설명
Fauvism의 상징적 인 인물 인 Henri Matisse는 "베란다의 꽃 꽃다발"에서 세심한 분석을받을 가치가있는 모양과 색의 독특한 합성을 달성합니다. 1912 년에 그려진이 작품은 아티스트의 창조적 인 성숙 시대의 일부이며, 그곳에서 색수 하모니의 탐구와 형태의 단순화가 하이라이트에 도달합니다.
언뜻보기에,이 작품은 풍성한 꽃의 꽃다발이 베란다에서 야외에서 배열되어 있습니다. 이 국내 환경은 일반적으로 세로 인 평온과 즐거움의 느낌을 캡슐화합니다. 느슨하고 격렬한 브러시 스트로크로 표현 된 꽃은 내부 에너지로 진동하는 것처럼 보입니다. 여기서 Matisse는 단순한 유형을 초월하는 분위기를 조성하기 위해 색상을 사용하는 데있어 그의 숙달을 보여줍니다. 꽃다발의 색채는 매우 풍부합니다. 빨간색, 노란색, 파란색 및 녹색의 색조는 얽혀있어 시청자의 시선을 포착하여 각 꽃잎과 잎을 통해 가지고 다니는 것처럼 보입니다.
그림의 구성도 놀랍습니다. Matisse는 테이블, 꽃 및 배경이 지속적인 시각적 대화에서 균형을 이루는 요소의 배치와 함께 연주됩니다. 베란다의 건축 구조는 상세한 사실감없이 선과 색상 블록을 통해 제안됩니다. 단색의 넓은 영역의 단순화 및 사용은 Fauvista 접근법의 시그니처이며, 정서적 표현은 신뢰할 수있는 표현에 대한 우선 순위입니다.
"베란다의 꽃 꽃다발"의 매혹적인 측면은 인간 인물의 부재이며, 이는 종종 그의 작곡에 신체 나 얼굴을 포함하는 Matisse의 작품에서 매우 드문 일입니다. 캐릭터의 부족은 시청자가 죽은 자연과 주변의 주변의 미학적 특성에만 초점을 맞추도록 초대하여 작품에 대한 가장 순수하고 직접적인 인식을 강요합니다. 마치 베란다 자체가 명상적인 피난처, 아름다움과 평온에 대한 성찰을위한 공간 인 것처럼 보입니다.
녹색과 파란색 톤으로 지배되는 페인트의 배경은 꽃이 많은 꽃다발과 놀랍게 대조됩니다. 이 색상 사용은 임의적이지 않습니다. Matisse는 색상의 심리적 특성과 감정을 불러 일으키는 힘을 깊이 이해했습니다. 배경의 녹색과 파란색은 평온과 차분함을 강조하는 반면, 가지의 따뜻한 색은 활력과 역 동성을 제공합니다.
비록 그것이 Matisse의 가장 유명한 작품 중 하나는 아니지만 "베란다의 꽃 꽃다발"은 그가 예술적 창조에 대한 많은 원리를 구현합니다. 그림은 생활의 기쁨과 컬러 변형력의 전시회를 축하하는 것입니다. Matisse는 자신의 예술이 "정신에 대한 치료"가되기를 원한다고 말했으며,이 작품을 고려한이 작품은 예술가가 그의 작품을 통해 평화와 기쁨을 심어 주려는 의도를 확인합니다.
궁극적 으로이 그림은 Henri Matisse의 미학 철학의 창으로, 독특한 예술적 감성의 필터를 통해 일상 생활이 상승하여 시청자에게 완전한 시각적, 정서적 경험을 제공합니다. 이 작품은 예술이 단순하고 친숙한 것을 어떻게 받아들이고, 그것을 다시로드하고 무한한 아름다움을 드러낼 수 있는지에 대한 간증입니다.