アートヌーボーの始まり
アートヌーボーの出現 - 文字通り「新しい芸術」 - は2つの異なる影響に起因する可能性があります。最初のものは、1880年頃、アートヌーボーのように、異常デザインに対する反応でした。ビクトリア朝時代の装飾的な芸術作曲。
2つ目は、日本の芸術の現在のファッション、特に木製の彫刻でした。これは、1880年代と1890年代に多くのヨーロッパのアーティストを席巻しました。これには、Gustav Klimt、EmileGallé、James Abbott McNeill Whistlerなどのアーティストが含まれます。特に、木製のブロックに日本の彫刻には、花と球根の形が含まれており、「鞭」曲線が含まれており、最終的にはアートヌーボーになるもののすべての重要な要素が含まれていました。
アートヌーボージャパニーズ - 北朝鮮のカツシカの波
芸術ヌーボーが正式に立ち上げた最初の芸術作品を指摘することは困難です。ヴィンセント・ヴァン・ゴッホとポール・ガウギンの絵画に見られる刻印された流動的なラインと花の資金は、アート・ヌーボーの誕生、あるいはおそらくムーラン・ルージュなどのアンリ・デ・トゥールーズ・ラウトレックの装飾的なリトグラフを表していると主張する人もいます。 1891）。
しかし、大半は装飾芸術の起源、特に建築家の本のダストジャケットと 英語のデザイナーアーサーヘゲートマックマード 1883年のレンの都市教会のボリュームのために。
マックマード、アーサー：アートヌーボーの最初の表現として帰属
この本のデザインは、ページの下部にある平らなブロックから発せられる蛇の茎の茎を示しています。
アートヌーボー展
アートヌーボーは、そのピーク時の国際的な展示会でしばしばより目立ちました。新しいスタイルは、5つのプライベートフェアで中央の舞台を楽しんでいました。パリでの1889年と1900年のユニバーレーズ展示会。ブリュッセルでの1897年のTervuerenの露出。ここでは、芸術ヌーボーが主にベルギーのコンゴのエキゾチックな森で工芸品の可能性を示すために使用されていました。 1902年のトリノの現代装飾芸術の国際展示。 1909年のフランスのナントでの国際展示会。
これらのフェアのそれぞれで、このスタイルは装飾的な芸術と建築の観点から支配的であり、1902年にトリノでは、アートヌーボーは、他の除外を除いて、実質的にすべてのデザイナーとすべての国が代表するすべての国によって選ばれたスタイルでした。
現代装飾芸術の国際展示
アートノウ
Veau：千の名前の芸術の流れ
ドイツの商人であり、パリに居住している日本の芸術の認識であるジークフリードビンは、1895年12月にL'Art Nouveauと呼ばれる店をオープンしました。すぐに、店の名前はフランス、イギリス、米国のスタイルと同義語になりました。しかし、西ヨーロッパおよび中央ヨーロッパでのアートヌーボーの大人気は、いくつかの異なるタイトルがあることを意味していました。ドイツ語を話す国では、一般的に呼ばれていました Jugendstil （青少年スタイル）、それを普及させたJugendと呼ばれるMunich Magazineから撮影。一方、ウィーンでは、Gustav Klimt、Otto Wagner、Josef Hoffmann、およびViennaの離脱の他の創設者によるHogarは、 sezesssionstil （分離スタイル）。
としても知られていました モダニズム スペイン語では、カタロニア語のモダニズムと Stile Floreale （フローラルスタイル）または かわいい自由 イタリアでは、後者はロンドンのアーサーリバティファブリックストアからのスタイルの普及に役立ちました。フランスでは、一般的に呼ばれていました スタイルmodrne そして時々 スタイルギマード 彼の最も有名な開業医である建築家ヘクター・ギマードを称えて、オランダにいる間、彼は通常呼ばれています Nieuwe Kunst （新しいアート）。
彼の多くの中傷者も彼にいくつかの軽rog的な名前を与えたことに注意すべきです。 スタイルヌーイユ （ヌードルスタイル）フランスの、 薄暗いstijl （ウナギスタイル）ベルギーで Bandwurmstil （テニアスタイル）ドイツでは、芸術ヌーボーがしなやかで流動的なラインを使用する傾向に遊び心のある言及をしたすべての名前。
アートヌーボー：概念、スタイル、トレンド
19世紀の終わりの芸術ヌーボーの遍在は、グラフィックアーツに見られる人気のある簡単な方法で作る人気のある多くのアーティストの使用によって部分的に説明されなければなりません。ドイツでは、ピーター・ベーレンズやヘルマン・オブリストなどのジュゲンツシュートのアーティストが、本の表紙や展示カタログ、雑誌、ポスター広告に彼らの作品を印刷しました。
しかし、この傾向はドイツに限られていませんでした。英語のイラストレーターであるオーブリー・ビアズリーは、おそらくエロティックと不気味の彼の組み合わせで最も物議を醸すアート・ヌーボーの姿であり、彼の短いキャリアの中で、優雅でリズミカルなラインを使用した一連のポスターを作成しました。 Beardsleyの非常に装飾的なプリントは、Peacock Skirt（1894）は同時に退廃的かつシンプルであり、アートヌーボーと日本 /彫刻されたUkiyo-Eを識別できる最も直接的なリンクを表しています。
オーブリー・ビアズリーのピーコックスカート - アートヌーボー
フランスでは、ジュール・シェレット、アンリ・デ・トゥールーズ・ラウトレック、ピエール・ボナード、ビクター・プルーヴェ、テオフィール・スタインレンなどのポスターとグラフィック制作が、1890年から1914年にかけての約1890-1914の間の時代の豪華で退廃的なライフスタイルを普及させました。パリ北部にあるキャバレードモンマルトルの卑劣な地区があります。
彼のグラフィック作品は、新しいクロモリトグラフィー技術を使用して、電話や電灯などの新しいテクノロジーからバー、レストラン、ナイトクラブ、さらには個々のアーティストまで、現代生活のエネルギーと活力を呼び起こしました。その過程で、彼らはすぐに歩行者の発表の列のポスターをハイアートに上げました。
アートヌーボーのモダニズム建築
グラフィックと視覚芸術に加えて、アートヌーボーに関する真剣な議論は、建築とそれがヨーロッパの文化に与える大きな影響を考慮すべきです。パリ、ブリュッセル、グラスゴー、トリノ、バルセロナ、アントワープ、ウィーンなどの都市部、およびナンシーやダルムシュタットなどの小さな都市と、リガ、プラハ、ブダペストなどの東ヨーロッパの場所、アートノーボーーなどの小さな都市で建築は、大きさと明らかに見えるように、大部分が普及しており、今日でも、大きな施設や商業の建物に付着した小さな家と同じように多様な構造に見られます。特に建築では、アートヌーボーはさまざまな言語で展示されていました。
多くの建物には、テラコッタとカラフルなタイルの驚異的な使用が組み込まれています。たとえば、フランスの陶芸家アレクサンドルの偏執者は、パリのアパートの住居や建物のファサードと煙突のためのテラコッタの装飾品の生産により、大部分が有名になりました。特にフランスとベルギーの他の芸術ヌーボーの構造は、ヘクター・ギマードとビクター・ホルタが重要な実践者であったため、ガラスパネルでリンクされた鉄の構造で技術的な可能性を示しています。
BatllóCasa-バルセロナ - アートヌーボー
ヨーロッパの多くの地域では、アートヌーボーの住宅建築は、黄色の石灰岩や木製のモールディングを備えたランダムコースの田舎の田舎の美学など、地元の石の特徴でした。そして、いくつかのケースでは、特に1900年のパリの普遍的な展覧会のパビリオンやウィーン・離脱建物などの展示会に使用されるアート・ヌーボーの建物で、彫刻の白いスタッコの皮が使用されました。米国でさえ、ウェインライトビルやシカゴ証券取引所など、ルイサリバンの高層ビルを飾る植物形式は、しばしばアートヌーボーの広い建築範囲の最良の例にカウントされます。
シカゴ証券取引所の残りのアーチ - アートヌーボー
アートヌーボースタイルの家具とインテリアデザイン
ビクトリア朝の文体的なリボーンや芸術と工芸の動きのように、アート・ヌーボーは、少なくともアウター・ファサードでは、少なくとも目立った室内装飾と密接に関連していた。また、19世紀のこれらの他のスタイルと同様に、インテリアアールヌーボーは、無傷の表面を離れない調和のとれた首尾一貫した環境を作るのに苦労しました。家具のデザインは、この点で、特に鋭く不規則な輪郭を提示した彫刻された木材の生産で、しばしば手作りであるが、時には機械で作られた彫刻された木材の生産で中心的な場所を占めていました。家具メーカーは、ベッド、アームチェア、ダイニングテーブルと椅子、キャビネット、横向き、ろうそく脚など、考えられるすべての用途に合わせて作品を生産しました。デザインのしなやかな曲線は、しばしば木材の天然静脈に供給され、しばしば壁パネルとモールディングとして永続的に設置されました。
フランスでは、アートヌーボーの主なデザイナーには、ナンシーに拠点を置くルイ・マジョルレ、エミール・ガレ、オジェーン・ヴァリン、トニー・セルマーズハイム、エドゥーアード・コロンナ、エウゲヌ・ガイヤールが含まれていました。彼はパリで働いていました。 'アートヌーボー、その後、ムーブメント全体に最も一般的な名前を与えます。
デザイナーの家具 - ルイ・マジョルレ・アール・ヌーボー
ベルギーでは、イギリスの芸術芸術家の作品を賞賛したグスタブ・セルリエ・ボヴィとヘンリー・ヴァン・デ・ヴェルデのデザインで、頸部むち打ち症ラインと最も角張った輪郭が見られます。イタリア人のアルベルト・ブガッティとオーガスティーノ・ラウロは、そこでのスタイルでの侵入でよく知られていました。これらのデザイナーの多くはメディアの間で自由に動いたため、多くの場合、分類を困難にしました。たとえば、マジョローレは独自の木製家具デザインを製造し、馬蹄を融解しました。
アルベルト・ブガッティ家具アートヌーボー
アートヌーボーの絵画とハイアート
ほとんどすべての形式の視覚メディアとマテリアルメディアでアートヌーボーのように完全に表現されると主張できるスタイルはほとんどありません。主にグラフィック、建築、デザインで働いていた人々に加えて、アートヌーボーには絵画に傑出した代表者がいます。たとえば、ウィーン・グスタフ・クリムトの分離主義者、ホープIIとキス（1907 - 08年の両方）、そして知られています。フランスのビクター・プーヴェ。
クリムトの希望II-アートヌーボー
しかし、アートヌーボーの画家は互いに遠く離れていませんでした。クリムトは実質的に学生やフォロワーを持っていませんでした（エゴン・シーレは表現主義の方向にいました）。一方、芸術ヌーボーは、歴史の他のどのスタイルよりも、装飾芸術のギャップを減らすか、功利主義的なオブジェクトに適用され、絵画、彫刻、建築、芸術の細かく装飾的な芸術が責任を負っていると言えます。伝統的に、より重要で純粋な才能と芸術的スキルの表現と見なされていました。そのギャップが完全に閉じられていれば議論の余地がありました。
ビクター・プルー・アール・ヌーボー・ドローイング
アートヌーボージュエリーとガラス製品
アートヌーボーの贅沢な評判は、歴史上最も有名なガラスアーティストの一部による搾取でも明らかでした。エミール・ガレ、ダウム・ブラザーズ、ティファニー、ジャック・グルーバーは、少なくとも部分的には、彼らのアート・ヌーボー・グラスと多くの功利主義的な形でのアプリケーションを通して最初に有名になりました。ガレーとダウムの企業は、花瓶のデザインとガラス芸術で評判を確立し、酸性のある表面を覚えた作品の新しいテクニックの先駆者であり、半透明な色調の間を簡単に流れていると思われます。
ダウムとティファニーの兄弟は、ランプスクリーンやデスクトップの調理器具など、功利主義の目的でガラスの芸術的可能性を利用しました。ティファニーとジャック・グルーバーの両方が、宝石のダウム・ブラザーズとナンシーを訓練し、ルネ・ラリック、ルイ・コンフォート・ティファニー、マルセル・ウルファーズと一緒に、世紀の変化の最も貴重な作品のいくつかを作成し、イヤリングからすべてを生み出しましたネックレス、ブレスレット、ブローチには、彼の遍在性が普遍的にアクセスできることを期待しているにもかかわらず、アートヌーボーが常にシエークルの終わりのように関連していることを保証します。
アートヌーボーのコーポレートアイデンティティ
アートヌーボーは同時に名声に飛びつき、小売セールが拡大して本当に大規模な視聴者を引き付けました。彼は、19世紀の終わりに設立された主要な都市部屋の多くで、パリのサマリタイン、ベルリンのヴェルトハイム、ナンシーのマガシンズ・レニスを含む傑出した場所を所有していました。
さらに、パリのシーグフリードビンにあるラートヌーボーストアから始めて、最も有名なデザインポイントのいくつかによって積極的に販売されていました。ビングの死。彼は、インテリアや家具アートヌーボーに特化した都市で唯一の店ではありませんでした。
一方、Liberty＆Co。は英国とイタリアのスタイルオブジェクトの主要なディストリビューターであり、その結果、Libertyの名前はスタイルとほぼ同義語になりました。
Liberty＆Co-アートヌーボー
多くのデザイナーアートヌーボーは、他の方向に移動する前に、これらの小売業者のみで有名に活動するようになりました。たとえば、建築家のピーター・ベーレンズは、ティーポットからブックカバー、広告ポスター、展示パビリオン、道具、家具のインテリアまで、実質的にすべてを設計し、1907年に彼がデザインの仕事全体を担当したときに最初の工業デザイナーになりました。 AEG、ドイツの電気将軍。
文化に対する芸術ヌーボーの影響：何が後に来たのか
アートヌーボーが19世紀の過去5年間にヨーロッパにすぐに攻撃を受けた場合、20世紀の最初の10年間にアーティスト、デザイナー、建築家が彼をすぐに放棄しました。
その実践者の多くは、「フォームは機能に従わなければならない」彼らの精神の中心に従わなければならないが、一部の設計者は装飾の使用に贅沢になる傾向があり、スタイルはあまりにも精巧であると批判され始めました。ある意味では、スタイルが成熟するにつれて、それはそれが軽spしたのと同じ習慣に戻り始め、デザインを更新する代わりに、老人が単に表面的に新しい人のために変化したことを断言し始めました。新しい大量生産方法を使用しても、アートヌーボーのデザインの多くに関与する集中的な工芸品は、その指数が当初予想していたため、大規模な視聴者が実際にアクセスできるようになることを妨げました。場合によっては、Darmstadtのように、LAX国際著作権法は、アーティストがデザインから金銭的に利益を得ることを妨げました。
展示会とのアートヌーボー協会も、その破滅にまもなく貢献しました。まず、フェアの建物のほとんどは、イベントの閉鎖直後に取り壊された一時的な構造でした。しかし、さらに重要なのは、展示会自体が、国際教育、理解、平和を促進するという口実の下で開催されたものの、展示会の本質的に比較的な性質のために、国家間の競争と競争を養う傾向がありました。フランスとベルギーを含む多くの国は、アート・ヌーボーを「国家スタイル」の称号の潜在的な候補者と見なしました。デザイナーのベルギー人とドイツの商人、そして時にはそれは社会主義の建物で使用されているスタイルであり、彼に対する世論に戻っていました。 1910年に、彼が専用の地元のスポンサーの献身的なサークルを楽しんだいくつかの顕著な例外を除いて、ヌーボーはヨーロッパのデザインのパノラマからほぼ完全に姿を消しました。
Werkstätteからアールデコまで
アートヌーボーの死はドイツとオーストリアで始まり、ピーター・ベーレンズ、ヨーゼフ・ホフマン、コロマン・モーザーなどのデザイナーがより冷静でより深刻な美学を採用し始めました。より正確な、産業的なインスピレーションは、自然に開かれたあらゆる参照を省略しました。
マシン製のデザインの品質のこの理由は、1907年に2つの重要なイベントによって強調されました。AEGの企業デザイン全体のヘッドとしてのBehrensの設置、建物から製品、広告まで、世界で最初の工業デザイナーになりました。そして、標準化に基づいて製品のシステムを定義しようとしている産業家とデザイナーとの間の正式な同盟であるドイツのヴェルクバンド財団。古典主義への新しい敬意と組み合わさって、1893年のユニバーサルシカゴ展に触発され、米国の都市の美しい運動の公式の祝福に触発されたこの美学に触発されたこの美的は、最終的に第一次世界大戦後に発展します。遅れて電話してください アールデコ.
その純粋に商業的なキャラクターは、1925年にパリで開催された国際的な展示Des Arts Decoraratifs et Industries Modernesでより簡潔に表現されました。 アールデコ。 1893年のシカゴユニバーサル展に触発された古典主義への新しい敬意と、米国の都市の美しい運動の公式の祝福に触発されたこの美学は、最終的に第一次世界大戦後、私たちが呼んでいるスタイルで発展するでしょう。遅い アールデコ.
芸術のポストモダンの影響 ヌーボー
彼の短い人生にもかかわらず、アート・ヌーボーは、グラフィックアートに普及した制限的で、厳しく、非人格的で、ますますミニマリストの美学から自分自身を解放したいと思っていたデザイナーにとって、1960年代と1970年代に影響力があります。芸術の自由で制御されていない流れの線形性質は、ピーター・マックスのようなアーティストのインスピレーションとなりました。ピーター・マックスのようなアーティストの代替サイケデリックと夢の経験の喚起は、世紀の初めの自由な流れの想像力豊かな、はかない、自由な美的世界を思い出します。
芸術と建築の両方におけるモダニズムの発展の重要なステップとして常に認識されていました。今日、芸術ヌーボーは芸術時代の移行橋としてあまり理解されておらず、一定の時間のスタイル、精神、知的思考の表現です1900年の世紀の帰還に焦点を合わせたフレーム。本当に現代の美学を確立するための捜索において、芸術 ヌーボー それは当時のつかの間の瞬間の決定的な視覚言語になりました。
クアドロス ©、あなたの壁に有名な絵の具。
