설명
1922 년에 그린 Claude Monet의 작품 "Sauce Llorón"(Weeping Willow)은 작가의 인상파 비전의 본질을 캡슐화하여 경력을 통해 풍경과 빛의 인식을 변화 시켰습니다. 예술적 제작에서 되풀이되는 테마의 일부인이 그림은 깊은 감정적 연결을 불러 일으키는 작곡 센터로서 슬픔과 향수의 상징 인 나무 인 울음 소리를 제시합니다.
Monet은 짙은 녹색과 파란색과 회색 톤 사이의 컬러 팔레트를 사용하여 평온과 우울함을 제공합니다. 물에 반영되는 빛의 품질은 순간의 대기 변화, 인상주의의 독특한 특징을 포착하는 것으로 보입니다. 브러시 스트로크의 기술은 거의 생생한 기술은 마치 버드 나무의 가지 사이에서 바람이 연주되는 것처럼 운동 감각을 구성합니다. 빛과 색상을 다루는 이러한 방법은 자연을 포착하는 예술가의 결의를 강조 할뿐만 아니라 각 관중이 자신의 감정적 상태와 경험을 투사 할 수있는 환경에 대한 주관적인 인식을 지적합니다.
회화에 인간 인물이 없다고해서 그 영향은 감소하지 않습니다. 대신 관중이 친밀하고 반사적인 세상에 몰입 할 수 있습니다. 길고 우아한 단풍으로 울고있는 버드 나무는 주변 물과 통신하여 지구와 액체 사이의 대화를 만듭니다. 인간의 산만 함이없는 자연에 대한 이러한 접근은 묵상과 내부 대화를 불러 일으킨다. Monet 자신이 그의 경력의 마지막 부분에서 지원 한 문제입니다.
이 작업은 Monet의 후기 생산 내에서 틀에 듭니다.이 기간은 질병과 견해와의 투쟁이 그 기술에 영향을 미쳐 형태의 추상화 및 합성을 실험하게됩니다. 그들은 "Sauce Llorón"과 "Los Nenúfares"와 같은 이전 작품 사이의 유사점을 찾을 수 있었으며, 자연의 표현과 정서적 해석에 중점을 두었습니다.
그림은 또한 모네가 인상주의 운동과 그 이후의 전류 (예 : Fauvism 및 서정적 추상화)를 떠난 유산의 맥락에서 중요합니다. "Soces Llorón"은 Monet의 기술적 숙달과 색상과 빛을 통해 감각을 불러 일으키는 능력을 보여 주며, 예술적 진화와 자연 환경과의 관계의 깊이를 이해하는 핵심 작업이되었습니다.
이 작품을 생각할 때, 자연이 예술과 개인적인 경험 사이의 숭고한 만남에서 자연이 삶의 리듬을 지시하는 공간으로 전달 된 느낌이 듭니다. Monet은 맹렬한 세부 사항과 순간의 캡처에 대한 특징적인 초점을 가진 "Sauce Llorón"을 통해 시간을 초월하여 시청자에게 성찰과 묵상 피난처를 제공합니다.
KUADROS ©, 벽에 유명한 페인트.
전문 예술가의 품질과 독특한 인감과 함께 손으로 만든 유화 KUADROS ©.
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