설명
추상 예술의 논란의 여지가없는 개척자 인 Wassily Kandinsky는 "대조적 인 소리"(1924)로 우리에게 색과 모양 사이의 관계에 대한 생생하고 역동적 인 탐구, 음악과 그림이 공감적인 대화에 얽혀 있습니다. 영어 제목 "대비 사운드"로도 알려진이 작품은 칸딘스키의 색상과 감정과 감각을 불러 일으키는 능력에 대한 이론을 보여주고, 그림을 거의 음악적 경험으로 바꾸는 것을 보여줍니다. 이 작곡은 추상 모양과 생생한 색상의 춤으로 전개되어 시청자의 관심을 포착하여 깊은 반사에 초대하는 시각적 소동을 만듭니다.
첫눈 부터이 작업은 색채가 특징입니다. Kandinsky는 강렬한 색상의 팔레트를 사용합니다. 짙은 파란색은 밝은 노란색으로 얽혀 있고 빨간색과 검은 색 톤은 다양한 녹색과 오렌지와 산재합니다. 이러한 대조는 단순히 미학 일뿐 만 아니라 감정적 의미가 있습니다. Kandinsky는 색상이 자신의 영적 특성을 가지고 있으며 시청자와 직관적 인 수준으로 연결할 수 있다고 믿었습니다. "대조적 인 소리"에서,이 신념은 교향곡의 음과 같이 색상이 진동하고 공명하는 것처럼 보이는 방식으로 실현됩니다.
구성에서 형태와 요소의 처분은 움직임과 소리에 대한 이러한 아이디어를 강화합니다. 다양한 방향으로 발생하는 곡선 및 각도는 추상적이지만 리듬과 멜로디의 느낌을 불러 일으키는 형태로 제안 된 통제 된 혼돈 의미에 기여합니다. 이 시각적 역 동성은 다른 요소가 서로 조화롭게 대화 할뿐만 아니라 묵상을 불러 일으키는 긴장을 생성하는 "대조적 소리"의 그래픽 표현으로 해석 될 수 있습니다.
인간의 인물에 관해서는, 작품에 눈에 띄는 성격이 없지만 구체적인 인물이 없다고해서 감정적 영향을 줄이지 않습니다. 사실,이 부족은보다 보편적이고 덜 이야기적인 접근법을 시사하여 각 관중이 작품에 대한 자신의 경험과 감정을 투영 할 수있게합니다. 이것은 칸딘스키 스타일의 독특한 특징으로, 모양과 색상을 통해 순수한 표현에 집중하기 위해 그림과 거리를 두었습니다.
1924 년에 "대조적 인 소리"의 제작은 칸딘스키의 예술 발전에서 중요한 순간에 위치하고 있으며,이 시점에서 이미 예술과 음악에 대한 이론적 사고에 깊은 영향을 받았습니다. Bauhaus School에서의 그의 연구와 다른 아방 -가드 예술가들과의 관계는 의심 할 여지없이 그들의 연습에 영향을 미쳤습니다. 이 작품은 상징주의와 표현주의에서 첫 실험의 정점으로 볼 수 있으며 시청자는 시각이 느낌이 될 수있는 경험, 내부적으로 들리는 경험으로 이어집니다.
그의 경력을 통해 칸딘스키는 다양한 작품에서 비슷한 문제를 탐구하여 음악과 그림의 관계를 끊임없이 대면하고 축하하는 신체를 만들었습니다. "대조적 인 소리"는이 탐험의 상징적이며, 예술이 어떻게 자신의 형태를 초월하고 깊은 인간 경험의 표현이 될 수 있는지 보여줍니다. 칸딘스키의 독특한 스타일은 추상화, 색상 및 리듬에 중점을 둔 예술가와 관중들에게 똑같이 영감을주고 도전하는 혁신의 등대로 남아 있습니다. 이런 의미에서 "대조적 인 소리"는 단순한 예술 작품이 아닙니다. 광대 한 추상화의 침묵 속에서도 우리의 마음과 생각 안에서 공명하는 것은 예술의 힘에 대한 간증입니다.
KUADROS ©, 벽에 유명한 페인트.
전문 예술가의 품질과 독특한 인감과 함께 손으로 만든 유화 KUADROS ©.
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