설명
유명한 인상파 화가 Claude Monet의 걸작 인 "Sainte-Adresse의 해안"(1864)은 19 세기의 예술적 진화를 특징으로하는 빛과 색상에 대한 활기찬 증언입니다. 이 그림은 Monet의 기술적 숙달을 반영 할뿐만 아니라 조화로운 시각적 춤에 빛, 색상 및 모양이 얽혀있는 자연의 맹렬한 순간 인 특정 분위기의 본질을 포착합니다.
언뜻보기부터 시청자는 평화와 평온의 느낌을 불러 일으키는 해안 풍경에 의해받습니다. 이 작품은 Le Havre 근처의 도시인 Sainte-Adresse의 파노라마 전망을 제시하며, Monet은 어린 시절의 일부를 보냈으며 자연과 밀접하게 연결되어 있다고 느꼈습니다. 이 구성은 바다의 넓은 전망에 중점을두고 표면에 진동하는 것처럼 보이는 황금빛 빛의 반사로 튀어 나와 거의 미묘한 효과를 만듭니다. 파란색과 녹색 색조는 흰색과 노란색의 뉘앙스와 얽혀 있으며 물과 하늘에 생명을주고 노먼 해안의 전형적인 빛나는 분위기를 재현합니다.
수평선은 물을 부드럽게 건너는 선박에 의해 관찰되어 시간이 지남에 따라 얼어 붙은 즉각적인면을 통과 할 수있는 장면에서 움직임과 삶을 시사합니다. 컬러 마스터 인 Monet은 시각적 인식이 중심적인 초점이되는 인상주의의 원리와 공명하는 팔레트를 사용합니다. 느슨하고 빠른 브러시 스트로크의 기술을 통해 색상은 광학적으로 혼합되어 광도와 역 동성의 감각을 생성 할 수 있습니다. 많은 동시대 사람들과 마찬가지로이 작품은 철저한 세부 사항을 피하고 풍경이 예술가에게 생산하는 감각과 인상에 중점을 둡니다.
그림 안에있는 인간의 존재는 미묘하며, 바닥에 나타나는 인물은 풍경 자체의 일부로 환경에 포함 된 것 같습니다. 당신은 해안을 고려하는 세 사람을 볼 수 있습니다. 이것은 인간과 자연 사이의 친밀한 연결을 암시합니다. 이 수치는 명확성이 거의 없지만 바다와 하늘의 엄청난성에 대한 생명의 무익함을 상기시키는 역할을합니다. 풍경의 묵상에 분명히 흡수 된이 인물들의 위치는 또한 주제를 예술로 바꾸는 근대성과 변화에 대한 검색을 반영한다.
"Sainte-Adresse의 해안"의 가장 흥미로운 호기심 중 하나는 인상주의 예술의 맥락에서 역사입니다. 모네는 여전히 자신의 스타일을 굳히고 예술 분야에서 인정 받기 위해 고군분투했을 때 그려진이 작품은 1865 년 파리 홀에서 오리지널 타이틀 "노르망디 해안"에 전시되었습니다. 그는 박수를받지 않았음에도 불구하고 "Sainte-Adresse의 해안"은 오늘날 Monet의 작품과 그의 동시대 인들에서 완전히 발전 할 혁신을 예상하는 중요한 작품으로 간주됩니다. 이 그림은 인상주의의 후속 발달뿐만 아니라 예술적 근대성을 정의하는 빛과 색의 상호 수정의 명확한 선구자입니다.
"Sainte-Adresse의 해안"은 단순한 풍경 이상입니다. 그것은 인간과 주변 환경, 빛과 색, 일시적, 영원한 관계를 탐구하는 것입니다. 시청자 가이 작품의 시각적 뉘앙스에 자신을 몰입함에 따라, 그는 자연의 불변의 아름다움뿐만 아니라 우리가 자주 탈출하는 맹렬한 순간을 포착하고 확대 할 수있는 예술의 능력을 반영하도록 초대합니다. Monet은 현실의 가장 순수한 형태로의 표현을 찾아이 캔버스를 그의 천재와 인상주의의 본질로서 지속시킵니다.
KUADROS ©, 벽에 유명한 페인트.
전문 예술가의 품질과 독특한 인감과 함께 손으로 만든 유화 KUADROS ©.
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