Taidetieteen perusasiat juontavat juurensa kymmeniin tuhansiin vuosiin, jolloin muinaiset sivilisaatiot käyttivät käytettävissä olevia tekniikoita ja medioita kulttuurisesti merkittävien aiheiden esittämiseen. Näistä ensimmäisistä esimerkeistä on syntynyt lukuisia taidesuuntauksia, joista jokaisella on omat tyylinsä ja erityispiirteensä, jotka heijastavat aikakauden poliittisia ja sosiaalisia vaikutteita.
Mitä fauvismi tarkoittaa ja mistä konseptualismi taiteessa kertoo? Taiteesta puhuminen on oma alansa, ja jos olet uusi tässä maailmassa, sinulla on todennäköisesti paljon kysyttävää, erityisesti jokaisesta liikkeestä ja eri taidetyypeistä.
Vaikuttavat taidetyylit, renessanssista modernismin syntyyn saakka, ovat jättäneet pysyvän jäljen historiaan.
Selkeyttämällä käsitteet taiteen historiasta ja taidesuuntauksien merkityksestä ymmärrämme syvemmin, miten kuuluisat taiteilijat kuten Van Gogh, Picasso ja Warhol mullistivat taidemaailmaa.
Kuadros on valmistanut sinulle listan tärkeimmistä liikkeistä.
No.1 Italian renessanssi (1400–1550)
Johtavia nimiä: Ghibertin ovet, Brunelleschi, Donatello, Botticelli, Leonardo, Michelangelo, Raphael.
1400-luvun lopulla joukko italialaisia ajattelijoita julisti elävänsä uudessa aikakaudessa. Tumma ja barbaarinen "Keskiaika" oli päättynyt; oppimisen, kirjallisuuden, taiteen ja kulttuurin "rinascità" ("renessanssi") alkoi. Tämä oli renessanssin aikakauden synty. Vuosisatojen ajan tutkijat ovat olleet yhtä mieltä siitä, että italialainen renessanssi tapahtui näin: 1400- ja 1600-lukujen välillä muodollinen tapa ajatella maailmaa ja ihmisen paikkaa siinä syrjäytti vanhat ideat. Monet tämän aikakauden tieteelliset, taiteelliset ja kulttuuriset saavutukset jakavat yhteisiä teemoja, erityisesti humanistisen uskon, että ihminen on oman universuminsa keskipiste.
Italia 1400-luvulla oli erilainen kuin mikään muu paikka Euroopassa. Se oli jakautunut itsenäisiin kaupunginvaltioihin, joilla kaikilla oli oma hallintonsa. Firenze, jossa italialainen renessanssi alkoi, oli itsenäinen tasavalta ja pankki- ja kauppakeskus. Rikkaat fiorentilaiset näyttivät valtaansa tukemalla taiteilijoita ja älymystöä, muuttaen kaupungista Euroopan ja renessanssin kulttuurikeskuksen.
Renessanssi jakautuu kahteen pääosaan:
Varhaisen renessanssin aikana taiteilijat alkoivat hylätä bysanttilaisen tyylin uskonnollisessa maalauksessa ja pyrkivät luomaan realismia ihmisen muodon ja tilan esittämisessä. Tämä tavoite alkoi Cimabuelta ja Giotolta ja saavutti huippunsa taiteilijoilla kuten Andrea Mantegna ja Paolo Uccello. Vaikka uskonto oli edelleen tärkeä jokapäiväisessä elämässä, mytologiset aiheet tulivat myös esiin. Monet pitävät Botticellin syntymä Venuksesta ensimmäisenä paneelimaalauksena mytologisesta kohtauksesta.
Aikakausi, jota kutsutaan korkeaksi renessanssiksi, edustaa varhaisen renessanssin tavoitteiden huipentumaa. Huomattavimmat taiteilijat ovat Leonardo da Vinci, Raphael, Titian ja Michelangelo. Heidän maalauksensa ja freskonsa ovat joitakin maailman tunnetuimmista teoksista, kuten Viimeinen ehtoollinen, Ateenan koulu ja Michelangelon Sikstuksen kappelissa olevan katon maalaukset.
Osta toisenlaista La Mona Lisasta Kuadrosin verkkokaupasta
No.2 Barokki (1600–1750)
Johtavia nimiä: Rubens, Rembrandt, Caravaggio, Velázquez, Versailles'n palatsi.
Barokki-termi johtuu todennäköisesti italiankielisestä "barocco":sta, jota käytettiin keskiajalla kuvaamaan loogisia esteitä. Myöhemmin siitä tuli merkki monimutkaisista ideoista tai kieroutuneista ajatusprosesseista. Toinen mahdollinen lähde on portugali "barroco" (espanjaksi "barrueco"), joka kuvaa epäsäännöllistä tai epätäydellistä helmikarttaa. Barokki on taide- ja arkkitehtuuriliike, joka kehittyi Euroopassa 1600-luvun alusta 1700-luvun puoliväliin. Se painotti dramaattista ja liioiteltua liikettä sekä selkeitä yksityiskohtia tuottaakseen draamaa, jännitettä, ylellisyyttä ja suurisuuntaisuutta.
Ensimmäiset ilmenemismuodot tapahtuivat Italiassa 1500-luvun viimeisinä vuosina, kun taas joillakin saavutuksilla barokin osalta Saksassa ja siirtomaa-alueilla Etelä-Amerikassa oli odotettavissa vasta 1700-luvulla.
Taiteilijat herättivät henkiin renessanssin kauneuden ihanteet, antamalla taideteoksille, musiikille ja arkkitehtuurille uuden ylimitoitetun ja koristeellisen ilmeen. Tätä tyyliä, jota kutsutaan barokiksi, leimaavat innovatiiviset tekniikat ja yksityiskohtaiset järjestelmät, jotka tarjoavat runsaan visuaalisen kielen suhteellisen kohtuullisessa taiteen aikakaudessa. Barokki levisi läpi Euroopan, jota tukivat paavi Roomassa ja katoliset hallitsijat Italiassa, Ranskassa, Espanjassa ja Flanderissa. Se levisi vielä enemmän uskonto- järjestöjen kautta luostareihin ja nunnaluostareihin.
Uusi barokkityyli oli sekä aistillinen että henkinen. Luonnollinen käsittely teki uskonnollisista kuvista helpompia lähestyä, kun taas dramaattiset ja illuusiorikkaat tehosteet stimuloivat hurskautta ja välittivät jumalallista loistoa. Kirkkojen katot sulautuivat maalattuihin kohtauksiin, jotka suuntasivat aistit kohti taivasta.
Vaikka teema ja tyyli voivat vaihdella barokkimaalauksissa, useimmat jakavat draaman yhteisen elementtinä. Taiteilijoiden, kuten Caravaggion ja Rembrandtin teoksissa kiinnostus draamaan ilmenee intensiivisissä valo- ja varjokontrasteissa.
Suurin mestari Espanjan hallitsemalla katolisella alueella oli maalarimme Peter Paul Rubens, joiden dynaamiset kompositiot ja energiset hahmot ovat barokki-taiteen huipentuma. Anthony van Dyckin elegantit muotokuvat ja Jacob Jordaensin vankat teokset seuraavat hänen esimerkkiään. Alankomaissa taidetta vaikutti realististen makujen keskiluokka, joten maalareita kuten Rembrandt ja Frans Hals pysyivät tärkeitä barokkityyliin riippumattomina. Barokilla oli kuitenkin huomattava vaikutus Englannissa, erityisesti Sir Christopher Wrenin ja Sir John Vanbrugh'n suunnittelemissa kirkoissa ja palatseissa.
Kuten renessanssin patsaat, kuten ikoninen Michelangelon David, barokki-veistokset oli usein tarkoitettu koristamaan suuria rakennuksia ja muita näyttäviä paikkoja, kuten kirkkojen sisätiloja ja kuninkaallisia puutarhoja.
Barokin viimeinen kukoistus tapahtui Etelä-Saksassa ja Itävallassa, jossa paikalliset arkkitehdit poikkesivat italiankielisistä malleista 1720-luvulla.
Osta toisenlaista Las Meninasista Kuadrosin verkkokaupasta
No.3 Realismi (1848–1900)
Johtavia nimiä: Corot, Courbet, Daumier, Millet.
Realismi on luonnon tai nykyelämän tarkka, yksityiskohtainen ja ilman koristeita esittäminen. Se hylkää idealisoinnin ulkoisten näkökohtien huolelliselle tarkkailulle. Tämän vuoksi realismi on katettu moniin taiteellisiin liikkeisiin eri sivilisaatioissa. Näkyvissä taiteissa, kuten kreikkalaisissa helenisissä veistoksissa, on kuvattu nyrkkeilijöitä ja vanhuksia. 1600-luvun maalaajien, kuten Caravaggion, hollantilaisen genremaalauksen, espanjalaisten José de Riveran, Diego Velázquezin ja Francisco de Zurbaránin, sekä ranskalaisten Le Nainin veljesten teoksissa on realistinen lähestymistapa. 1700-luvun englantilaiset romaanikirjailijat Daniel Defoe ja Henry Fielding voivat myös olla realistisia teoksia.
Realismi syntyi Ranskassa 1850-luvulla, 1848 vallankumouksen seurauksena, joka määritteli "työoikeuden" maassa. Se toi esiin tavallisten ihmisten, ajankohtaisten tapahtumien ja arkipäiväisten kohtauksien taiteelliset aiheet.
Se levisi Eurooppaan, Aleksanteri II:n Venäjästä pikku Viktoria Englantiin, Wilhelm I:n Saksasta, Risorgimento Italiaan ja yli. Vuosi 1855 oli tärkeä Euroopan realismin vakiinnuttamisessa.
Gustave Courbet on realistisen liikkeen keskeinen hahmo. Hän loi peruskäsitykset 1840-luvulla esittämällä maalaajina maanviljelijöitä ja työntekijöitä ilman niiden glorifiointia, esittäen heidät rohkeasti ja julkisesti, mikä aiheutti kiistaa.
Courbet'n tyyli ja teema perustuvat Barbizonnin koulun taiteilijoihin. Théodore Rousseau, Charles-François Daubigny, Jean-François Millet ja muut asettuivat ranskalaiseen Barbizoniin yleisenä tavoitteenaan toistuva melkein paikallisen maiseman luonne.
Ranskan ulkopuolella realistinen maalaus oli hyvin edustettuna Yhdysvalloissa 1800-luvulla. Winslow Homerin voimakkaat ja ilmeikkäät meriaiheiset maalaukset ja Thomas Eakinsin teokset antavat rehellisten ja tarkasti tarkkailtujen nykyaikaisten elämien kuvastoja. Realismi oli tärkeä suuntaus 1900-luvun taiteessa, joka syntyi taiteilijoiden halusta esittää elämän arkea rehellisemmille ja idealisoimattomille näkemyksille tai käyttää taidetta sosiaalisen ja poliittisen kritiikin välineenä.
Lisäksi realismi inspiroi suoraan nykytaideliikkeitä, kuten valokuva-realismia ja hyper-realismia, osoittaen sen jatkuvan ja kehittyvän perinnön.
Osta toisenlaista Las Espigadorasista Kuadrosin verkkokaupasta
No.4 Impressionismi (1865–1885)
Johtavia nimiä: Monet, Manet, Renoir, Pissarro, Cassatt, Morisot, Degas.
Ranskalainen impressionismi on tärkeä liike, joka kehittyi pääasiassa Ranskassa 1800-luvun lopulla ja 1900-luvun alussa. Sen huomattavin piirre oli yrittää taltioida visuaalinen todellisuus tarkasti ja objektiivisesti tilan ja valon väliaikaisten vaikutusten myötä. Impressionistiset taiteilijat esittivät uuden tavan tarkastella ja kuvata maailmaa, luopuen realistisista esityksistä vain ohikiitäville ympäristövaikutuksille, usein ulkona. Musiikissa se yritti välittää ideaa tai vaikutusta melun pesuna sen sijaan, että se olisi tiukasti muodollinen rakenne.
1860-luvun lopulla Manet'n taide heijasteli uutta estetiikkaa, joka olisi vaikuttava tekijä impressionististen töiden ohjaamisessa, jossa perinteisen aihepiirin painoarvo väheni ja huomio siirtyi värin, sävyn ja tekstuurin manipulointiin.
Vuonna 1874 joukko taiteilijoita nimeltä Anonyymi Maalaajat, Veistokset, Kaiverrukset jne. järjestivät näyttelyn Pariisissa, joka käynnisti impressionismiliikkeen. Sen perustajajäsenet olivat Claude Monet, Edgar Degas ja Camille Pissarro. Monet'n maalaus Impressio, auringonnousu (1872) sai heiltä alun perin pilkkoavan nimen "Impressionist". Taiteilijat ottivat nimen pian omaan käyttöönsä kuvaamaan heidän aikomustaan välittää tarkasti "visuaalisia vaikutelmia". Vaikka konservatiiviset kriitikot kritisoivat töitä epätyypillisestä ja rouheasta ulkoasusta, edistykselliset kirjoittajat ylistivät niitä modernin elämän kuvastamisena.
Impressionismi on määritelty ominaisuuksilla, kuten rento maalipinta, erottuvat värit, arkisten teemojen esitykset, valon painottaminen ja valokuvasta inspiroituneet kompositiot.
1880-luvun puolivälissä impressionistiryhmä alkoi hajota, kun kukin maalarista ajoi omia kiinnostuksen kohteitaan ja esteettisiä periaatteitaan. He kuitenkin saavuttivat vallankumouksen taiteen historiassa, tarjoten teknisen lähtökohdan jälkimpressionistisille taiteilijoille, kuten Cézanne, Degas, Gauguin, Van Gogh ja Georges Seurat, vapauttamalla lännen taide perinteisistä tekniikoista ja lähestymistavoista.
Impressionismin perintö ja nykytilanne
Modernismin lähtökohtana impressionismi vaikutti moniin myöhempiin liikkeisiin. Jälkiimpressionistit omaksuivat rentoa maalaustekniikkaa; abstraktit ekspressionistit löysivät inspiraatiota Monet'n epätavallisista lähestymistavoista; ja monet nykyaikaiset taiteilijat jatkuvat neoimpressionistisessa tyylissä.
Osta toisenlaista Mujer con Sombrilla Kuadrosin verkkokaupasta
No.5 Postimpressionismi (1885–1910)
Johtavia nimiä: Van Gogh, Gauguin, Cézanne, Seurat.
Postimpressionismi on termi, jota käytetään kuvaamaan reaktiota 1880-luvulla impressionismille. Sen johdatti Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent van Gogh ja Georges Seurat. Postimpressionistit hylkäsivät impressionismin huolenpidon lumottu ja naturalistinen valon ja värin esittämiselle.
Nämä taiteilijat, lukuun ottamatta Van Goghia, olivat ranskalaisia, ja suurin osa heistä aloitti impressionisteina; kukin hylkäsi tyylin luodakseen oman henkilökohtaisen taiteensa.
Kuten impressionistit, he painottivat kuvan keinotekoisuutta. He uskoivat, että väri voi olla riippumaton muodosta ja komposiosta, mikä itsessään on merkityksellinen emotionaalinen ja esteettinen viesti. Sekä impressionismi että postimpressionismi sisältävät joitakin modernin taiteen tunnetuimmista teoksista, kuten Monet'n lumpeet ja La Noche Estrellada Van Goghilta.
He jakoivat työt julkisuudessa itsenäisissä näyttelyissä Pariisissa. Vuonna 1910 taidekriitikko Roger Fry kehitti termin "postimpresionismi", hänen näyttelyksensä "Manet ja postimpressionistit". Fry uskoo, että taiteen kauneus on juurtunut havaintoihin. "Taide on ilmaisua ja elävän mielikuvituksen innoittajaa, ei kopio todellista elämää," hän selitti "An Essay in Aesthetics" -teoksessaan.
Postimpressionistit uskoivat, että taideteoksen ei tulisi kiertää tyyliä, prosessia tai esteettistä lähestymistapaa, vaan korostaa symboliikkaa, jota kommunikoidaan taiteilijan alitajunnasta.
He usein näyttelivät yhdessä, mutta toisin kuin impressionistit, jotka aloittivat yhtenäisen ryhmän, he maalasivat ensisijaisesti yksin. Cézanne maalasi eristyksissä Aix-en-Provencessa; Gauguin asettui Tahiitille 1891; ja Van Gogh maalasi maalla Arlesissa. Sekä Gauguin että Van Gogh hylkäsivät impressionismin objektiivisuuden henkilökohtaisemman henkisen ilmaisun hyväksi.
"Väri! Mikä syvä ja salaperäinen kieli, unelmien kieli." - Paul Gauguin
Toisin kuin impressionistit, jotka pyrkivät vangitsemaan luonnollisen valon vaikutuksen, postimpressionistit käyttivät keinotekoista väripalettia kuvatakseen omaa käsitystään maailmasta. Värikylläiset sävyt ja moniväriset varjot näkyvät heidän maalauksissaan, mikä osoittaa heidän innovatiivisen lähestymistapansa.
Postimpressionismi poikkesi naturalistisesta lähestymistavasta ja suuntasi kohti liikkeitä kuten kubismi ja fauvismi, jotka pyrkivät herättämään tunteita värin ja viivan avulla.
Osta toisenlaista La Noche Estrellada Kuadrosin verkkokaupasta
No.6 Fauvisti ja ekspressionismi (1900–1935)
Vahvoja maalaustekniikoita, värejä, jotka hyppäävät sivulta, ja luonnollisia sävyjä - fauvisti ja ekspressionismi ovat kaksi liikettä, jotka tuottavat nämä ominaisuudet. Joten mikä on niiden välinen ero, jos ne voidaan kuvata samalla tavalla? Ensiksi me selitämme fauvisti ja ekspressionismi erikseen.
Fauvisti
Johtavia nimiä: Matisse, Derain, Signac
Fauvismi valloitti taidemaailman 1905–1910. Sen ominaispiirteitä olivat voimakkaat värit ja rohkeat siveltimenvedot. Joissakin tapauksissa taiteilijat käyttivät maalia suoraan tuubista. Värien ei tarvinnut olla luonnollisia; niitä voitiin muuttaa tunteiden esittämiseksi. He valitsivat yksinkertaisia aiheita, ja sen vuoksi maalauksista tuli lähes abstrakteja. Taidekriitikko Louis Vauxcelles käytti termiä kuvaamaan Henri Matisse'n ja André Derainin työtä "les fauves" tai "pedot" vuoden 1905 Salon d’Automne -näyttelyssä. Heidän teoksensa olivat täynnä epänormaalisia värejä ja hurjia maalaustekniikoita kankaalla. Se aloitti fauvisti-liikkeen.
Fauvisti olivat voimakkaasti kiinnostuneita 1800-luvun tieteellistä väriteoriaa. Erityisesti käyttämällä vastavärejä, he ymmärsivät, miten värejä voi saada näyttämään kirkkaammilta ja voimakkaammilta.
Matisse'n maalaus "Mujer con sombrero" sai arvostelua luonnottomista väreistä naisen kasvoissa. Paul Signac tunnetaan pisteillään ja oli Matisse’n mentori. Pisteily on tekniikka, jossa pieniä ensisijaisia väripisteitä asetetaan yhteen; taustalta katsoessaan ne sulautuvat yhdeksi kuvaksi. Tämä voidaan verrata pikseleiden käyttäytymiseen tietokoneen näytöllä.
Fauvististen taiteilijoiden joukossa olivat myös Georges Braque, Raoul Dufy, Georges Rouault ja Maurice de Vlaminck.
Ekspressionismi
Johtavia nimiä: Munch, Kandinsky, Klee
Ekspressionismi on yleinen termi mille tahansa taideteokselle, joka vääristää todellisuutta vastaamaan taiteilijan sisäisiä tunteita, näkökulmia tai ideoita. Yhteenvetona voidaan todeta, että se on taidetta, joka ilmaisee sisäisiä todellisuuksia ulkoisessa maailmassa. Ekspressionistisille teoksille on ominaista voimakkaat ja epätavalliset värit sekä suurena määränä käytetty maalaustekniikka, joka luo tekstuuria kankaalle.
Ekspressionismi syntyi "iältäpäin", ja se heijastaa taiteilijan tunteita enemmän kuin kohtauksen esittämistä. Kaksi vaikutusvaltaista ekspressionistista taiteilijaa olivat Emil Nolde ja Edvard Munch.
Miksi aiheen osalta ekspressionistinen taide on usein tunnepitoista ja joskus jopa myyttistä. Koska ekspressionismi on niin laaja termi, on helppo liittää se minkä tahansa aikakauden taiteeseen, mutta sitä sovelletaan yleensä 1900-luvun taiteeseen. Sen sanotaan alkaneen Vincent van Goghin työstä ja ulottuvan moderniin taiteen aikakauteen, kuten me sen tänä päivänä tunnemme.
Suurimmat vaikuttajat ekspressionistiselle liikkeelle ovat olleet taiteilijat, kuten Wassily Kandinsky, Paul Klee, Max Beckmann, Ernst Ludwig Kirchner ja muut.
Osta toisenlaista El Gritosta Kuadrosin verkkokaupasta
Fauvismi voidaan nähdä osana ekspressionismia. Ne käyttävät samanlaisia tekniikoita ja luokitellaan samoilla ominaisuuksilla; todellinen ero on fauvistin erityinen luonteenpiirre verrattuna ekspressionismin yleisyyteen.
Jotain, joka voidaan nähdä fauvistisena, voi myös olla osa ekspressionismikenttää, mutta ei kaikki ekspressionismi ole fauvismia. Fauvismi on hiukan villimpi, mutta sen teema on yksinkertaisempi.
No.7 Kubismi (1905–1920)
Johtavia nimiä: Pablo Picasso, Georges Braque
Kubismi on 1900-luvun erittäin vaikutusvaltainen visuaalinen taustajärjestelmä, jonka loivat pääasiassa Pablo Picasso ja Georges Braque Pariisissa vuosina 1907-1914. Kubistinen tyyli korosti kuvan pinnallista ja kaksidimensionaalista luonteenpiirrettä ja hylkäsi perinteiset perspektiivitekniikat, vuorovaikuta, mallintamismenetelmät ja chiaroscuro, kumoten vanhat teorian, jonka mukaan taiteen tulisi jäljitellä luontoa. Kubistit uskoivat, että lännen taiteen traditiot olivat ehtyneet, ja elvyttääkseen teoksensa he kääntyivät muiden kulttuurien, erityisesti afrikkalaisen taiteen, voimakkaan energian puoleen.
Kubismi saa nimensä kriitikko Louis Vauxcelles'in kommenteista, joka kuvaili vähättelevästi Braquen työtä vuonna 1908 kuutioiden koostumukseksi. Braquen maalaustyössä talojen volyymit, puiden sylinterimäiset muodot ja värisävy muistuttavat Paul Cézannen maisemia, joka vaikutti syvästi kubisteihin heidän kehityksensä ensimmäisessä vaiheessaan (vuoteen 1909). Kuitenkin Les Demoiselles d'Avignon, joka kuvattiin Picassolla vuonna 1907, ennakoi uuden tyylin; tässä työssä viiden alastoman naisen muodot muuttuvat kulmikkaiksi ja murtuneiksi figuureiksi.
Kubismi kehittyi kahteen erilliseen vaiheeseen: analyyttinen kubismi ja synteettinen kubismi. Analyyttinen kubismi (1908-1912) on austera ja sitä leimaa tasojen ja viivojen yhdistelmä hillityissä sävyissä. Synteettinen kubismi (1912-1914) määrittele tavallisia muotoja ja kirkkaita värejä yhdistäviä yksinkertaisia elementtejä, kuten sanomalehtiä. Reaalisten esineiden sisällyttäminen taiteeseen oli taiteen modernin aikakauden tärkeimmistä ideoista.
Vaikka Picasso ja Braque ovat saaneet kunnian tämän uuden visuaalisen kielen luomisesta, sitä hyväksyttiin ja kehitettiin monien taiteilijoiden toimesta, mukaan lukien Fernand Léger, Robert ja Sonia Delaunay, Juan Gris ja muut. Kubismi vaikutti myös syvästi 1900-luvun veistoksiin ja arkkitehtuuriin.
Kubismista käynnistetyt lujat muodolliset konseptit ovat olleet laaja-alaisia vaikutuksia liikkeille kuten Dada ja surrealismi, samoin kuin taiteilijoille, jotka etsivät abstraktiota ympäri maailmaa.
No.8 Dada ja Surrealismi (1917–1950)
Dada
Johtavia nimiä: Hugo Ball, Marcel Duchamp, Emmy Hennings, Hans Arp, Raoul Hausmann, Hannah Höch, Francis Picabia, George Grosz
Dada oli eurooppalainen avantgardetaideliike, jonka keskus sijaitsi Zürichissä ja New Yorkissa. Se syntyi suoraan ensimmäisen maailmansodan verilöylyyn, propagandaan ja hulluuteen. Tällaisten omien ryhmien yhteyksistä syntyi yhteisiä ideoita Berliinissä, Pariisissa ja muualla. He eivät jakaneet universaalia tyyliä, vaan olivat kytköksissä taiteilun ja älyllisten vanhentuneiden normien hylkäämiseen.
Nimi "Dada", joka tuli sattumalta sanakirjasta vuonna 1916, tarkoittaa ranskaksi "hevoset", joka on meinattu "kaksi" romania ja venäjää. Mutta, taideliikkeenä se tarkoittaa todella mitään. Kyllästyttyään kulttuuriin, joka tuotti ensimmäisen maailmansodan teurastuksen, dadaistit kyseenalaistivat kaikki konventiot ja juhlivat sattumaa ja absurdiutta.
Dadan juuret ulottuvat sotaa edeltävään avantgarde-kulttuuriin. "Anti-taide" -termi, Dadan edeltäjä, kehitettiin Marcel Duchampin toimesta noin vuonna 1913, jossa viitataan teoksiin, jotka kyseenalaistavat taiteen hyväksyttyjä rajoituksia.
Dada-liike sisälsi julkisia kokoontumisia, esityksiä ja taide- ja kirjallisuuslehtien julkaisemista. Taide, politiikka ja kulttuuri olivat usein käsiteltyjä aiheita monenlaisin keinoin.
Surrealismi
Johtavia nimiä: Max Ernst, André Masson, Salvador Dalí, René Magritte
Surrealismi on yksi 1900-luvun merkittävimmistä ja alaisista liikkeitä. Se syntyi 1920-luvulla ja tarjosi radikaalin vaihtoehdon kubismin rationaalisille ja muodollisille ominaisuuksille. Se oli kirjallinen, filosofinen ja taiteellinen liike, joka tutki mielen toimintaa, puolustaen järjetöntä, runollista ja vallankumouksellista.
Toisin kuin Dada, josta se syntyi monilla tavoilla, se korosti aiempien traditioiden positiivista hylkäämistä. André Breton, uusi runoilijoiden ja taiteilijoiden joukko johtaja Pariisissa, määritti surrealismia "Surrealistinen manifesti" (1924) mukaan, että "puhtautuvan psykologian automatiikkaa, jota tahdotaan ilmaista... todellisuuden ajattelua varten."
Surrealistisessa visuaaliseen ilmenemiseen on erottuvia lankoja. Taiteilijat, kuten Max Ernst ja André Masson, suosivat automatiikkaa, jossa tietoista kontrollia karsitaan ja alitajunta saa saada vallan. Toisaalta Salvador Dalí ja René Magritte puolustavat huumaavaa ylirealismia, jossa esitetyt kohtaukset eivät ole aitoja merkitykseltään. Kolmas muunnelma oli määrittää epäaktiivisia elementtejä, jolloin se luo todellisuutta normaalien rajojen ulkopuolella.
Surrealismi sai alkunsa Pariisista, mutta sen vaikutus levisi lehtien ja kansainvälisten näyttelyjen kautta. Toinen maailmansota aloitti surrealistisen aktiviteetin muutaman New Yorkiin. Vaikka liikettä ei enää ollut yhtenäistä sodan jälkeen, se on säilyttänyt voimakkaan vaikutuksen nykyaikaiseen taiteeseen.
No.9 Abstrakti ekspressionismi (1940–1950)
Johtavia nimiä: Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline
"Abstrakti ekspressionismi" oli liike, joka kehittyi New Yorkissa 1940- ja 1950-luvulla. Vaikka termi ei ollut ideaalinen, se kattoi taiteilijat, jotka täyttivät kankaansa värikentillä ja abstrakteilla muodoilla, sekä ne, jotka hyökkäsivät kankaalle ekspressionistisen intensiivisesti. Kaikki sitoutuivat taiteeseen itsensä ilmaisuna, joka syntyi syvästä tunteesta ja universaaleista aiheista.
Liike kattoi monia erilaisia maalauksen suuntauksia. Jotkut taiteilijat, kuten Jackson Pollock ja Willem de Kooning, tunnistettiin irtonaisista ja dynaamisista maalaustekniikoista. Toiset, kuten Mark Rothko, käyttivät suuria alueita tasaväristä saavuttaakseen hienovaraisia ja mietiskelyllisiä vaikutuksia.
Vaikka liikettä on usein esitetty suurimmilta osin miesten taiteilijoiksi, oli monia tärkeitä naisia, joilla oli merkittävä rooli aikakauden aikana.
No.10 Pop Taide (1960)
Johtavia nimiä: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist, Claes Oldenburg
Pop-taide alkoi New Yorkin taiteilijoista kuten Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist ja Claes Oldenburg, jotka saivat inspiraatiota suosiosta ja olivat osa kansainvälistä ilmiötä. Se oli kapina taiteen ja kulttuurin hallitsevia käsityksiä vastaan ja perinteisiä mielipiteitä vastaan, mitä taide pitäisi olla. Nuoret taiteilijat tunsivat, että se, mitä heille opetettiin taidekoulussa ja mitä he näkivät museoissa, ei liittynyt heidän elämäänsä.
Vuonna 1957 pop-taiteilija Richard Hamilton luetteli pop-taiteen ominaisuudet kirjeessään: "Pop-taide on: suosittua, tilaisuuden mukaista, liikaa, alhaista hintaa, massatuotettua, nuorta, kekseliästä, seksikästä, näyttävää, loistavaa, suurta liiketoimintaa."
Pop vei taiteen uusiin teematason ja kehitteli tapoja esittää sitä, ja voidaan nähdä, että se on yksi ensimmäisiä ilmeitä postmodernismista.
No.11 Postmodernismi (1970–)
Johtavia nimiä: Gerhard Richter, Cindy Sherman, Anselm Kiefer, Frank Gehry, Zaha Hadid
Marilyn en el Cielo - James Gill
Termi "postmodernitaide" viittaa laajaan kategoriaan nykytaidetta, joka syntyi noin vuodesta 1970 eteenpäin. Sen tärkein ominaispiirre on sen hylkääminen estetiikasta, jolla sen edeltäjä "modernitaide" perustuisi. Yksi hylätyistä arvoista on ajatus siitä, että "taide" on jotain "erityistä", joka tulisi eristää suosituista mieltymyksistä.
Luonnostaan anti-authoritäärinen, postmodernismi kieltäytyi tunnustamasta minkään tyyliin tai määrittelyyn, mitä taide tä pitäisi olla. Se kumosi erottelun korkean kulttuurin ja populaarikulttuurin, taiteen ja jokapäiväisen elämän välillä. Se esitteli uuden aikakauden vapautta ja ajatusta, että "kaikki kelpaa".
Yhdistämällä usein erilaisia tyylejä ja medioita, postmodernitaide voi myös lainata tai kommentoida ironisesti menneiden aikakausien tyylejä. Postmodernit pitävät asemaansa teoreettisena mukaan ottavina ja demokraattisina.
1980- ja 1990-luvuilla postmodernismi muuttui epäviralliseksi identiteettipoliittiseksi liikkeeksi.
KUADROS ©, kuuluisa maalaus seinälläsi.
