芸術史の基本は、数万年前に遡ります。古代文明は、文化的に重要なテーマを表現するために利用可能な技術や手段を使用しました。これらの最初の例から、政治的および社会的影響を反映した独自のスタイルと特徴を持つ数多くの芸術運動が生まれました。
フォーヴィズムとは何か、コンセプチュアル・アートとは何か？芸術について話すこと自体が一つの学問であり、この世界に新しく入ると、多くの質問があるでしょう。特に各運動や異なる芸術の種類について。
ルネサンスからモダニズムの出現に至るまで、影響力のある芸術のジャンルは、歴史に消えない痕跡を残しています。
芸術運動の歴史と重要性についての概念が明確であれば、バンゴッホ、ピカソ、ウォーホルのような有名な芸術家がどのように芸術界を革命させたかについて、より深い理解を得ることができるでしょう。
Kuadrosは、最も重要な運動のリストを用意しました。
第1位 イタリア・ルネサンス（1400–1550）
代表的な作家：ギベルティの扉、ブルネレスキ、ドナテッロ、ボッティチェリ、レオナルド、ミケランジェロ、ラファエロ。
14世紀の終わり頃、イタリアの思想家たちのグループが新しい時代に生きていると宣言しました。暗く野蛮な「中世」が終わり、学問、文学、芸術、文化の「再生（rinascità）」が始まったのです。これが現在知られているルネサンスの誕生でした。何世代にもわたって学者たちは、イタリア・ルネサンスがこのように進行したと合意しています。14世紀から17世紀にかけて、世界や人間の位置についての現代的な考え方が古いアイデアに取って代わりました。この時期の科学的、芸術的、文化的成果の多くは共通のテーマを持ち、特に「人間が自身の宇宙の中心である」という人文主義的信念が強調されています。
15世紀のイタリアは、ヨーロッパの他の場所とは異なるものでした。独立した都市国家に分かれており、それぞれが独自の政府を持っていました。ルネサンスイタリアが始まったフィレンツェは、独立した共和制であり、銀行と商業の中心地でした。裕福なフィレンツェ市民は、芸術家や知識人を支援することでその力を示し、街をヨーロッパの文化的中心に変えました。
ルネサンスは主に二つの主要部分に分けられます：
早期ルネサンスでは、芸術家たちは宗教画のビザンチンスタイルを拒否し、人間の形と空間の表現にリアリズムを追求しました。この目標はチマブーエとジョットから始まり、アンドレア・マンテーニャやパオロ・ウッチェロのような芸術家によって頂点に達しました。宗教は日常生活で重要であり続けましたが、神話的なテーマも進出しました。多くの人々はボッティチェリの「ヴィーナスの誕生」を神話的シーンの最初のパネル絵画と指摘しています。
高ルネサンスとして知られる時代は、早期ルネサンスの目標の完成を代表しています。著名な芸術家はレオナルド・ダ・ヴィンチ、ラファエロ、ティツィアーノ、ミケランジェロです。彼らの絵画やフレスコ画は世界で最も認知された作品のいくつかであり、例えば「最後の晩餐」、「アテネの学堂」、そしてミケランジェロのシスティーナ礼拝堂の天井画があります。
第2位 バロック（1600–1750）
代表的な作家：ルーベンス、レンブラント、カラバッジョ、ベラスケス、ヴェルサイユ宮殿。
バロックという用語は、おそらく中世の論理的障害を説明するために使用されたイタリア語の「barocco」に由来します。その後、複雑なアイデアや捻れた思考プロセスを意味するようになりました。別の可能性として、ポルトガル語の「barroco」（スペイン語の「barrueco」）が、不均一または不完全な形の真珠を説明しています。バロックは、17世紀初頭から18世紀中頃にかけてヨーロッパで発展した芸術と建築の運動です。劇的で誇張された動きと明快なディテールを強調し、ドラマ、緊張、豊かさ、壮大さを生み出します。
最初の表現は16世紀末のイタリアに現れましたが、ドイツや南米のような地域では、バロックの重要な成果は18世紀まで現れませんでした。
芸術家たちはルネサンスの美の理想を再生させ、芸術、音楽、建築に新しい華やかさと装飾を注入しました。このスタイルはバロックとして知られ、革新的な技法と巧妙なディテールによって特徴付けられ、比較的穏やかな時代のために豊かな視覚言語を提供しました。バロックはローマの教皇やイタリア、フランス、スペイン、フランドルのカトリックの支配者によって推進され、ヨーロッパ全土に広がりました。さらに、修道院や修道院を通じて宗教的な注文によっても広がりました。
出現したバロックのスタイルは、官能的かつ精神的でもありました。自然主義的なアプローチは宗教的な画像をよりアクセスしやすくし、劇的で幻想的な効果は信仰を刺激し、神聖な輝きを伝えました。教会の天井は絵画された場面に溶け込み、感覚を天国へ導いていました。
バロック画のテーマとスタイルは異なることがありますが、大多数はドラマを共通要素として共有しています。カラバッジョやレンブラントのような芸術家の作品では、ドラマへの関心が強い光と影の強烈な対比に表れています。
スペイン支配下のカトリック地域の大マスターは、画家ピーター・パウル・ルーベンスで、彼のダイナミックな構図と力強い人物はバロック絵画の典型を示しています。アンソニー・ヴァン・ダイクの優雅な肖像画やヤコブ・ヨルダンスの堅固な作品は彼に追随しました。オランダの芸術は中産階級のリアリズム的嗜好に影響を受けたため、レンブラントやフランス・ハルスのような画家は重要な側面でバロック様式から独立していました。しかし、バロックはイングランドに特に顕著な影響を与え、サー・クリストファー・レンやサー・ジョン・ヴァンブリューによって設計された教会や宮殿に見られました。
ルネサンスの彫像、特にミケランジェロのアイコニックなダビデ像のように、バロック彫刻はしばしば壮大な建物や、教会の内部、王室の庭園のような他の壮大な舞台を飾るために設計されました。
バロックの最後の花は南ドイツとオーストリアで起こり、地元の建築家は1720年代にイタリアのモデルから離れました。
Kuadrosのオンラインストアで「ラス・メニーナス」の複製を購入
第3位 写実主義（1848–1900）
代表的な作家：コロ、クールベ、ドーミエ、ミレー。
写実主義は、自然や現代生活の正確で詳細な、飾らない表現です。外見を厳密に観察することを好む理想化を拒否します。そのため、写実主義はさまざまな文明で多くの芸術的流派を包含してきました。たとえば、美術では、ボクサーや老女を描いたヘレニズム時代のギリシャの彫刻に見られます。17世紀の芸術家たち、たとえばカラバッジョ、オランダの風俗画家、スペインのホセ・デ・リベラ、ディエゴ・ベラスケス、フランシスコ・デ・スルバラン、フランスのルネとナン兄弟の作品には写実的なアプローチがありました。18世紀のイギリスの小説家たち、ダニエル・デフォーやヘンリー・フィールディングの作品も、写実的とされることができます。
写実主義は1850年代にフランスで台頭し、1848年の革命後に設立された「労働の権利」を求める小規模な革命によって推進されました。一般の人々、現代の設定、日常のシーンを芸術的に描くことが価値あることへの考えを植え付けました。
この運動は、アレクサンドル2世のロシアからヴィクトリア女王のイギリス、ウィルヘルム1世のドイツ、リソルジメントのイタリアを経て、さまざまに広がりました。1855年は、ヨーロッパにおける写実主義の確立において重要な年でした。
ギュスターヴ・クールベは写実主義の中心的な人物と見なされています。彼は1840年代に運動の基礎を築き、農民や労働者を美化せず、力強く厳密に描くことによって論争を引き起こしました。
クールベのスタイルとテーマは、バルビゾン派の画家たちの作品に基づいていました。テオドール・ルソー、シャルル＝フランソワ・ドービニー、ジャン＝フランソワ・ミレーらは、地元の風景の特徴を忠実に再現することを目指してフランスのバルビゾンの村に定住しました。
フランス以外の写実的な美術は、19世紀のアメリカでは好意的に評価されました。海のテーマに関するウィンスロー・ホーマーの力強く表現力豊かな絵画やトーマス・イーキンズの作品は、現代生活の誠実で細かに観察された記録です。写実主義は、日常生活へのより誠実で理想化のない見方を提供することを望む芸術家から生まれた20世紀の一つの独特な流派でした。
都会の粗いシーンとほぼジャーナリスティックな描写のグループ「ザ・エイト」はこの範疇に入ります。ドイツの動き「ノイエ・ザッハリヒカイト（新即物主義）」は、第一次世界大戦後のドイツにおけるシニズムと失望を表現するためにリアリスティックなスタイルで活動しました。ソビエト連邦の社会主義リアリズムは、果敢な労働者や技術者の肖像を作成するために自然主義的な理想化技術を用いました。
また、写実主義は現代の芸術運動、フォトリアリズムやハイパーリアリズムに直接的に影響を与え、持続的で進化する遺産を示しました。
Kuadrosのオンラインストアで「穀物を集める人々」の複製を購入
第4位 印象派（1865–1885）
代表的な作家：モネ、マネ、ルノワール、ピサロ、カサット、モリゾ、ドガ。
フランス印象派は、主に19世紀後半と20世紀初頭にフランスで発展した重要な運動です。その最も顕著な特徴は、光と色の一時的な効果の観点から現実の視覚を正確かつ客観的に記録しようとする試みでした。印象派の芸術家たちは、周囲を一時的な印象として表現する新しい方法を示しました。これは、しばしば屋外で行われ、リアルな描写を放棄しました。音楽では、厳格な形式的構造よりも音のグラデーションを通じてアイデアや効果を伝えようとしました。
1860年代後半、マネの作品は新たな美学を反映し、印象派の作品において導く力となりました。この時、従来のテーマの重要性が薄れ、色やトーン、質感の操作に注意が移りました。
1874年、画家たちから成る団体「無名の絵画、彫刻、版画などの協会」がパリで展覧会を開催し、印象派と呼ばれる運動が始まりました。設立メンバーにはクロード・モネ、エドガー・ドガ、カミーユ・ピサロが含まれます。モネの印象・日の出（1872）は、記者ルイ・ルロワによって最初に軽蔑を込めて「印象派」と呼ばれるきっかけとなりました。芸術家たちはすぐにその名を彼らの意図する「視覚的印象」を正確に伝えるものとして採用しました。保守的な批評家たちは、その未完成でおおざっぱな外観を批判しましたが、より進歩的な作家たちは、現代生活の描写に対して称賛しました。
印象派は、ゆるい筆致、特異な色、一般的なテーマの表現、光への焦点、写真にインスパイアされた構成など、いくつかの特徴によって定義されてきました。
1885年半ばには、印象派のグループはそれぞれの興味や美的原則を追求する中で解体し始めました。しかし、彼らは芸術史に革命を起こし、ポスト印象派のアーティストである<а href="https://kuadros.com/search?type=product&q=NOT+tag%3A__gift+AND+C%C3%A9zanne*">セザンヌ、<а href="https://kuadros.com/search?type=product&q=NOT+tag%3A__gift+AND+degas*">ドガ、<а href="https://kuadros.com/search?type=product&q=NOT+tag%3A__gift+AND+Gauguin*">ゴーギャン、<а href="https://kuadros.com/search?type=product&q=NOT+tag%3A__gift+AND+van+Gogh+*">バンゴッホ、およびジョルジュ・スーラにとって、技術的な出発点を提供しました。西洋絵画を伝統的な技術とアプローチから解放しました。
印象派の遺産と今日の存在
モダニズムの出発点として、印象派は後の多くの運動に影響を及ぼしました。ポスト印象派の芸術家たちは、その緩い筆致を採用しました。抽象表現主義の画家たちは、<а href="https://kuadros.com/search?type=product&q=NOT+tag%3A__gift+AND+Monet*">モネの非伝統的なアプローチにインスピレーションを得て、今日でも多くの現代芸術家がネオ印象派スタイルで活動しています。
Kuadrosのオンラインストアで「日傘を持つ女性」の複製を購入
第5位 ポスト印象派（1885–1910）
代表的な作家：バンゴッホ、ゴーギャン、セザンヌ、スーラ。
ポスト印象派は、1880年代の印象派への反応を説明するための用語です。ポール・セザンヌ、ポール・ゴーギャン、バンゴッホ、ジョルジュ・スーラが主導しました。ポスト印象派の芸術家たちは、印象派が持つ光と色の自発的かつ自然主義的な表現への関心を拒否しました。
これらの画家たちは、バンゴッホを除いてフランス人であり、ほとんどが印象派から始まりました。それぞれ高い個人的な芸術を形成するためにスタイルを放棄しました。
印象派と同様に、彼らはイメージの人工性を強調しました。色は形や構成から独立しており、感情的かつ美的な意味を持つと信じました。印象派とポスト印象派の両方には、モダンアートの中でも最も有名な作品が含まれます。たとえば、モネの水のリリーやバンゴッホの星夜がそうです。
彼らはパリの独立した展覧会で作品を一般に紹介しました。1910年、アート批評家ロジャー・フライは自らの展覧会「マネとポスト印象派」にて「ポスト印象派」という用語を作り出しました。フライは、アートの美しさは知覚に根付いていると考えました。「アートとは、実際の生活の複製ではなく、想像力のある人生の表現および刺激である」と「美学に関するエッセイ」で説明しました。
ポスト印象派の芸術家たちは、芸術作品はスタイルやプロセス、または美的アプローチに関連づけられるべきではなく、象徴性を強調して、アーティストの無意識からメッセージを伝えるべきであると信じていました。
彼らはしばしば共に展示しましたが、印象派のように結束したグループから始まったわけではなく、主に一人で絵を描きました。セザンヌはエクス＝アン＝プロヴァンスで孤独に描き、ゴーギャンは1891年にタヒチに定住し、バンゴッホはアルルの田舎で描きました。ゴーギャンとバンゴッホの二人は、より個人的な精神的表現のために印象派の客観性を拒否しました。
「色！何とも深くて神秘的な言語であり、夢の言語だ」 - ポール・ゴーギャン
自然光の効果を捉えようとする印象派とは異なり、ポスト印象派は自らの世界の認識を描写するために人工的な色のパレットを用いました。飽和色と多色の影が彼らの絵画にはっきりと見られ、その革新的なアプローチを示しています。
ポスト印象派は自然主義的アプローチから離れ、色や線を通じて感情を喚起しようとするキュビスムやフォーヴィズムなどの運動へと向かいました。
第6位 フォーヴィズムと表現主義（1900–1935）
厚塗りの絵画、ページから飛び出す色、非自然的なトーン：フォーヴィズムと表現主義はこれらの特徴を持つ二つの運動です。では、同じように説明できる場合、彼らの違いは何でしょうか？最初にフォーヴィズムと表現主義をそれぞれ説明します。
フォーヴィズム
代表的な作家：マティス、デレイン、シニャック
フォーヴィズムは1905年から1910年にかけて芸術界に広まり、激しい色彩と大胆な筆致が特徴でした。場合によっては、アーティストたちはチューブから直接絵具を適用しました。色は自然に忠実である必要はなく、感情を示すために変更されることがありました。彼らはシンプルなテーマを選び、それ故に作品はほとんど抽象的に見えました。美術評論家ルイ・ヴォクセルは、1905年のパリのサロン・ダトゥルヌでアンリ・マティスとアンドレ・デレインの作品を「les fauves（野獣たち）」と表現し、この名称がつけられました。彼の作品は非自然的な色彩とキャンバスの上に野性的に塗られた斑点でいっぱいでした。これがフォーヴィズムの始まりとなりました。
フォーヴィストたちは、19世紀の科学的な色彩理論に非常に興味を持っていました。特に補色の使用を通じて、これらの理論を組み入れることによって色をより明るく大胆に見せる方法を理解していました。
マティスの「帽子をかぶった女性」という絵は女性の顔に非自然的な色が使われたため批判されました。ポール・シニャックは点描で有名で、マティスのメンターでもありました。点描は、色の小さな点を近くに置き、距離を置くと一つの画像として組み合わさる技術です。これはコンピュータの画面上のピクセルに例えることができます。
マティスやデレインに加え、その他の重要なフォーヴィストにはジョルジュ・ブラック、ラウル・デュフィ、ジョルジュ・ルオー、モーリス・ド・フラミンクなどがいます。
表現主義
代表的な作家：ムンク、カンディンスキー、クレー
表現主義は、アーティストの内部の感情、視点、またはアイデアと合致するよう現実を歪める任意の作品を指す一般的な用語です。要するに、外の世界に内部の現実を表現するアートです。表現主義には、強烈な非自然的色彩や、キャンバスに厚く塗られた絵具によってテクスチャーを作成することという特徴があります。
表現主義は「内部から」派生し、シーンの描写よりもアーティストの感情を反映しています。影響を与えた表現主義の二人のアーティストはエミール・ノルデとエドヴァルド・ムンクでした。
テーマに関して、表現主義のアートは感情的であり、時には神話的である傾向があります。表現主義は非常に幅広い用語であるため、任意の時代のアートに適用できるのが容易ですが、一般には20世紀のアートに適用されます。これはバンゴッホの作品から始まったと言われ、今日知っている現代アートに広がっていきます。
表現主義運動への主要な貢献者には、ワシリー・カンディンスキー、パウル・クレー、マックス・ベックマン、エルンスト・ルートヴィヒ・キルヒナーなどのアーティストがいます。
フォーヴィズムは表現主義のサブセットと見なされるかもしれません。彼らは同様の技法を使用し、同じ特徴によって分類されます。実際の違いは、フォーヴィズムの特定の性質と表現主義の一般性の間にあります。
フォーヴィストと見なされるものは、表現主義の範疇の一部でもあるかもしれませんが、すべての表現主義がフォーヴィズムであるわけではありません。フォーヴィズムは少し狂暴で、より単純なテーマを持っています。
第7位 キュビスム（1905–1920）
代表的な作家：パブロ・ピカソ、ジョルジュ・ブラック
キュビスムは、20世紀に非常に影響力のある視覚芸術のスタイルで、主にパブロ・ピカソとジョルジュ・ブラックにより、1907年から1914年にかけてパリで創造されました。キュビストスタイルは、画像の平坦で二次元的な表面を強調し、従来の遠近法、スコルポ、造形、明暗の技法を拒否し、古い理論を反論しました。キュビストたちは、西洋芸術の伝統が枯渇していると信じ、作品を活性化させるために他文化の表現力のあるアート、特にアフリカンアートに目を向けました。
キュビスムという名前は、批評家ルイ・ヴォクセルが1908年にブラックの作品をキューブで構成されていると軽蔑的に表現したことから由来しています。ブラックの絵画では、家のボリューム、樹木の円筒形、色のスキームはポール・セザンヌの風景を思い起こさせ、初期の発展段階でキュビストたちに深いインスピレーションを与えました（1909年まで）。ただし、ピカソが1907年に描いたアビニョンの娘たちが新しいスタイルを予見しました。この作品では、五人の女性の裸体が、角ばった、壊れた形状の姿に変わります。
キュビスムは二つの異なるフェーズで発展しました：分析的キュビスムと合成的キュビスム。分析的キュビスム（1908–1912）はより厳格で、トーンを抑えた平面や線の組み合わせが特徴です。合成的キュビスム（1912–1914）は、よりシンプルな形と明るい色が特徴で、新聞のような実物を組み込んだ作品が含まれます。実物をアートに直接取り入れることは、現代アートにおける最も重要なアイデアのうちの一つの始まりでした。
ピカソとブラックにこの新しい視覚言語の創造が帰されますが、フェルナン・レジェ、ロベールとソニア・デラウニー、フアン・グリーズなど多くの画家によって採用され、発展しました。キュビスムは20世紀の彫刻と建築にも深い影響を与えました。
キュビスムによって始まった形式的な解放的な概念は、ダダやシュルレアリスムのような運動に広範な影響を与え、世界中の抽象を追求する芸術家たちにも影響を与えました。
第8位 ダダとシュルレアリスム（1917–1950）
ダダ
代表的な作家：ウーゴ・バール、マルセル・デュシャン、エミー・ヘニングス、ハンス・アルプ、ラウル・ハウスマン、ハンナ・ホッホ、フランシス・ピカビア、ジョージ・グロス
ダダは、チューリッヒとニューヨークを中心とした欧州の前衛芸術運動でした。第一次世界大戦の虐殺、プロパガンダ、そして狂気に対する直接的な反応として生まれました。共通のアイデアで結びついた独立したグループがベルリンやパリなどの場所に現れました。彼らは普遍的なスタイルを共有していたのではなく、理想主義と古くなった芸術的・知的慣習を拒絶することでつながっていました。
「ダダ」という名前は、1916年に辞書から偶然見つけられたもので、フランス語で「木馬」やルーマニア語、ロシア語での「はい、はい」を意味します。しかし、運動の名称としては、実際には意味がありません。第一次世界大戦の惨劇で生まれた文化に疲れたダダイストたちは、すべての慣習に挑戦し、偶然と不条理を祝いました。
ダダのルーツは、戦前の前衛運動に見ることができます。「アンチアート」という言葉は、マルセル・デュシャンによって1913年頃に作品が受け入れられる制約に挑むものと定義されました。
ダダ運動は公共の集会、デモ、アートや文学の雑誌を発行することを含んでいました。アート、政治、文化は様々なメディアでしばしば議論されるテーマでした。
シュルレアリスム
代表的な作家：マックス・エルンスト、アンドレ・マッソン、サルバドール・ダリ、ルネ・マグリット
シュルレアリスムは、20世紀の最も重要で革新的な運動の一つでした。1920年代に生まれ、キュビスムの合理的かつ形式的な特質に対する急進的な代替手段を提供しました。これは、心の働きを探求し、非合理的、詩的、および革命的な作品を支持する文学的、哲学的、芸術的運動でした。
ダダとは異なり、シュルレアリスムは前の伝統への肯定的な拒絶を強調しました。パリの詩人や芸術家の新しい集団のリーダーであるアンドレ・ブルトンは、1924年の「シュルレアリスム宣言」でシュルレアリスムを「思考の実際の機能を表現することを目的とした純粋な精神的自動主義」と定義しました。
シュルレアリスムの視覚的な表現には、いくつかの糸が区別されます。マックス・エルンストやアンドレ・マッソンのようなアーティストは、自我を抑圧し潜在意識にコントロールを委ねる自動主義を好みました。対照的に、サルバドール・ダリやルネ・マグリットは、表現されたシーンがリアリティとは無関係であるスリリングな超現実感を追求しました。さらにもう一つの変種は、無関係な要素の並置で、通常の限界を超えた現実を設定しました。
シュルレアリスムはパリで始まりましたが、その影響は国際的な雑誌や展覧会を通じて広まりました。第二次世界大戦の勃発とともに、シュルレアリスムの活動の中心はニューヨークに移ました。運動としては戦後に一貫性を失いしましたが、現代アートにおいては強力な影響力を保持しています。
第9位 抽象表現主義（1940–1950）
代表的な作家：ジャクソン・ポロック、ウィレム・デ・クーニング、フランツ・クライン
「抽象表現主義」は、1940年代と1950年代にニューヨークで発展した運動です。定義するのが理想的ではなかったが、この用語は色や抽象的な形でキャンバスを埋め尽くしたアーティスト、さらに力強い表現主義的アプローチでキャンバスに取り組んだアーティストを含んでいました。これらのアーティストはすべて、深い感情と普遍的なテーマから生まれる自己の表現としてアートにコミットしていました。
この運動は、さまざまな絵画スタイルを包含していました。ジャクソン・ポロックやウィレム・デ・クーニングのようなアーティストは、ダイナミックかつ自由なな塗装技術で特徴づけられました。マーク・ロスコのような他のアーティストは、平面的な色の大きな領域を使って微妙で瞑想的な効果を達成しました。
この運動には、多くの男性アーティストによって代表されていると説明されてきましたが、この期間にはいくつかの重要な女性の抽象表現主義者も出現しました。
第10位 ポップアート（1960）
代表的な作家：アンディ・ウォーホル、ロイ・リキテンスタイン、ジェームズ・ローゼンクイスト、クレース・オルデンバーグ
ポップアートは、アンディ・ウォーホル、ロイ・リキテンスタイン、ジェームズ・ローゼンクイスト、クレース・オルデンバーグのようなニューヨークのアーティストたちによって始まり、幅広い人気の画像からインスピレーションを受け国際的な現象の一部となりました。これは、芸術と文化の支配的アプローチ、および「芸術は何であるべきか」という伝統的な見解に対する反乱でした。若いアーティストたちは、アートスクールで教えられたことや博物館で見たものが自分たちの生活とは無関係だと感じていました。
1957年、ポップアートのアーティストリチャード・ハミルトンは手紙の中で「ポップアートの特徴」として次のように述べました。「ポップアートは：人気、過渡的、不要、低コスト、大量生産、若い、巧妙、セクシー、危険、ガラマッス、ビッグビジネスである」と。
ポップはアートを新しいテーマの領域に持ち込み、新しい提示方法を展開し、ポストモダニズムの最初の現れの一つと見なされることができます。
第11位 ポストモダニズム（1970–）
代表的な作家：ゲルハルト・リヒター、シンディ・シャーマン、アンゼルム・キーファー、フランク・ゲーリー、ザハ・ハディッド
空にいるマリリン - ジェームズ・ギル
「ポストモダンアート」という用語は、1970年頃から作成された現代アートの広範なカテゴリーを指します。特徴は、前任者である「モダンアート」に基づく美学の拒否です。拒否される値の一つは、「アート」が「特別な」ものであり、一般の好みから切り離されるべきであるという考えです。
反権威主義的な本質を持つポストモダニズムは、アートが何であるべきかについてのあらゆるスタイルや定義の権威を認めることを拒否しました。高文化と大衆文化、アートと日常生活の間の区別は崩れました。「何でもあり」の新しい時代と自由の感覚がもたらされました。
しばしば異なるスタイルやメディアが混ぜ合わされ、ポストモダニズムのアートは過去のスタイルを引き取り、あるいは皮肉的にコメントすることもあります。ポストモダニストたちは、その理論的立場を包摂的で民主的とみなします。
1980年代と1990年代には、ポストモダニズムは「アイデンティティ政治」運動の非公式な哲学となりました。
KUADROS ©、あなたの壁に有名な絵を。
