설명
1888 년에 만들어진 Claude Monet의 그림 "Giverny in Giverny"그림은 빛과 색상의 훌륭한 사용을 통해 인상주의의 본질, 예술가의 스타일의 특징 인 요소를 캡슐화하는 작품입니다. 주버니로 그의 집의 환경을 나타내는이 풍경은 모네와 자연의 깊은 연결을 반영하는 목가적 인 장면을 보여주고, 장소의 육체적 외관뿐만 아니라 순간의 분위기와 감정을 포착하려는 그의 욕구를 보여줍니다.
작곡 관점에서,이 작품은 캔버스의 하부를 차지하는 무성한 식물 비행기를 제시하여 바닥까지 확장되는 푸른 하늘과 대조되는 풍부하고 질감이있는베이스를 만듭니다. 모네가 구성을 구성하는 방식은 시청자의 시선을 전경에서 수평선으로 자연스럽게 안내하여 깊이 느낌을 발생시킵니다. 빠르고 느슨한 브러시 스트로크로 칠해진 나무와 관목을 포함 시키면 바람과 자연의 속삭임을 불러 일으키는 움직임이 있습니다. 환경의 거의 미묘한 분위기는 녹색과 파란색 톤의 미묘한 변화에 의해 강조되며, 이는 오늘의 순간을 특징 짓는 변화하는 빛을 반영합니다.
모네는 따뜻하고 차가운 톤이 유창하게 상호 작용하는 활기차고 조화로운 팔레트를 사용하기 때문에 색상은 작업에서 근본적인 역할을합니다. 끔찍한 초목은 하늘과 물의 부드러운 푸른 색으로 보완되어 시청자의 시각적 경험에서 공명하는 거의 교향제 효과를 만듭니다. 이 작품은 인상주의의 주요 목표, 특히 예술에 대한 모네 접근법 중 하나 인 빛의 본질을 포착하는 것처럼 보이는 광도로 임신합니다.
인간의 인물이나 건축 요소가 뛰어난 역할을하는 다른 Monet 작품과 달리 "Giverny의 Landscape In Giverny"는 거의 독점적으로 자연에 중점을 둡니다. 이것은 그 시대에 예술가의 내성 상태를 반영하여 주변 환경의 평온과 아름다움에 대한 피난처를 찾고 있습니다. 그러나 인간의 인물은 실제로 다른 현대 작품에서 자신의 작품의 반복적 인 부분이며, 종종 인간의 풍경과의 상호 작용을 나타냅니다. 이 특정 작품에 인물이 없으면 관중은 더 개인적인 방식으로 장면을 경험할 수 있으며, 금전적으로 만든 환경에 완전히 몰입합니다.
"Giverny의 풍경"은 또한 자연광의 임시 본질과 색상에 미치는 영향을 포착하기위한 Monet의 검색의 표현입니다. 19 세기 마지막 기간 동안, 모네는 자연에 대한 빛의 영향을 포착하는 데 점점 더 관심이 있었으며, 그로 인해 새로운 기술을 개발하게되었습니다. 이 작품은 예술적 비전에 대한 간증과 단순한 풍경을 풍부한 감각 경험으로 바꾸는 능력입니다.
결론적으로, "Giverny의 풍경"은 자연의 순간을 서정적으로 표현하는 것 이상입니다. 인상주의의 천재의 마음에 창을 제공하고 시청자에게 자연의 아름다움과 취약성을 상기시키는 묵상을 초대하는 작품입니다. 이 작품에서 Monet의 미학적 숙달은 예술계에서 계속 공명하여 역사상 그 자리를 인상주의의 본질을 포착하는 근본적인 작품으로 보장합니다.
KUADROS ©, 벽에 유명한 페인트.
전문 예술가의 품질과 독특한 인감과 함께 손으로 만든 유화 KUADROS ©.
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