설명
인상주의의 가장 큰 지수 중 하나 인 클로드 모네 (Claude Monet)는 1917 년 그의 작품에서 자연에 대한 그의 매력에 대한 성실하고 활기찬 표현을 제시한다. 그녀의 시력 문제가 날카 로워 졌을 때, 그녀의 삶의 마지막 단계에서 그려진이 작품은 그녀의 처형에서 더 확산되고 추상적이지만 여전히 감정적이고 연상적인 기술로 주제의 본질을 포착하는 Monet의 능력을 보여줍니다.
이 작품에서 Monet은 그의 작품에서 되풀이되는 주제 인 Iris의 꽃에 초점을 맞추고 있으며, 이는 갱신과 효율성의 강력한 상징을 제공합니다. 이 그림은 파란색, 바이올렛 및 라벤더의 다양한 색조의 홍채가 풍부한 것을 보여줍니다. 이는 녹색과 노란색의 거의 추상적 인 배경에 리듬 춤에 얽혀 있습니다. 이 구성은 강성 구조가 없으며 예술가의 특징적인 유동성으로 임신되어 시청자가 그의 시선을 통해 현재 순간을 경험하도록 초대합니다.
색상 대비는 그림의 가장 매력적인 측면 중 하나입니다. 홍역은 강렬한 광도로 빛을 발하며 Monet만이 달성 할 수있는 방식으로 빛을 포착합니다. 꽃잎의 부드러운 곡선을 강조하는 짙은 파란색에서 거의 진주 대상에 이르기까지 톤의 상호 작용은 작업에 터치 치수를 더합니다. 이 색상의 마스터 사용은 또한 Monet의 실천의 중심 주제 인 빛의 탐구를 의미합니다. "아이리스"의 빛은 꽃을 감싸서 묵상을 불러 일으키는 거의 미묘한 아우라를 만듭니다.
그의 인생 의이 시대에 모네는 이미 색상과 빛의 주인으로서의 명성을 통합했지만 그의 작품에 영향을 미치는 시력의 상실을 다루기 시작했다. 이러한 한계에도 불구하고, 아마도 그들 덕분에 Monet은 색과 모양이 해방되는 인물 사진보다 더 표현 주의적 스타일을 주었다. "Iris"에서 엄격한 세부 사항이 부족하다는 것은 현대 미술의 발전을 선호하는 추상화를 향한 움직임을 시사하며, 그림의 진정한 힘은 문자 그대로의 표현을 넘어 감각을 불러 일으킬 수있는 능력에 있다는 것을 상기시켜줍니다.
자연과 특정 시각적 언어에 대한 관심을 통해 Monet은 시청자와 감정적 인 연결을 만들어냅니다. 작품에는 인간의 인물이 없지만, 홍채의 존재는 자연의 아름다움의 묵상이 변혁적인 경험이되는 거의 신성한 공간에 생명을주는 것처럼 보입니다. 시청자와 자연 사이의 이러한 공생 관계는 인상주의의 독특한 인감으로, 그것은 감각 경험의 임시와 숭고함을 포착하려고합니다.
1917 년의 "Iris"는 함께 Monet의 개인적인 탐험에서 정점을 나타내는 것뿐만 아니라 그의 유산의 증거 역할을합니다. 이 작품은 인상주의의 미학에 공명하면서 인식의 한계에 도전하면서 예술을 통해 우리는 가장 취약한 존재의 순간에도 아름다움과 의미를 찾을 수 있음을 보여줍니다. 그러므로 그림은 꽃에 대한 찬사이며 시간의 흐름과 삶의 취약성에 대한 반성이며, 미래 세대에 계속 영감을주는 지속적인 메시지를 보냅니다.
KUADROS ©, 벽에 유명한 페인트.
전문 예술가의 품질과 독특한 인감과 함께 손으로 만든 유화 KUADROS ©.
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