Allt om Art Nouveau

Art Nouveaus början

Framträdandet av Art Nouveau - bokstavligen "Ny Konst" - kan tillskrivas två skilda influenser: den första var introduktionen, runt 1880, av den brittiska rörelsen Arts and Crafts, som, liksom Art Nouveau, var en reaktion mot den röriga designen och de dekorativa konstkompositionerna från den viktorianska eran.

Den andra var den rådande modet för japansk konst, särskilt trägravyren, som svepte över många europeiska konstnärer under 1880- och 1890-talen, inklusive konstnärer som Gustav Klimt, Emile Gallé och James Abbott McNeill Whistler. De japanska träblockgravyren innehöll särskilt blommiga och bulbformade former, samt "pisksvängda" kurvor, som alla var nyckelelement i vad som så småningom skulle bli Art Nouveau.

Japansk Art Nouveau - Katsushika Hokusais våg

Det är svårt att peka ut de första konstverken som officiellt startade Art Nouveau. Vissa hävdar att de tryckta och flödande linjerna samt de blommiga bakgrunderna som finns i målningar av Vincent van Gogh och Paul Gauguin representerar födelsen av Art Nouveau, eller kanske till och med de dekorativa litografierna av Henri de Toulouse-Lautrec, som Moulin Rouge: La Goulue (1891).

Men de flesta pekar på ursprunget av dekorativ konst, och särskilt på omslaget till en bok av arkitekten och den engelska designern Arthur Heygate Mackmurdo för volymen 1883 Wren's City Churches.

Mackmurdo, Arthur: tillskriven som den första representanten för Art Nouveau

Bokens design visar slingrande blomsterstjälkar som sträcker sig från ett platt block i botten av sidan, vilket tydligt påminner om japansk trägravyr.

Art Nouveau-utställningar

Art Nouveau var ofta mer framträdande på internationella utställningar under sin storhetstid. Den nya stilen njöt av en central scen på fem särskilda mässor: Exposition Universelles 1889 och 1900 i Paris; Tervueren-utställningen 1897 i Bryssel, där Art Nouveau i stor utsträckning användes för att visa på möjligheterna med hantverk med de exotiska träslagen från Belgiska Kongo; den Internationella utställningen för Moderna Dekorativa Konster i Turin 1902; och den Internationella utställningen i Östra Frankrike 1909 i Nantes.

Vid var och en av dessa mässor var stilen dominerande när det gällde de dekorativa konsterna och den arkitektur som ställdes ut, och i Turin 1902 var Art Nouveau verkligen den stil som valdes av praktiskt taget alla designers och alla representerade nationer, med undantag av någon annan.

Affisch för den Internationella utställningen av Modern Dekorativ Konst

Art Nouveau: en konstströmning med tusen namn

Siegfried Bing, en tysk handlare och connoisseur av japansk konst som bodde i Paris, öppnade en butik som hette L'Art Nouveau i december 1895, som blev en av de främsta leverantörerna av stilen inom möbler och dekorativ konst. Snart blev butikens namn synonymt med stilen i Frankrike, Storbritannien och USA. Den stora populariteten av Art Nouveau i Västeuropa och Centraleuropa innebar dock att den hade flera olika namn. I tysktalande länder kallades den vanligtvis Jugendstil (ungdomsstil), hämtat från en tidning i München som hette Jugend som populariserade den. Under tiden, i Wien, hem till Gustav Klimt, Otto Wagner, Josef Hoffmann och de andra grundarna av Wien-sektionen, kallades den Sezessionsstil (secessionsstil).

 

Den kallades också Modernismo på spanska, Modernisme på katalanska och Stile Floreale (blomsterstil) eller Stile Liberty i Italien, den senare med anledning av Arthur Libertys tygaffär i London som hjälpte till att popularisera stilen. I Frankrike kallades den vanligtvis Style Moderne och ibland Style Guimard till ära av sin mest kända praktiker där, arkitekten Hector Guimard, medan den i Nederländerna ofta kallas Nieuwe Kunst (Ny konst).

Det bör påpekas att dess många motståndare också gav den flera nedsättande namn: Style Nouille (nudelstil) i Frankrike, Paling Stijl (ålstil) i Belgien och Bandwurmstil (bendelormsstil) i Tyskland, alla namn som gjorde en lekfull referens till Art Nouveaus tendens att använda böljande och flytande linjer.

Art Nouveau: koncept, stilar och trender

Art Nouveaus utbreddhet i slutet av 1800-talet kan delvis förklaras av användningen av många konstnärer av populära och lätt reproducerbara former som återfinns inom grafisk konst. I Tyskland tryckte Jugendstil-artister som Peter Behrens och Hermann Obrist sina verk på bokomslag och mässkataloger, tidningsannonser och affischer.

Men denna trend var på intet sätt begränsad till Tyskland. Den engelska illustratören Aubrey Beardsley, kanske den mest kontroversiella figuren inom Art Nouveau för sin kombination av det erotiska och makabra, skapade en serie affischer under sin korta karriär som använde gracila och rytmiska linjer. Beardsleys högst dekorativa tryck, såsom The Peacock Skirt (1894), var både dekadenta och enkla, och representerar den mest direkta koppling vi kan identifiera mellan Art Nouveau och japonism/ Ukiyo-e gravyrer.

 

Aubrey Beardsleys påfågelskjol - Art Nouveau

I Frankrike populariserade affischer och grafisk produktion av Jules Chéret, Henri de Toulouse-Lautrec, Pierre Bonnard, Victor Prouvé, Théophile Steinlen och några andra den lyxiga och dekadenta livsstilen under belle époque, ungefär perioden mellan 1890-1914, allmänt förknippad med den sorgliga cabaret-distriktet Montmartre i norra Paris.

Deras grafiska verk använde nya kromolitografiska tekniker för att främja allt, från nya teknologier som telefoner och elektriska lampor till barer, restauranger, nattklubbar och till och med enskilda konstnärer, vilka framkallade den energi och vitalitet som präglade det moderna livet. I denna process lyfte de snart affischen från fotgängaranonser till hög konst.

Den modernistiska arkitekturen inom Art Nouveau

Förutom de grafiska och visuella konsterna måste varje seriös diskussion om Art Nouveau ta hänsyn till arkitekturen och den stora påverkan den hade på europeisk kultur. I urbana centra som Paris, Bryssel, Glasgow, Turin, Barcelona, Antwerpen och Wien, samt i mindre städer som Nancy och Darmstadt, tillsammans med platser i Östeuropa som Riga, Prag och Budapest, var Art Nouveaus arkitektur i stor utsträckning rådande, både i storlek och utseende, och är fortfarande synlig idag i strukturer så olika som små radhus till stora institutionella och kommersiella byggnader. Särskilt inom arkitekturen uppvisade Art Nouveau en bred variation av språk.

Många byggnader integrerar en magnifik användning av terrakotta och färgglada plattor. Den franske keramikern Alexandre Bigot blev till exempel berömd till stor del genom produktionen av terrakotta-dekorationer för fasader och skorstenar på parisiska bostäder och flerfamiljshus. Andra Art Nouveau-strukturer, särskilt i Frankrike och Belgien, där Hector Guimard och Victor Horta var viktiga aktörer, uppvisar teknologiska möjligheter med järnstrukturer sammanfogade av glaspaneler.

Casa Batlló – Barcelona - Art Nouveau

I många områden av Europa kännetecknades Art Nouveau-bostadsarkitektur av lokalt stenmaterial, som gul kalksten eller en lantlig, grov estetik med trädetaljer. Och i flera fall användes en skulptural vit puts, särskilt i Art Nouveau-byggnader som användes för utställningar, såsom pavillonerna vid världsutställningen i Paris 1900 och Wien-sektionen. Även i USA hör de vegetabiliska formerna som pryder Louis Sullivans skyskrapor, såsom Wainwright-byggnaden och Chicago-börsen, ofta till de bästa exemplen på den breda arkitektoniska räckvidden av Art Nouveau.

Valvet som återstår från Chicago-börsen - Art Nouveau

Art Nouveau-möbler och inredningsdesign

Precis som de viktorianska stilåteruppvaknandena och Arts and Crafts-rörelsen var Art Nouveau nära förknippat med inredning, åtminstone lika framträdande som fasaddesigner. Liksom dessa andra stilar från 1800-talet, strävade även Art Nouveau-inredning efter att skapa en harmonisk och enhetlig miljö som inte lämnade någon yta orörd. Möbeldesign hade en central plats i detta avseende, särskilt i produktionen av snittet trä som presenterade skarpa och oregelbundna konturer, ofta handgjorda men ibland maskintillverkade. Möbelproducenter tillverkade stycken för alla tänkbara användningar: sängar, fåtöljer, matsalsbord och stolar, skåp, sideboards och kandelabrar. De böljande kurvorna i designen ledde ofta av träets naturliga ådringar och installerades ofta permanent som väggpaneler och lister.

I Frankrike inkluderade de främsta designerna av Art Nouveau Louis Majorelle, Emile Gallé och Eugène Vallin, alla baserade i Nancy, samt Tony Selmersheim, Édouard Colonna och Eugène Gaillard, som arbetade i Paris, de två sistnämnda specifikt för butiken L'Art Nouveau som tillhörde Siegfried Bing, och på så sätt gav hela rörelsen dess vanligaste namn.

Möbel av designern - Louis Majorelle Art Nouveau

I Belgien kan linjerna av nackspärr och de mer vinkelräta och återhållsamma konturerna ses i Gustave Serrurier-Bovys och Henry van de Veldes designer, som beundrade verken av de engelska Arts & Crafts-konstnärerna. De italienska designerna Alberto Bugatti och Augustino Lauro var välkända för sina insatser i stilen där. Många av dessa formgivare rörde sig fritt mellan medierna, vilket ofta gjorde dem svåra att kategorisera: Majorelle, till exempel, tillverkade sina egna möbeldesigner av trä och öppnade ett smedja,

Alberto Bugatti Möbler Art Nouveau

Art Nouveau-måleri och de högre konsterna

Få stilar kan påstå sig vara representerade i nästan alla former av visuella medier och material så fullständigt som Art Nouveau. Förutom de som arbetade främst inom grafik, arkitektur och design har Art Nouveau några framstående representanter inom måleriet, såsom den viennesiska secessionisten Gustav Klimt, som är känd för Hope II och The Kiss (båda från 1907-08), och Victor Prouvé i Frankrike.

La Esperanza II av Klimt - Art Nouveau

Men Art Nouveau-målarna var få och långt ifrån varandra: Klimt hade praktiskt taget inga elever eller efterträdare (Egon Schiele gick i riktning mot expressionism), och Prouvé är lika känd som skulptör och möbeldesigner. Det kan ändå sägas att Art Nouveau var ansvarig, mer än någon annan stil i historien, för att minska klyftan mellan dekorativ eller tillämpad konst i användningsobjekt och de sköna konsterna eller rent ornamentala konster såsom målning, skulptur och arkitektur, konstarter som traditionellt hade ansetts viktigare, renare uttryck av talang och konstnärliga färdigheter, vilket är omtvistat huruvida den klyftan helt stängdes.

Teckning av Victor Prouvé Art Nouveau

Art Nouveau-smycken och glasarbete

Art Nouveaus lyxiga rykte var också tydligt genom dess utnyttjande av några av de mest kända glasartisterna i historien. Emile Gallé, Daum-bröderna, Tiffany och Jacques Gruber fann först berömmelse, åtminstone delvis, genom sin Art Nouveau-glas och sina tillämpningar i många användningsföremål. Gallé och Daums företag etablerade sitt rykte inom design av vaser och glasarbete, banade väg för nya tekniker i syraetsade stycken vars kurviga och välformade ytor syntes flyta mellan tonade nyanser på ett elegant sätt.

Daum-bröderna och Tiffany utnyttjade också de konstnärliga möjligheterna med glas för praktiska syften, som lampor och skrivbordstillbehör. Både Tiffany och Jacques Gruber, som hade utbildats i Nancy hos Daum-bröderna i smycken, samt René Lalique, Louis Comfort Tiffany och Marcel Wolfers, skapade några av de mest värdefulla bitarna av tidigt 1900-tal, vilket producerade allt från örhängen till halsband, armband och broscher, och säkerställde därmed att Art Nouveau alltid skulle förknippas med luxuösa föremål från sekelskiftet, trots hoppet om att dess allomfattande karaktär skulle göra det universellt tillgängligt.

Företagsidentiteten inom Art Nouveau

Art Nouveau blev berömt samtidigt som detaljhandeln expanderade för att attrahera en verkligt massiv publik. Den gjorde sig gällande i många av de största stadshandlarna som etablerades i slutet av 1800-talet, inklusive La Samaritaine i Paris, Wertheim's i Berlin och Magasins Reunis i Nancy.

Dessutom marknadsfördes den aggressivt av några av de mest kända designbutikerna från den tiden, med början med Siegfried Bings butik L'Art Nouveau i Paris, som förblev en bastion för spridningen av stilen fram till sin stängning 1905 strax efter Bings död. Den var långt ifrån den enda butiken i staden som specialiserade sig på Art Nouveau-inredningar och möbler.

Under tiden var Liberty & Co. den största distributören av stilens föremål i Storbritannien och Italien, där, som ett resultat, namnet Liberty nästan blev synonymt med stilen.

 

Liberty & Co - Art Nouveau

Många Art Nouveau-designers blev kända för att arbeta exklusivt för dessa återförsäljare innan de gick vidare i andra riktningar. Arkitekten Peter Behrens designade till exempel praktiskt taget allt från tekannor till bokomslag, reklamaffischer, inredningar av utställningspaviljonger, köksredskap och möbler, och blev så småningom den första industridesignern när han 1907 fick ansvaret för allt designarbete för AEG, det tyska General Electric.

 

Art Nouveaus påverkan på kulturen: vad som kom efter

Om Art Nouveau snabbt tog Europa med storm under de sista fem åren av 1800-talet, övergav konstnärer, designers och arkitekter det med samma hastighet under det tidiga 1900-talet.

Även om många av dess utövare hade gjort doktrinen "formen ska följa funktionen" till kärnan i sin etik, tenderade vissa designers att vara ljuva i sin användning av dekoration, och stilen började kritiseras för att vara för utsmyckad. I viss mening, när stilen mognade, började den återgå till de vanor den hade föraktat, och ett växande antal motståndare började hävda att den, snarare än att förnya designen, helt enkelt hade ersatt det gamla med något ytligt nytt. Även om nya metoder för massproduktion användes, hindrade det arbetsintensiva hantverket i stor del av Art Nouveau-designen den från att bli verkligt tillgänglig för en massiv publik, som dess företrädare först hade hoppats på. I vissa fall, som i Darmstadt, hindrade också de slappa internationella upphovsrättslagarna konstnärer från att dra ekonomisk vinning av sina designer.

Art Nouveaus association med utställningar bidrog också snart till dess undergång. För att börja med var de flesta av mässbyggnaderna temporära konstruktioner som revs omedelbart efter att evenemanget avslutades. Men viktigare var, utställningarna i sig, även om de hölls under förevändning att främja utbildning, internationell förståelse och fred, tenderade att späda på rivalitet och konkurrens mellan nationerna på grund av den inneboende jämförande karaktären av utställningen. Många länder, inklusive Frankrike och Belgien, ansåg Art Nouveau som potentiella kandidater för titeln "nationell stil", mot bakgrund av anklagelser om utländsk ursprung eller subversiva politiska nyanser av Art Nouveau, för exempel i Frankrike, förknippades den på olika sätt med belgiska designers och tyska handlarna, och ibland var det stilen som användes i socialistiska byggnader, vilket återfick den offentliga opinionen emot den. Med några anmärkningsvärda undantag där den njöt av en engagerad krets av lokala sponsorer, hade Art Nouveau i 1910 försvunnit nästan helt från den europeiska designens landskap.

Från Wiener Werkstätte till Art Deco

Döden av Art Nouveau började i Tyskland och Österrike, där designers som Peter Behrens, Josef Hoffmann och Koloman Moser började anta en mer dämpad och strikt geometrisk estetik redan 1903. Det året grundade många designers som tidigare varit associerade med Wien-sektionen kollektivet känt som Wiener Werkstätte, vars preferens för skarpt vinklade och raka former påminde om en mer precis och industriellt inspirerad estetik som uteslöt alla öppna referenser till naturen.

Denna objektifiering av maskinframställda designkvaliteter underströks 1907 av två nyckelhändelser: Behrens installation som chef för all företagsdesign på AEG, från byggnader till produkter och reklam, vilket gjorde honom till världens första industridesigner; och grundandet av den tyska Werkbund, den formella alliansen mellan industriella och designers som allt mer försökte definiera ett system av produktklassificering baserat på standardisering. Tillsammans med en ny respekt för klassicism, och delvis inspirerad av världsutställningen i Chicago 1893 och med den officiella välsignelsen av City Beautiful-rörelsen i USA, skulle denna maskininspirerade estetik så småningom utvecklas efter första världskriget, i den stil som vi idag kallar sent Art Deco.

Dess genomkommersialisering uttrycktes mer kärnfullt i Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes i Paris 1925, den händelse som på 1960-talet skulle ge sitt namn till Art Deco. I kombination med en ny respekt för klassicism, inspirerad delvis av världsutställningen i Chicago 1893 och med den officiella välsignelsen av City Beautiful-rörelsen i USA, skulle denna maskininspirerade estetik så småningom utvecklas efter första världskriget, i den stil som vi nu sent kallar Art Deco.

Postmodern påverkan av Art Nouveau

Trots sin korta livslängd skulle Art Nouveau vara inflytelserikt under 1960- och 1970-talen för designer som ville frigöra sig från den restriktiva, stränga, opersonliga och alltmer minimalistiska estetik som rådde inom grafiska konster. De linjära, flödande och okontrollerade kvaliteterna av Art Nouveau blev en inspiration för konstnärer som Peter Max, vars frammaning av en alternativ psykedelia och drömlik upplevelse påminner om den fantasifulla, flyktiga och flödande estetiken från tidigt sekelskifte.

Alltid erkänd som ett viktigt steg i utvecklingen av modernism både i konst och arkitektur, förstås Art Nouveau idag mindre som en övergångsbro mellan konstperioder och mer som ett uttryck för stilen, andan och intellektuell tanke av ett visst tidsmässigt ramverk, centrerat runt sekelskiftet 1900. I sin strävan att etablera en verkligt modern estetik blev Art Nouveau det visuella språket som definierade ett flyktigt ögonblick i sin tid.

KUADROS ©, en berömd målning på din vägg.