설명
1896 년에 실시 된 Paul Gauguin의 자체 포장은 예술가의 개인적인 경험과 그의 정체성, 그의 그림 스타일 및 시간에 대한 반성을 모두 캡슐화하는 작품입니다. 이 그림에서 Gauguin은 정면 적으로 제시되며 내성과 대립을 혼합하는 표현과 함께 제시됩니다. 이 자기 포장은 단순히 외부 표현이 아니라 예술과 가구신 자신의 내면의 삶 사이의 교차로입니다.
Gauguin은 컬러 팔레트에서 독특한 접근 방식을 사용합니다. 여기서 따뜻한 색조가 노란색과 갈색과 같은 미묘한 파란색과 녹색의 터치와 혼합 된 따뜻한 색조가 우세합니다. 이러한 색상의 선택은 임의적이지 않습니다. 오히려, 그것은 실험의 색상과 빛, 그것이 속한 후 인상의 특성에 대한 영향을 보여준다. 묘사 된 저자의 피부에는 내부 광도를 암시하는 색조로 칠해져 있으며, 어두운 배경은 작가의 얼굴이 작곡에서 강하게 나타나게하는 대비를 제공합니다. 대담한 브러시 스트로크 기술과 색상 사용을 통해 Gauguin은 감정적 깊이와 시청자가 표현과보다 친밀한 관계를 초대하는 특정한 조잡함을 의미합니다.
그림에서 Gauguin의 얼굴은 중심에 있으며 추상적 요소로 둘러싸여 있습니다.이 요소는 추가 인물의 인물이 아니지만 외로움과 성찰의 장소에서 관찰자와 대화 할 수있는 작업이 가능합니다. 그림의 가장자리는 거의 진동적인 스타일로 취급되어 예술가 자신의 에너지로 압박하는 것처럼 보이는 분위기를 만듭니다. 화가의 도전적인 모습은 그의 수염과 머리카락과 함께 표현의 수단을 그린 사람의 이미지, 그의 외모뿐만 아니라 영적, 철학적 세계를 의사 소통하는 방법을 강화합니다.
Gauguin의 이야기는 의미와 진정성을 찾는 개요입니다. 1896 년, 예술가는 자신의 삶의 단계에 있었고, 그 시간은 타히티에서 시간을 유럽의 사회적 관습을 피하고 그가 "진정한 본성"이라고 부르는 것을 찾기 위해 시간을 보냈습니다. 이 배경은 기술을 넘어서 본질을 잊어 버리기 시작한 세상에서의 원시인의 탐구를 옹호하는 기술을 이해하는 데 필수적입니다. 자기 포장의 시각성은이 아이디어와 공명하는 것처럼 보이며, 그 당시의 미학적 및 정서적 규범에 도전하는 자체의 이미지를 제공합니다.
또한, 자기 포장은 개인적인 고통과 Gauguin의 예술적 야망을 모두 반영합니다. 표현의 평온과 색상의 강도 사이의 미묘한 불협화음은 끊임없는 여행, 영성 탐험 및 피로 보이는 진실을 찾는 것으로 표시되는 삶의 이중성의 반향으로 해석 될 수 있습니다. 그의 작품에서 Gauguin은 그의 개인적인 역사를 말할뿐만 아니라; 그는 또한 시청자에게 자신의 인류를 반영하도록 초대합니다.
이 그림을 분석 할 때, 자기 포장은 Gauguin의 인물을 반영 할뿐만 아니라 19 세기 후반의 예술적 맥락의 거울이라는 것이 분명해집니다. Vincent van Gogh 및 Henri Toulouse-Lautrec와 같은 다른 동시대 사람들과 마찬가지로 Gauguin은 전통적인 형태의 표현을 깨고 상징주의와 현실의 새로운 개념화에 들어가려고했습니다. 색상, 모양 및 개인 표현에 대한 그의 독특한 접근 방식은 현대 미술의 선구자로 위치합니다.
요컨대, 1896 년 Paul Gauguin의 자체 포장은 자체 표면을 초월하는 작품입니다. 그것은 예술을 통한 정체성을 찾는 것에 대한 간증, 오늘날까지도 계속 공명하는 개성에 대한 탐구입니다. 이 그림은 감탄 할 가치가있는 시각적 자원 일뿐 만 아니라 예술가와 관중 사이의 대화로서 예술은 자기 지식의 한 형태이며 동시에 인류와의 깊은 관계임을 상기시켜줍니다.
KUADROS ©, 벽에 유명한 페인트.
전문 예술가의 품질과 독특한 인감과 함께 손으로 만든 유화 KUADROS ©.
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