설명
1889 년 Paul Gauguin이 만든 "정원의 고통"은 19 세기의 그림에서 상징주의에 대한 방해적이고 강력한 증언으로 세워졌습니다. Getsemaní의 정원에서 그리스도의 고통을 나타내는이 작품은 예술가의 삶과 깊은 종교적 주제에 대한 그의 탐구에서 영적, 정서적 긴장을 보여줍니다. 그것에서, Gauguin Plasma는 생생한 팔레트와 특징적인 포스트 -인상 스타일로 공명하는 구성을 사용하여 상징주의가 장착 된 장면입니다.
그림을 관찰 할 때, 당신은 캔버스의 중심에있는 그리스도의 중심 인물을 취약성과 결단력을 모두 불러 일으키는 위치에서 볼 수 있습니다. 그의 자세는 그의 손을 들고 머리를 들고 아직 오지 않은 희생에 대한 내부 투쟁을 암시하는 강렬한 감정적 부담을 전달합니다. 이 작업에서 색상 사용은 놀랍습니다. Gauguin은 강렬한 파란색과 녹색 색조를 사용하여 지구의 가장 따뜻한 색조와 그리스도의 모습과 극적인 대조를 이룹니다. 이 색수 선택은 거의 초현실적 인 분위기를 일으키며, 여기서 자연은 중요한 역할을하며 장면의 긴장에 기여합니다.
그 주변에는 그림의 시각적 이야기에 기여하는 다른 인물들이 인식 될 수 있습니다. 천사의 존재는 그리스도의 왼쪽으로 시각화되며 동정심과 슬픔의 혼합으로 그것을 관찰하는 것처럼 보입니다. 이 인물의 해석은 신성한 위로의 상징으로 보일 수 있지만 고통의 외로움을 의미 할 수 있습니다. 거의 추상적 인 형태와 정의 된 얼굴의 부족으로 천사의 인물의 특이성은 감정적 인 거리를 유발하여 고통과 희생의 경험으로 공명합니다.
"정원의 고통"의 구성은 똑같이 중요합니다. Gauguin은 시청자의 시선을 중심을 향한 시청자의 시선을 안내하여 그리스도의 경험의 강도를 강조하는 대각선과 모양을 사용합니다. 무성한 초목을 가진 배경은 무대를 확립 할뿐만 아니라 더 깊은 의미에서 주인공의 감정 상태와 대조되는 자연 세계의 반영으로 해석 될 수 있습니다. 화려하게 자연은 인간의 고통을 무시하는 것으로 보이며, 이는 인간의 고통에서 신성의 역할에 대한 명상을 암시 할 수 있습니다.
"정원의 고통"은 Gauguin의 개인 컬렉션의 일부가되었으며 몇 년 후까지 공개적으로 전시되지 않았다는 점에 주목하는 것은 흥미 롭습니다. 이것은 영적 경험의 외로움에 대한 명상으로서 친밀하고 개인적인 본성을 말합니다. Gauguin은 기존의 인상주의를 초월한 스타일을 지속적으로 검색하면서 여기에서 상징적이고 감정적 인 내용으로 그의 작품을 정박하는 동시에 추상화를 향한 시각적 언어를 사용합니다.
이 캔버스는 종교적 영성과 문화에 대한 Gauguin의 탐구의 일부입니다. 특히 Tahití에서의시기에 그의 후속 작품에서 공명 할 문제입니다. 더 현실적인 표현에서 감정과 상징학이 필수적인 자유로운 표현에 이르기까지 스타일의 진화는이 작품에서 명확하게 볼 수 있습니다. "정원의 고통"은 시청자가 정서적 폭풍 속에서 희생, 절망 및 의미를 찾는 것을 반영하도록 초대합니다.
그러므로이 그림은 그리스도의 고통의 초상화 일뿐 만 아니라 예술가로서 구구 인 자신의 고통과 내부 갈등의 거울, 전통과 혁신 사이에서 발생하는 창조적 투쟁을 상기시켜줍니다. 고통과 평화를 찾는 것 사이. 요컨대,이 작품은 색상과 모양의 사용에 대한 Gauguin의 숙달뿐만 아니라 예술을 통해 보편적 감정을 전달하는 능력을 반영하는 기본 작품으로 세워집니다.
KUADROS ©, 벽에 유명한 페인트.
전문 예술가의 품질과 독특한 인감과 함께 손으로 만든 유화 KUADROS ©.
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