As 10 Pinturas Mais Famosas de Jesus

A figura de Jesus é uma das mais icônicas da história. 

A arte em torno da imagem de Jesus Cristo tem sido idealizada tanto por artistas amadores quanto por grandes mestres.

Como é possível mostrar na tela uma figura que é ao mesmo tempo completamente humana e completamente divina? Esse tipo de ousadia artística é algo até mesmo atrevido tentar.

Os artistas que pintaram na tradição cristã têm feito exatamente isso durante dois milênios.

As 10 Pinturas mais famosas de Jesus

Esta é uma olhada nas 10 pinturas de Jesus mais famosas ao longo da história, de acordo com a classificação realizada pelos especialistas da Kuadros.

# 1 A Última Ceia - Leonardo Da Vinci

A pintura mais famosa de Jesus Cristo é sem dúvida A Última Ceia de Leonardo Da Vinci.

A obra recria a última reunião da Páscoa entre Jesus e seus apóstolos, a partir do relato descrito no evangelho de João, capítulo 13. O artista imaginou, e conseguiu expressar, o desejo que perpassa a mente dos apóstolos de saber quem está traindo seu Mestre.

Pintado no final do século XV como mural nas paredes do refeitório do Convento de Santa Maria delle Grazie em Milão.

As pinturas a fresco geralmente são criadas aplicando pigmento sobre intonaco, uma camada fina de gesso de cal úmido.

Esta é normalmente a melhor técnica a ser usada, já que permite que o fresco se ocupe da respiração natural ou da transpiração que uma parede faz à medida que a umidade se move para a superfície.

No entanto, em A Última Ceia, Da Vinci decide usar tinta a óleo, já que este material seca muito mais lentamente, o que lhe permitia trabalhar na imagem de uma maneira muito mais lenta e detalhada.

Leonardo sabia que a umidade natural que penetra através da maioria dos edifícios de paredes de pedra teria que ser selada se usasse tintas a óleo, ou a umidade acabaria por arruinar seu trabalho.

Então o artista adicionou uma dupla camada de gesso, massa e brea para combater a deterioração pela umidade.

A pesar disso, a obra de arte teve que ser restaurada muitas vezes em sua longa história.

Até hoje, resta muito pouco da camada superior inicial da pintura a óleo como consequência do dano ambiental e também deliberado.

#2 A Transfiguração - Rafael

A Transfiguração de Rafael é a obra final do grande artista renascentista Rafael, que foi encomendado pelo cardeal Giulio de Medici da dinastia de banqueiros Medici.

Originalmente, a obra de arte foi concebida para ser pendurada como retábulo central da Catedral de Narbonne, na França, e agora está na Pinacoteca Vaticana na Cidade do Vaticano.

Após a morte de Rafael, a pintura nunca foi enviada para a França e o Cardeal a pendurou, em vez disso, no altar-mor da igreja do Beato Amadeo de San Pietro in Montorio, em Roma, em 1523.

No entanto, em 1797, a pintura foi tomada pelas tropas francesas como parte da campanha italiana de Napoleão e posteriormente pendurada no Louvre.

Pode-se considerar que a pintura reflete uma dicotomia no nível mais simples: a força redentora de Cristo, simbolizada pela pureza e simetria da metade superior da pintura. Isso contrasta com as deficiências do Homem, simbolizadas na metade inferior por cenas sombrias e caóticas.

A Transfiguração se relaciona com histórias sucessivas do Evangelho de Mateus. A parte superior da pintura representa Cristo elevado diante de nuvens ondulantes e iluminadas, e em ambos os lados dele estão os profetas Elias e Moisés. Na parte inferior da pintura, os Apóstolos estão representados, tentando sem sucesso libertar o menino possuído pelos demônios. A parte superior mostra Cristo transfigurado, que parece estar realizando um milagre, curando o menino e libertando-o do mal.

As dimensões da A Transfiguração são colossais, 410 x 279 cm. Rafael preferia pintar sobre tela, mas esta pintura foi feita com tintas a óleo sobre madeira como meios escolhidos. Rafael, de fato, mostrou indicações avançadas de maneirismo e técnicas do período barroco nesta pintura.

As poses estilizadas e contorcidas das figuras inferiores indicam maneirismo. A tensão dramática dentro dessas figuras, e o uso liberal da luz e da escuridão, ou contrastes de claroscuro, representam o período barroco de movimento exagerado para produzir drama, tensão, exuberância ou iluminação. De fato, A Transfiguração se adiantou ao seu tempo, assim como a morte de Rafael, que chegou muito cedo.

Esta obra seria a última pintura de Rafael, que trabalharia nela até sua morte em abril de 1520.

A limpeza da pintura de 1972 a 1976 mostrou que apenas algumas das figuras inferiores esquerdas foram completadas por assistentes, enquanto a maior parte da pintura foi do próprio artista.

#3 O Juízo Final - Miguel Ângelo

O Juízo Final de Miguel Ângelo está na parede atrás do altar na Capela Sistina. Sua representação da Segunda Vinda de Cristo em "O Juízo Final" gerou controvérsia imediata por parte da igreja católica da Contrarreforma.

Miguel Ângelo deveria pintar o fim do tempo, o começo da eternidade, quando o mortal se torna imortal, quando os escolhidos se unem a Cristo em seu reino celestial e os condenados são lançados aos tormentos intermináveis do inferno. 

Nenhum artista na Itália do século XVI estava melhor posicionado para essa tarefa do que Miguel Ângelo, cuja obra final selou sua reputação como o maior mestre da figura humana, especialmente o nu masculino. O Papa Paulo III era muito consciente disso quando acusou Miguel Ângelo de repintar o muro do altar da capela com o Juízo Final. Com seu foco na ressurreição do corpo, esse foi o tema perfeito para Miguel Ângelo.

A poderosa composição se concentra na figura dominante de Cristo, capturada no momento anterior ao qual se pronuncia o veredicto do Juízo Final.

Seu gesto tranquilo e imperioso parece chamar a atenção e apaziguar a agitação circundante. Na imagem, inicia-se um amplo movimento rotativo lento no qual interagem todas as figuras. Excluem-se as duas lunetas superiores com grupos de anjos portando em voo os símbolos da Paixão (à esquerda a Cruz, os cravos e a coroa de espinhos; à direita a coluna da flagelação, as escadas e a lança com a esponja embebida em vinagre).

No centro da seção inferior estão os anjos do Apocalipse que se encontram despertando os mortos com o som de longas trompetas. À esquerda, os ressuscitados recuperam seus corpos enquanto ascendem ao céu (Ressurreição da carne), à direita anjos e demônios lutam para fazer cair os condenados ao inferno. Finalmente, ao fundo Caronte com seus remos, junto de seus demônios, faz com que os condenados saiam de seu bote para conduzi-los perante o juiz infernal Minos, cujo corpo está envolto nas espirais da serpente.

A referência nesta parte ao Inferno da Divina Comédia de Dante Alighieri é clara. Além de elogios, o Juízo Final também provocou reações violentas entre os contemporâneos. Por exemplo, o Mestre de Cerimônias Biagio da Cesena disse que "foi de lo mais desonesto em um lugar tão honrado haver pintado tantas figuras nuas que mostram tão desonestamente sua vergonha e que não era uma obra para uma Capela do Papa, mas para estufas e tabernas "(G. Vasari, Le Vite). As controvérsias, que continuaram durante anos, levaram em 1564 à decisão da Congregação do Concílio de Trento de ter cobertas algumas das figuras do Juízo que foram consideradas "obscenas".

A tarefa de pintar as cortinas da cobertura, o chamado "braghe" (calças) foi encomendada a Daniele da Volterra, desde então conhecido como o "braghettone". Os "braghe" de Daniele foram apenas os primeiros que foram realizados. De fato, nos séculos vindouros foram adicionados vários outros.

#4 Cristo Carregando a Cruz - El Greco

Durante sua longa trajetória na Espanha, El Greco fez inúmeras pinturas de Cristo carregando a cruz. Cristo Carregando a Cruz é uma imagem de humanidade perfeita. A obra se destaca pelas características pinceladas com as quais o pintor utiliza a cor para modelar os volumes e distorce os corpos para refletir o anseio espiritual do personagem.

El Greco pinta os olhos de Cristo com lágrimas dramáticas e exageradas neles. Seus olhos são o elemento chave da pintura, já que expressam muita emoção.

Há um delicado contraste entre seus ombros robustos e a beleza feminina de suas mãos. No entanto, não há sinais de dor em seu rosto. Assim como suas mãos passivas não expressam angústia nem esforço para carregar a cruz.

El Greco transformou a imagem de Cristo sobrecarregado e dolorido pela pesada cruz em uma que está tranquila e pronta para enfrentar seu destino. A serenidade de Cristo diante de seu sacrifício convida o espectador a aceitar seu próprio destino em momentos de medo e dúvida. 

#5 Cristo Crucificado - Diego Velázquez

Esta imagem intensamente poderosa de Jesus na cruz foi pintada durante o período criativo que se seguiu à primeira viagem estimulante de Velázquez à Itália. Ao contrário de seus outros nus masculinos que apareceram em pinturas como Apolo na Forja de Vulcano e a Túnica de José, seu Cristo na Cruz é um corpo morto ou moribundo que não vai acompanhado de outros elementos narrativos, exceto a própria cruz. No entanto, o artista consegue dotar a obra de uma grande dignidade e serenidade.

Acredita-se que a obra foi uma encomenda para a sacristia do Convento de San Plácido, a postura austera do Cristo Crucificado apresenta quatro cravos, os pés juntos e aparentemente sustentados por uma pequena prateleira de madeira, o que permite que os braços formem uma curva sutil, em vez de um triângulo. A cabeça está coroada por uma aureola, enquanto o rosto se apoia sobre o peito, deixando-nos entrever suas feições. Seu cabelo liso e liso cai sobre o lado direito de seu rosto, seu caminho posterior é traçado pelo sangue que goteja da ferida em seu lado direito.

A imagem é inusitadamente autobiográfica no sentido de que ilustra todas as principais influências na pintura de Velázquez. Para começar, lembra o tom devocional e a iconografia das pinturas absorvidas durante seus primeiros anos em Sevilha sob Francisco Pacheco, membro ativo da Inquisição espanhola.

Em segundo lugar, reflete sua habilidade na pintura de figuras adquirida na Espanha a partir do estudo dos artistas do Renascimento espanhol e, na Itália, da arte da antiguidade clássica, da arte do Alto Renascimento em Roma e Veneza, e das obras de Caravaggio em Roma e Nápoles. 

A influência do classicismo na obra se mostra na calma geral do corpo e sua postura idealizada. A influência do caravaggismo se faz presente no tenebrismo dramático que centra toda a atenção no corpo pálido de Cristo.

É certo que a imagem não tem o dramatismo característico da pintura barroca, que se vê em obras religiosas como A crucificação de São Pedro ou o Descida da Cruz. Em vez disso, possui uma qualidade escultórica monumental que a eleva, de acordo com a espiritualidade do tema. A composição é absolutamente simples, mas com um vívido contraste entre o corpo branco e o fundo escuro, e há naturalismo na forma como a cabeça de Cristo cai sobre seu peito. O cabelo desgrenhado é pintado com a soltura que Velázquez havia visto e admirado de perto em exemplos da pintura veneziana.

Velázquez ganhou a reputação de ser um dos melhores retratistas da Espanha, tornando-se o pintor oficial de Filipe IV (reinou entre 1621 e 1640) e, em última análise, o maior representante da pintura espanhola do período barroco. No entanto, apesar do fato de que a arte religiosa era especialmente importante na Espanha, um país cuja monarquia reinante se orgulhava de ser um dos principais patrocinadores da arte da Contrarreforma católica, Velázquez pintou comparativamente poucas pinturas religiosas notáveis.

Em vez disso, o artista pintou o mundo que via ao seu redor, especializando-se na arte do retrato, alguma pintura de gênero (naturezas-mortas) e alguma que outra pintura de história. Ironicamente, dada a escassez de suas obras religiosas, ele foi mais influenciado pelo gênio italiano Caravaggio, que se destaca especialmente por sua arte bíblica, executada em um estilo agressivamente realista. Velázquez também foi fortemente influenciado pelas ideias do Renascimento italiano obtidas de seu mestre sevillano Francisco Pacheco.

 

#6 Cristo Carregando a Cruz - Tiziano 

Por volta do ano 1508 ou 1509, Tiziano pintou um óleo que é conhecido como Cristo Carregando a Cruz. As origens reais da pintura são algo misteriosas, e até mesmo vários historiadores da arte atribuíram em ocasiões a outro pintor italiano, Giorgione. Ambos os pintores pertenciam a um guilda de artistas vinculada à escola e à igreja, ambos atuavam na mesma época e lugar, e é provável que a obra tenha sido pintada expressamente para a instituição. Outro mistério sobre a pintura a óleo é que se dizia que tinha habilidades curativas milagrosas, sobre as quais se escreveu em muitas narrativas históricas. Os peregrinos rezavam na igreja em um altar lateral onde a pintura estava pendurada e informavam que tinham sido curados de enfermidades.

O estado de ânimo geral da obra é sombrio e escuro. As cores mais brilhantes são os tons de carne apagados, e a paleta é dominada por vários tons de marrom. Sobre um fundo quase negro, Cristo aparece de semiperfil carregando a cruz ao ombro. Enquanto olha para a esquerda, um carrasco de aparência irritada aperta uma corda ao redor de seu pescoço, e outra figura levemente atrás do carrasco olha para dentro, atrás da cena. A composição tem um estilo que foi inovador na época, uma vista em primeiro plano que evitou a perspectiva e a profundidade em favor da intimidade e do detalhe. Caracteristicamente para Tiziano, a pintura está cheia de ação e o descanso parece distante para os personagens representados.

#7 Salvator Mundi - Leonardo Da Vinci

Esta pintura famosa, embora continue sendo muito atraente, já não é considerada uma obra de Leonardo da Vinci e perdeu seu lugar entre nossa lista das 100 pinturas mais famosas da história.

Originalmente, pensou-se que Leonardo da Vinci pintou Salvator Mundi para o rei Luís XII da França e sua consorte, Ana da Bretanha.  Os especialistas hoje questionam a atribuição da pintura ao mestre italiano, apesar de que esta tenha sido vendida em um leilão em novembro de 2017 por $450.312.500, um preço recorde para uma obra de arte.

Salvator Mundi costumava ser parte de nossa lista de pinturas famosas, mas deixou seu lugar para outra pintura votada pelo público e nossos artistas.

#8 Os Discípulos de Emaús - Caravaggio

 

Esta obra do mestre Caravaggio é também conhecida como A Peregrinação de Nosso Senhor a Emaús ou simplesmente A Ceia de Emaús. A pintura mostra o momento em que os dois apóstolos que o acompanham percebem que quem lhes tem falado o dia todo foi seu amado mestre.

Pintado no auge da fama do artista, Os Discípulos de Emaús é uma das obras religiosas mais impressionantes da história da arte. Nesta pintura, Caravaggio captura brilhantemente o clímax dramático do momento, segundo exato em que os discípulos de repente compreendem quem esteve diante deles desde o início. Suas ações e reações naturais transmitem seu assombro dramático: um está prestes a saltar de sua cadeira, enquanto o outro estende os braços em um gesto de incredulidade. A iluminação crua sublinha a intensidade de toda a cena.

Na obra, Caravaggio mostra os discípulos como trabalhadores ordinários, com rostos barbudos, enrugados e roupas esfarrapadas, em contraste com o jovem Cristo sem barba, que parece ter chegado de um mundo diferente.

Há alguns segredos escondidos em vários pontos. Na obra, o artista escondeu um ovo de Páscoa, por exemplo. A sombra projetada pela cesta de frutas na mesa também parece retratar um peixe, o que poderia ser uma alusão ao grande milagre.

E há mais tesouros escondidos nesta obra-prima. Às vezes, um defeito não é um defeito, mas uma explosão de genialidade. Tomemos, por exemplo, o tecido da cesta de vime que balança na borda da mesa no centro da pintura.

Embora incontáveis olhos tenham se maravilhado diante do drama misterioso que se desenrola no interior sombrio daquela estalagem, o significado de uma imperfeição quase imperceptível passou despercebido ao longo dos séculos.

Uma ramita solta, que sobressai da trança do tecido, transforma a célebre tela de Caravaggio em um ato atrevido, um desafio espiritual para o observador.

Para apreciar todas as implicações deste pequeno detalhe, vale a pena recordar os contornos do ambiente geral que Caravaggio estava evocando em sua obra.

O tema da A Ceia de Emaús é algo que tem inspirado grandes mestres da história, desde Rembrandt a Velázquez. O momento chave é narrado no Evangelho de Lucas no Novo Testamento. Lá se conta a história da refeição íntima de Cristo com os dois discípulos, Lucas e Cleopas, que ignoram a verdadeira identidade do acompanhante. Na pintura, o pão já foi partido e abençoado, e chegou o momento, de acordo com o relato do Evangelho, de que Cristo "abra" os olhos de seus seguidores e desapareça "de sua visão".

A obra-prima captura um limiar místico entre as sombras e a luz, o segundo mágico antes de Cristo, que está envolto pela silhueta de um estranho atrás dele, desaparecer do mundo. Nesse instante incomensurável entre a revelação e a desaparição, Caravaggio tece sua trama, o encontro magistral entre dois mundos.

Quando a verdade se revela, o tio paterno de Cristo, Cleopas, se levanta de sua cadeira tomado de pânico e espanto diante da revelação: seus cotovelos se elevam dinamicamente através das mangas de seu casaco.

Do outro lado do frutero de vime, à direita, Lucas abre os braços de par em par, como reclamando a inverossimilhança da cena, desenhando a mesma postura na cruz no momento de sua dolorosa morte. Enquanto isso, o estalajadeiro se mostra impassível, observando sem compreender enquanto escuta as palavras que Cristo falou a seus atônitos discípulos, incapaz de captar o significado de um momento transcendental para a humanidade.

Os Discípulos de Emaús ocupam o lugar nº 82 na lista de pinturas famosas 

#9 O Cristo Pantocrátor

O Cristo Pantocrátor é um painel de madeira pintada que data do século VI do Mosteiro de Santa Catarina localizado no Sinai, Egito. Esta pintura é considerada um dos ícones religiosos bizantinos mais antigos e é a obra mais antiga conhecida do estilo pantocrátor.

O painel pintado tem uma altura de 84 cm, com largura de 45,5 cm e profundidade de 1,2 cm. Acredita-se que a pintura originalmente era maior, mas foi cortada na parte superior e nas laterais em algum momento, por razões desconhecidas, para produzir as dimensões atuais. Na obra, Cristo é representado vestido com uma túnica púrpura.- uma cor comumente escolhida para representar os de status imperial e realeza. Esta escolha de cor para sua túnica é um símbolo de seu status e importância. Cristo é representado levantando a mão esquerda em sinal de bênção e com a direita segurando um livro.

Podemos supor que este livro é provavelmente um Evangelho porque está adornado com joias em forma de cruz. A pintura é deliberadamente assimétrica para simbolizar a natureza dual de Cristo. O lado esquerdo de Cristo é um símbolo de sua natureza humana, com seus traços representados como muito mais suaves e leves. Enquanto o lado direito de Cristo simboliza sua divindade com seu olhar severo e traços intensos. Os olhos em si são diferentes em forma e tamanho, assim como o cabelo em seu lado esquerdo está preso atrás de seu ombro.

Um dos ícones cristãos mais importantes é o Cristo Pantocrátor. Esta imagem retrata Jesus como o governante soberano do mundo. O Cristo Pantocrátor foi uma das imagens mais antigas de Jesus e aparece nos lugares mais destacados das igrejas rupestres.

A palavra Pantocrátor significa "Todo-Poderoso". Na versão grega do Antigo Testamento (LXX), a palavra pantocrátor é a tradução de "Senhor dos Exércitos" e "Deus Todo-Poderoso". No livro do Apocalipse, pantocrátor aparece nove vezes como um título que enfatiza a soberania e o poder de Deus.

O ícone Cristo Pantocrátor enfatiza a onipotência de Jesus, seu poder para fazer qualquer coisa. Jesus é o “Governante de Tudo” que sustenta todas as coisas. O simbolismo do Cristo Pantocrátor (explicado a seguir) é inspirado na imagética imperial romana para projetar seu poder soberano. Os primeiros cristãos usaram símbolos culturais para proclamar o poder soberano do Cristo ressuscitado.

Além disso, a localização do Cristo Pantocrátor no ábside (a parede do santuário frontal) também tem um significado teológico. As igrejas bizantinas tinham o modelo da basílica romana, a câmara do rei para celebrar a corte. O ábside era o posto de autoridade onde se sentava o funcionário governante. A posição de Jesus no ábside declara que ele é o governante legítimo e juiz soberano sobre tudo. 

Os cristãos começaram a representar visualmente Jesus no final dos anos 300, uma vez que já não existia a ameaça de perseguição. Estas primeiras imagens apresentam Jesus como uma figura estoica sentada em um trono com um pergaminho. Nos anos 600, o Cristo Pantocrátor surgiu como uma simplificação dessa imagem inicial. A aparência do Cristo Pantocrátor mal mudou nos últimos 1.500 anos.

A maioria das primeiras imagens de Jesus foi destruída durante a controvérsia iconoclasta.

#10 Cristo de São João da Cruz

De longe, a mais popular de todas as obras religiosas de Dalí é sem dúvida seu "Cristo de São João da Cruz", cuja figura domina a baía de Port Lligat. A pintura foi inspirada em um desenho, preservado no Convento da Encarnação de Ávila, Espanha, e realizado pelo próprio São João da Cruz, depois de ter visto esta visão de Cristo durante um êxtase. As pessoas junto ao barco são derivadas de um quadro de Le Nain e de um desenho de Diego Velázquez para A rendição de Breda.

Ao pé de seus estudos para o Cristo, Dalí escreveu: "Em primeiro lugar, em 1951, tive um sonho cósmico no qual vi esta imagem em cores e que em meu sonho representava o núcleo do átomo. Este núcleo tomou depois um sentido metafísico: considerei na 'unidade mesma do universo' o Cristo! Em segundo lugar, graças às instruções do padre Bruno, um carmelita, vi o Cristo desenhado por São João da Cruz, elaborei geometricamente um triângulo e um círculo, que resumiam esteticamente todos meus experimentos anteriores, e inscrevi meu Cristo neste triângulo".

Esta obra foi considerada banal por um importante crítico de arte quando foi exposta pela primeira vez em Londres. 

A pintura foi uma das compras mais controversas realizadas pelo Dr. Tom Honeyman, então Diretor dos Museus de Glasgow. Agora se reconhece amplamente que o Dr. Honeyman tomou uma decisão muito astuta ao propor à então Glasgow Corporation que a cidade comprasse a pintura.

Honeyman não apenas conseguiu a pintura por menos do que o preço de catálogo, mas também comprou os direitos autorais da obra a Salvador Dalí, garantindo assim um legado de longo prazo da compra.

No entanto, inicialmente, a pintura não foi bem recebida por todos, e os estudantes da Escola de Arte de Glasgow argumentaram que o dinheiro poderia ter sido utilizado para comprar obras de artistas escoceses ou de Glasgow.

Depois de ser exibida em Kelvingrove em 1952, a pintura de Dalí atraiu visitantes em massa.

A pintura na coleção dos Museus de Glasgow não esteve isenta de drama, já que foi danificada duas vezes, a mais famosa quando a tela foi rasgada gravemente por um visitante que empunhava uma pedra afiada. Os conservadores de Kelvingrove conseguiram reparar a pintura até o ponto em que o dano agora é quase invisível.

Mais de 60 anos após sua compra original, o apelo duradouro da pintura não mostra sinais de diminuição e agora é uma das exposições mais populares do museu.

KUADROS ©, uma pintura famosa na sua parede.