설명
1922 년에 만들어진 Claude Monet의 그림 "Llorón -Giverny"그림은 그의 경력의 끝의 본질을 캡슐화하는 작품으로, 색상과 빛의 숙달이 환경과 그 환경과 그 환경과 그 깊은 감정과 얽혀 있습니다. 마음의 상태. 이 작품은 주제에서 비 유적이지만, 최신 Monet의 작품의 특징 인보다 추상적 인 표현으로 미끄러 져 들어갑니다.
이 조성물은 반사 수면에 우아함을 느끼는 울고있는 버드 나무 주위에 표현됩니다. 길고 매달린 가지가있는 나무는 현재에 대한 비밀을 거의 속삭이는 것처럼 보이며 자연스러운 친밀감을 만듭니다. Monet은 녹색, 노란색 및 파란색의 뉘앙스 사이의 팔레트를 사용하여 버드 나무 잎에 풍부한 질감과 톤을 포착합니다. 이러한 반음선 선거는 단순한 자연의 모방이 아니라, 그의 집과 피난처, 주 버니의 활력과 평온을 전달하는 정서적 해석입니다.
이 작업에서 색상 사용이 특히 주목할 만합니다. 인상주의의 선구자 인 Monet은 자연에 대한 간단한 관찰로 결코 강등되지 않은 활기차고 독특한 색상을 사용합니다. "Sauce Llorón"에서, 생생한 녹색의 색조는 물에 반사의 부드러운 파란색과 흰색과 대조를 이루어 거의 최면 효과를 일으킨다. 느슨하고 제스처 브러시 스트로크는 변화하는 빛을 포착하여 페인트가 숨을 쉬게하여 정원의 풍경을 정의하는 임시 순간을 불러 일으 킵니다.
인간의 인물이 자연 공간을 방해하는 이전 작품과 달리이 그림에는 눈에 띄는 성격이나 인간 활동이 없습니다. 이 선택은 시청자가 묵상과 침착에 몰입 할 수있는 영적 피난처로서 풍경에 대한 아이디어를 강화합니다. 이런 의미에서, Monet은 Willow와 Water가 자신의 시각적 언어로 대화하는 것처럼 보이는 동시에 격리와 연결감을 만들어냅니다.
이 단계에서 모네의 작업은 비전의 상실에 대한 그의 싸움에 대한 간증, 지난 몇 년 동안 그에게 영향을 미쳤던 백내장의 결과입니다. 그러나이 한계는 예술가로서의 직관을 감소시키지 않았다. 대신, 풍경 에너지가 색상과 빛의 폭발로 해석되는 새로운보고와 느낌의 새로운 방법을 탐구하는 것처럼 보였습니다. "Soces Llorón"에서, 우울함과 아름다움의 미묘한 혼합물은 자연에 대한 그의 사랑과 시간의 흐름을 모두 반영하여 인식 될 수 있습니다.
이 그림에서 자연의 표현은 그의 작품에 항상 존재했던 삶의 취약성과 일시적인 아름다움의 상징을 불러 일으킨다. Monet 은이 버드 나무를 통해 시청자에게 공명하는 개인적인 묵상 인 노화 및 사망률과 자신의 관계를 전달할 수 있습니다. 기술 기술과 함께 환경과의 깊은 연결은 "Sauce Llorón -Giverny"가 풍경을 나타내는 것뿐만 아니라 삶 자체에 대한 명상을 만듭니다.
마지막으로, "Sauce Llorón -Giverny"는 Claude Monet의 지속적인 유산을 보여줍니다. 주변 환경의 아름다움을 축하 할뿐만 아니라 감정적이고 예술적인 여정의 증거 가기도합니다. 이 작품에서 Monet은 빛과 색상을 포착 할뿐만 아니라 시청자를 내성 여행에 초대합니다. 여기서 각 모습은 새로운 의미의 층을 드러내면서 그의 예술이 시간이 지남에 따라 계속 공명 할 수 있도록합니다.
KUADROS ©, 벽에 유명한 페인트.
전문 예술가의 품질과 독특한 인감과 함께 손으로 만든 유화 KUADROS ©.
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