설명
인상주의의 가장 뛰어난 지수 중 하나 인 클로드 모네 (Claude Monet)는 "Giverny의 정부"(1924)의 플라즈마는 그의 예술적 비전과 그의 삶의 본질이 반영되는 거울입니다. 이 작품은 교사의 팔레트에서 싹이 트는 많은 사람들과 마찬가지로 물리적 인 장소뿐만 아니라 분위기, 가장 순수하고 생생한 형태로 자연의 묵상을 불러 일으키는 감각 경험을 나타냅니다. 모네에게 대피소이자 영감의 원천 인 정원은 색상과 브러시를 통해 빛과 움직임을 포착하는 엄청난 재능에 대한 간증이됩니다.
페인트를 시각화하면 가볍고 생생한 색상의 배치가 드러납니다. 이 작품에서 Monet의 팔레트는 풍부하고 다양하며 주로 신선한 녹색과 꽃 폭발이 분홍색, 흰색 및 노란색 톤으로 구성되어 있습니다. 그가 초목을 나타내기 위해 녹색 뉘앙스를 사용하는 방식은 자연광을 나타내는 데있어 그의 숙달을 보여줍니다. Monet은 변화하는 빛을 관찰하고 그의 작품에 그것을 반영하는 능력으로 유명하며 "Giverny 's Garden"도 예외는 아닙니다. 빛은 잎을 통해 필터링되는 것처럼 보이며, 시청자가 표현 된 공간을 통해 이동하도록 초대하는 거의 미묘한 효과를 만듭니다.
작곡에서 Monet은 정원을 조직하여 요소가 마치 마치 마치 마치 마치 마치 마치 마치 마치 마치 마치 마치 마치 마치 마치 마치 마치 마치 마치 마치 마치 마치 마치 마치 마치 마치 마치 마치 마치 마치 마치 마치 마치. 꽃은 일반적으로 그들이 제안한 느슨하고 빠른 브러시 스트로크의 인상적인 스타일로 살아있는 것처럼 보이지만 완전히 정의하지는 않으므로 관찰자가 마음 속의 이미지를 완성 할 수 있습니다. 우리는 각 식물과 꽃의 형태뿐만 아니라 각 식물과 꽃의 본질을 인식하기 때문에이 접근법은 작품과의 정서적 연결을 촉진합니다.
이 작품에는 인간의 성격이 부족하지만, 어느 정도는 인간의 인물이 없으면 자연 자체에 초점을 두어 인상주의의 이상, 즉 현재 순간의 경험을 포옹합니다. Monet은 우리 자신의 경험을 공유하도록 초대하여 정원 생활의 흐름이 거의 시적으로 존재하는 평화와 묵상의 역류를 제공합니다. 마치 관중들이 보이지 않는 것처럼, 예술가 자신에게 사람과 주변 환경 사이의 대화에 참여하는 사람으로 돌아갑니다.
"Giverny의 정원"을 고려할 때 역사적 맥락도 필수적입니다. 1924 년에 Giverny에 유명한 정원을 설립 한 지 몇 년이 지난 Monet은 인상주의의 선구자로서 특별한 지위에 도달했습니다. 이 그림은 건강이 불안정했을 때이며 정원은 삶의 역경에 대한 피난처가되었습니다. 이 작품은 자연계에 여전히 존재하는 아름다움의 축하, 예술과 자연에 대한 열정을 상기시켜줍니다. 아마도 자신이 사라지기 전에 삶의 임시 아름다움을 포착하려는 노력에 대한 간증 일 것입니다.
그의 경력의 맥락에서, "The Giverny Garden"은 같은시기의 다른 작품과 비교할 수 있으며, Monet은 점점 더 추상적이고 빛에 초점을 맞추면서 자연 환경을 재 해석했습니다. Senus 시리즈 또는 Ruan Cathedral의 풍경과 같은 작품은 시각적 언어의 진화를 구성하는 주제와 스타일 역사이며, 색상, 빛 및 모양이 독특한 지각 경험을 생성하기 위해 얽혀 있습니다.
따라서 그림은 정원의 기억뿐만 아니라 화가와 주변 환경 사이의 마법의 상호 작용도 예술적 유산에 대한 간증이됩니다. "Giverny 's Garden"은 시청자들이 묵상에서 길을 잃게하여 Monet의 비전에 거주하는 놀라움과 예술을 통해 자연의 아름다움에 생명을 주려는 그의 흔들리지 않는 헌신을 드러냅니다.
KUADROS ©, 벽에 유명한 페인트.
전문 예술가의 품질과 독특한 인감과 함께 손으로 만든 유화 KUADROS ©.
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