Art Deco är en populär designstil från 1920- och 1930-talen som kännetecknas särskilt av eleganta, geometriska eller stiliserade former och användningen av konstgjorda material.
Karakteristiska drag av Art Deco-stilen har sina rötter i Frankrike i mitten och slutet av 1910-talet, och mognade under Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes som hölls i Paris 1925, och blev en viktig stil i Västeuropa och USA under 1930-talet.
De kännetecken som präglar Art Deco återspeglar en beundran för moderniteten hos maskiner och de designmässiga egenskaper som är inneboende i maskintillverkade objekt, såsom relativ enkelhet, planaritet, symmetri och oförändrad upprepning av element. Art Deco-objekt uppvisar ofta enkla och rena former, vanligtvis med ett "stiliserat" utseende; geometrisk eller stiliserad ornamentik som utgår från figurativa former som blommor, djur och solstrålar; och användningen av konstgjorda ämnen, inklusive plast, vitaminiserat glas och armerad betong, ofta kombinerat med naturliga material som jade, silver, elfenben och krom.
Art Deco - affisch
Bland de formativa influenserna av Art Deco finns Art Nouveau, Bauhaus, kubism och Serge Diaghilevs Ballets Russes. Utövare av Art Deco fann också inspiration i källor från amerikanska indianer, egyptier och tidiga klassiker, samt i naturen.
Liksom Art Deco är Art Nouveau en ornamental stil som tillämpas på medier som arkitektur, interiördesign, smycken och illustrationer. Båda stilarna var populära i Europa och USA, men Art Nouveau blomstrade tidigare, mellan 1890 och 1910.
Art Deco nådde sin höjdpunkt i slutet av 1920-talet och början av 1930-talet. Art Nouveau betonade naturen, och objekten kännetecknades särskilt av asymmetriska, slingrande linjer, som ofta tog formen av stjälkar och knoppar från blommor, vinrankor, insektvingar och andra delikata naturliga objekt. Art Deco, å sin sida, firade den moderna maskinen och främjade geometriska linjer och eleganta former.
Dess huvudskillnad från Art Nouveau är kubismens påverkan, som ger Art Deco-designen en mer fragmenterad geometrisk karaktär. Men bilder baserade på växtformer och slingrande kurvor kvarstod i vissa Art Deco-designs, exempelvis den från Clarice Cliff i Storbritannien. Art Deco var mycket varierad i sina influenser, inspirerad av forntida egyptisk konst, azteks konst och annan gammal centralamerikansk konst, liksom modern design av fartyg, tåg och bilar. Den inspirerades också av den moderna arkitekturen och designen från Bauhaus och arkitekter som Le Corbusier och Mies van der Rohe.
Art Deco fick sitt namn från Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, som hölls i Paris 1925, där stilen visades för första gången. Art Deco-designen representerade modernism som blivit mode. Dess produkter inkluderade både lyxartiklar handgjorda i enskilda exemplar och massproducerade varor, men i alla fall var avsikten att skapa en elegant och icke-traditionell elegans som symboliserade rikedom och sofistikering.
De flesta framstående skapare av Art Deco designade handgjorda eller begränsade utgåvor. Bland dem fanns möbeldesignarna Jacques Ruhlmann och Maurice Dufrène; arkitekten Eliel Saarinen; guldsmeden Jean Puiforcat; smyckedesignern och glaskonstnären René Lalique; mode-designern Erté; konstnärerna-jewelers Raymond Templier, HG Murphy och Wiwen Nilsson; och den figurativa skulptören Chiparus.
Art Deco - möbel av Jacques Ruhlmann
Art Deco av guldsmeden Jean Puiforcat
Art Deco:s början
I slutet av 1800-talet i Frankrike, många av de framstående konstnärerna, arkitekterna och designerna som hade spelat en viktig roll i utvecklingen av Art Nouveau insåg att det höll på att bli allt mer föråldrat. I slutet av ett sekel som såg den industriella revolutionen stärkas blev det samtida livet mycket annorlunda än för några decennier sedan. Det var dags för något nytt, något som utropade "20-talet" från de modernistiska och smakfulla taken.
Sällskapet för dekorativa konstnärer i Frankrike
Utifrån denna önskan att gå framåt mot det nya seklet i takt med innovation istället för att bli hämmat av nostalgi, bildade en grupp franska konstnärliga innovatörer en organisation kallad Societé des Artistes Décorateurs (Sällskapet för dekorativa konstnärer). Gruppen bestod av erkända figurer som Art Nouveau-designern och gravören Eugene Grasset, samt Art Nouveau-arkitekten Hector Guimard, tillsammans med framväxande dekorativa konstnärer och designers som Pierre Chareau och Francis Jourdain. Den franska staten stödde och främjade denna riktning av den konstnärliga verksamheten.
Art Deco - Sällskapet för dekorativa konstnärer
Ett av de huvudsakliga målen för den nya gruppen var att utmana den hierarkiska strukturen för visuella konster som relegade dekorativa konstnärer till ett lägre status än de mer klassiska medierna såsom måleri och skulptur. Jourdain citeras berömt: "Därför har vi beslutat att återge den dekorativa konsten, som på ett tanklöst sätt behandlades som en Askungemed i ett fattigt släkting som tillåts äta med tjänarna, till den viktiga, nästan dominerande plats den hade i det förflutna, i alla tider och i alla tider" i länder i världen".
Planen för en stor utställning som skulle presentera en ny typ av dekorativ konst koncipierades ursprungligen för 1914, men måste skjutas upp till efter första världskriget och fördröjdes sedan av flera skäl till 1925.
Utställningen som officiellt lanserade Art Deco-rörelsen
Den franska regeringen, som höll utställningen mellan Les Invalides med gyllene kupol och ingångarna till Petit Palais och Grand Palais på vardera sidan av Seine, ansträngde sig för att visa upp den nya stilen. Mer än 15 000 konstnärer, arkitekter och designers visade sina verk på utställningen. Under de sju månaderna av utställningen besöktes mer än 16 miljoner människor de många individuella utställningarna. Denna utställning var katalysatorn för början av rörelsen.
Art Nouveau och Art Déco
Art Deco var ett estetiskt och filosofiskt direkt svar på Art Nouveau-stilen och det bredare kulturella fenomenet modernism. Art Nouveau började bli omodernt under första världskriget, när många kritiker ansåg att de intrikata detaljerna, de delikata mönstren, de ofta dyra materialen och produktionsmetoderna från stilen inte passade en modern värld som var utmanande, instabil och alltmer mekaniserad. Medan Art Nouveau-rörelsen fick sina intrikata och stiliserade former från naturen och hyllade dygderna hos det handgjorda, betonade estetik Art Deco aerodynamik och elegant geometri från maskinens era.
Art Deco och modernismen
Exposition Internationale samlade inte bara verk i Art Deco-stilen, utan placerade också hantverksartiklar nära exempel på avantgardemåleri och skulpturer i stilar som kubism, konstruktivism, Bauhaus, De Stijl och futurism. På 1920-talet var Art Deco en livlig, men till stor del konventionell, motpunkt till den mer cerebrala estetik Bauhaus och De Stijl. De tre delade ett fokus på rena och starka linjer som en organiserande designprincip. Utövare av Art Deco antog teknologisk innovation, moderna material och mekanisering och försökte betona dem i den övergripande estetiken av stilen som sådan. Utövarna lånade också och lärde sig av andra modernistiska rörelser. Art Deco kom att ses som en stil av beundrare som var uppdaterade med de futuristiska perspektiven av samtida avantgardiströmmar. Ironiskt nog spelade modernistisk måleri och skulptur en underordnad roll i utställningen med få undantag för det sovjetiska paviljongen och Le Corbusiers Esprit Nouveau-paviljong.
Art Deco efter den stora depressionen
Inledningen av den andra fasen av Art Deco sammanföll med början av den stora depressionen. Faktum är att enkelheten kunde vara den centrala estetiken både av pragmatiska och konceptuella skäl för denna andra utveckling av Art Deco. Medan Art Deco-arkitekturen, till exempel, hade riktat sig vertikalt med skyskrapor som sträckte sig till stora höjder, symboliserade de senare Art Deco-byggnaderna med i stort sett obehållna yttre, eleganta kurvor och horisontella betoningar robusthet, lugn värdighet och motståndskraft. Under de värsta åren av den ekonomiska katastrofen, från 1929 till 1931, gick amerikansk Art Deco från att följa trender till att sätta dem.
Streamline Moderne
Streamline Moderne blev den amerikanska fortsättningen av den europeiska Art Deco-rörelsen. Utöver de allvarliga ekonomiska och filosofiska influenserna kom den estetiska inspirationen för de tidiga Streamline Moderne-strukturerna från byggnader designade av förespråkare för den nya objektiviteten i Tyskland, som uppstod ur en informell sammanslutning av tyska arkitekter, formgivare och konstnärer som hade bildats i början av 1900-talet.
Art Deco - Streamline Moderne
Konstnärer och arkitekter från den nya objektiviteten inspirerades av samma typ av återhållsam pragmatism som tvingade förespråkarna för Streamline Moderne att ta bort överflöd, inklusive uttrycksfullhet från expressionismen. Arkitekterna från den nya objektiviteten fokuserade på att producera strukturer som kunde betraktas som praktiska, som en återspegling av kraven från verkliga livet. De föredrog att deras design skulle anpassa sig till den verkliga världen snarare än att få andra att anpassa sig till en opraktisk estetik. I syfte att uppnå detta var arkitekterna från den nya objektiviteten till och med pionjärer inom prefabriceringsteknik (för att hjälpa till att snabbt och effektivt hysa de fattiga i Tyskland).
Utan ornamenter föreslog Streamline Moderne-arkitektur rena kurvor, långa horisontella linjer (inklusive fönsterband), glasblock, porthålfönster och cylindriska och ibland nautiska former. Mer än någonsin fanns det ett fokus på aerodynamik och andra uttryck för modern teknologi. De dyrare och ofta exotiska materialen från Art Deco ersattes med betong, glas och krom i Streamline Moderne. Färgen användes med måtta, eftersom vita, beige och jordtoner ersatte de livligare färgerna från Art Deco. Stilen introducerades först i arkitekturen och expanderade sedan till andra objekt, liknande den traditionella Art Deco-stilen.
Art Deco namnges retroaktivt
Ursprungligen användes termen "Art Deco" på ett pejorativt sätt av en känd kritiker, den modernistiska arkitekten Le Corbusier, i artiklar där han kritiserade stilen för sin ornamentik, vilket han ansåg vara onödigt i modern arkitektur. Medan förespråkarna för stilen hyllade den som ett modernistiskt och förenklat svar på överdriven ornamentik, särskilt i jämförelse med dess närmaste föregångare, Art Nouveau, då dekorationerna var överflödiga för Le Corbusier. Det var inte förrän i slutet av 1960-talet, när intresset för stilen återuppvaknades, som den brittiske historikern och kritikern Bevis Hillier använde termen "Art Deco" på ett positivt sätt.
Art Deco i USA
I USA utvecklades mottagandet av Art Deco-rörelsen i en annan riktning. Herbert Hoover, dåvarande amerikansk handelssekreterare, utfärdade ett direktiv att amerikanska designers och arkitekter inte kunde ställa ut sina verk på den internationella utställningen eftersom han hävdade att landet fortfarande behövde konstruera en konststil som klart var "tillräckligt ny". Som alternativ skickade han en delegation till Frankrike för att utvärdera erbjudandena på utställningen och sedan tillämpa vad de såg på ett samtida amerikanskt konst- och arkitekturstil. Bland de estetiska sändebuden som Hoover skickade fanns viktiga personer från American Institute of Architects, Metropolitan Museum of Art och The New York Times. Missionen inspirerade en nästan omedelbar uppgång av konstnärlig innovation i USA.
År 1926 reste en mindre version av den franska mässan kallad "En utvald samling av föremål från den internationella utställningen av moderna, industriella och dekorativa konster" runt många städer i USA som New York, Cleveland, Chicago, Detroit, St. Louis, Boston, Minneapolis och Philadelphia. De amerikanska världsutställningarna i Chicago (1933) och New York City (1939) lyfte fram Art Deco-design, medan Hollywood antog estetiken och gjorde den glamorös i hela landet. Till och med amerikanska företag som General Motors och Ford byggde paviljonger vid världsutställningen i New York.
Art Deco - Världsutställning i New York
Bland de mest kända exemplen på den amerikanska Art Deco-stilen finns skyskrapor och andra stora byggnader. Faktum är att den amerikanska versionen av Art Deco inom byggdesign har kommit att kallas Zigzag Modern på grund av dess vinklade och geometriska mönster som utsmyckade arkitektoniska fasader. Emellertid är den amerikanska Art Deco-stilen ofta mindre ornamental än sin europeiska föregångare. Utöver rena linjer och starka kurvor, består de djärva geometriska formerna, intensiva färgerna och ibland lyxiga ornamentiken av en mer strömlinjeformad amerikansk version. När viktiga influenser som nya objektivitet och international style av arkitektur, samt de allvarliga ekonomiska bakslagen i slutet av 1920-talet och början av 1930-talet, började påverka Art Decos estetik, blev stilen mycket mindre lyxig.
Art Deco - Zig Zag Modern
Den amerikanska Art Deco-stilen utvecklades som en hyllning till teknologiska framsteg, inklusive massproduktion, och en återställd tro på sociala framsteg. I grunden kan dessa prestationer ses som en reflektion av nationell stolthet. Under 1930-talet, under Roosevelts Works Progress Administration (WPA), skapades många av de verk som producerades i Art Deco-stil, från kommunala strukturer såsom bibliotek och skolor till massiva offentliga murals. WPA hade för avsikt att stimulera den amerikanska ekonomin efter kriget genom att skapa jobb i offentliga arbeten och sökte betjäna samhället genom att skapa arbeten och inkorporerade de amerikanska värderingarna i designen. Användningen av amerikansk Art Deco förde därför en demokratiskt uttryck genom design. Vissa material som ofta användes i skapandet av Art Deco var dyra och därför utom räckhåll för den genomsnittliga människan. Men användningen av nya eller låga kostnadsmaterial möjliggjorde produktionen av ett brett utbud av prisvärda produkter och därmed förde skönhet in i den offentliga sfären på ett nytt sätt.
Global tillväxt av Art Deco
Art Deco-stilen etablerade sig i så olika världshuvudstäder som Havanna, Kuba, Mumbai och Jakarta. Havanna har ett helt kvarter byggt i Art Deco-stil. Londons tunnelbanesystem omfattar i stor utsträckning stilen. Shanghais hamn innehåller mer än femtio Art Deco-strukturer, varav de flesta ritades av ungraren Laszlo Hudec. Från krigsmonument till sjukhus har även städer så avlägsna som Sydney och Melbourne i Australien tagit till sig denna fenomenala stil.
Art Deco - Laszlo Hudec
De viktigaste visuella kännetecknen för Art Deco härrör från den repetitiva användningen av linjära och geometriska former som inkluderar triangulära, zigzagiga, trapezoidala och chevron-mönster. Liksom sin föregångare, Art Nouveau, när objekt som blommor, djur eller mänskliga figurer representeras, stiliseras och förenklas de kraftigt för att behålla den övergripande estetiken av Art Deco. Naturen och omfattningen av stiliseringen och förenklingen varierar beroende på den regionala tolkningen av stilen. Till exempel är en figur som Eldfågeln (1922) av den franske designern René Lalique, elegant smal och dämpad, medan Atlas av Lee Lawrie (1937) utanför Rockefeller Center är massiv och robust med en betoning på linjär muskulatur, även om båda anses vara bra representationer av Deco-stilen.
Art Deco - Atlas av Lee Lawrie i Rockefeller-byggnaden
I enlighet med rörelsens fokus på modern teknologi utnyttjade Art Deco-konstnärer och designers moderna material som plast, bakeliter och rostfritt stål. Men när en touch av rikedom och raffinemang behövdes, infogade formgivarna mer exotiska material som elfenben, horn och zebraläder. Precis som med Art Nouveau- och Arts and Crafts-rörelserna tillämpades Art Deco-stilen mycket mindre på former av visuella uttryck som traditionellt anses vara av högre rang: måleri och skulptur.
Art Deco-design
Art Deco-stilen utövade sitt inflytande över grafiska konster på ett sätt som avslöjar inverkan av den italienska futurismen med dess kärlek till hastighet och tillbedjan för maskinen. Futuristiska konstnärer använde linjer för att indikera rörelse, kända som "hastighetsmustascher," som sträckte sig från hjulen på snabbt rullande bilar och tåg. Dessutom använde utövare av Art Deco parallella linjer och koniska former som antyder symmetri och aerodynamik. Typografin påverkades av den internationella Art Deco-inflytandet och skrifttyperna Bifur, Broadway och Peignot påminner om stilen.
Art Deco - typsnitt Bifur
I termer av bilder, de enkla formerna och de stora områdena av solid färg påminner om japanska trägravyrer, som hade blivit en viktig källa till påverkan för västerländska konstnärer, särskilt i Frankrike, efter slutet av perioden Edo och isoleringen 1868. Den efterföljande strömmen av japansk konst till Europa hade en enorm inverkan. I synnerhet fann konstnärerna i de formella enkelheterna hos trägravyrerna en modell för att skapa sina egna distinkt moderna stilar, som började med impressionismen.
Art Deco-möbler
Fram till slutet av 1920-talet bestod den avantgardiska möbeldesignen i Frankrike främst av variationer av Art Nouveau-stilen, men förenklat och mindre kurvigt. När årtiondet fortskred, framträdde Émile-Jacques Ruhlmann som den främsta möbeldesignern (Ruhlmann hade sin egen paviljong på utställningen 1925). Även om hans design främst inspirerades av stycken från 1700-talet producerade i den neoklassiska stilen, tog han bort mycket av ornamentiken utan att ge avkall på de exotiska material som Art Nouveau-designers föredrog, såsom mahogny, ebenholtz, rosenträ, elfenben och sköldpaddsskal. Självklart var hans stycken ofta för dyra för att någon skulle kunna köpa dem, utom för de rikaste.
I kontrast till de lyxiga designen av Ruhlmann, som verkade befinna sig på gränsen mellan Art Nouveau och Art Deco-stilarna, var den mest definierade Art Deco-möbeldesignern i Frankrike Jules Leleu. Han hade varit en traditionell designer tills den nya stilen ersatte Art Nouveau och är känd för designen av den stora matsalen i Elyséepalatset i Paris och de lyxiga hytterna på första klassens däck på det eleganta ångfartyget Normandie.
Art Deco - möbel av Jules Leleu
I kontrast till Leleu och Ruhlmann var Le Corbusier en förespråkare för en mycket reducerad och odekorerad version av Art Deco-stilen, ofta skapande möbler som passade för de sparsamma interiörerna i sina egna arkitektoniska strukturer. Hans avsikt var att designa prototyper, särskilt av stolar, som skulle kunna massproduceras och därför vara överkomliga för en bredare marknad. 
Det bör också nämnas att Donald Deskeys interiördesign av den kända sevärdheten i New York City, Radio City Music Hall, är ett utmärkt exempel på design av amerikansk Art Deco-möbler som fortfarande bevaras i sin ursprungliga form idag.
Art Deco - möbel av Le Corbusier
Art Deco-arkitektur
Art Deco-arkitektur kännetecknas av hårda, ofta rikt ornamenterade designer, accentuerade av glänsande metalliska detaljer. Många av dessa byggnader har en vertikal betoning, byggda med avsikten att rikta uppmärksamheten uppåt. Rektangulära former, ofta i block, är geometriskt arrangerade, med tillägg av spiror på taket och/eller krökta ornamentella element för att ge en aerodynamisk effekt. Skyskraporna i New York och de pastellfärgade byggnaderna i Miami är bland de mest kända amerikanska exemplen, även om stilen implementerades i en mängd olika strukturer över hela världen.
I USA hjälpte Works Progress Administration till att popularisera Art Deco-arkitekturen. Intressant nog kallas fusionen av Art Decos klassicism och Beaux-Arts som ses i många offentliga verk från depressionstiden för PWA Moderne eller Depression Moderne.
Art Deco PWA Moderne - Depression Moderne
Efterföljande utvecklingar: efter Art Deco
Art Deco blev omodernt under andra världskriget i Europa och Nordamerika, med krigstidens sparsamma och återhållsamma stil som gjorde att stilen verkade alltmer överdådig och dekadent. Metaller återanvändes för att konstruera vapen, istället för att dekorera byggnader eller inomhusutrymmen. Möbler betraktades inte längre som statussymboler. Andra teknologiska framsteg möjliggjorde en billigare produktion av grundläggande konsumtionsvaror, vilket eliminerade behovet och populariteten av Art Deco-designers.
En rörelse som i många avseenden strävade efter att bryta med det förflutna, har nu blivit en klassiker som ger extrem nostalgi och som minns med kärlek. Sedan 1960-talet har det funnits ett konstant och fortlöpande intresse för stilen. Eko av Art Deco kan ses i modern design från mitten av århundradet, som fortsätter den aerodynamiska estetik från Deco och omprövar Bauhaus rena enkelhet. Deco hjälpte också till att inspirera Memphis-gruppen, en design- och arkitekturrörelse centrerad i Milano under 1980-talet. Memphis baserades också på popkonst och kitsch som källor för dess färgglada och avvetenskapligt postmodernistiska design.
KUADROS ©, en berömd målning på din vägg.
