De 10 mest kända målningarna av Jesus

Jesu figur är en av de mest ikoniska i historien. 

Konsten kring bilden av Jesus Kristus har idealiserats av både amatörkonstnärer och stora lärare.

Hur är det möjligt att visa på duken en figur som är både omplestly mänsklig och helt gudomlig? Denna typ av konstnärlig djärvhet vågar till och med försöka.

Konstnärerna som målade i den kristna traditionen har gjort exakt det i två årtusenden.

De 10 mest kända målningarna av Jesus

Detta är en titt på de tio mest kända Jesus -målningarna genom historien, enligt klassificeringen av Kuadros -experter.

# 1 The Last Supper - Leonardo da Vinci

Den mest berömda målningen av Jesus Kristus är utan tvekan Leonardo da Vincis sista middag.

Arbetet återskapar det sista påskmötet mellan Jesus och hans apostlar, från den berättelse som beskrivs i Evangeliet om Johannes, kapitel 13. Konstnären föreställde sig och har lyckats uttrycka, den önskan som är runt sinnet i apostlarna att veta vem som är förråda sin lärare.

Målad i slutet av 1500 -talet som en väggmålning på väggarna i refektoriet av klostret Santa Maria delle Grazie i Milan.

Fresco -målningar skapas vanligtvis genom att applicera pigment på intonaco, ett tunt lager vått lugnt gips.

Detta är normalt den bästa tekniken att använda, eftersom det gör att fresco kan ta hand om naturlig andning eller svettning som gör en vägg när fukt rör sig mot ytan.

Men vid den sista middagen beslutar Da Vinci att använda oljefärg eftersom detta material torkar mycket långsammare, vilket gjorde det möjligt för honom att arbeta i bilden på ett mycket långsammare och detaljerat sätt.

Leonardo visste att den naturliga fuktigheten som tränger igenom de flesta stenväggbyggnader skulle behöva förseglas om han använde oljemålningar, eller fukt skulle hamna i att förstöra hans arbete.

Sedan lade konstnären till ett dubbellager av gips, kitt och bryt för att bekämpa fuktförsämring.

Trots detta har konstverket varit tvungen att återställas många gånger i sin långa historia.

Idag finns det mycket lite av det ursprungliga övre lagret oljefärg till följd av miljö och också avsiktlig skada.

#2 Transfiguration - Rafael

Rafael Transfiguration Det är det sista verket av den stora renässanskonstnären Rafael som beställdes av kardinal Giulio de Medici från Medici Banqueros -dynastin.

Ursprungligen utformades konstverket för att hänga som ett centralt altarverk i Narbonne -katedralen i Frankrike och hänger nu på Vatikanen Pinacoteca i staden Vatikanen.

Efter Rafaels död skickades aldrig målningen till Frankrike och kardinal hängde den istället i huvudalteret i den välsignade Amadeo -kyrkan San Pietro i Montorio, Rom 1523.

1797 togs emellertid målningen av de franska trupperna som en del av den italienska kampanjen i Napoleon och hängde därefter i Louvren.

Det kan betraktas att målningen återspeglar en dikotomi på den enklaste nivån: Kristi förlossande kraft, symboliserad av renheten och symmetrien i den övre halvan av målningen. Detta står i kontrast till människans brister, symboliserade i den nedre halvan av dystra och kaotiska scener.

Transfiguration är relaterad till successiva berättelser om Matthew -evangeliet. Den övre delen av målningen representerar förhöjd Kristus framför böljande och upplysta moln, och båda sidor av den är profeterna Elijah och Moses. I den nedre delen av målningen representeras apostlarna och försöker utan framgång, att rida på barnet som besatt av demoner. Den övre delen visar till Kristus transfigurerad, som verkar göra ett mirakel, läka barnet och befria honom från det onda.

Dimensionerna på transfigurationen är kolossala, 410 x 279 cm. Rafael föredrog att måla på duk, men den här målningen gjordes med oljemålningar på trä som utvalda medier. Rafael visade faktiskt avancerade manismindikationer och tekniker under barockperioden i denna målning.

De stiliserade och förvrängda poserna av mediumfigurerna indikerar mannen. Den dramatiska spänningen inom dessa figurer, och den liberala användningen av ljus och mörker, eller kontraster från Chiaroscuro, representerar barockperioden med överdriven rörelse för att producera drama, spänning, överflöd eller belysning. Egentligen avancerade transfigurationen till hans tid, liksom Rafaels död, som kom för snart.

Detta arbete skulle vara Rafaels sista målning, som skulle arbeta med henne fram till hennes död i april 1520.

Rengöringen av målningen från 1972 till 1976 visade att endast några av de nedre vänstra siffrorna slutfördes av deltagarna, medan de flesta av målningen var från konstnären själv.

#3 Slutlig dom - Miguel Ángel

Miguel Ángels slutliga dom Det är på väggen bakom altaret i det sixtinska kapellet. Hans representation av Kristi andra ankomst i "den slutliga domen" genererade omedelbar kontrovers av den katolska kyrkan av motreformationen.

Miguel Angel var tvungen att måla tidens slut, början av evigheten, när den dödliga blir odödlig, när de utvalda som går med i Kristus i sitt himmelska rike och de dömda kastas i helvetes oändliga plågor. 

Ingen konstnär under det sextonde århundradet Italien var bättre positionerad för denna uppgift än Miguel Ángel, vars slutliga arbete förseglade hans rykte som den största läraren i den mänskliga figuren, särskilt den manliga naken. Påven Paul III var mycket medveten om detta när han anklagade Miguel Ángel för att ommålat väggen i kapellets altare med den slutliga domen. Med sitt fokus på kroppens uppståndelse var detta det perfekta temat för Miguel Ángel.

Den kraftfulla sammansättningen fokuserar på den dominerande figuren av Kristus, som fångades vid den tiden före den som uttalades av domen för den slutliga domen.

Hans tysta och nödvändiga gest verkar locka uppmärksamhet och placera omgivande agitation. I bilden börjar en bred långsam roterande rörelse där alla figurer ingriper. De två övre fönstren är uteslutna med grupper av änglar som flyger under flygningens symboler (till vänster korset, naglarna och tornkronan; till höger kolonnen i flagellationen, trappan och spjutet med svampen riktad i vinäger).

I mitten av det nedre avsnittet finns änglarna i apokalypsen som vaknar de döda med ljudet av långa trumpeter. Till vänster återvinner de uppståndna kropparna medan de stiger upp till himlen (uppståndelsen av köttet), till höger änglar och demoner kämpar för att göra de som döms till helvetet faller. Slutligen, innerst inne med sina åror, tillsammans med sina demoner, gör det att den dömda lämnar sin båt att köra dem inför den infernala domaren Minos, vars kropp är lindad i ormens spiraler.

Hänvisningen i denna del till helvetet i Dante Alighieris Divine Commedia är tydlig. Förutom beröm orsakade den slutliga domen också våldsamma reaktioner bland samtida. Till exempel sa ceremonimästaren Biagio da Cesena att "det var det mest oärliga på en så ärlig plats att ha målade så många nakna figurer att deras skam visar så oärligt och att det inte var ett verk för ett kapell på påven utan för spisar och tavernor "(G. vasari, vite). Kontroverserna, som fortsatte i flera år, tog 1564 beslutet om församlingen av Trentrådet att ha täckt några av siffrorna i rättegången som ansågs "obscen."

Uppgiften att måla takets gardiner, den så kallade "braghe" (byxorna) anfördes Daniele da Volterra, sedan dess känd som "bragetton". Danieles "Braghe" var bara de första som gjordes. Faktum är att flera fler lades till under de kommande århundradena.

#4 Kristus Laddar korset - El Greco

Under sin långa karriär i Spanien gjorde Greco många målningar av Kristus som bär korset. Kristus laddar korset Det är en bild av perfekt mänsklighet. Arbetet sticker ut för strokegenskaperna som målaren använder färgen för att modellera volymerna och snedvrider kropparna för att återspegla karaktärens andliga önskan.

Greco målar Kristi ögon med dramatiska och överdrivna tårar i dem. Hans ögon är det viktigaste elementet i målningen, eftersom de uttrycker mycket känslor.

Det finns en delikat kontrast mellan hans robusta axlar och den feminina skönheten i hans händer. Men det finns inga tecken på smärta i hans ansikte. Precis som deras passiva händer inte uttrycker ångest eller anstränger sig för att bära korset.

Greco förvandlade bilden av Kristus överväldigad och öm från det tunga korset till en som är lugn och redo att möta sitt öde. Kristi lugn innan hans offer inbjuder tittaren att acceptera sitt eget öde i ögonblick av rädsla och tvivel. 

#5 Crucified Christ - Diego Velázquez

Denna intensivt kraftfulla bild av Jesus på korset målades under den kreativa perioden som följde Velázquez första stimulerande resa till Italien. Till skillnad från hans andra manliga nakenbilder som dök upp i målningar som Apollo i Forge of Vulcano och Tunic of Joseph, är hans Kristus på korset en död eller döende kropp. Det åtföljs inte av andra berättande element förutom själva korset. Konstnären lyckas dock ge arbetet med stor värdighet och lugn.

Det tros att arbetet var en provision för sakristi av klostret San Plácido, den stränga positionen för Korsfäst Kristus Den presenterar fyra naglar, fötterna ihop och stöds tydligen av en liten trähylla, som gör att armarna kan bilda en subtil kurva istället för en triangel. Huvudet krönas av en halo, medan ansiktet vilar på bröstet och låter oss skymta. Hans raka och raka hår hänger på höger sida av ansiktet, hans bakre väg dras av blodet som droppar såret på hans högra sida.

Bilden är ovanligt självbiografisk i den meningen att den illustrerar alla de viktigaste påverkningarna i Velázquez målning. Till att börja med, kom ihåg den hängivna tonen och ikonografin av de målar som absorberades under sina tidiga år i Sevilla under Francisco Pacheco, en aktiv medlem av den spanska inkvisitionen.

För det andra återspeglar det dess förmåga att måla figurer som förvärvats i Spanien från studien av konstnärerna i den spanska renässansen och, i Italien, av den klassiska antiken, av den höga renässansen i Rom och Venedig, och av Caravaggio Fungerar i Rom och Neapel. 

Klassisismens inflytande i verket visas i kroppens allmänna lugn och dess idealiserade position. Påverkan av karavaggism blir tydligt i dramatiskt mörker som fokuserar all den bleka kroppen av Kristus.

Det är sant att bilden inte har det karakteristiska dramaet för barockmålning, som ses i religiösa verk som Crucifixion of St. Peter eller Krossavbrott. Istället har den en monumental skulpturell kvalitet som höjer den, enligt ämnets andlighet. Kompositionen är helt enkel men med en livlig kontrast mellan den vita kroppen och den mörka bakgrunden, och det finns naturalism i hur Kristi huvud faller på bröstet. Tangled hår är målat med den lätthet som Velázquez hade sett och beundrat första hand i exempel på venetiansk målning.

Velázquez vann rykte att vara en av de bästa porträttarna i Spanien och blev den officiella målaren av Felipe IV (regerade mellan 1621 och 1640) och i slutändan i den största representanten för den spanska målningen av barockperioden. Trots att religiös konst var särskilt viktig i Spanien, ett land vars styrande monarki var stolt över att vara en av de viktigaste sponsorerna för konsten för den katolska motformen, målade Velázquez relativt få anmärkningsvärda religiösa målningar.

Istället målade konstnären världen runt honom, specialiserad på porträttkonsten, lite könsmålning (stilleben) och någon annan historikmålning. Ironiskt nog, med tanke på bristen på sina religiösa verk, påverkades han mer av den italienska genierna Caravaggio, som främst sticker ut för sin bibliska konst, avrättad i en aggressivt realistisk stil. Velázquez påverkades också starkt av idéerna från den italienska återfödelsen som erhölls från sin Sevillian -lärare Francisco Pacheco.

 

#6 Kristus laddar korset - Titisk 

År 1508 eller 1509 målade Tiziano en olja som kallas Kristus laddar korset. Det verkliga ursprunget till målning är något mystisk, och till och med flera konsthistoriker har ibland tillskrivit det en annan italiensk målare, Giorgione. Båda målarna tillhörde en konstnärsgilde kopplad till skolan och kyrkan, båda agerade samtidigt och plats, och det är troligt att arbetet uttryckligen målades för institutionen. Ett annat mysterium om oljemålning är att det sades att det hade mirakulösa läkande färdigheter, som det har skrivits i många historiska berättelser. Pilgrimerna bad i kyrkan på ett sidotal där färgen hängdes och rapporterade att de hade läkt av sjukdomar.

Den allmänna stämningen i arbetet är dyster och mörk. De ljusaste färgerna är kött -off -tonerna, och paletten domineras av flera bruna toner. På nästan svart bakgrund framträder Kristus från Semiperfil som bär korset på axeln. När han tittar till vänster pressar en arg -utseende böden ett rep runt halsen, och en annan figur något bakom böden ser in i scenen. Kompositionen har en stil som var innovativ vid den tiden, en nära vy som undvikit perspektiv och djup för intimitet och detaljer. Karakteristiskt för Tiziano är målningen full av handling och vila verkar avlägsen för de karaktärer som representeras.

#7 Salvator Mundi - Leonardo da Vinci

Denna berömda målning, även om den fortfarande är väldigt attraktiv, anses inte längre vara ett verk av Leonardo da Vinci och förlorade sin plats mellan vår lista över de 100 mest berömda målningarna i historien.

Ursprungligen trodde man att Leonardo da Vinci målade Salvator Mundi för kung Louis XII från Frankrike och hans konsort, Ana de Britain. Experterna ifrågasätter idag tillskrivningen av den italienska lärarmålningen, även om den såldes på en auktion i november 2017 för $ 450 312 500, ett rekordpris för ett konstverk.

Salvator Mundi brukade vara en del av oss listan över Kända målningar, men lämnade sin plats till en annan målning som röstades av allmänheten och våra konstnärer.

#8 Emaus Disciples - Caravaggio

 

Detta arbete av Master Caravaggio är också känt som vår Herrens pilgrimsfärd till Emaus eller helt enkelt Emaus -middag. Målningen visar det ögonblick då de två apostlarna som följer med honom inser att vem som har pratat med dem hela dagen har varit hans älskade lärare.

Målad i apogee av konstnärens berömmelse, Emaus lärjungar Det är en av de mest imponerande religiösa målningarna i konsthistoria. I den här målningen fångar Caravaggio briljant det dramatiska klimaxet för ögonblicket, den andra exaxt där lärjungarna plötsligt förstår vem som har varit framför dem från början. Hans handlingar och naturliga reaktion överför hans dramatiska förvåning: den ena håller på att hoppa från sin stol medan den andra sträcker sig i en gest av vantro. Den råa belysningen understryker hela scenens intensitet.

I arbetet visar Caravaggio lärjungarna som vanliga arbetare, med skäggiga ansikten, skrynkliga och trasiga kläder, i motsats till den unga Kristus utan skägg, som verkar ha kommit från en annan värld.

Det finns några hemligheter dolda i olika punkter. I verket gömde konstnären till exempel ett påskägg. Skuggan som projiceras av fruktkorgen på bordet verkar också framställa en fisk, vilket kan vara en hänvisning till det stora mirakelet.

Och det finns fler skatter dolda i detta mästerverk. Ibland är en defekt inte en defekt alls, utan ett slag av geni. Låt oss till exempel ta tyget i korgkorgen som vinglar i kanten av bordet i mitten av färgen.

Även om otaliga ögon har förundrat sig över det mystiska drama som utvecklas inuti det värdshuset, har betydelsen av en nästan omöjlig brist hittills obemärkt genom århundradena.

En lös kvist, som sticker ut från vävnadsflätan, förvandlar den berömda duken i Caravaggio till en vågig handling, en andlig utmaning för observatören.

För att uppskatta alla konsekvenserna av denna lilla detalj är det värt att komma ihåg konturerna i den allmänna miljön som Caravaggio framkallade i hans arbete.

Temat för Emaus -middag är något som har inspirerat stora lärare i historien, från Rembrandt till Velásquez. Det viktigaste ögonblicket berättas i Lukas evangelium i Nya testamentet. Det finns historien om den intima maten av Kristus med de två lärjungarna, Lucas och Cleofás, som ignorerar sanningen om följeslagaren. Vid målningen har brödet redan delats upp och välsignas, och tiden har kommit, enligt evangeliets berättelse, att Kristus "öppnar" hans följares ögon och försvinner "från hans syn."

Mästerverket fångar en mystisk tröskel mellan skuggor och ljus, den andra magin före Kristus, som är lindad av silhuetten av en främling bakom honom, försvinner från världen. I det oändliga ögonblicket mellan uppenbarelse och försvinnande, Caravaggio Hila hans tomt, mästermötet mellan två världar.

När sanningen är Kristi faderbror, stiger Cleofás, från sin ordförande för panik och förvånande till uppenbarelse: hans armbågar höjs dynamiskt genom ärmarna i hans kappa.

På den andra sidan av korgens frukt, till höger, öppnar Lucas armarna höga, som påstår att skanningens otroliga hållning och drar samma hållning på korset vid tidpunkten för hans smärtsamma död. Samtidigt är gästgivaren ofullständig och observerar utan att förstå när han lyssnade på de ord som Kristus har talat med sina bedövade lärjungar och inte kan fånga innebörden av ett transcendentalt ögonblick för mänskligheten.

Emaus -lärjungar upptar position nr. 82 på listan över Kända målningar 

#9 Pantocrador Kristus

Pantocrador Kristus Det är en målad träpanel från det sjunde århundradet av Santa Catalina som ligger i Sinai, Egypten. Denna målning anses vara en av de äldsta byzantinska religiösa ikonerna och är det äldsta kända verket i Pantocrayan -stilen.

Den målade panelen har en höjd av 84 cm med en bredd på 45,5 cm och ett djup på 1,2 cm. Det tros att färgen ursprungligen var större, men den klipptes överst och sidorna vid någon tidpunkt, av okända skäl, för att producera de aktuella dimensionerna. Arbetet visar att Kristus klädd i en lila mantel.- En färg som ofta väljs för att representera de av imperialistiska status och royalty. Detta färgval för din tunika är en symbol för din status och betydelse. Kristus representeras genom att höja den vänstra handen som ett tecken på välsignelse och med höger har en bok.

Vi kan anta att den här boken förmodligen är ett evangelium eftersom den är prydd med korsformade juveler. Målningen är medvetet asymmetrisk för att symbolisera Kristi dubbla natur. Den vänstra sidan av Kristus är en symbol för dess mänskliga natur med dess drag representerade som mycket mjukare och mer ljus. Medan den högra sidan av Kristus symboliserar sin gudomlighet med hans svåra blick och intensiva drag. Ögonen själva är olika i form och storlek, såväl som håret på vänster sida samlas bakom din axel.

En av de viktigaste kristna ikonerna är Pantocker Kristus. Denna bild skildrar Jesus som den suveräna härskaren i världen. Pantocker Kristus var en av Jesu äldsta bilder och visas på de mest framstående platserna i klippkyrkorna.

Ordet Pantocker betyder "Allsmäktig." I den grekiska versionen av Gamla testamentet (LXX) är Pantocker -ordet översättningen av "Lord of the Armies" och "Allsmäktig Gud." I Apocalypse's bok visas Pantocrador nio gånger som en titel som betonar Guds suveränitet och kraft.

Pantocrador Christ -ikonen betonar Jesu allmakt, hans makt att göra någonting. Jesus är "härskaren över allt" som har alla saker. Kristi symbolik av Kristus Pantocrador (förklarad nedan) är inspirerad av de romerska imperialistiska bilderna för att projicera sin suveräna makt. De första kristna använde kulturella symboler för att förkunna den uppståndna Kristus suveräna kraft.

Dessutom har platsen för Pantocrador Kristus i Apse (den främre fristadväggen) också en teologisk betydelse. De bysantinska kyrkorna hade modellen av den romerska basilikan, kungens kammare för att fira domstolen. Apse var myndighetens ställning där den härskande tjänstemannen satt. Jesu ståndpunkt i Apse förklarar att han är den legitima härskaren och suveräna domaren framför allt. 

De kristna började visuellt representera Jesus i slutet av 300 -talet, när det inte längre fanns hotet om förföljelse. Dessa första bilder presenterar Jesus som en stoisk figur som sitter på en tron ​​med en rullning. På 600 -talet uppstod Christ Pantocrador som en förenkling av den tidiga bilden. Aspekten av Pantocrador Kristus har knappt förändrats under de senaste 1500 åren.

De flesta av Jesu första bilder förstördes under ikonoklastkontroversen.

#10 Kristus av San Juan de la Cruz

På avstånd är den mest populära av alla religiösa verk av Dalí utan tvekan hans "Kristus av San Juan de la Cruz", vars figur dominerar Bay of Port Lligat. Målningen inspirerades av en ritning, bevarad i klostret för inkarnationen av Ávila, Spanien, och gjord av San Juan de la Cruz själv efter att ha sett denna vision om Kristus under en ecstasy. Människor bredvid fartyget härstammar från en bild av Le Nain och en ritning av Diego Velázquez för överlämnandet av Breda.

Vid foten av sina studier för Kristus skrev Dalí: "För det första, 1951, hade jag en kosmisk dröm där jag såg denna färgbild och att i min dröm representerade atomens kärna. Denna kärna tog senare En metafysisk känsla: Jag betraktade i "universums enhet" till Kristus! För det andra, tack vare instruktionerna från Father Bruno, en karmelit, såg jag Kristus ritad av Saint John of the Cross, jag geometriskt utarbetade en triangel och en Cirkel, som sammanfattade estetiskt alla mina tidigare experiment och registrerade min Kristus i denna triangel. "

Detta arbete ansågs banalt av en viktig konstkritiker när den först ställdes ut i London. 

Målningen var ett av de mest kontroversiella inköp som gjorts av Dr. Tom Honeyman, då chef för Glasgow -museerna. Det är nu allmänt erkänt att Dr. Honeyman fattade ett mycket listigt beslut genom att föreslå för det dåvarande Glasgow Corporation att staden köpte målningen.

Honeyman fick inte bara målningen för mindre än katalogpriset, utan köpte också upphovsrätten till arbetet till Salvador Dalí, vilket säkerställer en långvarig arv från köpet.

Inledningsvis mottogs dock målningen inte väl av alla, och eleverna vid Glasgow School of Art hävdade att pengar kunde ha använts för att köpa verk av skotska konstnärer eller Glasgow.

Efter att ha ställt ut i Kelvingrove 1952 lockade Dalí massbesökare.

Målningen i Glasgow Museum Collection har inte varit undantagen från drama, eftersom det har skadats två gånger, den mest berömda när duken allvarligt rivits av en besökare som hade en skarp sten. Kelvingrove -konservativa kunde reparera färgen till den punkten att skadan knappt är synlig.

Mer än 60 år efter det ursprungliga köpet visar inte målningens varaktiga attraktivitet tecken på minskning och är nu en av museets mest populära utställningar.

Kuadros ©, en berömd färg på din vägg.