설명
"바이올린 케이스와의 인테리어"(1919)에서 Henri Matisse는 우리를 기만적으로 간단하지만 깊은 시각적, 정서적 부를 장착하는 작곡을 통해 우리의 세상에 들어가도록 초대합니다. 이 작품에서 Matisse는 색상과 모양의 관리에 대한 숙달을 보여 주었으며 그의 창조적 인 과정의 창을 제공합니다.
이 그림에서 눈에 띄는 첫 번째 것은 의심 할 여지없이 색상의 대담한 사용입니다. Fauvism의 주요 지수 중 하나 인 Matisse는 활기차고 대조적 인 색상을 사용하여 장면에 생명을줍니다. 배경은 토양의 녹색과 노란색과 대조되는 강렬한 자주색으로 구성되어 깊이와 역 동성을 느낍니다. 이 색상 사용은 단순히 장식적인 것이 아니라 구성의 구조와 균형과 밀접한 관련이 있습니다.
국내 내부 인 묘사 된 공간은 신중하게 구성되어 있습니다. 중앙에서 테이블에 바이올린 상자가 놓여서 그림에 이름을 부여합니다. 이 대상은 초점으로 작용할뿐만 아니라 시각 예술과 음악 사이의 연결을 상징합니다. 두 개의 의자와 병을 포함하여 주변의 물체의 배열은 작품 전체에서 조화로운 투어에서 시청자의 시선을 안내하는 순서를 따릅니다. 테이블 라인과 의자는 우리의 비전을 미묘하게 지시하여 우리를 하나의 물체에서 다음 물체로 이끌고 구성 내에서 일정한 흐름을 만듭니다.
Matisse는 도어 유리를 통해 외부 공간을 제안하여 깊이의 추가 층을 추가하고 내부를 넘어 세상을 엿볼 수 있으며 가정과 외부 환경 사이의 상호 작용을 상징 할 수 있습니다. 테이블의 죽은 자연은 개인 공간의 일상 생활과 평온에 대한 반영으로 해석 될 수 있습니다.
인간의 인물이 존재하지 않지만, 따뜻한 분위기와 요소의 신중한 처분은 암시 적 인간의 존재감을 전달합니다. 공간의 거주 성은 잠금 해제 된 이야기, 친밀감 및 그곳에서 일어난 묵상을 암시합니다.
전통적인 그림의 경계 내에서 혁신 할 수있는 능력으로 인정 된 Henri Matisse는 "바이올린 케이스가있는 내부"에서 그의 작품의 많은 부분을 정의하는 도구, 즉 형태의 단순화, 추상화 및 색상의 정서적 힘을 사용합니다. 이 그림은 단순히 내부 공간을 나타내는 것이 아닙니다. 그것은 표현적인 수단으로서 색을 탐구하는 것입니다. Matis가 가장 일일 작곡에서 균형과 즐거움을 찾는 방식에 대한 간증입니다.
그의 경력의 더 넓은 맥락에서,이 작품은 제 1 차 세계 대전 이후의 기간에 위치하며, Matisse의 전환 및 실험 시간입니다. 이 기간 동안의 그의 작품은 전쟁의 혼란과 혼란 이후의 특정 평온과 삶의 단순한 즐거움을 축하하는 것을 반영합니다.
그러므로 "바이올린 케이스가있는 내부"는 Matisse의 기술적 우수성을 나타내는 것뿐만 아니라 그의 삶에서 평화와 반성의 순간에 대한 친밀한 기록 일뿐입니다. 그것은 우리가 모양과 색상의 상호 작용을 통해 Matisse가 방의 외관뿐만 아니라 그의 영혼과 그의 침묵을 포착하는 방법을 이해할 수있게 해줍니다.