설명
현대 미술의 광대 함에서, Henri Matisse의 인물은 색과 형태의 생생한 사용으로 그림 예술의 시각적, 정서적 인식을 재정의하는 타이탄으로 구별됩니다. 죽은 자연에서 그의 숙달의 가장 숭고한 사례 중 하나는 1941 년부터 "대리석 테이블이있는 정물"작품입니다.이 작품은 50x60 cm를 측정합니다. 색상과 구조적이지만 서정적 인 구성.
언뜻보기에, 우리는 대리석 테이블을 중심으로 한 구성으로 받아 들여졌으며, 그의 질감과 차가운 빛은 Matisse의 선의 숙달을 통해 촉진 될 수 있습니다. 이 테이블에는 과일 한 그릇, 꽃병의 꽃 꽃다발 및 세라믹 인물 등 여러 매일 요소가 배열됩니다. 이러한 각 물체는 사진 컬렉션보다 모양과 색상을 강조하는 디테일의 경제로 표현되었습니다. 여기서 Matisse는 불필요한 복잡성에 의지하지 않고 물체의 본질을 합성하는 능력을 보여줍니다.
이 작업에서 색상을 사용하는 것은 특히 인상적입니다. Matisse는 활기차고 대조적 인 색조를 사용하여 활력과 조화의 감각을 생성합니다. 오렌지와 붉은 과일은 잎과 바닥의 녹색과 파란색 톤 앞에서 보완하고 눈에 띄는 것입니다. 이 색수 선택은 우연이 아닙니다. Matisse는 색상을 장식 요소 일뿐 만 아니라 깊은 감정과 감각을 전달하는 수단으로 이해하여 문자 적 표현을 초월하는 따뜻함과 평온함을 전달했습니다.
구성의 중심 축 인 대리석 테이블은 물체의 물리적 지원으로 작용할뿐만 아니라 국내 생활이 조직되는 확고하고 안정적인 구조를 상징합니다. 대리석의 견고성과 유기 물체의 부드러움 사이의 이러한 대조는 Matisse의 작업에서 되풀이되는 주제 인 영구와 임시 사이의 이중성을 강화시킵니다. 또한, 우리가 장면을 관찰하는 약간 높은 관점은 우리를 거의 명상적인 고요한 묵상의 행위로 초대합니다.
전통적으로 그림 내에서 사소한 장르 인 죽은 자연은 Matisse에서 새로운 차원을 얻습니다. "대리석 테이블이있는 정물"에서, 그는 무생물을 나타내는 것으로 제한 할뿐만 아니라; 각 구성 요소가 시각적 교향곡으로 통합되는 높은 미적 범주로 향상시킵니다. 인간 캐릭터가 없다고해서 장면의 따뜻함과 인류는 감소하지 않습니다. 반대로, 그것은 시청자가 묵상 행위에서 자신의 존재와 개인적인 경험을 투영 할 수있게합니다.
이 작품이 생성 된 소란스러운시기 내에 문맥 화하지 않고이 작품에 대해 이야기하는 것은 불가능합니다. 1941 년, 제 2 차 세계 대전 중반에 Matisse는 프랑스 남부에서 평화와 그의 창조적 과정의 지속을 추구하는 피난처를 취합니다. 이시기에 그들의 죽은 본성이 전염되는 평온과 안정성은 혼돈에 대한 의식적인 대응책과 외부 세계의 불확실성으로 볼 수 있습니다.
결론적으로, "대리석 테이블이있는 정물"은 명백한 단순성을 통해 Henri Matisse의 예술적 비전의 깊이를 드러내는 작품입니다. 각 뇌졸중, 모든 색상, 각 빈 공간은 자신의 예술을 완전히 통제하여 교사를 말하고 평범한 사람을 아름다움과 묵상으로 바꿀 수있는 능력을 말합니다. 일상 생활에서 뉘앙스와 감정의 우주를 멈추고 관찰하고 발견하는 초대입니다.