美術史の基礎は、古代文明が文化的に重要なテーマを表すために利用可能な手法と手段を使用した数万年にまで遡ります。これらの最初の例から、彼らは多くの芸術的な動きに従いました。それぞれが、彼らが生まれた時代の政治的および社会的影響を反映する独自の異なるスタイルと特徴を備えています。
フォーヴィズムは何を意味し、概念的芸術とは何ですか？芸術について話すこと自体が規律のように思えます。あなたが芸術の世界で新しい場合、特に芸術やさまざまな種類の芸術の各動きについて多くの質問があるでしょう。
ルネッサンスからモダニズムの出現まで、影響力のある芸術のジャンルは、間違いなく歴史に彼らのマークを残しました。
歴史とその芸術運動の重要性についての明確な概念を持っているので、ヴァンゴッホ、ピカソ、ウォーホルなどの有名なアーティストが芸術の世界にどのように革命をもたらしたかを明確に理解することができます。
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No.1イタリアルネッサンス（1400–1550）
いくつかの指数：Giberti Doors、Brunelleschi、Donatello、Botticelli、Leonardo、Miguel Angel、Rafael。
14世紀の終わりに向かってd。 C.、一握りのイタリアの思想家は、彼らが新しい時代に住んでいたと宣言しました。照らされた「中世」ではなくバーバラは終わりました。新しいものは、学習と文学、芸術、文化の「リニンシタ」（「ルネッサンス」）です。これは、現在ルネッサンスとして知られている時代の誕生でした。何世紀にもわたって、学者は、イタリアの再生（「再生」の別の言葉）がまさにそのように起こったことに同意してきました。14世紀から17世紀の間に、その中の世界と人間の場所についての新しい現代的な考え方である彼は古いアイデアに取って代わりました。実際、Soが呼び出したルネッサンスの科学的、芸術的、文化的成果の多くは、共通の問題、特に人間が彼自身の宇宙の中心であるという人道主義的な信念を共有しています。
15世紀のイタリアの文脈におけるイタリアのルネッサンスは、ヨーロッパの他の場所とは異なりました。それは独立した都市状態に分けられ、それぞれが異なる形の政府を備えていました。イタリアの再生が始まったフィレンツェは、独立した共和国でした。また、銀行と商業の首都であり、ロンドンとコンスタンティノープルの後、ヨーロッパで3番目に大きい都市でした。豊かなフィレンツェは彼らのお金を誇示し、芸術家や知識人の後援者や支持者になることができるようにしました。このようにして、都市はヨーロッパの文化センターとルネッサンスになりました。
ルネッサンスは2つの部分に分割されたと言えます。
初期の再生中、芸術家は宗教的絵画のビザンチンスタイルを拒否し始め、人間の形と空間の表現に現実主義を生み出すのに苦労しました。リアリズムへのこの目標は、シマブエとジョットから始まり、アンドレア・マンテーニャやパオロ・ウッケロなどの「完璧な」芸術家の芸術のピークに達しました。宗教は、ルネッサンス中に住んでいた人々の日常生活の重要な要素でしたが、息をのむような新しいルート、つまり神話のテーマも見られます。多くの学者が指摘しています 金星の誕生 神話のシーンの最初のパネル絵画としてのボッティチェッリの。
高い再生として知られる期間は、初期の再生の目的の集大成を表しています。この段階で有名なアーティストは、レオナルドダヴィンチ、ラファエル、ティジアーノ、ミゲルアンジェルです。彼の絵画と新鮮は、最も有名な芸術作品の1つです。 最後の晩餐 ダ・ヴィンチ、 アテネスクール ラファエルとミゲル・アンジェルのシスティーナ・チャペルの屋根の絵画は、この時代の傑作であり、高いルネッサンスの要素を体現しています。
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No.2 Barocco（1600–1750）
いくつかの指数：Reubens、Rembrandt、Caravaggio、Velázquez、Palacio de Versailles。
バロック様式の用語は、最終的にはイタリア語のバロッコに由来します。哲学者は、中世に概略論の障害を説明するために使用しました。その後、この言葉は、関与した考え方や思考のプロセスを示すようになりました。別の可能な情報源は、不規則または不完全な真珠を記述するために使用されるバロックポルトガル語（スペインのバルーコ）です。バロックは、17世紀の初めから18世紀半ばまでヨーロッパで開発された芸術と建築の動きです。それは、ドラマ、緊張、活気、偉大さを生み出すために、劇的で誇張された動きと、シュールレアリズムとはほど遠い詳細を明確で簡単に解釈できることを強調しています。
イタリアで発生した最初の症状は、16世紀の最後の数十年から、特にドイツや植民地時代の南アメリカでは、バロック様式の特定の頂点に達した成果は18世紀まで起こりませんでした。
アーティストは、ルネッサンスの美しさの理想を復活させ続け、ウィンクが古典主義にさらに改善した時代の芸術、音楽、建築の作品を植え付け、華やかな新しい贅沢と傾向によってさらに改善されました。この高度に飾られたスタイルは、バロックとして造られ、革新的な技術と詳細が特徴であり、芸術の比較的弱められた時期に新しい緑豊かな視覚言語を提供しました。主にローマの教皇とイタリア、フランス、スペイン、フランダースのカトリックの支配者によって監督されたバロックはヨーロッパに広がりました。それは、修道院と修道院の広範なネットワークを通じて、強力な宗教的秩序によってさらに広がりました。このスタイルは、すぐにフランス、北イタリア、スペイン、ポルトガル、そしてオーストリアと南ドイツに拡張されました。
このプログラムから開発されたバロック様式のスタイルは、逆説的に、官能的で精神的でした。自然主義的な扱いにより、宗教的なイメージは平均的な教区民にとってよりアクセスしやすくなりましたが、劇的で幻想的な効果を使用して、敬ietyと献身を刺激し、神の素晴らしさの印象を伝えました。バロック教会の屋根は、オブザーバーに無限の鮮やかなビジョンを提示し、天の懸念に感覚を向けた塗装されたシーンに解散しました。
テーマとスタイルでさえバロック様式の絵画間でさまざまですが、この時代のほとんどの作品には共通のものがあります：ドラマ。として知られる画家の仕事で Caravaggio そして レンブラント、ドラマへの関心は、放射光と差し迫った影の間の激しいコントラストとして実現します。
主にスペイン人によって統治されているカトリック地域の偉大な教師は画家でした ピーター・ポール・ルーベンス、その嵐の斜めの組成と完全な血の幅広い人物は、バロック様式の絵の具の縮図です。アンソニー・ヴァン・ダイクのエレガントな肖像画と、ジェイコブ・ジョルドエンズの堅牢な比ur的な作品は、ルーベンスの例をエミュレートしました。オランダの芸術は、彼らの支配的な中流階級のパターンの現実的な好みによって条件付けられていたため、その国の無数のジャンルと風景画家、レンブラントやフランズ・ハルズなどの堂々とした教師の両方が、重要な側面のスタイルバロックから独立したままでした。しかし、バロックはイギリス、特にクリストファー・レンirとジョン・ヴァンブルッチirによってそれぞれ設計された教会と宮殿に顕著な影響を与えました。
ミゲル・アンジェルの象徴的なデイビッドを含むルネッサンスの彫像のように、バロック様式の彫刻はしばしば雄大な建物を飾る運命にありました。彼らはまた、黄金の教会や本物の庭園のインテリアなど、他の素晴らしいシナリオのために委託されました。
最後のバロックの開花は、主にドイツ南部とオーストリアのカトリックローマ人であり、1720年代にイタリアの建設モデルからネイティブの建築家が分離しました。
No.3リアリズム（1848–1900）
いくつかの指数：コロット、裁判所、daumier、キビ。
芸術におけるリアリズム、正確で詳細な表現、そして自然や現代の生活の装飾品のない。リアリズムは、外見の密接な観察を支持して、想像力豊かな理想化を拒否します。そのため、その広い意味でのリアリズムは、さまざまな文明の多くの芸術的流れをカバーしています。たとえば、視覚芸術では、ボクサーや古い縮小を正確に描写する古代のヘレニズムのギリシャの彫刻には、リアリズムが見られます。カラヴァッジョ、オランダのジャンルの画家、スペインの画家ホセ・デ・リベラ、ディエゴ・ベラズケス、フランシスコ・デ・ズルバラン、フランスのル・ナイン兄弟など、17世紀の画家の作品は現実的なアプローチです。 18世紀のイギリスの小説家の作品、ダニエル・デフォー、ヘンリー・フィールディング、トビアス・スモレットも現実的と呼ばれることができます。
1850年代にフランスではリアリズムが生じました。1848年の革命の直後、この国で「働く権利」を確立した出来事は、平均的な労働者階級、現代のシナリオ、現代のシナリオ、日常シーンのアイデアを導入しました。まともな芸術的なテーマとして。
リアリズムは、アレハンドロ2世のロシアからビクトリア女王のイギリス、ギレルモ1世のドイツからリソルギメントのイタリア、ハプスブルクの帝国からスカンジナビアとその向こうの国まで、ヨーロッパ全体に広がっていました。 1855年は、ヨーロッパでのリアリズムの確立において重要でした。
Gustave Coubet それはしばしばリアリズムの主要な人物と見なされます。彼は農民と労働者を描き始めた1840年代に運動の基礎を築きました。クールベが彼らを称賛しなかったが、彼は大胆に提示し、芸術の世界で激しい反応をひどく生み出したという事実。
コースのスタイルと発行された作品は、バルビゾン学校の画家によってすでに壊れた分野に建設されました。 1830年代初頭のThéodoreRousseau、Charles-FrançoisDaubigny、Jean-FrançoisMilletなどは、フランスの町バルビゾンに地元の地元の性格を忠実に再現することを目的として設立されました。
フランス郊外の絵のリアリズムは、おそらく19世紀に米国でよりよく代表されていました。そこでは、トーマス・イーキンズによる海洋の問題や肖像画、航海シーン、その他の作品に関するウィンスロー・ホーマーの強力で表現力のある絵画は、率直で魅力的で、非常に観察された現代生活の記録です。リアリズムは20世紀の芸術においては異なる流れであり、一般的に、より誠実で誠実で、日常生活や理想的な見解を理想化することなく、芸術を批判の批判の手段として使用する試みを理想化することなく、一般的に芸術家の欲求に由来していました。 。
8人として知られるアメリカの画家のグループの縫い目を持つ、都市生活の概説された、概説された、概説されたほとんどジャーナリスティックなシーンは、最初のカテゴリーにあります。 Neue Sachlichkeitとして知られるドイツの芸術運動。ソビエト連邦で公式に後援された社会主義的リアリズムは、自然主義的な理想化技術を使用して、英雄的な実証主義と真の信頼性の欠如の両方に驚くほど似ていた勇敢な労働者とエンジニアの肖像画を作成しました。
さらに、リアリズムは、光リアリズムやハイパーリアリズムなど、現代芸術の重要な動きに直接影響を与えました。リアリズムの非常に現代的なアプローチに基づいて、これらのジャンルは革新的な運動の永続的で進化的な遺産を示しています。
No.4印象派（1865–1885）
いくつかの指数：モネ、マネ、ルノワール、ピサロ、キャッサット、モリゾット、デガ。
フランスの印象派は重要な動きであり、最初は絵画で、次に音楽において、主に19世紀から20世紀初頭にフランスで発展しました。絵画における印象派の最も注目すべき特徴は、周囲のつかの間の印象の現実的な表現に正確かつ客観的に登録する試みでした。音楽では、厳格な正式な構造ではなく、サウンドウォッシングを通じてアイデアや効果を伝えることでした。
1860年代の終わりに、 マネ それは新しい美学を反映しており、それは印象派の作品のガイド力であるはずです。そこでは、伝統的なテーマの重要性が減り、アーティストの色、トーン、テクスチャーの操作に注意を向けました。それはそれ自体で終わります。
1874年、画家、彫刻家、レコーダーなどと呼ばれるアーティストのグループ。彼は、印象派と呼ばれる運動を開始したパリで展覧会を開催しました。その創設メンバーには、クロード・モネ、エドガー・ガス、カミーユ・ピサロなどが含まれていました。このグループは、ほとんどの作品を常に拒否していたフランスアカデミーの公式ホールとは独立して、最初のショーを行いました。モネの絵 ライジングサンプリント （1872）1874年に風刺雑誌Le Charivariで書いたジャーナリストのルイ・レロイの最初のock笑名「印象派」を獲得しました。保守派の批評家は彼らの不完全な外観とスケッチのために彼らの作品を批判したが、最も進歩的な作家は彼の現代生活の説明を称賛した。たとえば、エドモンド・デュランティは、1876年のエッセイで、ヌーヴェル・ペインティュール（新しい絵画）で、絵画の革命として適切に革新的なスタイルで現代のテーマの彼の表現について書いています。
その概念以来、印象派は一連の特徴によって定義されてきました。これらには、絵のブラシストローク、独特の色、一般的な問題の表現、写真に触発された光に焦点を当てたものが含まれます。
1880年代半ばに、各画家がますます自分の美的関心と原則を追求するにつれて、印象派のグループは解散し始めていました。しかし、その短い存在の中で、それは美術史の革命を達成し、ポスト印象派の芸術家に技術的な出発点を提供しました セザンヌ, ガスの, ポール・ゴーギャン, ヴィンセント・ヴァン・ゴッホ Georges Seuratと伝統的な技術のすべての西部の絵画をすべてリリースします。主題へのアプローチ。
今日の印象派の相続と存在
当然のことながら、モダニズムの出発点として、印象派はその後の多くの動きに影響を与えました。衝突後の人々は、絵の筆記を採用しました。抽象表現主義者は、の形への型破りなアプローチにインスピレーションを見つけました モネ;そして、多くの現代アーティストは、新感染者スタイルで働き続けています。
No.5 Post Post -Impressionisis（1885–1910）
いくつかの指数：Van Gogh、Gauguin、Cézanne、Seurat
ポスト - 印象派は、1880年代の印象派に対する反応を説明するために使用される用語です。ポール・セザンヌ、ポール・ガウギン、ヴィンセント・ヴァン・ゴッホ、ジョルジュ・スーラトが監督しました。ポスト - 印象派は、光と色の自発的で自然主義的な表現についての印象派の懸念を拒否しました。
ヴァン・ゴッホを除くこれらの画家はすべてフランス人であり、それらのほとんどは印象派として始まりました。彼らのそれぞれがスタイルを放棄し、彼ら自身の非常に個人的な芸術を形成しました。
印象派のように、彼らはイメージの人工性を強調しました。ポスト印象主義者はまた、色と構成は意味の感情的で審美的な担い手としての形と構成から独立している可能性があると信じていました。印象派とポスト - 印象派の両方には、最も有名な現代の芸術作品が含まれています。 モネのスイカ、一連の水生風景と 星空の夜 ヴァン・ゴッホによって。
ポスト - 印象派は、パリ全体の独立した展示会を通じて彼らの仕事を一般に共有しました。 1910年、著名な美術評論家、歴史家、キュレーターのロジャーフライは、彼のショー、マネ、ポスト - 印象派で「ポスト印象主義」という用語を生み出しました。ポスト - 印象派自身のように、フライは芸術の美しさは本質的に知覚に根ざしていると信じていました。 「芸術は、実際の生活のコピーではなく、想像力豊かな生活の表現と刺激です」と、美学のエッセイでフライは説明します。
フライが説明したように、ポスト印象者は、芸術作品がスタイル、プロセス、または美的アプローチを中心に展開すべきではないと信じていました。代わりに、象徴性を強調し、アーティストの潜在意識からメッセージを伝えなければなりません。
ポスト印象派はしばしば一緒に展示されましたが、非常に団結した心のこもったグループとして始まった印象派とは異なり、主に一人で描かれました。南フランスのエクス・エン・プロヴェンスで単独で描かれたセザンヌ。彼の孤独は、1891年にタヒチに設置されたポール・ガウギンと、アレスの野原で描いたヴァン・ゴッホの孤独と一致しました。ゴーギャンとゴッホの両方は、より個人的な精神的表現を支持して、印象派の無関心な客観性を拒否しました。
「なんて深くて神秘的な色でしょう！
色相に対する自然光の効果を捉えるのに苦労した印象派とは異なり、ポストインプレッション主義者は、彼らを取り巻く世界に対する彼らの認識を描写する方法として、人工色のパレットを意図的に使用しました。飽和状態のトーン、多色の影、豊かな色の範囲は、ほとんどの印象後の絵画で明らかであり、表現のための芸術家の革新的で想像力豊かなアプローチを示しています。
一般的に、ポスト - 衝突主義は自然主義的なアプローチから離れ、それに取って代わる20世紀初頭の芸術の2つの主要な動きに行きました：色と線を通して感情を呼び起こそうとしたキュービズムとフォービズム。
No.6 Fauvism and Lisplusisism（1900–1935）
ページから出てくる厚い色に配置された絵画と反自然なトーン：偽物と表現主義は、これらの特徴に命を吹き込んだ動きの2つです。それで、それらが同じ方法で説明できる場合、それらの違いは何ですか？まず、私たちはあなた自身で偽りと表現主義を説明します。
フォーヴィズム
いくつかの指数：Matisse、Derain、Signac
Fauvismoは、1905年から1910年にかけて芸術的なシーンを押収し、多かれ少なかれ、強烈な色と大胆なブラシストロークによって特徴付けられています。場合によっては、この時代のアーティストはボトルから直接塗料を適用しました。色は必然的に自然に忠実である必要はありませんでした。彼らは感情を示すために変化する可能性があります。彼らは単純な問題を選択し、このため、絵画はほとんど抽象的に見えました。アート評論家のルイ・ヴォクセルスは、1905年のパリのリビングルームでの展示会で、「レ・フォーヴ」や獣などのアンリ・マティスとアンドレ・デレインの作品を説明した後、この用語を作り出しました。 Matisse and Derainの展示会の作品は、キャンバスに不自然な色のオプションと野生の塗料の汚れに満ちていました。それは偽りの始まりになるでしょう。
Fauvism Artistsは、19世紀の色の科学理論に深く興味を持っていました。具体的には、補完的な色を使用して、Fauvistasは、これらの理論を取り入れるために色を明るく大胆に見せる方法を理解していました。
アンリ・マティスの絵画「帽子を持った女性」。それは、女性の顔の反自然な色によって批判されました。 Paul Signac（1863-1935）は彼のポイントで有名です。彼はアンリ・マティスの指導者でもありました。 Puntillismoは、一次色の小さなポイントが一緒に配置されるテクニックです。あなたが離れると、それは単一の画像に結合されます。これは、コンピューター画面のピクセルと比較できます。個々のピクセルは異なる色ですが、わずかな距離を見ると画像が作成されます。ポイントリルのスタイルは、アーティストがプライマリカラーで何ができるか、そして彼らが彼らの作品で光学的幻想をどのように使用できるかを示しました。
MatisseとDerainに加えて、他の重要なFauvistasの芸術家には、Georges Braque、Raoul Dufy、Georges Rouault、Maurice de Vlaminckが含まれます。
表現主義
いくつかの指数：Munch、Carr、Kandinsky、Klee
表現主義は、アーティストの内部感情、見解、またはアイデアと一致するように現実を歪める芸術作品の一般的な用語です。要するに、それは外の世界で内部の現実を表現する芸術です。これはかなり一般的な定義ですが、表現主義にはいくつかの特徴があります。特に、表現主義で使用される色は激しく、しばしば不自然なものになります。つまり、日焼けや茶色の代わりに肌を青く塗ることができます。塗料は、表現主義スタイルで大量に使用されることがよくあり、キャンバスに多くのテクスチャを作成します。
表現主義は「内側から」から生まれ、シーンの表現というよりもアーティストの感情を反映しています。影響力のある2人の表現主義者の芸術家は、エミリー・カーとでした エドヴァルド・ムンク.
主題に関しては、表現主義の芸術は感情的であり、時には神話的でさえ、表現主義がロマン主義の拡大であると仮定する傾向があります。表現主義は非常に広い用語であるため、いつでも芸術に帰するのは簡単です。その後、ほとんどの場合、表現主義は一般に20世紀の芸術に当てはまります。それはヴィンセント・ヴァン・ゴッホの仕事から始まり、今日私たちが知っているように現代美術にまで及ぶと言われています。
表現主義運動への主な納税者は、マティス、ルーアー、オスカー・ココシュカ、ポール・クリー、マックス・ベックマン、パブロ・ピカソ、フランシス・ベーコン、エルンスト・ルートヴィヒ・キルヒナー、グラハム・サザーランド、エドヴァード・ムンチなどのアーティストです。
フォービズムは、表現主義のサブセットと見なすことができます。表現主義には、幅広い芸術と動きを含めることができ、本当に異なっているためにそれらを分離することはほとんど不可能です。それらは同じテクニックを使用し、同じ特性によって分類され、唯一の本当の違いは、表現主義の一般的な性質とは対照的に、フォービズムの特定の性質です。
Fauvistaと見なすことができるものは、表現主義の分野の一部である可能性があります。しかし、表現主義者と見なされるものは、必ずしもフォービスタスタイルではありません。 Fauvismはもう少しワイルドですが、より単純なテーマがあります。
したがって、偽りと表現主義は一つのことではありません。一方は単に他のバージョンの1つのバージョンであるため、彼らは互いに競合していません。
No.7キュービズム（1905–1920）
いくつかの指数： パブロ・ピカソ、ジョルジュ・ブラック
キュービズム、1907年から1914年の間にパリの芸術家パブロピカソとジョルジュブラックによって主に作成された20世紀の非常に影響力のある視覚芸術スタイル。 。視点のスコルゾ、モデリング、モデリング、そして芸術が自然を模倣すべきであるという古代の理論を明確に反論します。キュービストは、西洋の芸術の伝統が使い果たされ、彼らの仕事を活性化するために、彼らは他の文化、特にアフリカの芸術の芸術の表現力のあるエネルギーに頼ったと信じていました。
キュービズムは、批評家のルイ・ヴォクセルズによるコメントからその名前を導き出します。ルイ・ヴォクセルは、キューブで構成されている1908年のラックの家でブラックの作品を処分しました。ブラックの絵画では、家の巻、木の円筒形の形、茶色と緑のスキームは、ポール・セザンヌの風景を思い出します。しかし、1907年にピカソによって描かれたレズ・デモイゼル・ダヴィニョンで、新しいスタイルを予感させました。この作業では、5つの女性のヌードの形態は角度と骨折した形になります。
キュービズムは、2つの異なる段階で開発されたことがわかります。初期とより厳格な分析キュービズムと、合成キュービズムとして知られるキュービズムの後期です。分析キュービズムは1908年から12年までに開発されました。彼の芸術作品はより深刻に見え、飛行機と線の組み合わせによって形成されます。合成キュービズムはキュービズムの後期であり、一般に1912年から1914年にかけてのものであり、よりシンプルな形と明るい色によって特徴付けられていると考えられています。合成キュービストの作品には、通常、新聞などの実際の要素を組み合わせたものも含まれます。芸術に直接実際のオブジェクトを含めることは、現代美術の最も重要なアイデアの1つの始まりでした。
この新しい視覚言語の作成はピカソとブラックに起因していますが、フェルナンドレガー、ロバートとソニアデラウネ、フアングリス、ロジャーデラフレズナイ、マルセルデュシャン、アルバートグライス、ジャンメッツィンガーなど、多くの画家によって採用および開発されました。それは主に絵画に関連していますが、キュービズムは20世紀の彫刻と建築に深い影響を及ぼしました。主なキュービストの彫刻家は、アレクサンダー・アーキペンコ、レイモンド・デュシャン・ビロン、ジャック・リップチッツでした。スイスの建築家であるル・コルビュジエによるキュービストの美学の採用は、彼が1920年代に設計した家の形に反映されています。
1912年から13年の冬の間、ピカソは多数の紙コレズを実行しました。作曲に色付きまたは印刷された紙を貼り付けたこの新しいテクニックで、ピカソとブラックは、まだ「高い」分析作業に残っていた3次元空間（幻想主義）の最後の痕跡を一掃しました。
キュービズムによって開始された正式な解放の概念は、ドーダとシュルレアリスム、およびドイツ、オランダ、イタリア、イギリス、米国、ロシアで抽象化を追求するすべてのアーティストにとっても高い範囲の結果をもたらしました。
No.8ダダとシュルレアリスム（1917–1950）
ダダイスト
いくつかの指数：ヒューゴ・ボール、マルセル・デュシャン、エミー・ヘニングス、ハンス・アルプ、ラウル・ハウスマン、ハンナ・ヘッホ、フランシス・ピカビア、ジョージ・グロス
国際的な範囲と多様な芸術的生産、与えられたものとシュルレアリスムの両方は、20世紀初頭の芸術的、文学的、知的運動であり、モダニズムを定義するための基本でした。 1916年にトリスタン・ツァラやハンス・アープなどの詩人や芸術家によってチューリッヒで発売された与えられた運動は、第一次世界大戦の虐殺、宣伝、狂気に対する直接的な反応でした。一般的なアイデアにリンクされた独立したグループは、ニューヨークでまもなく現れました。 、ベルリン、パリ、その他の場所。これらのさまざまなグループは、普遍的なスタイルを共有していませんでしたが、理想主義、時代遅れの芸術的、知的慣習、および「合理主義」と「進歩」に現代社会の制御されていない抱擁の拒絶のためにつながりました。
チューリッヒ、スイス、ニューヨークに初期のセンターがあるヨーロッパの前衛芸術運動であることを考えると。
1916年にチューリッヒの辞書から抽出された名前は、フランス語で「ロッキングホース」またはルーマニアとロシア語で「はい」を意味します。しかし、動きの名前は本当に何の意味もありません。第一次世界大戦の大虐殺を生み出した文化にうんざりしていて、それがすべての神聖な牛に挑戦し、窓から表情と著者を投げかけ、チャンスと不条理を祝います。
ダダのルーツは、戦争前の前衛 - ガルドにあります。ダダの先駆者であるアンチアートという用語は、1913年頃にマルセル・デュシャンによって造られ、芸術の受け入れられた制限に挑戦する作品を特徴づけました。
ダダイスト運動には、公開会議、デモンストレーション、アート /文学雑誌の出版が含まれていました。芸術、政治、文化の情熱的な報道は、さまざまなメディアでしばしば議論されました。
このムーブメントは、前衛 - 中央音楽の動きやシュルレアリスムやポップアートを含むグループなどの事後スタイルに影響を与えました。
その後、シュルレアリスムが到着し、マルセルデュシャンなどのダダイストの反ダディッシュエネルギーを博物館に戻しました。これは、戦争の間でヨーロッパを荒廃させ、多くのメディアを抱きしめた大成功を収めたが必死の動きを引き起こしました。
シュルレアリスム
いくつかの指数：Max Ernst、AndréMasson、Salvador Dali、RenéMagritte
20世紀の最も重要で破壊的な動きの1つであるシュルレアリスムは、特に1920年代と1930年代に栄え、キュービズムの合理的で正式な資質に代わる根本的な代替品を提供しました。心の機能を探求し、不合理、詩的、革命的なものを擁護する20世紀の文学的、哲学的、芸術的運動。
それが多くの方法で生じたダダとは異なり、以前の伝統の悲観的ではなく、肯定的な拒絶を強調しました。
「シュールレアリスム」（「現実を超えて」を示唆する）という言葉は、1903年に書かれ、1917年に代表された作品でフランスのアバン詩人ギヨーム・アポリネールによって造られました。パリでは、彼のシュールなマニフェスト（1924）で、シュルレアリスムを次のように定義しました。純粋な精神的オートマチズムは、言葉で、書面で、または他の方法で、思考の本当の機能を表現することを提案しています。審美的および道徳的な懸念を超えて、理由で行使されたコントロールがない場合の思考の口述。
いくつかの異なるスレッドは、シュルレアリスムの視覚的な現れで区別できます。 Max ErnstやAndréMassonなどのアーティストは、意識的な制御が抑制され、潜在意識が制御を許可されているオートマチズムを支持しました。それどころか、サルバドール・ダリとルネ・マグリットは、表現されたシーンには本当の意味がない驚くべき感覚を追求しました。 3番目のバリエーションは、無関係な要素の並置であり、通常の現実の限界以外では実現不可能な現実を確立しました。もともとシュルレアリスムはパリで生まれました。その影響は、一連の国際的な雑誌や展覧会を通じて拡張されました。後者の最も重要な例である新しいバーリントン、ロンドン、ファンタスティックアートのファダでの国際的なシュール展、ニューヨークの博物館でのシュールレアリスム、どちらも作られました。 1936年。第二次世界大戦の勃発により、シュールレアリスムの活動の中心はニューヨークに移され、戦争の終わりに運動は一貫性を失いました。しかし、20世紀後半の抽象的な表現主義やその他の芸術的症状の側面で明らかに明らかな強力な影響力を維持しています。
多くの人は、識別可能な文化運動としてのシュルレアリスムは、1966年にブレトンの死で終わったと主張しています。他の人は、それが今日の重要で関連性のある力であると信じています。
No.9抽象表現主義（1940–1950）
いくつかの指数：ジャクソンポロック、クーニングウィレム、フランツクライン
「抽象表現主義」は、1940年代と1950年代にニューヨークで開発された運動の理想的なラベルではありませんでした。そして抽象的な形状だけでなく、活発なジェスチャー表現でキャンバスを攻撃した人たち。すべては、深い感情と普遍的なテーマから生まれた自己の表現として芸術にコミットしており、ほとんどがシュルレアリスムの遺産によって形成されました。これは、戦後の不安とトラウマの気分に適応する新しいスタイルに翻訳された動きです。彼らの成功において、これらのニューヨークの画家はパリを現代美術のリーダーとしてのマントルとして盗み、国際芸術の世界で米国の習得の舞台を準備しました。抽象的な表現主義は、ニューヨーク市の西洋美術の世界の中心としての影響の始まりを示しました。抽象的な表現主義芸術家の世界は、低いマンハッタンにしっかりと根ざしていました。 8番街に沿って散歩すると、ウォルドーフカフェテリアからそれを取ります。そこでは、お金のないアーティストがお湯と無料のケチャップで「トマトスープ」を作りました。同じ名前の画家によって設立されたハンスホフマンスクールオブプラスチックアーティストの後。クラブに、芸術に関する会議と激しい議論が夜遅くまで続いたロフト。ジャクソン・ポロックの研究はイースト8番街で行われ、クーニングとフィリップ・ガストン・ウィレムは東10日でしたが、フランツ・クラインはこの地域のいくつかの家や研究に移りましたが、ほとんどの夜、彼と多くの同時代の人々の同時代の人の多くがシーダー・ストリートの居酒屋で、大学のサイト。
このムーブメントには、技術と表現の品質の両方が変化する多くの異なる絵スタイルが含まれていました。彼らはしばしば抽象度の程度を使用します。つまり、それらは非現実的であるか、極端な形では、目に見える世界から抽出されていない形態を表しています（非目的）。彼らは自由で自発的で個人的な感情表現を強調し、この目標を達成するために技術と実行のかなりの自由を行使し、表現力のある品質を呼び起こす絵画のさまざまな物理的特性の搾取に特に重点を置いて（たとえば、官能性、ダイナミズム）。 、暴力、謎、叙情性）。
抽象表現主義に関連するほとんどのアーティストは、1930年代に成熟しました。彼らは当時の左翼政策の影響を受け、個人的な経験に基づいて芸術を大切にしました。以前の過激な政治的見解を維持する人はほとんどいませんでしたが、多くの人がフランク・アヴァン・ガルドの地位を採用し続けました。
抽象的な表現主義運動の多様性にもかかわらず、3つの一般的なアプローチを区別できます。 1つは、アクションペインティングは、スキャンまたはカットブラシストローク、およびキャンバスに直接塗料を滴下したりこじたりするなど、偶然に決定された技術における塗料のゆるい、高速、動的、またはエネルギッシュな取り扱いによって特徴付けられます。アーティスト：ポロック、クーニング。
抽象的な表現主義の平均用語は、より叙情的で繊細で流動的な形から、いくつかのさまざまなスタイルで表されます。アーティスト：Guston、Frankenthaler、Motherwell、Gottlieb。
3番目のあまり表現力の低いアプローチは、ロスコ、ニューマン、ラインハルトのアプローチでした。これらの画家は、広い領域、または畑、平らで細かい塗料、および透けた薄片を使用して、静かで微妙でほとんど瞑想的な効果を達成しました。
この運動は、絵画が点在する英雄的な男性アーティストに属する歴史的文書全体で主に表されてきましたが、1940年代と1950年代にニューヨークとサンフランシスコから生まれたいくつかの重要な女性の抽象表現主義者がいくつかありました。料金。
No.10ポップアート（1960）
いくつかの指数：アンディ・ウォーホル、ロイ・リヒテンシュタイン、ジェームズ・ローゼンキスト、クレース・オルデンバーグ
ポップアートは、ニューヨークのアーティストであるアンディ・ウォーホル、ロイ・リヒテンシュタイン、ジェームズ・ローゼンキスト、クレース・オルデンバーグから始まりました。
それは、芸術と文化の支配的なアプローチに対する反乱であり、芸術はどうあるべきかについての伝統的な意見でした。若い芸術家は、彼らが美術学校で教えてくれたこと、そして博物館で見たものは、彼らの人生や彼らが毎日見たものとは何の関係もないと感じました。代わりに、ハリウッド映画、広告、製品パッケージ、ポップミュージック、コミックなどのソースが画像を入手します。抽象表現主義者の人気の後、POP（メディアと大衆文化から抽出された）による特定の画像の再導入は、モダニズムの方向における重要な変化でした。
1957年、ポップアーティストのリチャードハミルトンは、「ポップアートの特徴」を友人への手紙にリストしました。 （忘れがたい）、低コスト、大衆、若い（若者に向けられた）、独創的で、セクシーで、純粋で、魅力的な、大企業。モダニズムの批評家は、このような「低い」テーマのポップアーティストの使用と、それに対する明らかにほとんど批判的な扱いで恐ろしいものでした。実際、ポップはアートを新しいテーマ別地域にもたらし、芸術でそれを提示する新しい方法を開発し、ポストモダニズムの最初の症状の1つと見なすことができます。
彼らは同様の問題に触発されましたが、英国のポップはしばしば独特のアメリカのポップと見なされます。イギリスの初期のポップアートは、遠くから見られたアメリカの大衆文化によって推進されていましたが、アメリカの芸術家は、彼らが見たものに触発され、その文化の中で生活したことに触発されました。米国では、ポップスタイルは代表的な芸術（視覚世界を認識可能な方法で表現した芸術）と、抽象表現主義の絵のゆるさの後のハードエッジとさまざまな形の使用への復帰でした。非人格的でありふれた画像を使用することで、ポップアーティストは抽象表現主義を特徴付ける個人的な感情や個人的な象徴性への重点からも逃げたいと考えていました。イギリスでは、このアプローチにおいてこの運動はより学問的でした。皮肉とパロディを使用している間、彼はアメリカの人気のあるイメージと、人々のライフスタイルを表現する人々の力にもっと焦点を合わせました。 50年代のアートグループである独立グループ（IG）は、イギリスのポップアートムーブメントの前身と見なされています。ポップアートはダダの子孫でした。
ほとんどのポップアーティストは、作品における非人格的で都市の態度を目指していました。しかし、ポップアートのいくつかの例は社会的批判を微妙に表明しました。たとえば、オルデンブルクの倒れたオブジェクトや同じ平凡なイメージのウォーホルの単調な繰り返しは間違いなく邪魔な効果を持ち、神秘的で孤独なセガルの幹部として、彼らは公然と表現主義者です。
おそらく、商業画像が組み込まれたため、ポップアートは現代美術の最も有名なスタイルの1つになりました。
No.11ポストモダニズム（1970–）
いくつかの指数：Gerhard Richter、Cindy Sherman、Anselm Kiefer、Frank Gehry、Zaha Hadid
空のマリリン ©ジェームズ・ギル
ポストモダニティが定義できないことは真実です。ただし、存在、アイデンティティ、歴史的進歩、確実性認識、意味の単動性などの他の概念を不安定にするために、違い、繰り返し、トレース、シミュレーション、ハイパーリアリティなどの概念を使用する批判的、戦略的、および修辞的実践のセットとして説明できます。
「ポストモダニストアート」という用語は、約1970年以降に作成された現代アートの幅広いカテゴリーを指します。 「ポストモダニストアート」の独特の印章は、その前身である「現代美術」（1870-1970）が基づいている美学の拒否です。これらの拒否された価値の1つは、「芸術」は「人気のある味のように「特別な」ものである」という考えです。一連の新しい技術開発と一致して、ポストモダニズムは、「コンセプチュアルアート」、さまざまなタイプの「パフォーマンスアート」、「インスタレーションアート」など、新しいメディアや新しいアート形式を使用した50年近くの芸術実験につながりました。脱構築主義や投影芸術などの動き。これらの新しい形式を使用して、ポストモダンのアーティストは、芸術の定義を「すべてが価値がある」という点に拡大しました。
ルネッサンスの後の最初の重要な芸術スタイルは、アカデミーの教師によって教えられた古典的な素材であるアカデミックアートでした。アカデミックアートは、伝統的な「スーツとネクタイ」に相当する芸術的なものです。次に、1870年頃には「現代美術」が登場します。これは、「シャツとズボン」または「ジャケットとパンツ」に相当する芸術的なものです。次に、1970年頃には、「ジーンズとTシャツ」に相当する芸術的な「ポストモダンアート」が登場します。衣料品コードが形式的ではなくなり、「すべてが価値がある」ようになっているのと同じように、今日のアーティストは、芸術がどうあるべきかという古いアイデアにあまり感銘を受け、それが気づくよりも何か（何でも）を作ることに集中しています。
反著者は本質的に、ポストモダニズムは、芸術がどうあるべきかのスタイルまたは定義の権威を認識することを拒否しました。高い文化と大衆文化の区別は、芸術と日常生活の間で崩壊しました。ポストモダニティはスタイルに関する確立されたルールを破ったため、自由の新しい時代と「すべてが価値がある」という感覚を導入しました。しばしば面白い、皮肉な、またはばかげています。それは矛盾しており、物議を醸す可能性があり、味の限界に挑戦します。しかし、最も重要なことは、それがスタイル自体の自己認識を反映していることです。多くの場合、さまざまなスタイルと芸術的で人気のあるメディアをミックスして、ポストモダニストアートは、過去のさまざまなスタイルについて意識的または意識的に、または皮肉なことにコメントすることもできます。したがって、ポストモダンの人は、非エリートグループの等しく有効な視点に関するイラストの言説の不公平な覇権を認識できるため、彼らの理論的立場は非常に包括的で民主的であると考えています。
1980年代と1990年代に、いくつかの民族、文化、人種、宗教団体の名の下にある学術擁護者は、現代の西洋社会に対するポストモダンな批判を採用し、ポストモダニズムは「アイデンティティ政策」の新しい運動の非公式哲学になりました。
クアドロス ©、あなたの壁に有名な絵の具。
