설명
확실한 색상과 모양의 교사 인 Henri Matisse는 1941 년 그의 작품 "Amaryllis의 꽃병"에서 색과 구성 구조의 단순화와 승영에서 그의 천재의 명확한 예를 제공합니다. 이 작품을 관찰하면 49x60cm 캔버스가 관중은 생생한 팔레트와 요소의 섬세한 배치에 즉시 흡수됩니다.
"Amaryllis의 꽃병"에서 Matisse는 꽃, 특히 Amarilis가있는 꽃병을 대표하며, 우주 관리에서 예술가의 영역을 드러내는 세심한 균형이 있습니다. 이 장면은 파란색 파스텔 배경이 강하게 나타나는 꽃 모양을 강조하기 위해 이상적인 시나리오로 변형되는 구성을 제시합니다. 강렬한 붉은 색에서 오렌지 터치에 이르기까지 꽃의 따뜻한 색조와 부드러운 노란색에 이르기까지 배경의 평온과 대조하여 풍부한 시각적 역 동성을 만듭니다.
이 작품에서 Matisse의 기술은 단순성이 웅변 적입니다. 불필요한 요소 나 불필요한 세부 사항은 없습니다. 각 브러시 스트로크는 고의적 인 결정의 결과 인 것으로 보이며 항상 조화와 시각적 균형을 찾고 있습니다. 안전한 스트로크와 정의 된 윤곽으로 표현 된 꽃병은 기존의 비 유적을 피하고 시각적 가사에 더 가까운 미학에 들어가는 은혜로 꽃을 들고 있습니다. 잎과 꽃잎의 곡선과 반 전반 스트로크는 운동 감각을 생성합니다.
작품의 특히 흥미로운 측면은 Matisse가 빛과 그림자를 사용하는 방식입니다. 이러한 도구를 3 차원 적으로 사용하는 대신 물체를 균일 한 광도로 목욕하여 경도를 제거하고 장면에 거의 미묘한 느낌을줍니다. 이 빛의 통일 된 대우는 꿈의 느낌을 강화하고 우리를 조용하고 명상적인 묵상에 초대합니다.
"Amaryllis의 꽃병"에는 이야기를 상호 작용하거나 명시 적으로 표현하는 인간 캐릭터가 없지만 침착하고 아름다움 및 갱신에 대한 암묵적인 이야기를 전달합니다. 생명과 취약성의 영원한 상징은 캔버스에 떠 다니는 것처럼 보이며 배경의 단순성과 대조되는 활기를 전달합니다. 배경과 그림 사이의 이러한 상호 작용은 강력하게 세력적인 특징이며, 색과 비행기가 절대 주인공이었던 Fauvism과의 관계를 상기시켜줍니다.
Matisse Works의 코퍼스 내에서 "Amaryllis의 꽃병"은 예술가가 "아네모네", "꽃의 꽃다발"또는 "창문의 월계수"와 같은 다른 꽃 리프팅 본성과 함께 배치 할 수 있습니다. 그들 모두에서 Matisse는 눈에 띄는 현실을 묘사 할뿐만 아니라 감정적 인 본질을 캡슐화합니다.
비평가로서, Matisse가 정교함의 단순성을 변형시키고 평범한 특별한 사람을 변형시키는 능력에 감탄하지 않는 것은 불가능합니다. "Amaryllis의 꽃병"은 그의 접근 방식에서 겸손하지만 예술 변형 권력에 대한 간증이며, 교사의 손에 각 선과 각 색상이 영광에 도달 할 수 있음을 상기시켜줍니다. 이 작품은 표면 너머로보고 가장 섬세한 제스처에서 단순성과 깊이에서 아름다움을 찾도록 가르칩니다.