アートデコは1920年代と1930年代の人気のデザインスタイルで、特にエレガントな幾何学的またはスタイライズされた形状や、人工的な材料の使用によって特徴づけられています。
アートデコスタイルの特徴は、1910年代中頃から後半にかけてフランスで発祥し、1925年にパリで開催された国際装飾芸術と現代産業の博覧会で成熟し、1930年代には西ヨーロッパやアメリカ合衆国で重要なスタイルとなりました。
アートデコの特徴的な要素は、機械の現代性への賛美や、機械的に作られた物体に固有のデザイン特性、例えば、相対的なシンプルさ、平面性、対称性、そして変わらない要素の繰り返しを反映しています。アートデコのオブジェクトは、しばしばシンプルでクリーンな形状を示し、一般的には「スタイライズされた」外観を持ち、花、動物、太陽の光などの具象的な形からの幾何学的またはスタイライズされた装飾、そしてプラスチック、ビタミンガラス、鉄筋コンクリートなどの人工物質の使用が特徴です。これらは、翡翠、銀、象牙、クロムなどの天然素材と組み合わされることがよくあります。
アートデコ - ポスター
アートデコの形成的な影響には、アール・ヌーヴォー、バウハウス、キュビズム、セルゲイ・ディアギレフのロシアバレエが含まれます。アートデコの実践者は、アメリカ先住民、エジプト、初期古典からの影響源にも触発を受け、自然からもインスピレーションを得ました。
アートデコと同様に、アール・ヌーヴォーも建築、インテリアデザイン、ジュエリー、イラストレーションなどの媒体に適用される装飾スタイルです。両スタイルはヨーロッパとアメリカで人気がありましたが、アール・ヌーヴォーは1890年から1910年の間に先行して栄えました。
アートデコは1920年代後半から1930年代初頭にかけて全盛期を迎えました。アール・ヌーヴォーは自然を強調し、オブジェクトは特に非対称な流線型の線によって特徴づけられ、しばしば花の茎やつぼみ、つる草のつる、昆虫の翼、その他の繊細な自然のオブジェクトの形を取っていました。一方、アートデコは現代の機械を讃え、幾何学的な線やエレガントな形状を促進しました。
アール・ヌーヴォーとの主な違いは、キュビズムの影響がアートデコのデザインにより断片的な幾何学的特性を与えている点です。しかし、植物の形や流線型の曲線に基づくイメージは、例えばイギリスのクラリス・クリフのデザインなど、いくつかのアートデコデザインに残っています。アートデコは、古代エジプトのアート、アステカアート、その他の中央アメリカの古代のアート、さらには現代の船、電車、自動車のデザインからもインスピレーションを得たりしました。また、バウハウスやル・コルビュジエやミース・ファン・デル・ローエといった建築家の現代建築やデザインにもインスパイアされました。
アートデコという名前は、1925年にパリで初めてこのスタイルが展示された国際装飾芸術と現代産業の博覧会に由来します。アートデコのデザインは、モダニズムをファッションに変えたもので、その製品には手作りの高級品と大量生産の製品の両方が含まれていましたが、いずれにせよ、意図は、富と洗練を象徴するエレガントで反伝統的な優雅さを創造することでした。
アートデコの著名なクリエイターの大多数は、手作り又は限定版のアイテムを設計しました。家具デザイナーのジャック・リュールマンやモーリス・デュフレーヌ、建築家のエリエル・サーリネン、金細工師のジャン・ピュイフォルカ、ジュエリーとクリスタルのデザイナーのレネ・ラリック、ファッションデザイナーのエルテ、アーティストでありジュエリー職人のレイモンド・タンプリエ、H・G・マーフィー、ウィウェン・ニルソン、そしてフィギュア彫刻家のチパルスが含まれました。
アートデコ - ジャック・リュールマンの家具
アートデコの金細工師ジャン・ピュイフォルカ
アートデコの始まり
19世紀末のフランスで、多くの著名なアーティスト、建築家、デザイナーたちはアール・ヌーヴォーの発展に重要な役割を果たしていましたが、そのスタイルが次第に時代遅れになっていることを認識しました。産業革命が進展した世紀の終わりに、現代の生活は数十年前とは大きく異なりました。新しい何か、モダンでセンスのある屋根に「20世紀」と明言するものの時代がやってきました。
フランス装飾芸術家協会
この新しい世紀に向けての進展の願いは、ノスタルジアによって抑制されるのではなく、革新のペースで歩むことから生まれ、フランスの芸術的革新者たちのグループは、Societé des Artistes Décorateurs（装飾芸術家協会）という組織を結成しました。このグループには、アール・ヌーヴォーのデザイナーでありエングレーバーのユージン・グラッセ、アール・ヌーヴォーの建築家エクトール・ギマール、さらにはピエール・シャロ、フランシス・ジュールダンといった新興の装飾アーティストやデザイナーが名を連ねました。フランス政府は、この芸術活動の方向性を支持し、奨励しました。
アートデコ - 装飾芸術家協会
新しいグループの主な目標の一つは、視覚芸術の階層構造に挑戦し、装飾アーティストを絵画や彫刻といったより古典的なメディアよりも低い地位に置くというものでした。法則をもって「したがって、私たちは装飾芸術を過小評価されてシンデレラや貧しい親戚のように扱われていたものを、他のすべての国でのかつての重要かつ優越な地位に戻すことにした」と引用されていました。
新しい種類の装飾芸術を展示するための大規模な展示会の計画は、当初1914年のために考案されましたが、第一次世界大戦が終わるまで中止され、その後1925年までさまざまな理由で遅れました。
アートデコ運動を公式に開始した博覧会
フランス政府は、金色のドームを持つレ・ザンヴァリッドの広場と、セーヌ川の両側にあるプチ・パレとグラン・パレの入口の間に開かれる展示会に向けて、新しいスタイルを披露するために努力しました。15,000人以上のアーティスト、建築家、デザイナーが展示会で自らの作品を展示しました。展示会の7か月間に、1,600万人以上の人々が多くの個別展示を見学しました。この展示会は、運動の始まりの触媒となりました。
アール・ヌーヴォーとアート・デコ
アートデコは、アール・ヌーヴォーや、より広い文化現象であるモダニズムに対する直接的な美的及び哲学的反応でした。アール・ヌーヴォーのスタイルは第一次世界大戦中に時代遅れになり始め、多くの批評家たちは、繊細なデザイン、しばしば高価であった素材、そしてスタイルの生産方法が、ますます困難で不安定な機械化された現代世界には適さないと感じました。一方、アール・ヌーヴォー運動は自然から複雑でスタイライズされた形状を引き出し、手作りの美徳を称賛していましたが、アートデコの美学は機械の時代の流線型とエレガントな幾何学を強調しました。
アートデコとモダニズム
国際博覧会は、アートデコスタイルの作品だけでなく、キュビズム、構成主義、バウハウス、デ・スティル、未来派のような前衛的な絵画や彫刻の例に近い手工芸品を展示しました。1920年代には、アートデコは、バウハウスやデ・スティルのようなより知的な美学への豪華で、しかしほとんど従来通りな対立物でありました。三者は全て、デザインの基本原則としてクリーンで強力な線を重視していました。アートデコの実践者たちは、技術革新や現代材料、機械化を取り入れ、それをスタイル全体の美学に強調しようとしました。また、彼らは他のモダニスト運動から借りたり学んだりしました。アートデコは、前衛的な現代運動の将来の見通しに敏感な支持者によって考慮されました。アイロニックにも、現代的な絵画や彫刻は、展示の中であまり重要視されておらず、ソビエトパビリオンやル・コルビュジエのエスプリ・ヌーヴォー・パビリオンのわずかな例外を除いて注目されませんでした。
大恐慌後のアートデコ
アートデコの第二フェーズの始まりは、大恐慌の始まりと一致しました。実際、厳しい理由、そして概念的な理由のため、アートデコのこの二つ目の発展段階において、中核的な美学は引き締まりました。アートデコ建築は、例えば、高層ビルが高く上昇している垂直的な方向に向けられていたのに対し、後のアートデコビルは、主に装飾を施さず、エレガントな曲線と水平方向の強調を持っており、それが堅固さ、静かな威厳、そして弾力性を象徴していました。1929年から1931年の最も厳しい経済危機の年々、アメリカのアートデコはトレンドを追うことからトレンドを設定することに変わりました。
ストリームライン・モダン
ストリームライン・モダンは、アートデコの欧州の運動のアメリカにおける継続性となりました。深刻な経済的および哲学的影響を超え、ストリームライン・モダンの初期の構造への美的インスピレーションは、20世紀初頭に形成された非公式のドイツの建築家、デザイナー、アーティストの協会から生まれました。
アートデコ - ストリームライン・モダン
新オブジェクティビティのアーティストおよび建築家たちは、ストリームライン・モダンの支持者がエクスセス、特に表現主義の感情的な要素を排除した同じタイプの控えめなプラグマティズムにインスパイアされました。新オブジェクティビティの建築家たちは、現実の要求の反映として、実用的と考えられる構造を生産することに集中しました。彼らのデザインが実際の世界に適応することを優先し、他のものを実用的ではない美学に適応させることを好みました。そのため、新オブジェクティビティの建築家たちはマスプロダクション技術でも先駆者となり（ドイツの貧しい人々を迅速かつ効率的に収容する手助けをした）、装飾なしの建築ストリームライン・モダンは、クリーンな曲線、長い横線（ウィンドウバンドを含む）、ガラスレンガ、ポートホール窓、円筒的および時には海洋的な形を示しました。これまで以上に、現代技術の他の表現や空気力学に強調が置かれました。アートデコで最も高価でしばしばエキゾチックな材料は、ストリームライン・モダンではコンクリート、ガラス、クロムのハードウェアに置き換えられました。色使いは控えめで、白、ベージュ、アーストーンのトーンがアートデコのより鮮やかな色に取って代わりました。
リーダウン・モダンスタイルは、ストリームライン・モダンが最初に建築で導入され、その後他のオブジェクトに拡張されました。
アートデコはレトロアクティブに名付けられた
元々「アートデコ」という用語は、著名な批評家で現代主義者の建築家、ル・コルビュジエが使用したもので、スタイルの装飾（彼は現代建築に不必要と考えていた特徴）を批判する記事において、軽蔑的に使われました。スタイルの擁護者たちは、過度の装飾に対する現代的でシンプルな反応として称賛されましたが、特に直接の前任者であるアール・ヌーヴォーと比較すると、ル・コルビュジエにとっては装飾はすべて余計だとされました。1960年代の後半まで、スタイルへの関心が再活性化されなかったため、イギリスの美術史家で批評家のビーヴィス・ヒリアーが「アートデコ」という用語をポジティブに使用するまで存在しませんでした。
アメリカにおけるアートデコ
アメリカにおいて、アートデコ運動の受容は異なる経路をたどりました。当時のアメリカ合衆国商務長官であるハーバート・フーヴァーは、アメリカのデザイナーや建築家が国際博覧会で作品を展示することを許可しないと宣言しました。なぜなら、国が「十分に新しい」明確なアメリカンアートスタイルを生み出していないと考えていたからです。代わりに、彼はフランスに派遣団を送り、展示会での展示物を評価させ、見たものを現代のアメリカの芸術的及び建築的スタイルに適用するようにしました。フーヴァーによって送られた美的使節団には、アメリカ建築協会やメトロポリタン美術館、ニューヨーク・タイムズの重要な人物が名を連ねていました。この使命は、アメリカの芸術的革新の急成長を刺激しました。
1926年までに、フランスの博覧会のより小さなバージョンである「現代的な工芸品の国際展示会からの選ばれたコレクション」がニューヨーク、クリーブランド、シカゴ、デトロイト、セントルイス、ボストン、ミネアポリス、フィラデルフィアなど多くのアメリカの都市を回りました。1933年のシカゴ博覧会や1939年のニューヨーク博覧会ではアートデザインが際立ち、ハリウッドはその美学を採用し、全国的にそれをグラマラスにしました。ゼネラルモーターズやフォードなどのアメリカの企業もニューヨーク博覧会でパビリオンを建設しました。
アートデコ - ニューヨーク博覧会
アメリカのアートデコスタイルで最も知られる例には、摩天楼やその他の大型建物が含まれます。実際、建物デザインにおけるアメリカのアートデコの版は、ジグザグ・モダンと呼ばれ、角度や幾何学的なパターンの複雑な建築ファサードによって名付けられました。しかし、全体としてのアメリカのアートデコは、しばしばその先代のヨーロッパ版よりも装飾が少ないです。クリーンなラインや強いカーブを超えて、大胆な幾何学的形状、鮮やかな色、時には贅沢な装飾がある一方で、アメリカ版はよりシンプルです。重要な影響のある新オブジェクティビティや国際スタイルが建築に影響を与え、1920年代末と1930年代初頭の重大な経済的逆境がアートデコの美学に影響を与え始めると、スタイルはさらに豪華さが減少しました。
アートデコ - ジグザグ・モダン
アメリカのアートデコスタイルは、マスプロダクションを含む技術的進歩の祝典として発展し、社会的進歩への恢復された信念の表れともなりました。実質的に、これらの成果は国民の誇りを表すものと考えられます。1930年代には、ルーズベルトの作品進行庁（WPA）のもとで、多くの作品がアートデコとして創造され、図書館や学校などの公共の構造物から大規模な公共壁画まで多岐ににわたります。WPAは、戦後アメリカ経済を刺激するために公共事業の雇用を創出することを意図し、コミュニティにサービスを提供し、デザインの中にアメリカの価値を埋め込もうとしました。アメリカのアートデコの使用は、したがってデザインを通じて民主主義の表現をもたらしました。アートデコの創造に使用される材料の中には、高額かつ平均的な人が手に入れられないものもありましたが、新しいまたは安価な材料の使用により、幅広い手頃な価格の製品を生産することが可能となり、新たな方法で公共の領域に美しさをもたらしました。
アートデコの世界的な成長
アートデコスタイルは、ハバナ、キューバ、ムンバイ、ジャカルタなどの多様な世界の首都で確立されました。ハバナにはアートデコスタイルで建設された地区全体があります。ロンドンの地下鉄はこのスタイルを大いに取り入れています。上海港には50以上のアートデコ構造物があり、そのほとんどはハンガリーのラズロ・フデックによってデザインされました。戦争記念碑から病院、オーストラリアのシドニーやメルボルンのようなはるか遠くの都市まで、アートデコスタイルは広範囲に普及しました。
アートデコ - ラズロ・フデック
アートデコの主要な視覚的特徴は、三角形、ジグザグ、台形、シェブロンパターンなどの線形および幾何学的形状を反復して使用することに由来します。アール・ヌーヴォーがそうであったように、花、動物、人間の形といったオブジェクトが描かれる際、これらはすっきりとスタイルを保つためにあまりにもシンプルであり、簡略化されます。スタイルの地域的な反復に応じて、スタイリングと簡略化の性質と範囲が異なります。たとえば、フランスのデザイナー、レネ・ラリックの火の鳥（1922）はエレガントに細長く抑えられた外観を持ち、ロックフェラーセンターのリー・ローリーのアトラス（1937）は、強調された線的な筋肉を持ち、しっかりとした造形を持っていますが、どちらもデコスタイルの良い表現と見なされています。
アートデコ - ロックフェラービルのリー・ローリーのアトラス
運動が現代技術に重きを置く中、アートデコのアーティストやデザイナーはプラスチック、ベークライト、ステンレス鋼のような現代材料を活用しました。しかし、富や洗練のタッチが必要なとき、デザイナーは象牙や角、シマウマの皮のようなよりエキゾチックな材料を取り入れました。アール・ヌーヴォーやアーツ・アンド・クラフト運動と同様に、アートデコスタイルは、伝統的に高い地位にある視覚芸術の表現（絵画や彫刻）にはあまり適用されませんでした。
アートデコデザイン
アートデコスタイルは、イタリアの未来派の影響を反映した形で、スピード愛と機械崇拝からグラフィックアートに影響を与えました。未来派のアーティストたちは、動きを示すために線を使い、「スピードのひげ」として知られ、自動車やトレインの速い動きから出現することを好みました。また、アートデコの実践者たちは、対称性と空気力学を示唆する平行な線や円錐形状を用いました。タイポグラフィには、アートデコの国際的な影響を受け、ビフュール、ブロードウェイ、ペイニョの書体がすぐにスタイルを思い起こさせます。
アートデコ - フォントビフュール
イメージの観点から、シンプルな形状や大きな単色面は、1868年の江戸時代の終わり以降、西洋のアーティスト、特にフランスに対して重要な影響源となった日本の木版画を思い起こさせました。日本のアートがヨーロッパに流入したことは、非常に大きな影響を与えました。特にアーティストたちは、木版画の形式的なシンプルさにおいて、彼ら自身の独特な現代的スタイルを創造するためのモデルを見出しました。
アートデコの家具
1920年代末まで、フランスの最前線の家具デザインは主にアール・ヌーヴォー様式の変種で構成されていましたが、簡素化され、曲線が少なくなりました。 decade progresses, Émile-Jacques Ruhlmann emerged as the leading furniture designer (Ruhlmann had his own pavilion at the 1925 Exhibition). While his designs were primarily inspired by 18th-century pieces produced in the neoclassical style, he eliminated much of the ornamentation while still using exotic materials favored by Art Nouveau designers, such as mahogany, ebony, rosewood, ivory, and tortoiseshell. Of course, his pieces were often too expensive for anyone to buy, except for the very wealthy.
In contrast to Ruhlmann's lavish designs, which seemed to straddle Art Nouveau and Art Deco styles, the most definitively Art Deco furniture designer in France was Jules Leleu. He had been a traditional designer until the new style supplanted Art Nouveau and is known for the design of the grand dining room of the Élysée Palace in Paris and the luxurious cabins on the first-class deck of the elegant ocean liner Normandie.
アートデコ - ジュール・ルルーの家具
ルルーやリュールマンとは対照的に、ル・コルビュジエは、アートデコスタイルの非常に簡素で装飾のないバージョンの擁護者であり、多くの場合、彼自身の建築構造の厳しい内部に適した家具を創造しました。彼の意図は、特に椅子のプロトタイプをデザインし、それが大量生産されることによって、より大きな市場にとって手頃な価格となるというものでした。さらに、ニューヨークの名所であるラジオシティ音楽ホールのドナルド・デスキーのインテリアデザインは、今日でも元の形で保たれているアメリカのアートデコ家具デザインの優れた例です。
アートデコ - ル・コルビュジエの家具
アートデコ建築
アートデコ建築は、シャープなエッジのデザインが特徴で、しばしば豊富に装飾され、光沢のある金属的な詳細が強調されます。これらの建物の多くは垂直方向に重視されており、上向きに注意を引くことを目的に設計されました。長方形の形はしばしばブロック状に幾何学的に配置され、屋根に尖塔や曲線的な装飾要素が付加されて空力的効果を提供しています。ニューヨークの摩天楼やマイアミのパステルカラーの建物は、最も有名なアメリカのアートデコの例の一つです。
アメリカでは、WPA（Works Progress Administration）がアートデコ建築を普及させました。興味深いことに、アートデコとボザールの古典主義の融合が、多くの大恐慌時代の公共事業で見られ、PWAモダンまたはデプレッションモダンと呼ばれています。
アートデコ PWAモダン - デプレッションモダン
その後の発展：アートデコの後
アートデコは、第二次世界大戦中のヨーロッパと北アメリカで流行が過ぎ去り、戦争の厳しさがスタイルをより目立って、そして退廃的に見せるようにしました。金属が再利用され、建物や内部空間の装飾に使用するのはなく、武器の建設に使われました。家具はもはや地位の象徴とは見なされませんでした。他の技術的進展は、消費財の基本的な品目のより安価な生産を可能にし、アートデコデザイナーの必要性と人気を排除しました。
多くの点で、過去と決別することを求めていたこの運動は、今や最高のノスタルジーを生み出すクラシックとなり、愛情を持って記憶されています。1960年代以降、スタイルへの持続的かつ一貫した関心が存在します。アートデコのエコーはミッドセンチュリーモダンデザインに見られ、デコの流線型美学を引き継ぎ、バウハウスのクリーンなシンプルさを再訪します。デコはまた、1980年代のミラノを中心としたデザインと建築の動きであるメンフィスグループにもインスピレーションを与えました。メンフィスはまた、ポップアートやキッチュを色とりどりで意識的にポストモダンなデザインの源として利用しました。
KUADROS ©、あなたの壁の有名な絵画。
