설명
렘브란트의 "처녀의 죽음"(1639) 그림은이 바로크 교사의 드라마와 깊은 인류 특성을 캡슐화하는 작품입니다. 이 표현에서 Rembrandt는 그러한 움직이는 주제에서 기대할 수있는 가장 이상적이고 영광스러운 해석과는 거리가 멀다는 접근 방식을 선택합니다. 이 작품은 성모 마리아가 깊은 결투를 표현하는 인물로 둘러싸여 상실의 고통과 삶의 취약성을 모두 캡슐화하는 순간을 제시합니다.
작품의 구성은 비대칭 성과 공간 사용에 현저합니다. 중앙에서는 침대에 누워있는 처녀의 모습이 주요 초점입니다. Rembrandt는 우울한 색상, 주로 어둡고 끔찍한 색조를 사용하여 전략적 영역에서 나오는 조명이있는 어둡고 끔찍한 색조를 사용하여 모양과 감정을 강조하는 강한 대비를 만듭니다. 이 색수 선택은 장면의 드라마를 강화할뿐만 아니라 명확한 기술인 빛으로 연주하는 능력을 반영합니다. 처녀의 얼굴과 애도 자들의 손을 밝히는 빛은 그림에 성스러운 느낌을줍니다. 그림자는 출발의 슬픔을 불러 일으 킵니다.
처녀를 둘러싼 시체도 똑같이 중요합니다. 고뇌와 진정한 슬픔의 표현으로 각 그림은 집단적 상실을 반영합니다. 이 수치에는 정체성이 정체 된 정체성이 없지만, 그들의 표현은 고통을 보편화하는 역할을합니다. Rembrandt는 개별 특성에 대한 과도한 세부 사항을 피하여 시청자가 현장에서 자신의 결투 경험을 투영 할 수 있습니다. 이 포괄적 인 접근법은이 작품이 종교적 순간의 초상화뿐만 아니라 인간의 고통에 대한 명상이기도합니다.
작품의 도해 법은 17 세기 예술의 맥락에서 중요합니다. 렘브란트는 성모 마리아의 표현이 이상주의를 가질 수 있었던 시대에보다 세속적이고 취약한 비전을 제공합니다. 이 치료는 인간 심리학을 나타내는 데있어서 숙달을 반영하여 다른 현대 작품에서 항상 공개적으로 나타나지 않는 슬픔에 목소리를줍니다. 그렇게함으로써, 그것은 그의 시대의 시각적 규칙에 도전하고 예술에서보다 현실적이고 감정적 인 표현의 길을 표시합니다.
이 작품의 흥미로운 측면은 렘브란트의 예술적 제작이 정서적, 재정적 복잡성에 빠졌던 시대에 만들어 졌다는 것입니다. 이러한 맥락은 "처녀의 죽음"에서 공명하는 감정적 깊이에 영향을 줄 수있었습니다. 현대 관중과 미술사 학자들은 사랑하는 사람의 죽음과 상실 경험과 같은 렘브란트의 개인적인 관심사 가이 문제에 대한 접근 방식에 촉매제가 될 수 있음을 알게되었습니다.
"처녀의 죽음"은 렘브란트 생산뿐만 아니라 서양 회화의 발전에서도 이정표로 등장하는 작품입니다. 감정적 인 섬유를 연주하고 죽음과 상실에 대한 성찰을 제공하는 그의 능력은 그를 시간이 지남에 따라 지속되었으며, 나중에 예술가와 예술계에 영감을주었습니다. 기술과 형태가 우세한 시대에, 렘브란트는 인간의 감정을 심화시키기 위해 감히, 그의 예술을 신성의 이상적인 표현 대신에 살았던 경험에 가져 왔습니다. 따라서 "처녀의 죽음"은 단순히 예술 작품이 아닙니다. 그것은 인간의 복잡성과 공동 고통의 공명의 의지입니다.
KUADROS ©, 벽에 유명한 페인트.
전문 예술가의 품질과 독특한 인감과 함께 손으로 만든 유화 KUADROS ©.
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