36 najsłynniejszych ruchów i stylów artystycznych

Znane ruchy i style artystyczne

Na przestrzeni dziejów artyści tworzyli sztukę w różnych mediach i stylach, kierując się rozmaitymi filozofiami i ideałami. Choć nazwa stylu często bywa zbyt uproszczona, różne tendencje lub style artystyczne można grupować w zbiorcze kategorie znane jako ruchy artystyczne.

Kuadros oferuje Ci najważniejsze terminy dotyczące ruchów i stylów artystycznych, od klasycyzmu po futuryzm, od baroku po awangardę.

Ekspresjonizm abstrakcyjny

 

Określenie „Ekspresjonizm abstrakcyjny” obejmuje szeroką gamę amerykańskich ruchów artystycznych XX wieku w sztuce abstrakcyjnej. Znany również jako szkoła nowojorska, ruch ten obejmuje duże malowane płótna, rzeźby i inne media. Termin „malarstwo akcji” jest związany z ekspresjonizmem abstrakcyjnym i opisuje wysoce dynamiczne, spontaniczne nakładanie energicznych pociągnięć pędzla oraz efekty kapania i rozlewania farby na płótno.

Dowiedz się więcej o Ekspresjonizmie Abstrakcyjnym

Art Deco

 

Powstały we Francji przed I wojną światową styl Art Deco wybuchł pełnią sił w 1925 roku z okazji Exposition des Arts Décoratifs (Wystawy Sztuk Dekoracyjnych). Zacierając granice między różnymi mediami i dziedzinami — od architektury i mebli po odzież i biżuterię — Art Deco połączyło nowoczesną estetykę z mistrzowskim rzemiosłem, zaawansowaną technologią i eleganckimi materiałami.

Dowiedz się więcej o Art Deco.

Art Nouveau

Styl dekoracyjny, który rozkwitł między 1890 a 1910 rokiem w całej Europie i USA. Art Nouveau, zwany także Jugendstil (Niemcy) i Sezessionstil (Austria), charakteryzuje się falistymi, asymetrycznymi liniami opartymi na organicznych formach. Choć wpłynął na malarstwo i rzeźbę, jego głównymi przejawami były architektura oraz sztuka dekoracyjna i graficzna, a jego celem było stworzenie nowego stylu, wolnego od naśladowniczego historyzmu, który zdominował znaczną część ruchów artystycznych i wzornictwa XIX wieku.

Dowiedz się więcej o Art Noveau

Awangarda

Mazoni, Merda d'Artista. Przykład awangardy

Po francusku avant-garde oznacza „straż przednią” i odnosi się do pojęć, dzieł lub grupy bądź osób, które je tworzą — innowacyjnych lub eksperymentalnych, szczególnie w obszarach kultury, polityki i sztuki.

Dowiedz się więcej o ruchu Avant Garde

Barok

 

Termin Barok, wywodzący się z portugalskiego „barocco”, oznaczającego „perłę lub nieregularny kamień”, to nurt w sztuce i architekturze rozwijający się w Europie od początku XVII wieku do połowy XVIII wieku. Barok kładzie nacisk na dramatyczny, przesadzony ruch oraz wyraźne, łatwe do odczytania detale, co jest bardzo dalekie od surrealizmu, aby wywołać dramat, napięcie, przepych i monumentalność.

Dowiedz się więcej o Baroku

Bauhaus

Szkoła sztuki i designu została założona w Niemczech przez Waltera Gropiusa w 1919 roku i zamknięta przez nazistów w 1933 roku. Uczelnia zgromadziła artystów, architektów i projektantów oraz wypracowała eksperymentalną pedagogikę, która koncentrowała się na materiałach i funkcjach zamiast na tradycyjnych metodach szkół artystycznych. W kolejnych wcieleniach w Weimarze, Dessau i Berlinie stała się miejscem wpływowych dyskusji o roli nowoczesnej sztuki i designu w społeczeństwie.

Dowiedz się więcej o ruchu Bauhaus

Klasycyzm

Klasycyzm był ruchem artystycznym i kulturowym, który pojawił się w Europie w XVII i XVIII wieku, inspirowanym podziwem dla piękna, równowagi i harmonii sztuki grecko-rzymskiej. Jego ideałem było osiągnięcie formalnej doskonałości poprzez rozum i umiar, w opozycji do przesady baroku. W malarstwie i rzeźbie artyści tacy jak Jacques-Louis David i Antonio Canova dążyli do czystości linii, spokoju i szlachetności tematów mitologicznych lub historycznych. W architekturze powrócono do klasycznych proporcji i kolumn, przywołując wielkość starożytności. Klasycyzm był nie tylko stylem estetycznym, ale także wyrazem myśli oświeceniowej, w której rozum stał się nowym ideałem piękna.

Klasycyzm wiernie odzwierciedla zasady wyrażone w stylach, teoriach lub filozofiach różnych rodzajów sztuki starożytnej Grecji i Rzymu, koncentrując się na tradycyjnych formach z naciskiem na elegancję i symetrię.

Dowiedz się więcej o klasycyzmie

CoBrA

 

CoBrA, efemeryczny, ale innowacyjny międzynarodowy ruch artystyczny 

Założona w 1948 roku w Paryżu CoBrA była efemeryczną, lecz innowacyjną powojenną grupą, która zgromadziła międzynarodowych artystów opowiadających się za spontanicznością jako sposobem tworzenia nowego społeczeństwa. Nazwa „CoBrA” jest akronimem od nazw miast pochodzenia jej założycieli: Kopenhagi, Brukseli i Amsterdamu.

CoBrA powstała jako reakcja przeciwko racjonalizmowi i sztywności sztuki akademickiej oraz powojennego formalistycznego modernizmu. Artyści CoBrA, tacy jak Asger Jorn, Karel Appel i Corneille, bronili spontaniczności, twórczej wolności i instynktownej ekspresji, czerpiąc inspirację ze sztuki dziecięcej, sztuki ludowej i form pierwotnych. Ich styl charakteryzuje się użyciem intensywnych kolorów, energicznych pociągnięć pędzla oraz fantastycznych lub zwierzęcych postaci, o niemal dzikiej energii. CoBrA była czymś więcej niż stylem — była postawą życiową i zbiorową, która dążyła do ponownego połączenia sztuki z czystą emocją i nieskrępowaną wyobraźnią.

Dowiedz się więcej o ruchu CoBrA

Color Field Painting

 

Często kojarzone z ekspresjonizmem abstrakcyjnym, malarstwo Color Field skupiało się na wykorzystaniu czystej abstrakcji, lecz odrzucało aktywne gesty typowe dla malarstwa akcji na rzecz wyrażania wzniosłości poprzez duże, płaskie powierzchnie kontemplacyjnego koloru i otwarte kompozycje. 

Color Field Painting ma w sobie coś niemal hipnotycznego: zamienia kolor w bezpośrednie emocjonalne doświadczenie, bez pośredników i rozpraszaczy. Nie ma na celu opowiadania historii ani przedstawiania obiektów, lecz zanurzenie widza w atmosferze, w której kolor oddycha, drży i przekształca przestrzeń. Wobec tych dzieł nie tyle „rozumie się” malarstwo, ile się je odczuwa. To cicha, lecz potężna magia, zdolna na chwilę zatrzymać czas i połączyć z czymś głęboko intymnym, jakby kolor mówił językiem, który nie potrzebuje słów.

Dowiedz się więcej o Color Field Painting

Sztuka konceptualna

 

Sztuka konceptualna, czasem nazywana po prostu konceptualizmem, była jednym z kilku ruchów artystycznych XX wieku, które pojawiły się w latach 60., kładąc nacisk na idee i praktyki teoretyczne zamiast na tworzenie form wizualnych. Termin został ukuty w 1967 roku przez artystę Sol LeWitta, który nadał nazwę nowemu gatunkowi w swoim eseju „Paragraphs on Conceptual Art”, w którym napisał: „Sama idea, nawet jeśli nie jest wizualna, jest tak samo dziełem sztuki jak każdy gotowy produkt”.

Sztuka konceptualna to jeden z najbardziej radykalnych zwrotów w historii sztuki: zakłada, że idea jest ważniejsza niż fizyczne dzieło. W przeciwieństwie do tradycyjnego malarstwa, gdzie wartość tkwi w technice i obrazie, tutaj sedno leży w myśli, która je podtrzymuje; nie ma na celu dekorować ani imponować, lecz skłaniać do myślenia. To sztuka, która prowokuje pytania, niepokoi i nieustannie redefiniuje, co znaczy tworzyć.

Dowiedz się więcej o sztuce konceptualnej

Konstruktywizm

 

Rozwinięty przez rosyjską awangardę około 1915 roku, konstruktywizm jest odłamem sztuki abstrakcyjnej, odrzucającym ideę „sztuki dla sztuki” na rzecz sztuki jako praktyki ukierunkowanej na cele społeczne. Dzieła tego nurtu były przede wszystkim geometryczne i precyzyjnie skomponowane, czasem z wykorzystaniem narzędzi matematycznych i pomiarowych.

Kubizm

 

Ruch artystyczny zapoczątkowany w 1907 roku przez artystów Pabla Picassa i Georgesa Braque’a, którzy opracowali język wizualny, którego geometryczne płaszczyzny podważyły konwencje przedstawiania w różnych rodzajach sztuki, reinwentując tradycyjne tematy, takie jak akty, pejzaże i martwe natury, w coraz bardziej rozfragmentowanych kompozycjach

Dadaizm

 

Dada / Dadaizm

Ruch artystyczny i literacki w sztuce, który powstał podczas I wojny światowej jako negatywna odpowiedź na tradycyjne wartości społeczne oraz konwencjonalne praktyki artystyczne różnych form sztuki tamtej epoki. Artyści dadaistyczni reprezentowali ruch protestu z antysystemowym manifestem, dążyli do obnażenia akceptowanych, a często represyjnych konwencji porządku i logiki, szokując ludzi, aby uświadomili sobie samych siebie.

Ekspresjonizm

 

Ekspresjonizm to międzynarodowy ruch artystyczny w sztuce, architekturze, literaturze i performansie, który rozkwitał w latach 1905–1920, zwłaszcza w Niemczech i Austrii, dążąc do wyrażania znaczenia doświadczenia emocjonalnego zamiast rzeczywistości fizycznej. Konwencje stylu ekspresjonistycznego obejmują deformację, przesadę, fantazję oraz żywe, dysonansowe, gwałtowne lub dynamiczne użycie koloru w celu wyrażenia wewnętrznych uczuć lub idei artysty.

Fowizm

 

Termin ukuty przez krytyka Louisa Vauxcellesa, fowizm (po francusku „dzikie bestie”) jest jednym z ruchów artystycznych początku XX wieku. Fowizm kojarzony jest szczególnie z Henri Matisse’em i André Derainem, których dzieła charakteryzują się mocnymi, żywymi kolorami i śmiałymi pociągnięciami pędzla, ponad realistycznymi lub figuratywnymi właściwościami.

Futuryzm

 

Dość wyjątkowy spośród różnych typów ruchów artystycznych, jest włoskim nurtem w sztuce abstrakcyjnej i literaturze, założonym w 1909 roku przez Filippo Tommasa Marinettiego, którego celem było uchwycenie dynamizmu, prędkości i energii nowoczesnego świata maszyn.

Renesans Harlemu

 

Powstały po I wojnie światowej w przeważająco afroamerykańskiej dzielnicy Harlem w Nowym Jorku, Renesans Harlemu był wpływowym ruchem w sztuce afroamerykańskiej, obejmującym sztuki wizualne, literaturę, muzykę i teatr. Artyści związani z tym ruchem odrzucali stereotypowe przedstawienia i wyrażali dumę z życia oraz tożsamości czarnoskórych.

Impresjonizm

 

Impresjonizm to XIX-wieczny nurt artystyczny, kojarzony szczególnie z francuskimi artystami, takimi jak Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Camille Pissarro i Alfred Sisley, którzy starali się z precyzją i obiektywizmem rejestrować wizualne „wrażenia” za pomocą małych, cienkich i widocznych pociągnięć pędzla. Łączą się one, tworząc jedną scenę, i podkreślają ruch oraz zmienne właściwości światła.

Sztuka instalacji

 

Sztuka instalacji to nurt rozwinięty równolegle ze sztuką pop pod koniec lat 50. XX wieku, charakteryzujący się wielkoformatowymi konstrukcjami z różnych mediów, często projektowanymi z myślą o konkretnym miejscu lub czasowym okresie ekspozycji. Często sztuka instalacji wiąże się z tworzeniem immersyjnego, sensorycznego lub estetycznego doświadczenia w określonym otoczeniu, które nierzadko zachęca widza do aktywnego uczestnictwa lub zanurzenia się w dziele.

Land Art

 

Land Art, znany również jako Earth art, Environmental art i Earthworks, to prosty nurt artystyczny, który pojawił się w latach 60. i 70. XX wieku, charakteryzujący się pracami wykonywanymi bezpośrednio w krajobrazie, polegającymi na rzeźbieniu samej ziemi w formy ziemne lub tworzeniu struktur w krajobrazie z wykorzystaniem naturalnych materiałów, takich jak kamienie czy gałązki. Można go postrzegać jako naturalną wersję sztuki instalacji. Land Art jest silnie kojarzony z Wielką Brytanią i Stanami Zjednoczonymi, ale obejmuje także przykłady z wielu krajów.

Minimalizm

 

Kolejny z nurtów artystycznych lat 60. XX wieku, charakteryzujący się dziełami zbudowanymi z prostych środków, takich jak formy geometryczne pozbawione treści figuratywnej. Oszczędny język form wykonanych z prostych materiałów przemysłowych podważał tradycyjne pojęcia rzemiosła, iluzję przestrzennej głębi w malarstwie oraz przekonanie, że dzieło sztuki abstrakcyjnej musi być jedyne w swoim rodzaju.

Neoimpresjonizm

 

Neoimpresjonizm to termin odnoszący się do awangardowego ruchu artystycznego, który rozkwitł głównie we Francji w latach 1886–1906. Zainspirowani przykładem Georges’a Seurata i Paula Signaca neoimpresjoniści odrzucili spontaniczność impresjonizmu na rzecz świadomej, systematycznej techniki malarskiej znanej jako puentylizm, opartej na nauce i badaniach nad optyką.

Neoklasycyzm

 

Prawie przeciwieństwo pop-artu pod względem inspiracji, styl ten pojawił się w drugiej połowie XVIII wieku w Europie, czerpiąc z klasycznej sztuki i kultury starożytnej Grecji i starożytnego Rzymu, co nie jest niczym niezwykłym w przypadku ruchów artystycznych.

Neon Art

 

W latach 60. Neon Art przekształcił komercyjny nośnik używany w reklamie w innowacyjne medium artystyczne. Oświetlenie neonowe pozwoliło artystom badać relację między światłem, kolorem i przestrzenią, jednocześnie wykorzystując obrazy popkultury i mechanizmy konsumpcjonizmu.

Sztuka optyczna, czyli Op Art

 

Op Art, słynny ruch artystyczny z końca XX wieku.

Op Art to skrót od sztuki optycznej, formy geometrycznej sztuki abstrakcyjnej, która bada wrażenia optyczne poprzez stosowanie efektów wizualnych, takich jak powtarzanie prostych kształtów, zestawienia żywych kolorów, wzory mory, zatarcie granicy między pierwszym planem a tłem oraz przesadzone poczucie głębi. Obrazy i dzieła Op Art wykorzystują sztuczki percepcji wzrokowej, takie jak manipulowanie zasadami perspektywy, aby stworzyć iluzję przestrzeni trójwymiarowej.

Sztuka performance

 

Termin, który pojawił się w latach 60., aby opisać różne rodzaje sztuki tworzonej poprzez działania wykonywane przez artystę lub innych uczestników, mogące być prezentowane na żywo lub nagrane, spontaniczne lub zapisane. Performance kwestionuje konwencje tradycyjnych form sztuki wizualnej, takich jak malarstwo i rzeźba, przyjmując różne style, takie jak wydarzenia, body art, akcje i eventy.

Pop-art

 

Sztuka pop powstała w latach 50. XX wieku i była tworzona przez brytyjskich i amerykańskich artystów czerpiących inspirację z „popularnych” obrazów i produktów kultury komercyjnej, w opozycji do „elitarnej” sztuki pięknej. Sztuka pop osiągnęła szczyt aktywności w latach 60., podkreślając banalne lub kiczowate elementy codziennego życia w formach takich jak mechanicznie reprodukowane sitodruki, wielkoformatowe facsimile oraz miękkie rzeźby pop-artowe.

Postimpresjonizm

 

„Postimpresjonizm” to termin ukuty w 1910 roku przez angielskiego krytyka sztuki i malarza Rogera Fry’a, aby opisać reakcję na naturalistyczne przedstawianie światła i koloru w impresjonizmie. Artyści tacy jak Paul Cézanne, Paul Gauguin i Vincent van Gogh rozwijali własny styl, choć jednoczyło ich zainteresowanie wyrażaniem emocjonalnych i psychologicznych reakcji na świat za pomocą wyrazistych barw i często symbolicznych obrazów.

Precyzjonizm

 

Precyzjonizm był pierwszym prawdziwie rodzimym ruchem nowoczesnej sztuki w Stanach Zjednoczonych i przyczynił się do rozwoju amerykańskiego modernizmu. Inspirowany kubizmem i futuryzmem, precyzjonizm był napędzany dążeniem do przywrócenia sztuce struktury i celebrował nowy amerykański krajobraz drapaczy chmur, mostów i fabryk.

Rokoko

 

Rokoko to nurt w sztuce, szczególnie w architekturze i sztuce dekoracyjnej, który powstał we Francji na początku XVIII wieku. Cechy sztuki rokoka obejmują bogatą ornamentykę oraz lekki i zmysłowy styl, w tym woluty, liście i motywy zwierzęce.

Surrealizm

 

Założony przez poetę André Bretona w Paryżu w 1924 roku, surrealizm był ruchem artystycznym i literackim, aktywnym podczas II wojny światowej. Głównym celem malarstwa surrealistycznego i surrealistycznych dzieł sztuki było uwolnienie myśli, języka i ludzkiego doświadczenia od opresyjnych ograniczeń racjonalizmu poprzez promowanie tego, co irracjonalne, poetyckie i rewolucyjne.

Suprematyzm

 

Stwierdzono, że jest stosunkowo mało znanym członkiem różnych nurtów abstrakcyjnych ruchów artystycznych poza światem sztuki. Termin ukuty przez rosyjskiego artystę Kazimierza Malewicza w 1915 roku, aby opisać abstrakcyjny styl malarstwa zgodny z jego przekonaniem, że sztuka wyrażona w najprostszych formach geometrycznych i dynamicznych kompozycjach była wyższa od wcześniejszych form sztuki figuratywnej, co prowadziło do „supremacji czystego uczucia” lub percepcji w sztukach plastycznych”.

Symbolizm

 

Symbolizm pojawia się w drugiej połowie XIX wieku, głównie w katolickich krajach europejskich, gdzie industrializacja była już w znacznym stopniu rozwinięta. Zaczynając jako ruch literacki, symbolizm szybko związał się z młodym pokoleniem malarzy, którzy chcieli, aby sztuka odzwierciedlała emocje i idee, zamiast w obiektywny sposób przedstawiać świat przyrody, jednoczonych przez wspólny pesymizm i zmęczenie dekadencją w nowoczesnym społeczeństwie.

Zero Group

 

Ikoniczna ilustracja Zero Group

Powstała w Niemczech i rozprzestrzeniona na inne kraje w latach 50. XX wieku, Zero Group była grupą artystów połączonych pragnieniem odejścia od subiektywności powojennych ruchów, skupiając się zamiast tego na materialności, kolorze, wibracji, świetle i ruchu czystej sztuki abstrakcyjnej. Głównymi przedstawicielami grupy byli Heinz Mack, Otto Piene i Günther Uecker.

 

KUADROS ©, słynny obraz na twojej ścianie.