשר לו לעבוד על התמונה בצורה הרבה יותר איטית ומפורטת.

לאונרד ידע שהלחות הטבעית שחודרת דרך רוב הבניינים עם קירות האבן תצטרך לאטום אם הוא ישתמש בצבעי שמן, אחרת הלחות תשחית את עבודתו.

אז האמן הוסיף שכבת גבס כפולה, חומר בניין ואספלט כדי להתמודד עם ההתדרדרות מלחות.

למרות זאת, היצירה נדרשה לשחזור פעמים רבות במהלך ההיסטוריה הארוכה שלה.

נכון להיום, נשאר מעט מאוד מהשכבה העליונה המקורית של צבע השמן כתוצאה מנזק סביבתי וגם מכוון.

#2 ההתגלות - רפאל

ההתגלות של רפאל היא היצירה האחרונה של האמן הגדול רפאל שהוזמנה על ידי הקרדינל ג'וליו דה מדיצ'י משושלת הבנקאים מדיצ'י.

מקורית, היצירה הייתה מיועדת לתלות כרקע מרכזי בקתדרלת נרבון בפרנס ועתה היא תלויה בפינקוטק של הוותיקן בעיר הוותיקן.

לאחר מותו של רפאל, הציור מעולם לא נשלח לפרנס והקרדינל תלה אותו במקום זאת באלטר הגדול של כנסיית הבנאדקטין של סן פייטרו במונטוריו, רומא בשנת 1523.

עם זאת, בשנת 1797 הציור נלקח על ידי חיילים צרפתיים כחלק מהקמפיין האיטלקי של נפוליאון ומאוחר יותר הוצג בלובר.

נחשבת שהציור משקף דיכוטומיה ברמה הפשוטה ביותר: הכוח הגואל של המשיח, המסודר על ידי הטוהר והסימטריה בחלקו העליון של הציור. זה מנוגד לחסרונות האנוש, המסודרים בחלק התחתון בסצנות כהות וכאוטיות.

ההתגלות מתייחסת לסיפורים המשכיים מהברית החדשה של מתיו. החלק העליון של הציור מייצג את המשיח המוגבה מולה עם עננים גלי ואוריים, ובצדדים שלו נמצאים הנביאים אליהו ומשה. בחלק התחתון של הציור, התלמידים מייצגים את ניסיונם שלא להצליח לשחרר את הילד המוחזק מהשדים. החלק העליון מציג את המשיח המומר, הנראה שהוא עורך ניסים, מרפא את הילד ומשחרר אותו מן הרע.

המידות של ההתגלות הן קילונועים, 410 x 279 ס"מ. רפאל העדיף לצייר על בד, אך ציור זה נעשה בצבעי שמן על עץ כמדיה הנבחרת. רפאל למעשה הראה רמזים מתקדמים של מנייריזם וטכניקות של התקופה הבארוקית בציור זה.

העמדות המוקפאות והמוגזמות של חלקי הדמויות התחתונות מצביעות על מנייריזם. המתח הדרמטי בתוך דמויות אלה, ושימוש חופשי באור ובחושך, או ניגודי קלורוסכורסו, מייצגים את התקופה הבארוקית של תנועה מופרדת ליצירת דרמה, מתח, שיחרור או אור. למעשה ההתגלות הקדימה את זמנה, כמו מותו של רפאל, שהגיע מוקדם מידי.

הייתה יצירה זו הציור האחרון של רפאל, שעבד עליה עד מותו באפריל 1520.

ניקוי הציור משנת 1972 עד 1976 הראה שרק חלק מהדמויות התחתונות השמאליות הושלמו על ידי עוזרים, בעוד שחלק הארי של הציור היה של האמן עצמו.

#3 הדין הסופי - מיכלאנג'לו

הדין הסופי של מיכלאנג'לו נמצא על הקיר מאחורי המזבח בכנסית סיסטינה. ההצגה שלו של הגעת המשיח השנייה ב"הדין הסופי" עוררה מחלוקות מיידיות מצד הכנסייה הקתולית של הרפורמציה.

מיכלאנג'לו היה צריך לצייר את סוף הזמן, התחלת הנצח, כאשר מה שמרגש הופך לאלמוות, כאשר הנבחרים מתאחדים עם המשיח בממלכתו השמימית והמכוערים נפנים לסבל אינסופי של הגיהנום.

שום אמן באיטליה של המאה ה-16 לא היה מתאים יותר למשימה זו מאשר מיכלאנג'לו, שעבודתו האחרונה אטם את המוניטין שלו כמאמן הגדול ביותר של הדמות האנושית, במיוחד העירום הגבר. האפיפיור פאולוס השלישי היה מודע מאוד לכך כאשר האשים את מיכלאנג'לו בציור מחדש את קיר המזבח של הכנסייה עם הדין הסופי. עם גישתו להחיאת הגוף, זו הייתה הנושא המושלם למיכלאנג'לו.

הקומפוזיציה המועצמת מתמקדת בדמות השלטת של המשיח, שנלכדה ברגע שלפני פסק הדין של הדין הסופי.

המחווה השקטה והכוחנית שלו נראה שיש לו משהו לדרום ולזמן הרחבת השפעת מסביב. בתמונה מתחיל תנועה רחבה ומסתובבת שבה נוגע כל הדמויות. מוצאות שתיים מהעתיקות העליונות הקבוצות של מלאכים המחזיקים באוויר סמלים של הסבל (משמאל הצלב, המסמרים והקוצים; מימין עמוד ההצלפה, המדרגות והחנית עם הספוג הרטוב בחומץ).

במרכז החלק התחתון נמצאים מלאכים של ההתגלות שמעירים את המתים עם צלילי חצוצרות ארוכות. לשמאלם, המתעוררים משיבים לעצמם את גופם בזמן שהם עולים לגן (תחיית הגופה), מימין מלאכים ושדים נאבקים להשליך את המלומדים לגיהנום. לבסוף, ברקע, חארונט עם משוטיו, יחד עם שדיו, גורם למלומדים לצאת מסירתו כדי להוביל אותם בפני השופט הגיהנומי מינוס, גופו עטוף בספירלות של נחש.

ההפניה בחלק זה לגיהנום של הקומדיה האלוהית של דאנטה אליגיירי ברורה. בנוסף למחמאות, הדין הסופי גם עורר תגובות קשות בקרב בני הזמן. לדוגמה, בעל התפקיד ביוג'ו דה צ'זנה אמר כי "היה זה לא מוסרי ביותר במקום כה מכובד לצייר כל כך הרבה דמויות עירומות שמציגות בצורה כה לא מוסרית את בושותיהם ולא הייתה זה מספיק את העבודה של קפלה של האפיפיור אלא עבור חימום וזונות" (ג. ואסרי, חיי האמנים). המחלוקות, שנמשכו שנים, הביאו ב-1564 להחלטת הקונגרט של המועצה של טרנטו להסתיר כמה מהדמויות של הדין שנחשבו ל"אמנות**.

המשימה לצייר מכסים על הכיסוי, שנקראו "ברגה" (מכנסיים) הוענקה לדניאלה דה וולטרה, שמאז נהיה ידוע כפני ה"בראגטון". הברגה של דניאלה היו רק הראשונות שבוצעות. למעשה, בשנים הקרובות נוספו כמה נוספות.

#4 ישו נושא את הצלב - אל גרקו

במהלך דרכו הארוכה בספרד, אל גרקו ביצע מספר ציורים על ישו נושא את הצלב. ישו נושא את הצלב היא תמונה של אנושיות מושלמת. היצירה מתבלטת על ידי תכונות של מכחול שבהן האמן משתמש בצבע כדי לעצב את הכמויות ומעוות את הקופים כדי לשקף את התשוקה הרוחנית של הדמות.

אל גרקו צובע את עיניו של ישו בדמעות דרמטיות ומוגזמות. עיניו הן האלמנט המרכזי של הציור, שכן הן מבטאות הרבה רגש.

ישנו ניגוד עדין בין הכתפיים החזקות שלו לבין היופי הנשי של ידיו. עם זאת, אין סימני כאב על פניו. כמו כן, ידיו הפאסיביות לא מביעות דאגה או מאמץ לשאת את הצלב.

אל גרקו הפך את הדמות של ישו המדוכא והכואב מהצלב הכבד לאחד שהוא שקט ומוכן להתמודד עם גורלו. השלווה של ישו לנוכח הקרבה שלו מזמינה את הצופה לקבל את גורלו שלו ברגעי פחד וספק.

#5 ישו המסור - דייגו ולסקז

התמונה המוחשית הזו של ישו על הצלב נצבעה במהלך התקופה היצירתית שלאחר הנסיעה המרעיתה הראשונה של ולסקז לאיטליה. בניגוד לשאר העירומות הגבריות שלו שהופיעו בציורים כמו אפולו באש של וולקאן ובגלימות של יוסף, ישו על הצלב הוא גוף מת או גוסס. שלא הולך עם אלמנטים נרטיביים פרט לצלב עצמו. עם זאת, האמן מצליח להעניק ליצירה רמה רבה של כבוד ושלווה.

מאמינים שהיצירה הזו הייתה הזמנה לסקריפט של מנזר סן פלאסידו, עמדת הסקריפט של ישו המסור מציגה ארבעה מסמרים, רגליים יחד ומוצגות בצורה שהיו נתמכות על ידי מדף עץ קטן, מה שמאפשר לידיים ליצור עקומה עדינה, ולא משולש. הראש מעורר עטרת, בזמן שהפנים נשענות על החזה laissant entrevoir ses traits. שיערו החלק והחלק תלוי בצד הימני של פניו, המסלול האחורי שלו ניתן ע"י הדם הנוזל מהפציעה בצדו הימני.

הדימוי הוא באופן יוצא דופן אוטוביוגרפי במובן שהציור הזה מלווה את כל ההשפעות המרכזיות בציוריו של ולסקז. ראשית זוכרים את הטון הדווקaternity והאיקונוגרפיה של הציורים שנספגו בשנותיו הראשונות בסביליה תחת פרנסיסקו פאצ'קו, חבר פעיל של האינקוויזיציה הספרדית.

שנית, זה משקף את כשרונו בציור דמויות שנעשה בצפון וספניה על ידי לימוד האמנים מהתעופה הספרדית וש, באיטליה, האומנות של התקופה הקלאסית, האומנות של הרנסנס הגבוה ברומא ובוונציה, ועבודותיו של קראוואג'ו ברומא ובנאפולי.

השפעת הקלאסיות בעבודתו באה לידי ביטוי בשלווה הכללית של הגוף והעמדה המושלמת שלו. השפעת הקרוואג'ו מתבטאת בטנבריזם הדרמטי שמתמקדים כביכול בכל התשומת הלב על הגוף החיוור של ישו.

נכון שהדימוי הזה חסר את הדרמה האופיינית של הציור הבארוקי, שישנו בציורים דתיים כמו הצליבה של פטרוס הקדוש או הירידה מהצלב. במקום זאת, יש לכך איכות פסלנית מונומנטלית שמרימה אותו, בהתאם לרוחניות של הנושא. הקומפוזיציה היא פשוטה לחלוטין אך עם ניגוד חי בין הגוף הלבן לרקע הקודר, וישנו ניתוח טבעי באופן שראשו של ישו נופל על חזהו. השיער המתולתל נצבע עם החופש שוולסקז ראה והעריך מקרוב בדוגמאות של הציור הוונציאני.

ולסקז זכה במוניטין כאחד הציירים הטובים ביותר של ספרד, נהיה הצייר הרשמי של פליפה הרביעי (שהתנהלה בין 1621 ל-1640) ובסופו של דבר, נציג עיקרי של הציור הספרדי של התקופה הבארוקית. עם זאת, למרות שהאומנות הדתית הייתה בעלת חשיבות רבה בספרד, מדינה שבה השלטון גאה להיות אחד מהתומכים העיקריים של האמנות של הרפורמה הקתולית, הציורים הדתיים של ולסקז אומנם היו עצובים הרבה פחות.

לעומת זאת, האמן צייר את העולם שהוא ראה מסביבו, מתמחה באומנות הפורטרט, קצת ציור ז'אנר (סצנות) וכמה ציורי היסטוריה. באופן אירוני, בהתחשב במחסור האומנות הדתית שלו, הוא היה הרבה יותר מושפע מהגאון האיטלקי קראוואג'ו, שידוע בעיקר באומנות שלו באומנויות ביבליות, שמבוצעות בסגנון אגרסיבית מאוד מציאותי. ולסקז גם היה חזק על ידי רעיונות הרנסנס האיטלקי שהושגו על ידי מורו הסביליאני פרנסיסקו פאצ'קו.

#6 ישו נושא את הצלב - תיציאנו

באיזור 1508 או 1509, תיציאנו צייר צבע שמן הנקרא ישו נושא את הצלב. המקורות האמיתיים של הציור הם משהו מסתורי, ואפילו מספר היסטוריונים של אמנות ייחסו את זה לעיתים לצייר איטלקי אחר, ג'ורג'ונה. שני האמנים היו שייכים לאיגוד של אמנים הקשורים לבית הספר והכנסייה, שניהם פעלו באותה תקופה ואותו המקום, והיה אפשרי שהעבודה תצייר במיוחד עבור המוסד. תעלומה נוספת לגבי הציור בשמן היא שנאמר שיש לו מיומנויות מרפא ניסיות, שביהם כתבו בהרבה סיפורים היסטוריים. הצליינים התפללו בכנסייה על מזבח צדדי שבו היה תלוי הציור ודיווחו שהם הבריאו ממחלות.

המצב הכללי של העבודות הוא כהה וחשוף. הצבעים הבהירים ביותר הם גוני גוף כבים, והפלטה דומיננטית בשני גוני חום. על רקע כמעט שמן, ישו מובא בפרופיל חצי נושא את הצלב על הכתף. בעודו מביט שמאלה, שולף צלפן זעוף ממתח את חבל סביב צווארו, ואחר מידי מעט אחורי מצולם פנימה מאחורי הסצנה. הקומפוזיציה נושאת סגנון שהיה חדשני באותו זמן, עם תצוגה מפורטת שנמנעה בפרספקטיבה ובעומק על מנת להגיע לאינטימיות ולפרטים. כפי שמוכר לתיציאנו, הציור מלא בפעולה והשקט נראה רחוק לדמויות המוצגות.

#7 סלאבטור מוּנדי - ליאונרדו דה וינצ'י

ציור זה מפורסם, האם הוא עדיין נחשב ליצירתו של ליאונרדו דה וינצ'י ואיבד את מקומו ברשימת 100 הציורים המפורסמים ביותר בהיסטוריה שלנו.

במקור נחשב כי ליאונרדו דה וינצ'י צייר את סלאבטור מוּנדי עבור המלך לואי ה-12 מצרפת ואשתו, אנה מביטניה. כיום, המומחים מצפים את מסקנת הציור של האמן האיטלקי, למרות שהנמכר כן נרכש במכירה פומבית בנובמבר 2017 ואחד במחיר שיא של 450,312,500 דולר, מחיר שיא לציור אמנות.

סלאבטור מוּנדי היה חלק מהרשימה שלנו של ציורים המפורסמים, אך שחרר את מקומו לציור אחר שנבחר על ידי הציבור ואמנים שלנו.

#8 התלמידים של עמוס - קראוואג'ו

יצירה זו מהאמן קראוואג'ו ידועה גם כהשופט של אדוני לאמוס או פשוט הסעודה של עמוס. הציור מראה את הרגע שבו שני תלמידים מלווים מבינים מי דיבר איתם כל היום היה המורה האהוב עליהם.

נשקלנו בציונו בפרספקטיבה שבמרכזו, התלמידים של עמוס הוא אחד ציוה דתיים המרשימים ביותר בהיסטוריה של האמנות. בעבודה זו, קראוואג'ו מצליח להעביר את הפסPeak הדרמטי של הרגע, השנייה השנייה שבה התלמידים פתאום מבינים מי עמד בפנים בהמצאה מתחילה. המעשים שלהם והתגובה הטבעית שלהם מביעים את ההפתעה הדרמטית: אחד עומד לקפוץ מכסאו בעוד השני פושט את ידיו במחווה של חוסר אמון. התאורה הקשוחה מדגימה את עוצמת כל הסצנה.

בציור, קראוואג'ו מראה את התלמידים כעובדים רגילים, עם פנים גזוזות, רוטות וביגוד פשוט, בניגוד לישו הצעיר חסר הזקן, שמופיע כאילו הגיע מעולם שונה.

ישנם מספר סודות מוסתרים במקומות שונים. בעבודה, האמן הסתיר ביצה של פסח, למשל. הצל המוקרן מהסלים של הפירות על השולחן גם נראה כאילו מצייר דג, מה שעשוי להיות רמז לניסים הגדולים.

ועוד תמצוגות נוספות מסתתרות במפגש האדיר הזה. לפעמים, פגם אינו פגם כלל, אלא פרט גאוני. נביא, למשל, את הטקסט של סל בעשבים שנמצא בתמונה הנמצאת במרכז הציור.

אף על פי שכמה וכמה עיניים השתאו בפני הדרמה המסתורית שמתרחשת בפנים של הנהגת זו, ההבנה של פגם כמעט בלתי מורגש עד כה נעלם דרך המאה.

מקל ברך רפוי הנחצב מהסיבים של הטקסט משנה את הבד המפורסם של קראוואג'ו למחקים המכשול, אתגר רוחני עבור הצופה.

כדי להעריך את כל המשמעות של פרט קטן זה, כדאי לזכור את התמקדות הכללית של המצב שיצר קראוואג'ו בעבודתו.

הנושא של הסעודה של עמוס כבר גייס דורות של מאסטרים בהיסטוריה, מרמbrandt ועד ולסקז. הרגע המכריע מתואר בבשורת לוקאס בברית החדשה. שם מתואר הסיפור של האוכל האינטימי של ישו עם התלמידים בעיר לוקאס וקלופאוס, שאינם מודעים לאמת על זהותם של המדריך. בציור הלחם כבר נתחם ונברח, והגיע הזמן, לפי הסיפור האולכני, שימקד ישו "לפתוח" את עיניהם של שלו ולצאת "ממראהו".

היצירה המופתית של מסדרת אבן מיסטית בין הצללים לבין האור, השנייה המאגית לפני שיסיים את המיודע, כולל צללית של זר מאחוריו, נעלמת מתוך עולם.

באותו רגע אינסופי בין ההגלה исчезה פוטנציאלית על ידי שני עולמות.

כאשר האמת חושפת את האונק של ישו, קלופאוס, קם מכסאו מזועזע בגעש והפתעה בפני ההגלה: מרפקיו עולים בצורה דינמית מתוך גלימותיו.

מנגד לסל קדוש, מימין, לוקאס פותח את ידיו עליהם, כמו בודק את האמת של הסכנה, מצייר את אותה תנוחה על הצליבה בזמן מותו הכואב. בינתיים, הטרפיאן מראה היקש נרקב, צופה בלי להבין בזמן שהוא שומע את המילים שדיבר ישו עם התלמידים ההפוסים שלו, עד שבמשך כל ההבנה בלב מבחור נושא הוא מתמסר לסימטרים לידיכים של הקול.

התלמידים של עמוס חשובים בעמדה לא. 82 ברשימה של ציורים מפורסמים

#9 המשיח פנטוקרטר

המשיח פנטוקרטר הוא פאנל של עץ בציורים המתקדמים של המאה ה-6 של מנזר סנטה קתרינה שממוקם בסיני, מצרים. ציור זה נחשב לאיקון דתי ביזנטי אחד והיצירה העתיקה ביותר הידועה בסגנון הפנטוקרטר.

הפאנל המצוייר גובה 84 ס"מ ורוחבו 45.5 ס"מ ועומקו 1.2 ס"מ. משערים כי הצייר במקור היה גדול יותר, נדמורו מכיוון עליון ובצדדים בכל זמן, מסיבות לא ידועות, כדי לייצר את המידות שנוכחיות. בעבודה מוצג המשיח מהול בבגדים סגולים.- צבע הנבחר להציג את המעמד הקיסרי והמלכותי. הבחירה הזו של צבע לתכוניתו היא סימן למעמד שלו וחשיבותו. המשיח מוצג כשהוא מרים את ידו השמאלית לשם ברכה ועם הימנית מחזיק ספר.

אפשר לשער שהספר הזה הוא כנראה אנגלוס כי הוא מכיל עיטורים ביהלום בצורת צלב. הציור הוא במכוון אסימטרי כדי לסמל את הטבע דו ערכי של המשיח. הצד השמאלי של המשיח הוא סימן של הטבע האנושי עם מניעים המוצגים הרבה יותר רכים ובהירים. בעוד שהצד הימני של המשיח מסמל את אלוהי שלו עם מבט חמור ותכנים אינטנסיביים.

אחד מהאיקונים החשובים ביותר הוא המשיח פנטוקרטר. התמונה הזו מציגה את ישו כמושל הסוברני של העולם. המשיח פנטוקרטר היה אחת מהתמונות העתיקות של ישו ומופיע במקומות בולטים בכנסיות חקוקות.

המילה פנטוקרטר מתיחסת ל"כול יכול". בגרסה היוונית של הברית הישנה (LXX), המילה פנטוקרטר היא תרגום של "אדון צבאות" ו"אלוהים כול יכול". בספר ההתגלות, פנטוקרטר מופיע תשע פעמים כהכותרת המדגיש את הסוברניות ואת הכוח של אלוהים.

האיקון המשיח פנטוקרטר מדגיש את היכולת הגדולה של ישו, את עוצמתו לעשות כל דבר. ישו הוא "המושל של הכל" המחזיק את הכל. הסימבול האחר שעל המשיח פנטוקרטר (הסבר בין השורות) בהשראת הדימויים הקיסריים הרומית להגדיר את עצמאותו הריבונית. הנוצרים הראשונים השתמשו בסימנים תרבותיים כדי להודיע על העצמאות של המשיח המוקם.

נוסף לכך, המיקום של המשיח פנטוקרטר בקשת המקדש (הקיר של המקדש הקדמי) גם יש לו משמעות תאולוגית. הכנסיות הביזנטיות ייחודיות לבסיס הרומי, חדר המלך לכנסייה. הקשת הייתה המיקום של הסמכות שבה ישב הפקיד המנהל. מיקום ישו בקשת קובע שהוא השלטון הלגיטימי והשופט הסוברני של הכל.

הנוצרים החלו לייצג את ישו באופן ממשי בסוף המאה ה-300, כאשר לא הייתה סכנה לרדיפה. התמונות המוקדמות הללו מציגות את ישו כדמות יפהפייה יושבת על כיסא עם מגילה. בשנות ה-600, הפנטוקרטר של המשיח הופיע כפשטות של צד זה. המראה של הפנטוקרטר של המשיח כמעט לא השתנה במשך 1,500 השנים האחרונות.

רוב התמונות המוקדמות של ישו נהרסו במהלך המחלוקת האיקונוקלאסטית.

#10 ישו של סן חואן מהצלב

מרחוק, היצירה הפופולרית ביותר של האומן דאלי היא ללא ספק "ישו של סן חואן מהצלב", אשר דמותו שולטת על מפרץ פורט ליד. הציור הושפע על ידי דמוי, שמצוי במנזר האנכינה של אוויילה, ספרד, ונעשה על ידי עצמו מהעילוי לאחר שראה את המראה של ישו בזמן מצב של חוויה. האנשים ליד הספינה נלכבים מציור ללה נין וצילום של פאולוס ולסקז עבור השקיפות של ברדה.

בסוף הלימודים שלו על ישו, דאלי כתב: "ראשית, בשנת 1951, חלמתי חלום קוסמוס בו ראיתי את התמונה זו בצבע ושבה חלמתי את מרכז האטום. הליבה הזאת קיבלה לאחר מכן משמעות מטאפיזית: חשבתי על 'הלב של היקום' של ישו! שנית, בעזרת ההנחיות של האב ברונו, כרמלי, אני הולך לראות את ישו ממורט המזוהה על ידי סן חואן, פיתחתי גיאומטרית משולש ועיגול, שסכם אסתטית את כל ניסיונותיי הקודמים, והרשמתי את ישו שלי בתוך המשולש הזה".

יצירה זו נתפסת כחד משמעית על ידי קישיקרו גדול של אמנות כאשר הוצגה לראשונה בלונדון.

הציור היה אחד מהרכישות השנויות במחלוקת ביותר של ד"ר טום הונימן, אשר היה אז המנהל של המוזיאונים של גלזגו. כיום נתפס באופן נרחב כי ד"ר הונימן קיבל החלטה מאוד חכמה כשביקש מהמועצה של גלזגו שהעיר תוכל לקנות את הציור.

הונימן לא רכש רק את הציור במחיר נמוך יותר מהמחיר המוצג, אלא גם רכש את זכויות הקניין של הציור מאלברט דאלי, ובכך מבטיח את התורשה הכנגדית של הרכישה.

עם זאת, על אף שהציור לא התקבל בעת זו, התלמידים של בית ספר האמנות של גלזגו טוענים שהכסף היה יכול לשמש לרכישת עבודות של אמנים סקוטים או של גלזגו.

לאחר שהוצג בקולן קוב והאתר פוסי 1952, נדאלי סיפק את המבקרים המוניים.

הציור באוספים של המוזיאונים של גלזגו לא היה חף מדרמה, שכן הוא נפגם פעמיים, כאשר המפורסם ביותר כאשר הבד נקרע בצורה חמורה על ידי מבקר שהיה עם אבן חדה. השומרים של קליבר הצליחו לתקן את הציור עד שעל הנזק עכשיו כמעט לא שמים לב.

יותר מ-60 שנים לאחר רכיבתו המקורית, הכוח הנמשך של הציור אינו מראה סימנים של ירידה וכעת הוא אחד מהתצוגות הפופולריות ביותר במוזיאון.

KUADROS ©, ציור מפורסם על הקיר שלך.