설명
1799 년에 만든 프란시스코 고야 (Francisco Goya)의 "죽음까지"그림은 로맨틱과 모더니즘에 대한 스페인 예술과 선구자의 가장 중요한 인물 중 하나로 눈에 띄는 아라곤 화가의 예술적 유산의 풍부한 예입니다. 이 작품은 지난 몇 년 동안 생산 된 많은 사람들과 마찬가지로 협약에 도전하는 미학을 통해 인간 상태의 복잡성을 나타내는 Goya의 능력을 보여줍니다.
"죽음까지"에서 고야는 감정의 추상화와 삶과 죽음의 이중성에 대한 강력한 접근을 제시합니다. 작곡에서, 우리는 극적이고 표현 적으로 제시된 두 가지 그림을 관찰 할 수 있습니다. 왼쪽에서, 우리는 사랑이나 생명 인 것처럼 보이는 남성 인물을 발견하지만 오른쪽에는 죽음, 철회 및 강력한 여성 인물이 있습니다. 이 수치 사이의 대조는 작품의 중심 주제, 즉 인간의 경험에 깊이 뿌리를 둔 연합 인 사랑과 죽음 사이의 불가피한 연결과 공명합니다.
이 작업에 사용 된 색상은 특히 주목할 만합니다. Goya는 회색과 검은 색이 우세한 어두운 팔레트를 사용하여 캐릭터의 얼굴과 손을 비추는 따뜻한 색조로 튀었습니다. 이 색상의 선택은 슬픔과 우울함을 불러 일으킬뿐만 아니라 삶과 죽음 사이의 정서적 긴장을 향상시킵니다. Goya가 지배하는 기술인 Chiaroscuro의 사용은 수치에 깊이와 볼륨을 추가하여 그러한 추상적이고 철학적 인 개념에 직면해도 눈에 띄고 생생하게 만듭니다.
그림 사이의 상호 작용은 그림의 시각적 이야기에서 중요한 요소입니다. 남성 캐릭터의 기울어 진 자세는 여성 인물에 대한 매력과 피할 수없는 결과에 대한 저항을 시사합니다. 섬세하지만 확고한 죽음의 연장 된 손은 모든 인간이 직면 해야하는 것을 상기시키는 역할을하는 것으로 보인다. 한편, 사랑의 얼굴 표현의 뉘앙스는 절망과 헌신을 암시하며, 오늘날과 마찬가지로 시대의 관중들에게 의심 할 여지없이 공명 할 감정적 인 연결을 만듭니다.
이 작품 자체는 당시에 우세한 신고전주의 규범의 분리뿐만 아니라 그 시대의 예술의 변화를 나타내는 인물의 심리학에 대한 자세한 연구를 포함한다는 것을 관찰하는 것은 흥미 롭습니다. 그의 유명한 "검은 그림"또는 법원의 초상화와 같은 고야의 비슷한 작품과 비교할 때 "죽음까지"는 인간의 고통과 내성을 동시에보다 직접적이고 미묘한 방식으로 다룹니다.
Goya가 그의 광대 한 예술 작품에서 관찰하고 묘사 한 라이프 스타일은 수많은 사회적, 정치적 긴장으로 표시 되었으며이 그림도 예외는 아닙니다. 임시 생활의 의미뿐만 아니라 절망과 고통이 흔한 시대의 맥락을 포착하십시오. "죽음까지"는 이러한 상황에 대한 의견으로 볼 수 있으며, 개인을 보편적 인 사람과 합병시킬 수 있습니다.
Goya의 작품의 더 넓은 맥락에서, "죽음까지"그것은 풍부한 상징적이고 정서적 부담으로 시청자가 자신의 존재, 사랑과 죽음의 자연과의 관계에 대해 반영하도록 초대하는 작품들 중 하나입니다. 낭만주의와 현대 미술의 전통을 틀어 올라가서 고야는 우리의 현대 양심에 여전히 공명하는 시각적 담론을 계속 장려했습니다. 따라서이 그림은 걸작 일뿐 만 아니라 인간 존재에 대한 깊은 명상으로 남아 있습니다.
KUADROS ©, 벽에 유명한 페인트.
전문 예술가의 품질과 독특한 인감과 함께 손으로 만든 유화 KUADROS ©.
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