Grunnlaget for kunsthistorie er tilbake til titusenvis av år til da gamle sivilisasjoner brukte teknikkene og midlene som er tilgjengelige for å representere et kulturelt viktig tema. Fra disse første eksemplene har de fulgt mange kunstneriske bevegelser, hver med sine egne forskjellige stiler og egenskaper som gjenspeiler den politiske og sosiale påvirkningen fra perioden de oppsto fra.
Hva betyr fauvisisme og hva er konseptuell kunst? Å snakke om kunst virker som en disiplin i seg selv, og hvis du er ny i kunstverdenen, har du sannsynligvis mange spørsmål, spesielt om hver bevegelse innen kunst og forskjellige typer kunst.
De innflytelsesrike kunstsjangrene, fra renessansen til fremveksten av modernismen, har utvilsomt satt sitt preg i historien.
Å ha de klare begrepene om historie og viktigheten av dens kunstneriske bevegelser, vil vi ha en klarere forståelse av hvor kjente kunstnere som Van Gogh, Picasso og Warhol revolusjonerte kunstverdenen.
Kadros har laget en liste over de viktigste bevegelsene for deg.
No.1 italiensk renessanse (1400–1550)
Noen eksponenter: Giberti -dører, Brunelleschi, Donatello, Botticelli, Leonardo, Miguel Ángel, Rafael.
Mot slutten av det fjortende århundre d. C., en håndfull italienske tenkere erklærte at de bodde i en ny tid. Barbaraen, ikke opplyst "middelalder" var over; Den nye ville være en "Rinincità" ("Renaissance") av læring og litteratur, kunst og kultur. Dette var fødselen av perioden som nå er kjent som renessansen. I århundrer har lærde enige om at den italienske gjenfødelsen (et annet ord for "gjenfødelse") skjedde akkurat på den måten: at mellom det fjortende og syttende århundre, en ny og moderne måte å tenke på verden og menneskets sted i den i den Han erstattet de gamle ideene. Faktisk deler mange av de vitenskapelige, kunstneriske og kulturelle prestasjonene til den såkalte renessansen vanlige spørsmål, spesielt den humanistiske troen på at mennesket var sentrum for sitt eget univers.
Den italienske renessansen i sammenheng Italia i det femtende århundre var forskjellig fra noe annet sted i Europa. Det ble delt inn i uavhengige bystater, hver med en annen regjeringsform. Florence, der den italienske gjenfødelsen begynte, var en uavhengig republikk. Det var også en bank og kommersiell kapital, og etter London og Konstantinopel, den tredje største byen i Europa. De rike florentinene flauntet pengene sine og å kunne bli beskytter eller tilhengere av kunstnere og intellektuelle. På denne måten ble byen kultursenteret i Europa og renessansen.
Det kan sies at renessansen ble delt inn i to deler:
Under tidlig gjenfødelse begynte kunstnere å avvise den bysantinske stilen til religiøst maleri og kjempet for å skape realisme i deres representasjon av menneskelig form og rom. Dette målet mot realisme begynte med Cimabue og Giotto, og nådde sitt topp i kunsten å "perfekte" kunstnere, som Andrea Mantegna og Paolo Uccello. Mens religion var et viktig element i hverdagen til menneskene som bodde under renessansen, ser vi også en ny rute åpen for gisp: det mytologiske temaet. Mange lærde påpeker Fødselen til Venus av Botticelli som det første panelmaleriet av en mytologisk scene.
Perioden kjent som den høye gjenfødelsen representerer kulminasjonen av målene for den tidlige gjenfødelsen. De mest kjente artistene i denne fasen er Leonardo da Vinci, Rafael, Tiziano og Miguel Ángel. Hans malerier og friske er blant de mest kjente kunstverkene. Det siste måltid Da Vinci, Athen -skolen Rafael og maleriene på taket i det sixtinske kapellet i Miguel Ángel er mesterverkene i denne perioden og legemliggjør elementene i den høye renessansen.
Kjøp en reproduksjon av Lisa Mona i nettbutikken til Kadros
Nr.2 Barocco (1600–1750)
Noen eksponenter: Reubens, Rembrandt, Caravaggio, Velázquez, Palacio de Versailles.
Det barokke uttrykket stammer til slutt fra det italienske ordet Barocco, som filosofer brukte i middelalderen for å beskrive en hindring i skjematisk logikk. Deretter kom ordet for å betegne enhver vridd ide eller tankesprosess. En annen mulig kilde er det barokke portugisiske ordet (spansk barruco), som brukes til å beskrive en uregelmessig eller ufullkommen perle, og denne bruken overlever fortsatt i den barokk perleperioden til gullsmeden. Barokken er en bevegelse innen kunst og arkitektur utviklet i Europa fra begynnelsen av det syttende århundre til midten av 1800 -tallet. Den understreker den dramatiske og overdrevne bevegelsen og den klare og enkle å tolke detaljer, som langt fra er surrealisme, for å produsere drama, spenning, sprudling og storhet.
De første manifestasjonene, som skjedde i Italia, stammer fra de siste tiårene av 1500 -tallet, mens i noen regioner, spesielt i Tyskland og det koloniale Sør -Amerika, skjedde visse kulminerende prestasjoner av barokken ikke før på 1700 -tallet.
Kunstnerne fortsatte å gjenopplive idealene om renessansens idealer, og innpode kunstverk, musikk og arkitektur av den tiden et blunk gjenopplivet til klassisismen enda mer forbedret av en ny sprudlende ekstravaganse og tilbøyelighet til den utsmykkede. Denne svært utsmykkede stilen ble myntet som en barokk og var preget av dens innovative teknikker og detaljer, og ga et nytt og frodig visuelt språk i det som hadde vært en relativt dempet periode for kunst. Barokken spredte seg over hele Europa, hovedsakelig regissert av paven i Roma og de katolske herskerne i Italia, Frankrike, Spania og Flandern. Det spredte seg enda mer av kraftige religiøse ordrer gjennom det omfattende nettverket av klostre og kloster. Stilen utvidet seg raskt til Frankrike, Nord -Italia, Spania og Portugal, deretter til Østerrike og Sør -Tyskland.
Den barokke stilen som utviklet seg fra dette programmet var paradoksalt nok sensuell og åndelig; Mens en naturalistisk behandling fikk det religiøse bildet til å være mer tilgjengelig for den gjennomsnittlige sognebarn, ble dramatiske og illusoriske effekter brukt for å stimulere fromhet og hengivenhet og overføre et inntrykk av det guddommelige prakt. Takene til de barokke kirkene oppløst i malte scener som presenterte livlige visjoner om uendelig for observatøren og rettet sansene mot himmelens bekymring.
Mens temaet og til og med stilen kan variere mellom barokkmalerier, har de fleste av brikkene i denne perioden en vanlig ting: drama. I arbeidet til malere kjent som Caravaggio og Rembrandt, Interessen for drama materialiserer seg som intense kontraster mellom strålende lys og overhengende skygger.
Den store læreren i den katolske regionen, i stor grad styrt av spanjolene, var maleren Peter Paul Rubens, hvis stormfulle diagonale sammensetninger og brede figurer av fullstendig blod er innbegrepet av barokkmaling. De elegante portrettene av Anthony Van Dyck og de robuste figurative verkene til Jacob Jordaens emulerte eksemplet på Rubens. Kunst i Nederland ble betinget av den realistiske smaken av deres dominerende middelklassemønstre, og derfor forble både den utallige sjangeren og landskapsmalerne i det landet og de imponerende lærerne som Rembrandt og Frans Hals uavhengige av stilbarokk i viktige aspekter . Barokken hadde imidlertid en bemerkelsesverdig innvirkning på England, spesielt i kirkene og palassene designet, av Sir Christopher Wren og Sir John Vanbruch.
I likhet med statuene av renessansen, inkludert den ikoniske David of Miguel Ángel, var barokkskulpturene ofte bestemt til å dekorere majestetiske bygninger. De ble også bestilt for andre store scenarier, for eksempel interiør i gyldne kirker og ekte hager.
Den siste barokkblomsten var stort sett katolsk romersk i Sør -Tyskland og Østerrike, der innfødte arkitekter skilte seg fra italienske konstruksjonsmodeller på 1720 -tallet.
Kjøp en reproduksjon av Meninas i nettbutikken til Kadros
No.3 Realisme (1848–1900)
Noen eksponenter: Corot, Court, Daumier, Millet.
Realisme, i kunsten, den nøyaktige, detaljerte representasjonen og uten ornamenter av naturen eller samtidens liv. Realisme avviser den fantasifulle idealiseringen til fordel for en nær observasjon av ytre opptredener. Som sådan har realisme i sin bred forstand dekket mange kunstneriske strømmer i forskjellige sivilisasjoner. I visuell kunst kan for eksempel realisme finnes i de gamle hellenistiske greske skulpturene som nøyaktig skildrer boksere og gamle forfall. Arbeidene fra 1600 -tallsmalere som Caravaggio, malerne av den nederlandske sjangeren, de spanske malerne José de Ribera, Diego Velázquez og Francisco de Zurbarán, og brødrene Le Nain i Frankrike er realistisk tilnærming. Arbeidene til de engelske romanforfatterne fra 1700 -tallet Daniel Defoe, Henry Fielding og Tobias Smollett kan også kalles realistisk.
Realisme oppsto i Frankrike på 1850 -tallet. Umiddelbart etter revolusjonen i 1848, en begivenhet som etablerte "retten til arbeid" i landet, introduserte bevegelsen ideen om gjennomsnittlig, arbeiderklasse, moderne scenarier, moderne scenarier og hverdagens scener som anstendige kunstneriske temaer.
Realisme utvidet seg over hele Europa, fra Russland av Alejandro II til Storbritannia av dronning Victoria, fra Tyskland av Guillermo I til Italia av Risorgimento, og fra imperiet til Habsburg til Skandinavia og land utenfor. Året 1855 var betydelig i etablering av realisme i Europa.
Gustave Coubet Det regnes ofte som hovedfiguren til realisme. Han la grunnlaget for bevegelsen på 1840 -tallet, da han begynte å skildre bøndene og arbeiderne. At Courbet ikke glorifiserte dem, men at han frimodig presenterte dem og skapte en voldsom reaksjon i kunstverdenen alvorlig.
Courbets stil og utstedte arbeider ble bygget i et felt som allerede er brutt av malerne på Barbizon -skolen. Théodore Rousseau, Charles-François Daubigny, Jean-François Millet og andre på begynnelsen av 1830-tallet ble opprettet i den franske byen Barbizon med sikte på å trofast reprodusere landskapets lokale karakter.
Bildesrealisme utenfor Frankrike var kanskje bedre representert på 1800 -tallet i USA. Der er de kraftige og uttrykksfulle maleriene av Winslow Homer om marine spørsmål og portretter, navigasjonsscener og andre verk av Thomas Eakins ærlige, lite attraktive og veldig observerte poster av samtidens liv. Realisme var en annen strøm i kunsten i det tjuende århundre og var generelt avledet fra kunstnerenes ønske om å presentere mer oppriktige, oppriktige og uten å idealisere synspunkter om hverdagen eller deres forsøk på å bruke kunst som et kjøretøy for kritikk for kritikk av sosiale og politiske .
De grove, skisserte, nesten journalistiske scenene i bylivet med søm av gruppen av amerikanske malere kjent som de åtte (8) faller i den første kategorien. Den tyske kunstneriske bevegelsen kjent som Neue Sachlichkeit. Sosialistisk realisme, offisielt sponset i Sovjetunionen, brukte naturalistiske idealiseringsteknikker for å lage portretter av utrulige arbeidere og ingeniører som var overraskende like både i sin heroiske positivisme og i deres mangel på reell troverdighet.
I tillegg inspirerte realisme direkte viktige bevegelser av samtidskunst, som fotorealisme og hyperrealisme. På bakgrunn av den bemerkelsesverdige moderne tilnærmingen til realisme, demonstrerer disse sjangrene den varige og evolusjonære arven fra den innovative bevegelsen.
Kjøp en reproduksjon av spimatorer i nettbutikken til Kadros
No.4 Impressionism (1865–1885)
Noen eksponenter: Monet, Manet, Renoir, Pissarro, Cassatt, Morisot, Degas.
Fransk impresjonisme er en viktig bevegelse, først i maleri og deretter i musikk, som hovedsakelig utviklet seg i Frankrike på slutten av det 19. og tidlige tjuende århundre. Det mest bemerkelsesverdige kjennetegn ved impresjonisme i maleriet var et forsøk på nøyaktig og objektivt å registrere seg til realistiske representasjoner av flyktige inntrykk av omgivelsene, som ofte var utenfor. I musikk var det for å overføre en idé eller en effekt gjennom en lydvask i stedet for en streng formell struktur.
På slutten av 1860 -tallet, kunsten å Manet Det gjenspeilte en ny estetikk, som skulle være en guidekraft i impresjonistisk verk, der viktigheten av det tradisjonelle temaet ble redusert og oppmerksomheten flyttet til manipulering av kunstnerens farge, tone og tekstur. Det ender i seg selv.
I 1874 kalte en gruppe kunstnere maler, skulptører, opptakere osv. Han organiserte en utstilling i Paris som lanserte bevegelsen kalt Impressionism. Dens grunnleggende medlemmer inkluderte blant andre Claude Monet, Edgar Degas og Camille Pissarro, blant andre. Gruppen gjorde sitt første show, uavhengig av den offisielle Hall of the French Academy, som stadig hadde avvist de fleste av verkene. Monets maleri Rising Sun Printing (1872) tjente dem det opprinnelig hånlige navnet "impresjonister" av journalisten Louis Leroy som skrev i det satiriske magasinet Le Charivari i 1874. Kunstnerne vedtok snart navnet som beskrivende for deres intensjon om å overføre de "visuelle inntrykkene" nøyaktig. Mens konservative kritikere kritiserte arbeidet sitt for deres ufullstendige utseende og skisse, berømmet de mest progressive forfatterne ham for hans beskrivelse av det moderne liv. Edmond Duranty, for eksempel, i sitt essay fra 1876, Nouvelle Peinture (det nye maleriet), skrev om hans representasjon av det samtidige temaet i en tilstrekkelig nyskapende stil som en revolusjon i maleriet.
Siden dens unnfangelse har impresjonisme blitt definert av et sett med egenskaper. Disse inkluderer: billedlige penselstrøk, særegne farger, representasjoner av vanlige problemer, et fokus på lys og komposisjoner inspirert av fotografering.
På midten av 1880 -tallet hadde den impresjonistiske gruppen begynt å oppløses etter hvert som hver maler forfulgte mer og mer sine egne estetiske interesser og prinsipper. Imidlertid oppnådde den i sin korte eksistens en revolusjon innen kunsthistorie, og ga et teknisk utgangspunkt for post -impresjonistiske kunstnere Cézanne, Av gass, Paul Gauguin, Vincent Van Gogh og Georges seurat og slipper alt det bakre vestlige maleriet av tradisjonelle teknikker. og tilnærminger til emnet.
Arv og tilstedeværelse av impresjonisme i dag
Som et utgangspunkt i modernismen påvirket impresjonismen naturlig nok mange påfølgende bevegelser. Postimpressionistene adopterte deres billedlige penselstrok; Abstrakte ekspresjonister fant inspirasjon til den ukonvensjonelle tilnærmingen til form av Monet; Og mange samtidskunstnere fortsetter til og med å jobbe i en neo -impresjonistisk stil.
Kjøp en kvinne reproduksjon med en paraply i nettbutikken til Kadros
No.5 Post -Impressionism (1885–1910)
Noen eksponenter: Van Gogh, Gauguin, Cézanne, Seurat
Post -impresjonisme er et begrep som brukes for å beskrive reaksjonen på 1880 -tallet mot impresjonisme. Det ble regissert av Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent Van Gogh og Georges Seurat. Post -impresjonister avviste bekymringen for impresjonisme om den spontane og naturalistiske representasjonen av lys og farge.
Alle disse malere, bortsett fra Van Gogh, var franske, og de fleste av dem begynte som impresjonister; Hver av dem forlot stilen, for å danne sin egen svært personlige kunst.
Som impresjonistene fremhevet de bildet av bildet. Post -impresjonister mente også at farge kunne være uavhengig av formen og sammensetningen som en emosjonell og estetisk mening. Både impresjonisme og post -impresjonisme inkluderer noen av de mest kjente moderne kunstverkene, for eksempel Monet vannliljer, en serie akvatiske landskap og Den stjerne natten Av Van Gogh.
Post -impresjonister delte arbeidet sitt med publikum gjennom uavhengige utstillinger i hele Paris. I 1910 myntet den fremtredende kunstkritikeren, historikeren og kuratoren Roger Fry begrepet "Post -Impressionism" med sitt show, Manet og Post -Impressionists. Som post -impresjonister selv, trodde Fry at kunstens skjønnhet iboende er forankret i persepsjon. "Kunst er et uttrykk og en stimulans for fantasifullt liv i stedet for en kopi av det virkelige liv," forklarer Fry i et essay i estetikk.
Som Fry forklarte, mente post -impresjonister at et kunstverk ikke skulle dreie seg om stilen, prosessen eller estetisk tilnærming. I stedet må du legge vekt på symbolikk, formidle meldinger fra kunstnerens underbevissthet.
Post -impresjonister stilte ofte ut sammen, men i motsetning til impresjonistene, som begynte som en veldig forent og hjertelig gruppe, malte hovedsakelig alene. Cézanne malt isolert i Aix-en-Provence i Sør-Frankrike; Hans ensomhet ble matchet av Paul Gauguin, som i 1891 ble installert i Tahiti, og Van Gogh, som malte i feltet i Arles. Både Gauguin og Van Gogh avviste den likegyldige objektiviteten til impresjonisme til fordel for et mer personlig åndelig uttrykk.
"For en dyp og mystisk farge!
I motsetning til impresjonistene som kjempet for å fange effekten av naturlig lys på fargetone, brukte impresjonister etter en kunstig fargepalett som en måte å skildre deres oppfatning av verden som omringet dem. Mettede toner, flerfargede skygger og rike fargekanter er tydelige i de fleste postimpressionistiske malerier, noe som demonstrerer den innovative og fantasifulle tilnærmingen til kunstnere for representasjon.
Generelt flyttet etter -impresjonisme seg bort fra en naturalistisk tilnærming og gikk til de to hovedbevegelsene i kunsten i det tidlige tjuende århundre som erstattet den: kubisme og fauvisisme, som forsøkte å fremkalle følelser gjennom farge og linje.
Kjøp en stjerne reproduksjon i nettbutikken til Kadros
No.6 FauVism and Expressionism (1900–1935)
Maleri plassert i tykke, farger som kommer ut av siden og antinatural toner: fauvisisme og ekspresjonisme er to av bevegelsene som ga liv til disse egenskapene. Så hva er forskjellen mellom dem, hvis de kan beskrives på samme måte? For det første vil vi forklare fauvisisme og ekspresjonisme på egen hånd.
FauVism
Noen eksponenter: Matisse, Derain, Signac
FauVismo beslagla den kunstneriske scenen fra 1905 til 1910, mer eller mindre, og er preget av en intens farge og dristige penselstrøk. I noen tilfeller påførte kunstnerne i denne perioden maling direkte fra flasken. Fargene måtte ikke være tro mot naturen, nødvendigvis. De kan endre seg for å vise følelser. De valgte enkle problemer, og på grunn av dette virket maleriene nesten abstrakte. Kunstkritiker Louis Vauxcelles myntet begrepet etter at han beskrev arbeidet til Henri Matisse og Andre Derain som "Les Fauves" eller The Beasts under en utstilling fra 1905 i stuen D’Am Automne i Paris. Arbeidet i utstillingen Matisse og Derain var fullt av unaturlige fargealternativer og villmaling flekker på lerretet. Det ville være begynnelsen på fauvismen.
FauVism -artister var dypt interessert i den vitenskapelige teorien om fargen på det nittende århundre. Spesielt, med bruk av komplementære farger, forsto Fauvistas hvordan de skulle få farger til å virke lysere og dristige for å innlemme disse teoriene.
Henri Matisses maleri "kvinne med en hatt". Det ble kritisert av de anti -naturlige fargene i kvinnens ansikt. Paul Signac (1863-1935) er kjent for sitt poeng. Han var også en mentor av Henri Matisse. Puntillismo er en teknikk der små punkter med primærfarger er plassert sammen. Når du flytter bort, kombineres det i et enkelt bilde. Dette kan sammenlignes med piksler på en dataskjerm. Hver enkelt piksel er en annen farge, men når du ser en liten avstand, skaper de et bilde. Stilen til poenget Rill viste hva kunstnere kunne gjøre med primærfarger, og hvordan de kunne bruke optiske illusjoner i arbeidet sitt.
I tillegg til Matisse og Derain, inkluderer andre viktige Fauvistas -artister Georges Braque, Raoul Dufy, Georges Rouault og Maurice de Vlaminck.
Ekspresjonisme
Noen eksponenter: Munch, Carr, Kandinsky, Klee
Ekspresjonisme er et generelt begrep for ethvert kunstverk som forvrenger virkeligheten til å sammenfalle med indre følelser, synspunkter eller ideer fra kunstneren. Kort sagt, det er en kunst som uttrykker indre realiteter i omverdenen. Dette er en ganske generalisert definisjon, men det er noen særegne egenskaper ved ekspresjonisme. Spesielt vil fargene som brukes i ekspresjonisme være intense og ofte unaturlige, noe som betyr at noens hud kan males blå i stedet for solbrun eller brun. Malingen brukes også ofte i store mengder i ekspresjonistisk stil, noe som skaper mye tekstur på lerretet.
Ekspresjonisme kom fra "From the Inside", og var en refleksjon av kunstnerens følelser mer enn en representasjon av en scene. To innflytelsesrike ekspresjonistkunstnere var Emily Carr og Edvard Munch.
Når det gjelder emnet, har ekspresjonistisk kunst en tendens til å være emosjonell og noen ganger til og med mytisk, forutsatt at ekspresjonisme er en forlengelse av romantikk. Siden ekspresjonisme er et så bredt begrep, er det lett å begynne å tilskrive det til kunsten når som helst. Da, for det meste, gjelder ekspresjonisme generelt kunsten i det tjuende århundre. Det sies at det begynte med arbeidet til Vincent Van Gogh og strekker seg til moderne kunst slik vi kjenner det i dag.
De viktigste skattebetalerne til ekspresjonistbevegelsen er kunstnere som Matisse, Rouault, Oskar Kokoschka, Paul Klee, Max Beckmann, Pablo Picasso, Francis Bacon, Ernst Ludwig Kirchner, Graham Sutherland, Edvard Munch og andre.
Kjøp en reproduksjon av ropet i nettbutikken til Kadros
FauVism kan sees på som en undergruppe av ekspresjonisme. Ekspresjonisme kan omfatte et så bredt spekter av kunst og bevegelser at det er nesten umulig å skille dem for å være virkelig annerledes. De bruker de samme teknikkene og er klassifisert av de samme egenskapene, og den eneste virkelige forskjellen er den spesifikke naturen til fauvismen i motsetning til ekspresjonismens generelle natur.
Noe som kan betraktes som Fauvista, kan også være en del av ekspresjonismens felt. Men noe som regnes som en ekspresjonist er ikke nødvendigvis i Fauvista -stilen. FauVism er litt mer vill, men med et mer forenklet tema.
Så fauvisisme kontra ekspresjonisme er ikke en ting. De konkurrerer ikke med hverandre fordi den ene ganske enkelt er den ene versjonen av den andre.
Nr.7 Kubisme (1905–1920)
Noen eksponenter: Pablo Picasso, Georges Braque
Kubisme, veldig innflytelsesrik visuell kunststil i det tjuende århundre som hovedsakelig ble skapt av kunstnere Pablo Picasso og Georges Braque i Paris mellom 1907 og 1914. Den kubistiske stil . av perspektiv, scorzo, modellering og rydde og tilbakevise de gamle teoriene om at kunsten skal etterligne naturen. Kubistene mente at tradisjonene til vestlig kunst hadde blitt utmattet og for å gjenopplive arbeidet sitt, tok de til den uttrykksfulle energien fra kunsten til andre kulturer, særlig afrikansk kunst.
Kubismen henter navnet sitt fra kommentarene fra kritikeren Louis Vauxcelles, som disponerte Braques arbeid i 1908 hus i L’Esta som sammensatt av terninger. I Braques maleri, husene til husene, de sylindriske formene på trærne og det brune og grønne ordningen husker landskapene til Paul Cézanne, som dypt inspirerte kubistene i deres første utviklingstrinn (til 1909). Imidlertid var det Les Demoiselles d'avignon, malt av Picasso i 1907, som forhåndsskygget den nye stilen; I dette arbeidet blir formene for fem kvinnelige nakendyr kantete og sprukket former.
Det kan sees at kubismen utviklet seg i to forskjellige faser: den innledende og mer stramme analytiske kubismen, og en bakre fase av kubismen kjent som syntetisk kubisme. Analytisk kubisme ble utviklet mellom 1908–12. Hans kunstverk ser mer alvorlige ut og dannes av en kombinasjon av fly og linjer i toner av svarte, grå og oker. Syntetisk kubisme er den bakre fasen av kubismen, det anses generelt at den stammer fra omtrent 1912 til 1914, og er preget av enklere former og lysere farger. Syntetiske kubistiske verk inkluderer vanligvis kombinerte virkelige elementer, for eksempel aviser. Inkluderingen av virkelige gjenstander direkte i kunsten var begynnelsen på en av de viktigste ideene i moderne kunst.
Mens opprettelsen av dette nye visuelle språket tilskrives Picasso og Braque, ble det adoptert og utviklet av mange malere, inkludert Fernand Léger, Robert og Sonia Delaunay, Juan Gris, Roger de la Fresnaye, Marcel Duchamp, Albert Gleizes og Jean Metzinger. Selv om det hovedsakelig er assosiert med maleri, utøvde kubismen også en dyp innflytelse på skulpturen og arkitekturen i det tjuende århundre. De viktigste kubistiske skulptørene var Alexander Archiperko, Raymond Duchamp-Villon og Jacques Lipchitz. Adopsjonen av kubistisk estetikk av den sveitsiske arkitekten Le Corbusier gjenspeiles i formene til husene han designet i løpet av 1920 -årene.
Vinteren 1912–13 henrettet Picasso et stort antall Papiers Collés. Med denne nye teknikken for å lime opp fargestykker eller trykt papir i komposisjonene deres, feide Picasso og Braque de siste vestigene i tre -dimensjonalt rom (illusjonisme) som fremdeles forble i sitt "høye" analytiske arbeid.
De formelle befriende begrepene som ble initiert av kubismen hadde også konsekvenser med høye rangeringer for Dada og surrealisme, så vel som for alle kunstnere som forfølger abstraksjon i Tyskland, Holland, Italia, England, USA og Russland.
No.8 Dada og surrealisme (1917–1950)
Dadaist
Noen eksponenter: Hugo Ball, Marcel Duchamp, Emmy Hennings, Hans Arp, Raoul Hausmann, Hannah Höch, Francis Picabia, George Grosz
Internasjonalt omfang og mangfoldig kunstnerisk produksjon, både den gitte og surrealismen var kunstneriske, litterære og intellektuelle bevegelser fra det tidlige tjuende århundre som var grunnleggende for å definere modernismen. Den gitte bevegelsen, som ble lansert i Zürich i 1916 av diktere og kunstnere som Tristan Tzara og Hans ARP, var en direkte reaksjon på massakren, propaganda og galskap fra første verdenskrig. Uavhengige grupper knyttet til vanlige ideer dukket opp kort tid etter i New York. , Berlin, Paris og andre steder. Disse forskjellige gruppene delte ikke en universell stil, men var koblet for deres avvisning av idealisme, foreldet kunstneriske og intellektuelle konvensjoner og den ukontrollerte klemmen i det moderne samfunn til "rasjonalisme" og "fremgang."
Gitt det var en europeisk avant -garde kunstnerisk bevegelse, med tidlige sentre i Zürich, Sveits og New York.
Navnet, hentet fra en ordbok i Zürich i 1916, betyr "rocking hest" på fransk eller "ja" på rumensk og russisk. Men ettersom navnet på en bevegelse egentlig ikke betyr noe i det hele tatt. Syk av kultur som hadde produsert blodbadet fra første verdenskrig, gitt det utfordret alle hellige kyr, kastet uttrykket og forfatterskapet gjennom vinduet og feiret sjanse og absurd.
Dada -røtter finnes i avant -garde før krig. Begrepet Antiarte, en forløper for DADA, ble myntet av Marcel Duchamp rundt 1913 for å karakterisere verk som utfordrer de aksepterte kunstbegrensningene.
Dadaist -bevegelsen inkluderte offentlige møter, demonstrasjoner og publisering av kunst / litterære magasiner; Den lidenskapelige dekningen av kunst, politikk og kultur ble ofte diskutert i en rekke medier.
Bevegelsen påvirket bakre stiler som avant -garde og sentrale musikkbevegelser, og grupper som inkluderer surrealisme og popkunst.
Deretter ankom surrealismen for å kanalisere de anti -dadiske energiene til dadaistene som Marcel Duchamp tilbake til museet, som utløste en enorm vellykket, men hektisk bevegelse som ødela Europa mellom krigene og klemte mange medier.
Surrealisme
Noen eksponenter: Max Ernst, André Masson, Salvador Dali, René Magritte
En av de viktigste og undergravende bevegelsene i det tjuende århundre, surrealisme blomstret spesielt på 1920- og 1930 -tallet og ga et radikalt alternativ til de rasjonelle og formelle egenskapene til kubismen. En litterær, filosofisk og kunstnerisk bevegelse av det tjuende århundre som utforsket sinnets funksjon, og forsvarte det irrasjonelle, det poetiske og det revolusjonære.
I motsetning til Dada, hvor den oppsto på mange måter, understreket den positive avvisningen, snarere enn den pessimistiske av tidligere tradisjoner.
Ordet 'surrealistisk' (som antyder 'Beyond Reality') ble myntet av den franske avant -garde -poeten Guillaume Apollinaire i et verk skrevet i 1903 og representert i 1917. Men det var André Breton, leder for en ny gruppe diktere og kunstnere I Paris, som i sitt surrealistiske manifest (1924), definerte surrealisme som: ren psykisk automatisme, som det foreslås å uttrykke, enten muntlig, skriftlig eller på noen annen måte, den virkelige tankenes funksjon. Diktasjon om tanker i fravær av noen kontroll som er utøvd av grunn, utover enhver estetisk og moralsk bekymring.
Flere forskjellige tråder kan skilles ut i den visuelle manifestasjonen av surrealisme. Kunstnere som Max Ernst og André Masson favoriserte automatismen der bevisst kontroll undertrykkes og underbevisstheten får lov til å ta kontroll. Tvert imot, Salvador Dalí og René Magritte forfulgte en fantastisk følelse av superrealitet der scenene representerte ikke har noen reell sans. En tredje variasjon var sammenstillingen av ikke -relaterte elementer, og etablerte en uvirkelig virkelighet utenfor grensene for normal virkelighet. Surrealisme har opprinnelig sin opprinnelse i Paris. Innflytelsen ble utvidet gjennom en serie internasjonale magasiner og utstillinger, og var de viktigste eksemplene på sistnevnte den internasjonale surrealistiske utstillingen i den nye Burlington, London og Fada of Fantastic Art, Surrealism in Museum of Modern Art New York, begge laget i 1936. Med utbruddet av andre verdenskrig ble sentrum for surrealistisk aktivitet overført til New York og på slutten av krigen hadde bevegelsen mistet sin sammenheng. Imidlertid har det bevart en kraftig innflytelse, tydelig tydelig i aspekter av abstrakt ekspresjonisme og andre kunstneriske manifestasjoner av andre halvdel av det tjuende århundre.
Mange hevder at surrealisme, som en identifiserbar kulturbevegelse, endte med Bretons død i 1966. Andre mener at det fortsatt er en viktig og relevant styrke i dag.
No.9 abstrakt ekspresjonisme (1940–1950)
Noen eksponenter: Jackson Pollock, Kooning Willem, Franz Kline
Den "abstrakte ekspresjonismen" var aldri en ideell etikett for bevegelse, som ble utviklet i New York på 1940- og 1950 -tallet. På en eller annen måte var den bestemt til å dekke ikke bare arbeidet til malerne som fylte lerretene sine med felt med feltfarge og abstrakte former, men også de som angrep lerretene sine med et kraftig gestural uttrykk. Alle var forpliktet til kunst som uttrykk for jeget, født av dype følelser og universelle temaer, og de fleste ble dannet av arven fra surrealisme, en bevegelse som oversatte til en ny stil som justerte seg til etterkrigs -stemningen av angst og traumer. I deres suksess stjal disse New York -malerne Paris som sin mantel som leder for moderne kunst og forberedte scenen for mestring av USA i internasjonal kunstverden. Abstrakt ekspresjonisme markerte begynnelsen på innflytelsen fra New York City som sentrum av vestlig kunstverden. Verden av abstrakte ekspresjonistiske kunstnere var godt forankret på Low Manhattan. En spasertur langs 8th Street ville ta den fra Waldorf -kafeteriaen, der kunstnere uten penger tjente "tomatsuppe" med varmt vann og gratis ketchup; Etter Hans Hofmann School of Plastic Artists grunnlagt av maleren med samme navn; Til klubben, et loft der konferanser og opphetede argumenter om kunst fortsatte til sent på kvelden. Jackson Pollocks studie var på East 8th Street, Kooning og Philip Guston Willem var i East 10., og selv om Franz Kline flyttet til flere hus og studier i området, fant de fleste nettene ham og mange av hans samtidige i Cedar Street Tavern på The Universitetsnettstedet.
Bevegelsen inkluderte mange forskjellige billedstiler som varierte både i teknikken og i kvaliteten på uttrykket. De bruker ofte abstraksjonsgrader; Det vil si at de representerer urealistiske eller, i ekstreme former, former som ikke er hentet ut fra den synlige verden (ikke -objektiv). De legger vekt på fritt, spontan og personlig emosjonell uttrykk, og utøver betydelig teknikkfrihet og utførelse for å oppnå dette målet, med en spesiell vekt lagt på utnyttelsen av maleriets variable fysiske karakter for å fremkalle uttrykksfulle kvaliteter (for eksempel sensualitet, dynamikk ). , vold, mysterium, lyrikk).
De fleste av kunstnerne assosiert med abstrakt ekspresjonisme modnet på 1930 -tallet. De ble påvirket av datidens venstreorienterte politikk og kom til å verdsette en kunst basert på personlig erfaring. Få ville opprettholde sine tidligere radikale politiske synspunkter, men mange fortsatte å innta stillingen som Frank Avant -Garde.
Til tross for mangfoldet i den abstrakte ekspresjonistbevegelsen, kan tre generelle tilnærminger skilles ut. Den ene, handlingsmaleriet, er preget av løs, rask, dynamisk eller energisk håndtering av maling i skanning eller kutting av penselstrøk og i teknikker delvis diktert ved en tilfeldighet, for eksempel drypping eller søling av malingen direkte på lerretet. Kunstnere: Pollock, Kooning.
Gjennomsnittlig begrep innen abstrakt ekspresjonisme er representert med flere varierte stiler, alt fra mer lyriske, delikate og flytende former. Kunstnere: Guston, Frankenthaler, Motherwell, Gottlieb.
Den tredje mindre uttrykksfulle tilnærmingen var Rothko, Newman og Reinhardt. Disse malere brukte store områder, eller åkrer, flat og fin maling og diaphanøs for å oppnå stille, subtile og nesten meditative effekter.
Selv om bevegelsen stort sett har blitt representert i stor grad gjennom den historiske dokumentasjonen som tilhørende den heroiske mannlige kunstneren som var prikket med maleri, var det flere viktige kvinnelige abstrakte ekspresjonister som dukket opp fra New York og San Francisco i løpet av 1940- og 1950 -årene som nå får kreditt som elementære medlemmer av avgiften.
No.10 Pop Art (1960)
Noen eksponenter: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist og Claes Oldenburg
Popkunst begynte med New York -kunstnerne Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist og Claes Oldenburg, som var inspirert av populære bilder og faktisk var en del av et internasjonalt fenomen.
Det var et opprør mot de dominerende tilnærmingene til kunst og kultur og tradisjonelle meninger om hva kunst skulle være. Unge kunstnere følte at det de lærte dem på School of Art og det de så i museene, ikke hadde noe med livene sine å gjøre eller de tingene de så rundt seg hver dag. I stedet kilder som Hollywood -filmer, reklame, produktemballasje, popmusikk og tegneserier for å skaffe bilder. Etter populariteten til abstrakte ekspresjonister var gjeninnføringen av identifiserbare bilder av POP (hentet fra media og populærkultur) en viktig endring i modernismens retning.
I 1957 listet popartisten Richard Hamilton 'egenskapene til popkunst' i et brev til vennene (lett å glemme), lave kostnader, produsert av messe, ung (rettet mot ungdom), geniale, sexy, truculent, glamorøse, store bedrifter. Modernistiske kritikere ble forferdet over bruken av popartister av et slikt 'lavt' tema og for deres tilsynelatende lite kritiske behandling av det. Faktisk brakte Pop kunst til nye tematiske områder og utviklet nye måter å presentere den i kunst og kan sees på som en av de første manifestasjonene av postmodernismen.
Selv om de ble inspirert av lignende problemer, blir britisk pop ofte sett på som en særegen amerikansk pop. Tidlig popkunst i Storbritannia ble drevet av amerikansk populærkultur sett på avstand, mens amerikanske kunstnere var inspirert av det de så og opplevde å leve innenfor den kulturen. I USA var popstil en retur til representativ kunst (kunst som representerte den visuelle verdenen på en gjenkjennelig måte) og til bruk av harde kanter og forskjellige former etter den billedlige løsheten til abstrakt ekspresjonisme. Ved å bruke upersonlige og verdslige bilder, ønsket popartister også å komme seg bort fra vektleggingen av personlige følelser og personlig symbolikk som karakteriserte abstrakt ekspresjonisme. I Storbritannia var bevegelsen mer akademisk i sin tilnærming. Mens han brukte ironi og parodi, fokuserte han mer på hvilke amerikanske populære bilder og deres kraft til å manipulere folks livsstil som er representert. Kunstgruppen på 50 -tallet, The Independent Group (IG), regnes som forløperen for den britiske popkunstbevegelsen. Popkunst var en etterkommer av Dada.
De fleste popartister ønsket en upersonlig og urban holdning i sine verk. Noen eksempler på popkunst uttrykte imidlertid sosialkritikk, for eksempel, Oldenburgs falne gjenstander og de monotone repetisjonene av Warhol av det samme banale bildet har en utvilsomt urovekkende effekt, og noen, som de mystiske og ensomme segale kadrene de er åpent uttrykk.
Kanskje på grunn av inkorporering av kommersielle bilder, har popkunst blitt en av de mest gjenkjennelige stilene for moderne kunst.
Nr.11 Postmodernisme (1970–)
Noen eksponenter: Gerhard Richter, Cindy Sherman, Anselm Kiefer, Frank Gehry, Zaha Hadid
Marilyn på himmelen av ©James Gill
At postmodernitet er udefinerbar er en sannhet. Imidlertid kan det beskrives som et sett med kritisk, strategisk og retorisk praksis som bruker konsepter som forskjell, repetisjon, spor, simulering og hyperrealitet for å destabilisere andre begreper som tilstedeværelse, identitet, historisk fremgang, sikkerhetsepistemisk og univocity av mening.
Begrepet "postmodernistisk kunst" refererer til en bred kategori av samtidskunst skapt fra omtrent 1970 og fremover. Den særegne seglen til "postmodernistisk kunst" er dens avvisning av estetikk som forgjengeren, "Modern Art" (1870-1970) var basert på. En av disse avviste verdiene er ideen om at "kunst" er noe "spesiell" som skal være "høy av den" populære smaken. Sammenfaller med en serie ny teknologisk utvikling, har postmodernismen ført til nesten fem tiår med kunstnerisk eksperimentering med nye medier og nye kunstformer, inkludert "konseptuell kunst", forskjellige typer "performancekunst" og "installasjonskunst", samt assistert Bevegelser som dekonstruktivisme og projeksjonskunst. Ved å bruke disse nye formene har postmoderne kunstnere utvidet definisjonen av kunst til det punktet at "alt er verdt."
Den første viktige kunststilen etter renessansen var akademisk kunst, det klassiske materialet som ble undervist av lærere i akademier. Akademisk kunst er den kunstneriske ekvivalenten til den tradisjonelle "drakten og slips". Neste, rundt 1870, kommer den "moderne kunsten". Dette er den kunstneriske ekvivalenten til "skjorta og buksene" eller "jakken og buksene". Neste, rundt 1970, kommer den "postmoderne kunsten", som er den kunstneriske ekvivalenten til "jeans og t -skjorte". På samme måte som kleslingskodene har blitt mindre formelle og mer "alt er verdt", er dagens kunstnere mindre imponert over de gamle ideene om hva kunst skal være og mer fokusert på å skape noe (noe) enn det blir lagt merke til.
Anti-autoritær av naturen nektet postmodernismen å anerkjenne autoriteten til enhver stil eller definisjon av hva kunst skal være. Skillet mellom høykultur og massekultur ble kollapset mellom kunst og dagligliv. Fordi postmodernitet brøt de etablerte reglene for stil, introduserte en ny fri tid og følelsen av at "alt er verdt." Ofte morsom, ironisk eller latterlig; Det kan være motstridende og kontroversielt, og utfordrer smaksgrensene; Men det viktigste er at det gjenspeiler et selvbevissthet i selve stilen. Ofte kan å blande forskjellige stiler og kunstneriske og populære medier, postmodernistisk kunst også låne bevisst eller bevisst eller ironisk nok kommentere en rekke stiler fra fortiden. Således vurderer postmoderne at deres teoretiske posisjon er usedvanlig inkluderende og demokratisk, siden det lar dem gjenkjenne det urettferdige hegemoniet til diskursene i illustrasjonen på de like gyldige perspektivene til de ikke -elite -gruppene.
På 1980- og 1990 -tallet vedtok akademiske forsvarere i navnet til flere etniske, kulturelle, rasemessige og religiøse grupper postmoderne kritikk av samtidens vestlige samfunn, og postmodernismen ble den uoffisielle filosofien om den nye bevegelsen av "identitetspolitikk"
Kuadros ©, en berømt maling på veggen din.
