설명
1629 년 렘브란트 (Rembrandt)가 그린 십자가의 상승은 암스테르담에서 원시적 인 단계에서 가장 두드러진 작품 중 하나이며, 고통의 표현과 십자가의 정서적 잔향에 중요한 순간을 표시합니다. 그리스도의 십자가가 떠오르는 순간을 보여주는이 작품은 바로크의 종교 예술의 전통의 일부, 드라마 화, 움직임 및 테네 브리즘의 사용을 소중히 여기는 스타일, 설명을하는 기술입니다. 조명과 그림자 사이의 대비 조작
십자가의 상승의 구성은 역동 성과 렘브란트가 원형 운동에서 수치를 그룹화하는 방식에 주목할 만하다. 수치는 시청자의 관심을 끌 수있는 최전선으로 분류 된 거의 연극 적 성향을 가지고 있으며, 배경은 상대적으로 어둡게 유지되므로 전경에서 캐릭터의 두드러짐을 강조합니다. 이 접근법은 장면의 심각성뿐만 아니라 예술가가 유발하려는 감정적 강도를 강화합니다. 벌거 벗고 취약한 그리스도의 중심 인물은 그림의 초점이됩니다. 그의 몸은 거의 조각적인 치료로 표현되어 있으며, 가장 순수한 상태에서 고통과 인류를 강조합니다.
그리스도를 둘러싼 인물들도 똑같이 중요하며 그들 각각은 자신의 감정적 부담을 취하는 것 같습니다. 십자가를 들고있는 남자들의 얼굴은 강렬한 정밀하게 끌려 가서 육체적 노력과 절망의 혼합을 포착합니다. 심리적 초상화의 이러한 사용은 렘브란트의 독특한 인감으로, 물리적 행동뿐만 아니라 캐릭터의 내부 갈등을 전달할 수있었습니다. 명확한 맨틀을 본 왼쪽의 인물은 상황에서 공감과 슬픔을 반영하는 것으로 보입니다.
색상 사용과 관련하여, Rembrandt는 지구적이고 극적인 색조를 덮는 팔레트를 사용하며, 우세한 짙은 갈색과 희생과 구속의 중심 메시지를 언급하는 것처럼 보이는 빨간색의 흔적을 사용합니다. 빛은 그리스도의 몸을 비추고 십자가에 못 박힌 자의 고통뿐만 아니라 그것을 둘러싸고있는 사람들의 행동을 강조하는 키 아로 스쿠로를 생성하는 데 강렬하게 나타납니다. 이 색상과 빛의 치료는 베네치아 예술의 영향을 반영하며, 그의 경력 전반에 걸쳐 교사를 정의 할 특성화입니다.
십자가의 상승의 흥미로운 측면은 그 순간까지 우세한 열정의 기존의 표현에 대한 작은 준수입니다. Rembrandt는 기독교 이야기를 고수하지만 캐논과 어울리는 구성과 스타일의 결정을 내려서 이벤트에 친밀감과 인류의 손길을 제공합니다. 단순히 기념비적 인 사건과는 거리가 멀다는 장면은 취약하고 깊은 인간의 순간이됩니다.
십자가의 상승은 렘브란트의 기술적 능력을 보여줄뿐만 아니라 인간의 상태, 고통, 종교적 신념에서 더 깊은 의미에 대한 검색에 대한 반영입니다. 이런 의미에서 작품은 예술가의 초기 업적 중 하나로 세워져 그의 후속 작품에서 빛, 그림자 및 심리학을 더 깊이 탐구 할 수있는 길을 만들어냅니다. 의심 할 여지없이, 십자가의 상승은 그 전에 멈추는 사람들의 감정에 계속 공명하는 훌륭한 표현입니다.
KUADROS ©, 벽에 유명한 페인트.
전문 예술가의 품질과 독특한 인감과 함께 손으로 만든 유화 KUADROS ©.
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