설명
Walter Sickert의 작품 "바이올렛"은 포스트 -인상 운동의 선구자 인 영국 예술가를 특징 짓는 재능과 독창성의 표현입니다. 1910 년에 그려진이 작품은 Sickert가 단순한 자연 주의적 표현을 넘어서 풍부한 팔레트와 일상 생활의 친밀감을 탐구하는 모양과 색상을 경험하는 맥락에 있습니다.
언뜻보기에, "바이올렛"에서 눈에 띄는 것은 친밀하고 거의 내성적 인 구성입니다. 이 그림은 바이올렛이 배열되는 테이블을 제시하며, 꽃의 미적 아름다움뿐만 아니라 취약성을 보여주는 접근법으로 묘사됩니다. Sickert는 표현 된 대상의 고요함과 대조적으로 작품에 살아있는 역동적 인 특성을 제공하는 느슨한 브러시 스트로크 기술을 사용합니다. 색상이 얽히고 병치가있는 방식은 섬세한 일시적인 분위기, 꽃의 본질의 특징, 그리고 삶 자체의 확장에 따라 분위기를 암시합니다.
그림의 색조는 라일락과 녹색에서 우세하며, 이는 제비꽃의 신선도뿐만 아니라 장면을 통해 필터링되는 부드러운 빛을 불러 일으 킵니다. 이 색상 선택은 Sickert가 페인팅을 적용하는 방식과 함께 깊이와 질감 감을 만들어 시각적 경험을 풍부하게합니다. 그러나 배경에는 어둡고 어두운 처리가있어 꽃의 광채를 향상시키고 전경과 배경 사이의 명확한 접근 방식을 확립합니다.
"바이올렛"의 관련 측면은 인간 인물의 부족입니다. 그의 시대의 현대 생활의 초상화와 장면으로 유명한 Sickert는 이번에는 죽은 자연에 초점을 맞추고 그의 평범한 주제를 깨뜨리기로 선택합니다. 이것은 관중이 묵상의 순간에 몰입 할 수있게합니다. 인간 캐릭터가 없다는 것은 종종 꽃의 임시 아름다움을 동반하는 외로움에 대한 의견으로 해석 될 수 있으며, 개인적 반성을 불러 일으키는 대화가 없다.
스타일의 관점에서, Sickert는 포스트 인상의 전통에 삽입되며, Édouard Manet 및 Edgar Degas와 같은 예술가들의 영향을 흡수합니다. 동시에, 그의 접근법은 후자가 일반적으로 존재하는 것과 같은 공격성이 없지만, 색의 해방에서 Fauvism의 성찰의 단계를 회상한다. "바이올렛"에서 Sickert는 현실과 더 깊은 관계를 전달하고 단순성과 아름다움에서 대상의 본질을 탐구하고 싶어하는 것 같습니다.
Sickert는 "Violets"를 통해 우리에게 표현 된 단순한 대상을 초월하는 작품을 제공하여 우리를 아름다움, 외로움 및 불완전성에 반영하게합니다. 색상과 모양의 숙달에서, 그것은 단순한 관찰을 넘어서는 친밀감을 보여 주어 시청자가 삶과 취약성 사이의 섬세한 균형을 멈추고 고려하도록 초대합니다. 이 그림은 시청자에게 간단한 구성을 가질 수있는 Sickert의 재능과 움직이는 영향의 생생한 예입니다.
KUADROS ©, 벽에 유명한 페인트.
전문 예술가의 품질과 독특한 인감과 함께 손으로 만든 유화 KUADROS ©.
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