Pentru a descoperi adevăratele rădăcini și semnificația abstractizării lirice și pentru a înțelege cum interacționează cu tendințele sale în artă, trebuie să ne uităm la primele zile ale artei abstracte.

Abstractizarea lirică este un termen aparent simplu și, cu toate acestea, de-a lungul generațiilor, s-a dezbătut originea și semnificația sa. Colecționarul de artă american Larry Aldrich a folosit termenul în 1969 pentru a defini natura mai multor lucrări pe care le-a adunat recent și care, în opinia sa, indicau o întoarcere la expresia personală și experimentare, urmând minimalismul.

Dar criticul de artă francez Jean José Marchand a folosit o variație a termenului, Abstraction Lyrique, cu zeci de ani înainte, în 1947, pentru a face referire la o tendință europeană emergentă în pictură similară cu expresionismul abstract din SUA. Ambele utilizări ale termenului se refereau la arta care se caracteriza prin compoziții libere, emoționale și personale, străine de realitatea obiectivă.

Dar aceste tendințe pot fi urmărite și mai departe, cel puțin până în prima decadă a secolului XX în lucrările lui Wassily Kandinsky. 

Abstractizarea lirică - primii pași

Vassily Kandinsky 1911, Compoziția Nr. 4

Deși se poate spune că pictorul rus Wassily Kandinsky (1866-1944) a fost un pionier al elegantei combinații de narațiune, formă și culoare, care este baza abstractizării lirice, tendința a apărut într-o expoziție intitulată "L'Imaginaire", care a avut loc la Galerie du Luxembourg din Paris, în 1947, și care a inclus lucrări de Hans Hartung, Wols (Alfred Otto Wolfgang Schulze) și Jean-Paul Riopelle, printre altele.

Termenul actual "Abstracție Lirică" a fost creat de pictorul francez și co-organizator al expoziției Georges Mathieu (1921-2012), în timp ce colegul său curator Jose-Jean-Marchand a scris că unele dintre lucrările expuse au arătat "un lirism dezlegat de orice servitute ... ", ceea ce înseamnă că picturile nu au fost derivate sau împovărate de greutatea teoriei intelectuale.

Căutând liricul în abstractizarea lirică

În decada 1910, mai multe grupuri diferite de artiști flirtează cu conceptul de abstractizare lirică, fiecare dintr-o perspectivă unică. Artiștii cubiști și futuristi lucrau cu imagini din lumea reală și le modificau în mod conceptual pentru a exprima idei abstracte. Artiștii suprematiști și constructiviști lucrau cu forme recognoscibile în arta lor, dar le foloseau într-un mod ambigu sau simbolic sau într-un mod care încerca să transmită universalități.

Dar un alt grup de artiști se apropia de abstractizare dintr-o perspectivă complet diferită față de ceilalți.

Acest grup, personificat de Wassily Kandinsky, a abordat abstractizarea din perspectiva că nu știau ce semnificație ar putea avea ceea ce pictau. Se așteptau ca prin simpla pictare liberă, fără noțiuni preconcepute despre estetică sau lumea obiectivă, să poată exprima ceva necunoscut prin lucrările lor. Kandinsky a comparat picturile sale cu compoziții muzicale, care comunicau emoții într-un mod complet abstract. Picturile sale abstracte erau imaginative, emoționale, expresive, personale, pasionate și complet subiective; în alte cuvinte, lirice.

Caracteristici ale abstractizării lirice: confuzie de stiluri

"Bărbați Aprinși", Taro Okamoto (1955), Muzeul Național de Artă Modernă, Tokyo

În teorie, Art Informel a fost principalul mișcare care a cuprins numeroase sub-stiluri și subgrupuri, cum ar fi Forces Nouvelles, CoBrA, Tachisme, Art Brut, Art Non Figuratif și Abstractizarea Lirică. Toate aceste școli erau abstracte sau cel puțin semi-abstracte, toate respingeau abstractizarea geometrică, precum și naturalismul și genurile figurative. Toți artiștii căutau să creeze un stil de pictură nou și spontan, liber de teoriile anterioare sau de convențiile prezente. Cu toate acestea, mulți pictori abstracti din acea perioadă au fost membri ai unuia sau mai multor submișcări și, ca rezultat, este aproape imposibil să identificăm cu autoritate picturile care aparțin fiecărei dintre aceste mișcări.

Abstractizare Lirică de după război

De Stijl, Medium

Abstractizarea lirică a lui Kandinsky a contrastat cu multe dintre celelalte tendințe ale artei abstracte din decadelor 1920 și 1930. Arta sa nu era asociată în mod specific cu nicio religie, dar exista ceva deschis spiritual în ea. Alți artiști asociați cu stiluri precum De Stijl, Art Concrete și Surrealism făceau artă care era seculară și se presta unei interpretări academice obiective. Kandinsky căuta ceva ce nu ar putea fi niciodată definit sau explicat pe deplin. Își exprima deschis conexiunea personală cu misterele universului. Era ca și cum ar fi inventat un fel de existențialism spiritual.

Existențialismul a fost o filosofie care a dobândit faimă după Al Doilea Război Mondial, când oamenii se străduiau să înțeleagă ceea ce percepeau ca fiind lipsa de sens a vieții. Gânditorii critici nu puteau crede că ar putea exista o putere superioară care să permită tipul de distrugere pe care tocmai o văzuseră. Dar, în loc să devină nihilisti în aparenta absență a lui Dumnezeu, existențialiștii au încercat să-și croiască drum prin lipsa de sens generală a vieții, căutând un sens personal. Așa cum a scris autorul existențialist Jean-Paul Sartre în cartea sa "Ființa și nimicul" în 1943: "Omul este condamnat să fie liber; el este responsabil pentru tot ceea ce face." Căutarea a ceea ce este esențial personal a fost fundamentală pentru existențialism și, de asemenea, pentru renașterea generalizată a abstractizării lirice după Al Doilea Război Mondial.

Alte nume asociate cu Abstractizarea Lirică

De-a lungul decadelor 1940 și 1950, au apărut o serie de mișcări de artă abstractă care, într-un fel sau altul, implicau expresia personală subiectivă ca bază pentru a exprima semnificația în artă. Abstracție Lirică, Art Informel, Tachisme, Art Brut, Expresionism abstract, arta Color Field și chiar arta conceptuală și de performanță, toate, până la un anumit punct, se întorc la aceeași căutare existențială generală. Unul dintre cei mai influenți critici de artă din această perioadă, Harold Rosenberg, a înțeles acest lucru atunci când a scris: "Astăzi, fiecare artist trebuie să se angajeze să se reinventeze ... Semnificația artei în vremea noastră curge din această funcție de auto-creare".

Dar pe măsură ce cultura s-a schimbat cu următoarea generație, multe dintre aceste tendințe existențiale în artă au căzut în dizgrație. Și încă o dată, o abordare geometrică, concretă și fără emoții a artei abstracte, personificată de minimalism, a luat locul.

Dar nu toți artiștii au abandonat tradiția lirică. La sfârșitul anilor 1960, marele val s-a schimbat din nou. Așa cum a subliniat Larry Aldrich, care a recuperat termenul Abstractizare lirică în 1969, “La începutul sezonului trecut, a devenit evident că în pictură exista o mișcare care se îndepărta de geometric, dur și minimalist, spre cele mai lirice, abstractizări senzuale, romantice în culori mai blânde și vibrante… Atingerea artistului este întotdeauna vizibilă în acest tip de pictură, chiar și atunci când picturile sunt făcute cu pistoale, bureți sau alte obiecte ”.

Abstractizare lirică contemporană

Jimenez-Balaguer, detaliu

Este evident că, așa cum se întâmplă de obicei cu mișcările artistice, tendințele care definesc abstractizarea lirică sunt anterioare folosirii termenului. În primele decenii ale secolului XX, artiști precum Wassily Kandinsky, Alberto Giacometti, Jean Fautrier, Paul Klee și Wols au întruchipat pentru prima dată tendințele lirice în abstractizare. Și zeci de ani mai târziu, artiști precum Georges Mathieu, Jean-Paul Riopelle, Pierre Soulages și Joan Mitchell le-au dus mai departe. Apoi, la sfârșitul anilor șaizeci și șaptezeci, artiști precum Helen Frankenthaler, Jules Olitski, Mark Rothko și zeci de alții au revitalizat și extins relevanța acestui gen.

În 2015 a murit una dintre cele mai fascinante voci ale abstractizării lirice contemporane, artistul spaniol Laurent Jiménez-Balaguer. Însă conceptele, teoriile și tehnicile sale continuă să se manifeste puternic astăzi în lucrările artiștilor precum Margaret Neill, ale cărei compoziții instinctive de linii lirice intercalate invită spectatorul la o participare subiectivă a semnificației personale și de Ellen Priest, ale cărei lucrări dau viață conversației sale estetice cu muzica jazz. Ceea ce unește toți acești artiști într-o legătură comună este căutarea fundamentală a abstractizării lirice: a exprima ceva personal, subiectiv și emoțional și a o face într-un mod poetic și abstract.

Abstractizare lirică americană (1960, 1970)

Helen Frankenthaler, Madame Butterfly

O mișcare cunoscută sub numele de abstractizare lirică a apărut în Statele Unite în decadelor 1960 și 1970, ca răspuns la creșterea minimalismului și artei conceptuale. Numeroși pictori au început să se îndepărteze de stilurile geometrice, precise, cu margini dure și minimaliste, spre un stil mai armonios și pictural, folosind culori bogate și senzuale. Ei intenționau să restabilească principiile estetice, în loc să continue cu o iconografie sociopolitică spontană. Această formă americană de abstractizare lirică este exemplificată în lucrările lui Helen Frankenthaler (n. 1928) și Jules Olitski (1922-2007), printre alții. O expoziție intitulată "Abstractizare lirică" a avut loc la Muzeul Whitney de Artă Americană, în luna mai-iulie 1971.

În această perioadă, însă, au existat o serie de variații similare ale expresionismului abstract de generație a doua (abstractizare post-picturală). Și, deși existau distincții teoretice clare între Pictura Color Field, Pictura Hard Edge, Pictura Color Stain și Abstractizarea Lirică, printre altele, aceste puncte de diferență nu sunt în niciun fel evidente pentru ochiul neantrenat.

Picturi ale mișcării Abstractizare Lirică sunt expuse astăzi în cele mai bune muzee de artă din lume.

Abstractizarea lirică - sens estetic și filozofic

Jean Paul Riopelle

Abstractizarea lirică nu a fost o școală sau un mișcare specifică, ci mai degrabă o tendință în cadrul Art Informel. Considerați-o un stil de artă abstractă echilibrat, elegant (uneori animat, uneori relaxant) care este aproape întotdeauna încărcat cu conținut extras din lumea naturală.

Este adesea încadrat de o culoare somptuoasă, frumusețea sa armonioasă și picturală putând fi contrastată cu imaginile dure, angustiate și disonante produse de alte grupuri de Art Informel, cum ar fi Cobra sau neoexpresioniștii recenti.

Cumpărați o replică a lui Wassily Kandinsky, unul dintre cei mai buni exponenți ai Abstractizării Lirice.

KUADROS ©, o pictură faimoasă pe peretele tău.