설명
유명한 인상파 클로드 모네 (Claude Monet)의 작품 인 1897 년의 "국화"그림은 작가가 19 세기 말에 겪고있는 전환의 표현으로, 그의 기술적 숙달과 아름다움에 대한 지속적인 검색을 반영합니다. 모양과 색상으로. 그의 풍경에서 빛과 색상을 포착하는 것에 대한 헌신과 자연을 들어 올리는 헌신으로 유명한 모네는 꽃의 친밀한 표현에 대한이 작품에 관심을 집중시킨다. 생생한 그림 질감으로.
"국화"의 구성은 단순성과 거의 단색 적 접근에 현저하다. 직물은 작품의 중심에서 부과되는 꽃병 주위로 구성되어 있으며, 가늘게 배열되어 풍부한 노란색, 금 및 주황색 색조가 풍부한 개화의 생생한 아름다움을 강조합니다. 이 열정적 인 색상 사용은 꽃의 활력을 강조 할뿐만 아니라 모네와 자연과의 관계 깊이와 자연광의 끊임없는 탐구를 시사합니다. 어둡고 덜 정의 된 배경은 꽃병의 광도를 향상시키는 효과적인 대비를 제공하여 꽃이 거의 3 차원 적으로 살아날 수 있습니다. 이 거의 추상적 인 접근법은 또한 Monet의 늦은 기간의 특징이며, 여기서 형태는 종종 더 감정적 인 표현에 찬성하여 흐려집니다.
"국화"에서 빛의 치료는 작품에서 가장 매력적인 측면 중 하나입니다. Monet은 생명 자체의 움직임과 호흡을 포착하는 것처럼 보이는 느슨하고 제스처 브러시 스트로크를 사용하여 꽃의 빛과 표면 사이의 상호 작용과 함께 연주합니다. 역동적 인 브러시 스트로크와 공간의 사용은 거의 감각적 인 경험을 만들어 시청자가 자연의 임시 취약성과 아름다움을 고려하도록 초대합니다. 이 작품은 시각적 인식의 즉시성에 대한 헌신의 반향으로, 순간의 맹렬한 경험을 포착하려는 인상주의의 기본 요소입니다.
이 그림은 Monet의 관심이 Giverny의 정원에 초점을 맞춘시기에 만들어 졌다는 점에 주목하는 것은 흥미 롭습니다. 가을에 번성 한 국화는 아마도 자신의 정원에서 직접 수집되어 일에 개인 층을 추가했습니다. Monet은 이미 다른 작품에서 이러한 유형의 꽃 구성을 탐구했지만 "Chrysanthemums"는 독창성 과이 꽃에 대한 예술가의 사랑을 다루는 가장 어둡고 활기찬 뉘앙스로 두드러집니다.
예술에서 꽃을 포착하는 것에 대한 관심은 다른 현대 예술가들의 작품에서도 발견 될 수 있지만, Monet은 Chrysantos에게 삶과 색상의 상징을 제공함으로써 자신을 구별하여 일상의 표현이 새로운 의미를 얻는다는 것을 달성합니다. . 모네의 영향은 그의 시대를 넘어 확장 될 것이며, 꽃의 미학뿐만 아니라 전통적인 그림의 관습에 도전하려는 운동의 정신을 영원히 만듭니다.
요약하면, Claude Monet의 "국화"는 자연에 대한 사랑의 선언 일뿐 만 아니라 색과 빛의 관계가 그의 작품의 전도성 실이되는 그의 늦은 기간의 본질을 캡슐화합니다. 각 브러시 스트로크는 생명의 임시의 아름다움을 상기시켜줍니다. 그리고 꽃의 단순성을 통해 Monet은 자연 세계에 거주하는 경이의 묵상에서 우리를 잃어 버리도록 초대합니다.
KUADROS ©, 벽에 유명한 페인트.
전문 예술가의 품질과 독특한 인감과 함께 손으로 만든 유화 KUADROS ©.
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