Det er ofte mer i et bilde av hva det ser ut, og mange av de mest kjente kunstverkene har skjulte hemmeligheter under overflaten. Du kan studere favorittmaleriet ditt om og om igjen og fremdeles oppdage et nytt kryptisk symbol eller skjulte detaljer. Noen av verdens mest kjente artister etterlater med vilje hemmelige meldinger i maleriene sine, og noen har til og med vekket populære konspirasjonsteorier, enten for å undergrave autoriteten, utfordre publikum eller avsløre noe om seg selv. Hundrevis av år senere, takket være teknologiske fremskritt, blir mange av disse hemmelige meldingene oppdaget for første gang. Kuadros til kjære å avsløre disse mysteriene for deg. Dette er de berømte maleriene som vi har ansett som de mest gåtefulle.
Nr.1 The Last Supper - Leonardo Da Vinci
Den berømte representasjonen av Leonardo da Vinci de Jesús og disiplene hans i siste kveldsmat har vært i sentrum for noen populære teorier de siste årene, som beskrevet i 2003 -romanen "The Da Vinci Code" av Dan Brown og tilpasningen og tilpasningen Cinematographic 2006 -bok med Tom Hanks i 2006. Brown foreslo at disippelen til Jesu rett er faktisk Maria Magdalena forkledd som apostelen til Johannes. Det antyder også at "V" -formen som dannes mellom Jesus og "Johannes" representerer en kvinnelig livmor, noe som innebærer at Jesus og Maria Magdalena hadde et barn sammen. Kunsthistorikere er imidlertid skeptiske. Da Vincis siste middag er viktig for sin uttrykksfulle komposisjon og bruken av perspektiv, som var en innovasjon på den tiden. Da Vinci justerte figurene og veggene i rommet malt med tau som stråler en spiker på veggen der originalen er malt, over en spisestue i et kloster i Milano. Mange antyder at Johns utseende er feminint bare fordi det er slik det ble representert. Eksperten Mario Taddei sa til Artnet.com: "Leonardo måtte kopiere de siste middagene før ham, og John ser ut som en kvinne." Men en mye mer overbevisende hemmelig melding ble oppdaget av den italienske datateknikeren Giovanni Maria Pala. Han bekrefter at Da Vinci gjemte musikalske notater innen "The Last Supper" som, når han ble lest fra venstre til høyre, tilsvarer en 40 -sekundsalme som høres ut som et Requiem.
Da klosteret Abbot klaget over at maleriet tok for lang tid, ble det sagt at den rasende kunstneren hadde truet med å bruke ansiktet til abbeden som modell for forræderen Judas. Til slutt besøkte Da Vinci fengslene i Milano for å finne det perfekte skurkens ansikt for Judas, som sitter på femteplass fra venstre. Profesjonelle kunsthistorikere sier at det ikke er bevis på teorier om konspirasjon om den siste middagen som ble vist i "The Code da Vinci" og andre bøker som tar for seg emnet; Og de avviser identifiseringen av figuren til venstre for Jesus som tilhengeren Mary Magdalena, i stedet for apostelen John.
Kjøp en siste middagsreproduksjon i nettbutikken til Kadros
Nr.2 Adams skapelse - Miguel Ángel
"Adams skapelse" er sannsynligvis den mest berømte av de ni bibelske panelene som Miguel Ángel malte på taket på det sixtinske kapell. Men visste du at scenen inneholdt en menneskelig hjerne? Den skjulte meldingen finnes i stoffet der hjernenes form kan skilles ut. Tilsynelatende introduserte kunstneren ham for fresken sin fordi obduksjonene på den tiden ble forbudt av kirken. Det viser seg at Miguel Ángel var en ekspert på menneskelig anatomi. I en alder av 17 år hadde han en noe nifs jobb som dissekerer lik på kirkegården. Derfor tror noen at han gjerne ville ha presentert denne lidenskapen for anatomi for en av hans største prestasjoner, på taket av det sixtinske kapell. I følge neuroanatomi -eksperter Ian Suk og Rafael Tamargo, plasserte maleren noen nøye skjulte illustrasjoner av visse deler av kroppen på taket av det sixtinske kapell. Og hvis du observerer hylsen som omgir Gud i "skapelsen av Adam", vil du oppdage at det skaper en anatomisk illustrasjon av den menneskelige hjernen. Suk og Tamargo mener at Miguel Ángel hadde til hensikt at hjernen representerer ideen om at Gud ga Adam ikke bare liv, men også med menneskelig kunnskap.
En lege sier at Miguel Ángel var veldig kjent med den menneskelige hjernen og at han brukte sin kunnskap om neuroanatomi for å symbolsk representere hjernen i sin "skapelse av Adam." Andre tolkninger går enda lenger, dette maleriet strider mot religiøs ideologi og overfører budskapet om at alt er født fra mennesket, ellers. For en de facto helliget tanke. Et slikt kjent kunstverk, og vi finner fortsatt hemmeligheter skjulte århundrer etter unnfangelsen.
Kjøp en reproduksjon av Adams skapelse i nettbutikken til Kadros
No.3 La Mona Lisa - Leonardo da Vinci
Nemlig Mona Lisa, det mest berømte maleriet blant de berømte maleriene, det mest besøkte arbeidet med Louvre -museet. Denne gåtefulle damen har virkelig mer å se her at dette beryktede halvt smilet. For det første spekuleres det at den er gravid, gitt måten armene deres er plassert på magen og sløret rundt skuldrene, som gravide pleide å bruke under den italienske gjenfødelsen. Men de siste funnene er i deres øyne. I 2011 sa den italienske forskeren Silvano Vinceti at han fant mikroskopisk malte bokstaver og tall i dem. Han fortalte Associated Press at "L" om hans høyre øye sannsynligvis representerer kunstnerens navn. Men betydningen av bokstaven "s" ser du i venstre øye og tallet "72" under den buede broen i bakgrunnen er mindre tydelige. Vinceti mener at "S" kan referere til en kvinne i Sforza -dynastiet som styrte Milano, noe som betyr at kvinnen i maleriet kanskje ikke er Lisa Gherardini, som hun har blitt trodd i lang tid. Når det gjelder "72", hevder Vinceti at det kan skyldes viktigheten av antall både i kristendommen og i jødedommen. For eksempel refererer "7" til verdens skapelse, og antallet "2" kan referere til dualiteten til menn og kvinner.
Enda mer overraskende, i 2015, hevdet en fransk forsker som brukte reflekterende lysteknologi å ha funnet et annet portrett av en kvinne under bildet vi ser i dag. Konsensus er at dette var det "første utkastet" til Da Vinci, og at han malte ham for å lage sitt mesterverk.
Kjøp en reproduksjon av Lisa Mona i nettbutikken til Kadros
No.4 Terrace Coffee om natten - Vincent Van Gogh
Dette maleriet av fargerike utendørs utsikt er et pittoresk verk, visjonen om en avslappet tilskuer som liker sjarmen i omgivelsene hans uten noen moralsk bekymring. Husk Van Goghs humør da han skrev at "natten er mer levende og med flere farger enn dagen." Ved første øyekast ser det ut til at oljemaleriet til Vincent Van Gogh fra 1888 bare er det tittelen beskriver: en pittoresk kaffeterrasse i en fargerik fransk by. Men i 2015 foreslo Van Goghs ekspert Jared Baxter teorien om at maleri faktisk er versjonen av artisten av "The Last Supper". En detaljert studie viser en sentral figur med langt hår omgitt av 12 individer, hvorav den ene ser ut til å gli i skyggene som Judas. Det er også det som ser ut til å være små skjulte korsfester gjennom hele maleriet, inkludert en på den sentrale figuren som ligner på Jesus.
En religiøs hentydning ville ikke være for malplassert for Van Gogh. Før han dedikert oppmerksomheten til maleri, hadde den berømte nederlandske kunstneren ønsket å "forkynne evangeliet overalt", og hans far, Theodorus van Gogh, var pastor i en nederlandsk renovert kirke. På det tidspunktet jeg jobbet på Cafe Terrace om natten, skrev Van Gogh til sin bror, Theo Van Gogh, og forklarte at han hadde et "enormt behov, jeg må si ordet, religionen", med direkte henvisning til maleriet.
Van Gogh signerte aldri "Café Terrace om natten." Imidlertid nevnte han spesifikt maleri i tre korrespondansestykker, så kunsthistorikere er selvsikre.
Kjøp en Terrace Coffee -avspilling om natten i nettbutikken til Kadros
Nr.5 Portrettet av Arnolfini - Jan Van Eyck
Bildet er hengt i National Gallery of London og representerer sannsynligvis Giovanni di Nicolao Arnolfini og kona Costanza Treanta. Parets identitet ble redusert fra bare noen få muligheter, men bare de bodde i hekser lenge for å møte maleren nøye. Den første nøkkelen til å male er miljøet, i et ganske rikt hjem, fullt av vakre gjenstander og klær. Symbolene i maleriet er umulige å ignorere, selv om de ikke er av en eneste tolkning. Bildet er heller ikke helt klar. Gjennom århundrene har det blitt tolket som et portrett av et nygifte par, med symboler hentet fra en bryllupsarrangement, som starter med det åpenbare symbolet på fruktbarheten til den gravide posisjonen til kroppen av Constance, som som vist at det bare var en mote innfall. Faktisk hadde paret endelig ingen barn. Andre symboler på fruktbarhet er den røde sengen og teppet. Skoene som lå på tregulvet hadde også mening som vanlige bryllupsgaver til kjærestens kjæreste. Appelsiner symboliserer fruktbarhet og kjærlighet, valpens lojalitet. Men hvis du ser nøye på speilet i midten av rommet, vil du se at det er to figurer som kommer inn i rommet. Det antas mye at en av dem er bestemt til å være Van Eyck selv. Han vil også legge merke til at det er en latinsk inskripsjon i en gjerning som er veldig utdypet på veggen på speilet, som oversettes som "Jan van Eyck var her. 1434".
Den viktigste delen av maleriet, som ikke er vist, er imidlertid avviket i årene. Maleriet, som nevnt tidligere, ble datert i 1434, mens Costanza Thirty døde i 1433. Maleriet kunne også ha hatt en annen kontekst enn det som var ferdig. Som en radiografi har vist, gjorde Jan Van Eyck flere endringer, og hvis disse var relatert til slik forekomst eller ikke er gjenstand for tvist.
Kjøp en reproduksjon av Arnolfini -portrettet i nettbutikken til Kadros
Nr.6 Ambassadørene - Hans Holbein de unge
Lenge før 3D -brillene eller lette etter påskeegg ble populære, klarte renessansemalerere å se på brikkene fra nye vinkler som spilte med perspektiv. Et av de mest kjente eksemplene på teknikken er det doble portrettet av Hans Holbein, den unge mannen, ambassadørene, som har en så rik historie som de mange skjulte detaljene i hans slag.
Tolkningen av maleri som en allegori om den politiske og religiøse tumulten av det schismatiske England av Enrique VIII, der ulykken er fanget, har blitt akseptert universelt i mer enn hundre år.
Maleriet presenterer en ganske imponerende illusjon ved basen. Hvis du ser på det skjeve bildet i bunnen av malingen fra høyre til venstre, ser det ut til å være en anamorf hodeskalle. Akademikere mener at det er ment å være en påminnelse om at døden alltid er rett rundt hjørnet.
I øvre venstre hjørne, bak det grønne og sprudlende gardinen, vil du finne Jesus i en ikonisk positur. Noen kunsthistorikere mener at denne guddommelige komo er knyttet til Memento Mori Skull og at den henviser til et sted utover dødeligheten. Det er et symbol som er bestemt til å antyde at det er mer enn døden, det vil si et fremtidig liv gjennom Kristus. Andre mener at det skjulte ikonet representerer inndelingen av kirken at Enrique VIII påførte sine landsmenn.
Figuren på venstre side av ambassadørene er Jean de Dinteville, den franske ambassadøren i England. Jeg var i ferd med å fylte 30 år på tidspunktet for dette doble portrettet. Hans venn og diplomatiske partner Georges de Selve, på bildet til høyre, var bare 25 år gammel på den tiden og hadde allerede fungert som en fransk ambassadør i republikken Venezia flere ganger.
Oakoljeportrettet ble laget for å henge i hallene i House of Dinteville. Nasjonalgalleriet har imidlertid vist Holbeins hallusinerende maleri siden 1890. I mer enn 125 år har det vært en av de mest dyrebare utstillingene i London -museet.
Kjøp en reproduksjon av ambassadører i nettbutikken til Kadros
No.7 Fødsel av Venus - Sandro Botticelli
Nakenhet i det berømte Botticelli -maleriet var ganske nyskapende på slutten av 1400 -tallet. Men det er ikke der kunstnerens modighet ender. Noen kunsthistorikere mener at Vieira -skallet der Venus sykler på havets bølger faktisk er bestemt til å symbolisere kvinnelige kjønnsorganer og dermed referere til fruktbarhet, noe som skaper en fødselsscene som gjenspeiler Venus Oceanic Oceanics Oceanics mens de kobles til symbolsk med menneskelig fødsel.
Venus, kjærlighetsgudinne, er demure i marina -skallet, og blir dratt til kysten av Zephyr, Gud av vestvinden. Der er en av tiden, gudinnene på stasjonene, klar med et lag for å kle den nyfødte guddommen. Den fjerde figuren som Zephyr bærer er bestemt til å være en aura (vindnymfer) eller klor, en nymfe assosiert med våren og blomster i blomst som de som flyter gjennom bildet.
Kristen inspirasjon var dominerende i middelalderens kunst, så sjelden beskrev nakenhet. Fremveksten av humanisme førte imidlertid til en fornyet interesse for mytene om det gamle Roma, og med det en oppstandelse av nakenbilder.
I løpet av denne perioden av den tidlige gjenfødelsen var maling på trepaneler moteriktig. Men populariteten til lerretet økte, spesielt i våte regioner der tre hadde en tendens til å deformere. Ettersom lerretet var billigere enn tre, var den oppfattede tilstanden litt lavere, så det var forbeholdt verk som ikke var beregnet på store offentlige utstillinger. Maleriet skiller seg ut som det første arbeidet på lerret i La Toscana.
Venus fødsel var bestemt til å henge i et rom. Nakenheten til stykket skaffer seg en mer sensuell tone når du vet at det var bestemt til å henge på en ekteskapsseng. Dette stedet og dens vågale representasjon bidro til at Venus fødte var skjult for publikums syn i omtrent 50 år. Malingen har et tilhørende stykke. Selv om det ble fullført fire år før søsteren hans, Vår Det kan sees på som en slags oppfølger til El Birth of Venus. Mens den andre representerer Venus ankomst til en verden på kanten av blomstringen, viser den første verden i blomst rundt mors figur som nå er kledd. Det sies at malerparet hadde til hensikt å kommunisere hvordan "kjærlighet triumfer over brutalitet."
Botticelli ba om å bli begravet ved foten av Venus. Ikke maler, ja. Jeg ønsket å lyve for alltid for den jordiske inspirasjonen, Simonetta Cattaneo de Vespucci. Simonetta, som ble kalt den vakreste kvinnen i Firenze, så vel som den vakreste kvinnen i renessansen, var musen som inspirerte flere av Botticellis verk, inkludert fødselen av Venus og våren. Da han døde i 1510, ble Botticelli gravlagt i nærheten av denne gifte adelen, som det spekuleres i at han huset en ubesvart kjærlighet.
Kjøp en reproduksjon av fødselen av Venus i nettbutikken til Kadros
No.8 Self -Portrait - Rembrandt
Rembrandt malte, tegnet og spilte inn så mange selvsportretter i livet hans som endringer i utseendet deres inviterer oss til å evaluere humøret ved å sammenligne et bilde med et annet. Slik biografisk lesing oppmuntres av måten kunstneren konfronterer betrakteren direkte. Rembrandt malte dette selv -porretet i 1659, etter å ha fått en økonomisk fiasko til tross for så mange års suksess. Hans romslige hus i Sint-Anthonisbreestraat og andre eiendeler hadde blitt auksjonert året før for å tilfredsstille kreditorene sine. I dette sene arbeidet ser det ut til at de sunkne øynene som sitter fast i betrakteren, som uttrykker indre styrke og verdighet. Å tolke malerier på grunnlag av en kunstners biografi er imidlertid farlig, spesielt med en kunstner som har blitt idealisert i den grad Rembrandt har gjort. Lyset som lyser opp hodet så effektivt også fremhever Rembrandts venstre skulder, og i mindre grad hendene sammen, bredt henrettet.
I 2001 kunngjorde den britiske artisten David Hockney og den amerikanske fysikeren Charles Falco at de hadde funnet indikasjoner på at Rembrandt og andre gamle lærere i stor grad var avhengig av bruk av buede linser og speil for å lage sine virkelige scener og portretter. Og i august 2016 publiserte to forskere i Storbritannia, kunstner Francis O'Neil og fysikk Sofia Palazzo Corner, en studie i Journal of Optics som forklarte hvordan Rembrandt kunne ha brukt kombinasjoner av buede speil og briller for å lage sitt berømte selv - portretter. . Forskere ser mange detaljer i Rembrandt selvsportretter som støtter deres teori, inkludert sterkt lys i sentrum av portretter og det relative mørket i kantene, som også sees i refleksjoner projisert av buede speil.
Kunstnere bruker stadig nye pigmenter og oljer for å produsere mer levende, lyse og interessante farger. Rembrandt van Rijn var ikke annerledes. Den gamle nederlandske læreren hadde teknikk, kreativitet og grundig arbeid for ham. Han hadde også kjemi. En ny analyse av verkene hans viser at han brukte en sjelden forbindelse i noen av maleriene sine: et blykarbonatmineral kalt Plumbonacrita, PB5 (CO3) 3. (OH). Å kjenne sammensetningen av kunstnerens palett vil hjelpe naturvernere til å oppdage hvordan de bedre kan bevare kunstverkene sine over tid.
Kjøp en reproduksjon av Rembrandts selvtortrett i Kuadros nettbutikk
No.9 Bacchus - Caravaggio
Caravaggios Bacchus -maleri inneholder all spreden assosiert med den mytologiske libertinen som bobler under overflaten. Det er denne følelsen av storm under ro som gjør det til et så kraftig kunstverk. Baco, vinens gud, vises vanligvis beruset; Caravaggios Bacchus er rolig og autonom. Det blir ofte sett på å ri på en triumf bil som ligger av tigre, leoparder eller geiter; I versjonen av Caravaggio er den bacchiske prosesjonen i ferd med å begynne eller er over. Eller kanskje har denne Bacch helt andre planer.
Første gang noe skjult ble oppdaget i dette arbeidet var i 1922, rengjør en kunstrestaurant lerretet til dette arbeidet i 1595. Da akkumuleringen av skitt forsvinner i århundrer, ble et skjult portrett synlig. I glassvinkannen i nedre venstre hjørne sitter en bitteliten Caravaggio i den lille refleksjonen av lys på overflaten av vinen.
I dag, nesten et århundre senere, forvirrer forskere ham. Det ser ikke ut til å være for skjult, men takket være moderne teknologi som kalles refleksjon, var kunsteksperter i 2009 i stand til å oppdage at bildet av en mann virkelig er skjult i vinkannen nederst til venstre. Og det kan være den samme Da Caravaggio. "Caravaggio malte en person vertikalt, med en utvidet arm mot et lerret i et staffeli. Det ser ut til å være et portrett av seg selv mens han malte," sa ekspert Mina Gregori til Telegraph.
Kjøp en Bacchus -reproduksjon i nettbutikken til Kadros
Kuadros ©, en berømt maling på veggen din.
