설명
인상주의의 가장 큰 지수 중 하나 인 Claude Monet은 Giverny의 정원에서 풍부한 영감의 원천을 발견하여 환경을 미학 탐구 시나리오로 변형 시켰습니다. 1924 년의 "일본 다리 7"이 작품은 활기찬 팔레트와 자연에 대한 개인적인 해석을 통한 빛과 대기의 포착을 특징으로하는 독특한 접근의 매혹적인 예입니다. Monet은 자신이 지은 유명한 일본 다리를 묘사하는 시리즈에 새겨진이 그림에서 거의 시적 조화로 조경 요소를 융합하여 몰입 형 시각적 경험을 만드는 데있어 그의 숙달을 드러냅니다.
이 구성은 다리에 초점을 맞추고, 침착 한 수면에 아치가 있으며 무성한 식물로 둘러싸여 있습니다. Monet은 교량을 건축 요소뿐만 아니라 주변의 자연의 다른 측면 사이의 연결 기호로 사용합니다. 구조는 단순하지만 우아하며 철저한 세부 사항없이 재료의 본질을 포착하는 치명적인 느슨한 스트로크로 그려져 있습니다. 이것은 Monet의 스타일의 전형적인 것이며, 이는 정확한 표현에 대한 일반적인 인상을 선호합니다.
색상 팔레트의 선택은 특히 중요합니다. 식물의 강렬한 녹색은 꽃의 가장 부드럽고 가장 오래된 색조와 대조되며 거의 꿈 같은 효과를 만듭니다. Monet은 파란색과 녹색 색조를 사용하여 햇빛 아래에서 물의 평온을 불러 일으키는 반면, 장미와 흰색 꽃의 터치는 작품의 일반적인 분위기에 섬세한 역학을 더합니다. 짧고 빠른 브러시 스트로크의 기술은 그림이 살아있는 것처럼 보일 수 있습니다.
이 작품의 주목할만한 측면은 일본 다리의 시리즈의 다른 사람들과 마찬가지로 인간 인물이 없다는 것입니다. 그의 이전에 Monet 작품 중 많은 부분에서 그는 사람들에게 이야기 나 규모의 감각을 부여하기 위해 사람들을 통합 시켰지만, 여기서 접근 방식은 다리와 주변 환경 사이의 상호 작용을 향한 독점적으로 지시됩니다. 이 결정은 시청자가 인간과 자연 사이의 친밀한 관계를 고려하도록 초대하여 건설 된 자와 자연, 영원과 일시적인 사이의 대화를 시작합니다.
이 그림은 예술가가 죽기 직전에 만들어 졌기 때문에 그의 비전에 영향을 미치는 건강 문제에 직면했기 때문에 중요한 시간적 맥락에 위치하고 있습니다. 이러한 도전에도 불구하고 Monet은 그의 예술에 대한 치열한 결단과 헌신으로 계속 일하면서 환경과의 깊은 관계를 강조하는 작품을 만들어 냈습니다. Monet의 마지막 수년은 끊임없는 실험으로 표시되었으며,이 작품은 스타일의 발전에 대한 간증과 풍경의 표현에 대한 점점 더 추상적 인 접근법입니다.
"일본 다리 7"은 단순히 장소를 나타내는 것이 아니라 빛, 색상 및 시간에 대한 반영입니다. Monet은 기술적 숙달과 미적 민감도를 통해 인간의 본성과 감정이 유동적이고 알려진 방식으로 얽혀있는 세상에 창을 제공합니다. 이 작품은 일본 교량 시리즈의 다른 창조물과 일치하며, 각각은 빛과 시간의 변화하는 조건을 포착하려는 지속적인 노력을 보여 주며, 19 세기 예술에서 가장 큰 혁신가 중 한 사람으로 재확인합니다.
KUADROS ©, 벽에 유명한 페인트.
전문 예술가의 품질과 독특한 인감과 함께 손으로 만든 유화 KUADROS ©.
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