설명
1900 년 Henri Matisse가 수행 한 작품 인 "Notre Dame"의 묵상에서, 한 사람은 현대 미술의 광대 한 직물에서 자신의 목소리를 정의하기 시작한 예술가의 훌륭한 전환에 몰입합니다. 49x60cm의 적당한 치수 캔버스에있는이 오일은 유명한 파리 대성당의 친밀하지만 활기 넘치는 표현을 포착하여 시청자에게 깊이 공명하는 인상을주는 첫 번째 바코타 전시회 이후.
언뜻보기에 Notre Dame의 상징적 인 구조는 장면을 지배하지만 Matisse는 결정적으로 개인적이고 명상적인 접근법을 선택합니다. 당시의 건축 적 표현과 관련하여 종종 문자적이고 상세한 번식과는 달리, 여기서 성당은 일련의 기하학적 계획과 양의 희미한 균형으로 매달린 것으로 보입니다. Matisse가 나중에 공식적으로 포옹 할 Fauvism의 초기 소개는 윤곽선이 단순화되고 색상이 강화되는 방식에 눈에 띄게됩니다.
Matisse의 색수 선택은 특히 주목할 만합니다. Cerúleos와 Greenish Tones는 하늘과 풍경을 여행 할뿐만 아니라 건축 구조 자체에 흠뻑 젖어 거의 미묘한 품질을 제공합니다. 이 색상의 선택적 사용은 Matisse가 그의 후속 작업에서 염색론을 다루는 대담성을 선제하며, 캡처 된 환경의 정서적 구조와 기분 표현에 근본적인 역할을합니다.
인간의 존재라는 개념은이 작품에서 거의 결석 한 에코입니다. 파리의 삶은 명시 적으로 보여주기보다는 무시됩니다. 그림자와 빛의 영역은 대성당을 둘러싼 거리에서의 움직임과 활동을 제안하는 것처럼 보이지만, 그림에 꿈의 분위기를주는 것은이 애매한 역 동성입니다.
아마도이 작품의 가장 흥미로운 요소 중 하나는 그 구성에 있으며, 선과 각도가 중심점을 향해 보이고 캔버스의 다른 모서리로 분산시키는 일종의 감정적 다이어그램입니다. 이 관점 게임은 건축 시각화뿐만 아니라 순간 자체의 일시적인 확장을 제안합니다. 여기에는 Matisse의 가장 큰 유산 중 하나입니다. 같은 그림 공간에서 공존하는 구조와 감정의 가능성.
Henri Matisse는 "Notre Dame"을 통해 도시뿐만 아니라 보는 방법에도 창을 제공합니다. 이 그림은 예술가가 대담한 학문적 제한을 넘어 순수한 주관성과 숭고한 표현의 세계로 향하는 대담한 시각적 언어의 초기 간증입니다. 그것은 반세기 이상 동안 예술을 통해 생명의 본질을 포착하기 위해 그들의 만족할 수없는 검색을 정의 할 수있는 첫 번째 색과 형태가 있습니다.