설명
"Rosas의 격자 아래의 Camino"(1924)에서 Claude Monet은 우리에게 화려하고 자연의 아름다움으로 넘쳐나는 이국적인 정원을 여행하도록 초대합니다. 인상주의 교사의 경력이 끝나는이 그림은 빛, 색상 및 모양이 타의 추종을 불허하는 그의 스타일의 성숙한 발달을 캡슐화합니다. 모네는 자신이 사랑하는 정원의 맹렬한 본질을 포착 할 수있는 능력을 보여 주며 그의 개인적인 삶과 예술적 유산을 모두 상징했습니다.
그림의 구성은 무성한 장미로 덮인 엉킴으로 구분 된 경로에 중점을 둡니다. 이 선택은 사소한 것이 아닙니다. 격자는 캔버스의 깊이를 향해 시청자의 시선을 지시하는 프레임 역할을하며, 깊이 감각과 정원을 걷는 경험을 모방하는 시각적 걷기를 만듭니다. 그림의 윗부분은 밝은 하늘에 의해 지배되는 반면, 그림자 조각은 특히 부드럽고 미묘한 빛으로 염색 된 엉킴 아래에 신선함과 평온의 색조를 제공합니다. 빛과 그림자 사이의 이러한 상호 작용은 Monet의 독특한 물개 중 하나이며 주변 환경의 변화하는 특성에 대한 반응을 반영합니다.
이 작업에서 색상을 사용하는 것은 숭고합니다. Monet은 주로 분홍색, 녹색 및 파란색 톤의 팔레트를 사용하여 평화와 조화의 느낌을 불러 일으 킵니다. 장미의 색조는 활기차고 거의 반투명하지만 단풍의 녹색은 생명과 활력을 제안합니다. Monet은 정원 역학을 포착하여 색이 감정과 감각을 불러 일으킬 수있는 방법을 보여줍니다. 이것은 빛이 색과 모양의 인식에 중요한 역할을하는 인상주의의 놀라운 특징입니다. 이 팔레트를 통해 시청자는 꽃의 취약성과 환경의 단맛을 모두 느낄 수 있습니다.
인간 인물이 없으면 관중은 풍경에 완전히 몰입하여 명상 경험을 만듭니다. 캐릭터의 비우기 경로는 정원이 내성의 장소이며, 최대의 표현으로 자연을 즐길 수있는 대피소입니다. 인간의 산만 함이 부족하면 이것이 개인과 주변의 자연 요소 사이의 연결 공간이라는 생각을 강화합니다. 그러나 Lattice의 건축의 존재는 인간에 의해 재배되는 것과 자연의 자유 사이에 균형이 있음을 시사합니다.
또한, "로사의 격자 아래에있는 길에"같은 해의 다른 작품들과 같은 해와 정원의 주제가 중심에 남아있는 Monet의 늦은 기간과 대화합니다. "Giverny의 Garden Garden in Giverny"와 같은 이전 작품은이 정원과 대화를 시작하여 정원의 임시 아름다움을 탐구하는 데 연속성을 만듭니다. 각 캔버스에서, Monet은 앞서 언급 한 풍경을 기록 할뿐만 아니라 식물상의 표현을 통해 감정을 불러 일으킬 수있는 능력에 몰두합니다.
우리 가이 작업을 관찰 할 때, Monet은 적시에 끊임없이 검색하고 있었으며, 그의 작품에서 반복되는 주제 인 Light and Shadow Danzan이 정확한 순간 인 경우가 분명해집니다. "로사의 격자 아래에있는 길에"는 느슨하고 빠른 브러시 스트로크 기술을 사용하여 교사의 정점이 있으며, 이는 그림을 장려하고 생명을줍니다.
이 작품의 창조는 특별한 기술 능력의 산물 일뿐 만 아니라 자연에 대한 깊은 사랑의 산물 일뿐입니다. 모네는 시청자가 정원을 볼뿐만 아니라 느낌을 느끼고 숨을 쉬고 경험하게 만듭니다. 각 뇌졸중으로 Claude Monet은 순간을 포착 할뿐만 아니라; 예술가의 죽음을 넘어서 견딜 수있는 자연의 아름다움을 축하하며, 우리 모두가 공유 할 때의 취약성과 일시를 상기시켜줍니다.
KUADROS ©, 벽에 유명한 페인트.
전문 예술가의 품질과 독특한 인감과 함께 손으로 만든 유화 KUADROS ©.
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