설명
Claude Monet에 의해 1900 년에 그려진 "The Artist 's Garden in Giverny"작품에서 인상주의 교사의 기술은 개인 환경의 광도와 풍부함을 포착함으로써 공개됩니다. 창의성의 컨테이너. Monet의 정원이 주인공이되는 더 큰 작품 그룹의 일부인이 그림은 예술가가 그의 집과 정원으로 개발 한 깊은 링크의 간증입니다. 연령.
작품의 구성은 조화롭고 유동적이며, Monet이 정의하는 데 도움이되는 인상파 스타일을 반영합니다. 캔버스는 기밀 정원의 충동을 나타내는 풍부한 색상의 색상으로 함침됩니다. 전경에서, 시청자는 그림의 표면에서 발생하는 밀도가 높은 다양한 꽃으로받습니다. 모네는 노란색에서 자주색에 이르는 신선한 녹색과 따뜻한 꽃 사이의 번갈아 가며. 이 색상은 거의 눈에 띄는 것처럼 보이는 빛의 춤에 얽혀 있습니다. 강조된 페인트 터치는이 무성한 식물을 건너 공기 움직임을 제안합니다.
빛의 사용은이 그림에서 중요한 요소입니다. 하루 종일 자연 채광의 변형에주의를 기울이는 모네는 태양의 광선이 꽃에 부드럽게 빛나고 섬세한 그림자를 만들고 정원의 열차를 강조하는 순간을 포착합니다. 빛과 그림자 사이의 섬세한 상호 작용은 단순한 꽃 풍경이 될 수있는 것을 인상주의의 특징 인 삶 자체를 축하하는 시각적 쇼로 변형시킵니다.
그림에는 인간의 인물이 없으며, 인간 캐릭터가 없으면 시청자가 풍경의 일부가되어 정원을 자연과의 관계를위한 공간으로 경험하게합니다. 모네는 정원을 자신의 존재의 확장으로 바꾸었다. 그의 작품에서 이러한 친밀감은 현대 생활의 장면이 예술가들 사이에서 점점 더 흔해 졌을 때 시청자와 공명합니다.
"Giverny의 Artist 's Garden"은 Monet의 Garden을 제시하는 유명한 일련의 작품 내에 있지만 각 해석은 동일한 주제에 대한 독특한 접근 방식을 제공합니다. Monet의 기술에 대한 철저한 연구는 색상과 빛에 대한 혁신적인 접근 방식을 보여줍니다. 보완적인 색상을 사용하는 능력과 정확한 가장자리가 없으면 작업이 호흡 할 수있는 특성이며, 장면의 거의 미묘한 감각을 인쇄합니다.
이 그림은 Monet이 자신이 그러한 보살핌으로 재배 한 정원에 특별히 헌신 한 단계에 속하며, 미적 피난처뿐만 아니라 끊임없는 연구 대상이기도합니다. 이 작품은 또한 자연이 조용한 치료자와 무한한 영감의 원천으로 사용되는 그 시대의 예술가의 감정 상태를 반영한 것입니다. Monet은 그의 예술을 통해 자연의 아름다움을 멈추고 감사하는 것의 중요성에 대한 보편적 인 메시지를 공유하며 시청자를 시간과 공간을 초월하는 감각적 여정으로 끌어 올립니다.
Claude Monet은 "The Artist 's Garden in Giverny"에서 풍경을 칠할뿐만 아니라; 그것은 환경의 활력을 축하하는 시간에 임시 순간을 캡슐화 할 수 있습니다. 예술가로서의 모네의 정체성의 불가분의 일부가 될이 정원은 자연과의 인간의 연결의 상징과 인상주의의 본질의 유산으로 남아있다.
KUADROS ©, 벽에 유명한 페인트.
전문 예술가의 품질과 독특한 인감과 함께 손으로 만든 유화 KUADROS ©.
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