I 10 dipinti più famosi di Gesù

La figura di Gesù è una delle più iconiche della storia. 

L'arte attorno all'immagine di Gesù Cristo è stata idealizzata da artisti dilettanti e grandi insegnanti.

Come è possibile mostrare sulla tela una figura che è sia omergente che sia completamente divina? Questo tipo di audacia artistica è persino audace di provare.

Gli artisti che hanno dipinto nella tradizione cristiana hanno fatto esattamente questo per due millenni.

I 10 dipinti più famosi di Gesù

Questo è uno sguardo ai 10 dipinti di Gesù più famosi nel corso della storia, secondo la classificazione fatta dagli esperti di Kuadros.

# 1 L'Ultima Cena - Leonardo da Vinci

Il dipinto più famoso di Gesù Cristo è senza dubbio L'ultima cena di Leonardo da Vinci.

Il lavoro ricrea l'ultimo incontro di Pasqua tra Gesù e i suoi apostoli, dalla storia descritta nel Vangelo di Giovanni, capitolo 13. L'artista ha immaginato ed è riuscito a esprimere, il desiderio che è attorno alle menti degli apostoli di sapere chi è tradendo il suo insegnante.

Dipinto alla fine del XV secolo come un murale sulle pareti del refettoria del convento di Santa Maria Delle Grazie a Milano.

I dipinti affreschi vengono generalmente creati applicando il pigmento su Intonaco, un sottile strato di intonaco calmo umido.

Questa è normalmente la migliore tecnica da usare, poiché consente all'affresco di prendersi cura della respirazione naturale o della sudorazione che rende un muro mentre l'umidità si muove verso la superficie.

Tuttavia, all'ultima cena, Da Vinci decide di usare la vernice ad olio poiché questo materiale si asciuga molto più lentamente, il che gli ha permesso di lavorare nell'immagine in un modo molto più lento e dettagliato.

Leonardo sapeva che l'umidità naturale che penetra nella maggior parte degli edifici del muro di pietra avrebbe dovuto essere sigillata se avesse usato dipinti ad olio, o l'umidità avrebbe finito per rovinare il suo lavoro.

Quindi l'artista ha aggiunto un doppio strato di intonaco, stucco e rottura per combattere il deterioramento dell'umidità.

Nonostante ciò, l'opera d'arte ha dovuto essere ripristinato molte volte nella sua lunga storia.

Oggi c'è molto poco dello strato superiore iniziale di vernice ad olio a causa di danni ambientali e anche deliberati.

#2 Transfigurazione - Rafael

Trasfigurazione di Rafael È l'opera finale del grande artista rinascimentale Rafael che è stato commissionato dal cardinale Giulio de Medici della dinastia dei Banqueros dei Medici.

Inizialmente l'opera d'arte era concepita come una pala d'altare centrale della Cattedrale di Narbonne in Francia e ora pende sul Vaticano Pinacoteca nella città del Vaticano.

Dopo la morte di Rafael, il dipinto non fu mai inviato in Francia e il cardinale lo appese invece nell'altare principale della Beata Amadeo Church di San Pietro a Montorio, Roma nel 1523.

Tuttavia, nel 1797 il dipinto fu preso dalle truppe francesi come parte della campagna italiana di Napoleone e successivamente appeso al Louvre.

Si può considerare che il dipinto riflette una dicotomia al livello più semplice: la forza redentrice di Cristo, simboleggiata dalla purezza e dalla simmetria della metà superiore del dipinto. Ciò contrasta con le carenze dell'uomo, simboleggiate nella metà inferiore da scene cupo e caotiche.

La trasfigurazione è legata a storie successive del Vangelo di Matthew. La parte superiore del dipinto rappresenta Cristo elevato di fronte a nuvole ondulate e illuminate, ed entrambi i lati sono i profeti Elia e Mosè. Nella parte inferiore del dipinto, gli apostoli sono rappresentati, provando senza successo, di cavalcare il bambino posseduto da demoni. La parte superiore mostra a Cristo trasfigurato, che sembra fare un miracolo, guarire il bambino e liberarlo dal male.

Le dimensioni della trasfigurazione sono colossali, 410 x 279 cm. Rafael preferiva dipingere su tela, ma questo dipinto era realizzato con dipinti ad olio sul legno come media scelti. Rafael ha effettivamente mostrato indicazioni e tecniche di manierismo avanzate del periodo barocco in questo dipinto.

Le pose stilizzate e contorte delle figure medi indicano il manierismo. La drammatica tensione all'interno di queste figure e l'uso liberale della luce e dell'oscurità, o contrasti di chiaroscuro, rappresentano il periodo barocco del movimento esagerato per produrre drammaticità, tensione, esuberanza o illuminazione. In realtà la trasfigurazione è stata avanzata al suo tempo, così come la morte di Rafael, che è arrivata troppo presto.

Questo lavoro sarebbe l'ultimo dipinto di Rafael, che avrebbe lavorato su di lei fino alla sua morte nell'aprile del 1520.

La pulizia del dipinto dal 1972 al 1976 mostrò che solo alcune figure in basso a sinistra furono completate dai partecipanti, mentre la maggior parte del dipinto proveniva dall'artista stesso.

#3 Giudizio finale - Miguel Ángel

Il giudizio finale di Miguel Ángel È sul muro dietro l'altare nella cappella Sistina. La sua rappresentazione della seconda venuta di Cristo in "Il giudizio finale" ha generato controversie immediate dalla Chiesa cattolica della contro -reformazione.

Miguel Angel ha dovuto dipingere la fine dei tempi, l'inizio dell'eternità, quando il mortale diventa immortale, quando quelli eletti si uniscono a Cristo nel loro regno celeste e quelli condannati vengono gettati nei tormenti infiniti dell'inferno. 

Nessun artista nell'Italia del XVI secolo era meglio posizionata per questo compito di Miguel Ángel, la cui lavoro finale ha sigillato la sua reputazione di più grande insegnante della figura umana, in particolare il nudo maschile. Papa Paolo III ne era molto consapevole quando ha accusato Miguel Ángel di rivalutare il muro dell'altare della cappella con il giudizio finale. Con la sua attenzione alla risurrezione del corpo, questo era il tema perfetto per Miguel Ángel.

La potente composizione, si concentra sulla figura dominante di Cristo, catturata all'epoca precedente a quella pronunciata dal verdetto del giudizio finale.

Il suo gesto tranquillo e imperativo sembra attirare l'attenzione e placare l'agitazione circostante. Nell'immagine inizia un ampio movimento rotante lento in cui tutte le figure intervengono. Le due finestre superiori sono escluse con gruppi di angeli che trasportano in volo i simboli della passione (a sinistra la croce, le unghie e la corona delle spine; a destra la colonna della flagellazione, le scale e la lancia con la sponge preso di mira in aceto).

Al centro della sezione inferiore ci sono gli angeli dell'Apocalisse che svegliano i morti con il suono delle trombe lunghe. Sulla sinistra i risuscitati recuperano i loro corpi mentre salivano verso il cielo (risurrezione della carne), agli angeli destro e ai demoni combattono per far cadere quelli infernali. Alla fine, in profondità con i loro remi, insieme ai loro demoni, fa sì che i condannati lasciassero la loro barca per guidarli davanti al giudice infernale Minos, il cui corpo è avvolto nelle spirali del serpente.

Il riferimento in questa parte all'inferno della divina commedia di Dante Alighieri è chiaro. Oltre agli elogi, il giudizio finale ha anche causato reazioni violente tra i contemporanei. Ad esempio, il maestro delle cerimonie Biagio Da Cesena ha affermato che "era il più disonesto in un posto così onesto da aver dipinto così tante figure nude che la loro vergogna si mostra in modo così disonesto e che non era un'opera per una cappella del papa ma per stufe e taverne "(G. vasari, vite). Le controversie, che continuarono per anni, prese nel 1564 la decisione della congregazione del Consiglio di Trento di aver coperto alcune delle cifre del processo che erano considerate "oscene".

Il compito di dipingere le tende del tetto, la così chiamata "Braghe" (pantaloni) è stato affidato a Daniele da Volterra, da allora noto come "Braghetone". "Braghe" di Daniele furono solo i primi ad essere realizzati. In effetti, molti altri furono aggiunti nei prossimi secoli.

#4 Cristo Caricamento della croce - El Greco

Durante la sua lunga carriera in Spagna, il Greco fece numerosi dipinti di Cristo che trasportavano la croce. Cristo caricando la croce È un'immagine di perfetta umanità. Il lavoro si distingue per le caratteristiche dell'ictus con cui il pittore usa il colore per modellare i volumi e distorce i corpi per riflettere il desiderio spirituale del carattere.

Il Greco dipinge gli occhi di Cristo con lacrime drammatiche ed esagerate. I suoi occhi sono l'elemento chiave della pittura, poiché esprimono molta emozione.

C'è un delicato contrasto tra le sue spalle robuste e la bellezza femminile delle sue mani. Tuttavia, non ci sono segni di dolore sul viso. Proprio come le loro mani passive non esprimono angoscia o sforzi per trasportare la croce.

Il Greco trasformò l'immagine di Cristo sopraffatto e dolorante dalla pesante croce a chi è calmo e pronto ad affrontare il suo destino. La serenità di Cristo prima del suo sacrificio invita lo spettatore ad accettare il proprio destino in momenti di paura e dubbio. 

#5 CROCRIFICATO Cristo - Diego Velázquez

Questa immagine intensamente potente di Gesù sulla croce è stata dipinta durante il periodo creativo che ha seguito il primo viaggio stimolante di Velázquez in Italia. A differenza dei suoi altri nudi maschi che sono apparsi in dipinti come l'Apollo nella fucina di Vulcano e la tunica di Giuseppe, il suo Cristo sulla croce è un corpo morto o morente. Ciò non è accompagnato da altri elementi narrativi tranne la croce stessa. Tuttavia, l'artista riesce a fornire il lavoro di grande dignità e serenità.

Si ritiene che il lavoro fosse una commissione per la sagrestia del convento di San Plácido, la posizione austera del Cristo crocifisso Presenta quattro chiodi, i piedi insieme e apparentemente supportati da un piccolo scaffale di legno, che consente alle braccia di formare una curva sottile, anziché un triangolo. La testa è incoronata da un alone, mentre il viso poggia sul petto, lasciandoci intravedere. I suoi capelli dritti e dritti pendono sul lato destro del viso, il suo percorso posteriore è disegnato dal sangue che gocciola la ferita sul lato destro.

L'immagine è insolitamente autobiografica nel senso che illustra tutte le principali influenze nel dipinto di Velázquez. Per cominciare, ricorda il tono devozionale e l'iconografia delle vernici assorbite durante i loro primi anni a Siviglia sotto Francisco Pacheco, un membro attivo dell'Inquisizione spagnola.

In secondo luogo, riflette la sua capacità di dipingere figure acquisite in Spagna dallo studio degli artisti del Rinascimento spagnolo e, in Italia, dell'arte dell'antichità classica, dell'arte dell'alto rinascimento a Roma e Venezia, e del Caravaggio Lavora a Roma e Napoli. 

L'influenza del classicismo nell'opera è mostrata nella calma generale del corpo e nella sua posizione idealizzata. L'influenza del caravaggismo diventa evidente nell'oscurità drammatica che focalizza tutto il corpo pallido di Cristo.

È vero che l'immagine non ha il dramma caratteristico della pittura barocca, che si vede in opere religiose come la crocifissione di San Pietro o il Discesa incrociata. Invece, ha una qualità scultorea monumentale che la eleva, secondo la spiritualità del soggetto. La composizione è assolutamente semplice ma con un vivido contrasto tra il corpo bianco e lo sfondo oscuro, e c'è naturalismo nel modo in cui la testa di Cristo cade sul suo petto. I capelli aggrovigliati sono dipinti con la facilità che Velázquez aveva visto e ammirato in prima persona in esempi di pittura veneziana.

Velázquez ha vinto la reputazione di essere uno dei migliori ritrattisti in Spagna, diventando il pittore ufficiale di Felipe IV (regnante tra il 1621 e il 1640) e, alla fine, nel più grande rappresentante del dipinto spagnolo del periodo barocco. Tuttavia, nonostante il fatto che l'arte religiosa fosse particolarmente importante in Spagna, un paese la cui monarchia dominante era orgogliosa di essere uno dei principali sponsor dell'arte della contro -reforma cattolica, Velázquez ha dipinto relativamente pochi dipinti religiosi notevoli.

Invece, l'artista ha dipinto il mondo intorno a lui, specializzato nell'arte del ritratto, un po 'di pittura di genere (morti vite) e qualche altro dipinto di storia. Ironia della sorte, data la carenza delle sue opere religiose, è stato più influenzato dal genio italiano Caravaggio, che si distingue principalmente per la sua arte biblica, eseguito in uno stile aggressivamente realistico. Velázquez è stato anche fortemente influenzato dalle idee della rinascita italiana ottenuta dal suo insegnante sevilliano Francisco Pacheco.

 

#6 Cristo Caricamento della croce - Tiziano 

Nel 1508 o nel 1509, Tiziano ha dipinto un olio noto come Cristo caricando la croce. Le vere origini della pittura sono in qualche modo misteriose, e anche diversi storici dell'arte lo hanno talvolta attribuito a un altro pittore italiano, Giorgione. Entrambi i pittori appartenevano a una gilda di artisti legata a scuola e alla chiesa, entrambi agì allo stesso tempo e luogo, ed è probabile che il lavoro fosse espressamente dipinto per l'istituzione. Un altro mistero sulla pittura ad olio è che si diceva che avesse miracolose capacità di guarigione, su cui è stato scritto in molte narrazioni storiche. I pellegrini hanno pregato nella chiesa su un altare laterale in cui era appesa la vernice e riferivano di aver guarito i disturbi.

L'umore generale dell'opera è cupo e oscuro. I colori più luminosi sono i toni della carne e la tavolozza è dominata da diversi toni marroni. Su uno sfondo quasi nero, Cristo appare da Semiperfil che porta la croce sulla sua spalla. Mentre guardava a sinistra, un carnefice arrabbiato si stringe una corda intorno al collo e un'altra figura leggermente dietro il carnefice guarda all'interno della scena. La composizione ha uno stile che era innovativo in quel momento, una visione ravvicinata che evitava la prospettiva e la profondità per intimità e dettagli. Tipicamente per Tiziano, la pittura è piena di azione e il riposo sembra distante per i personaggi rappresentati.

#7 Salvator Mundi - Leonardo da Vinci

Questo famoso dipinto, sebbene sia ancora molto attraente, non è più considerato un'opera di Leonardo da Vinci e ha perso il suo posto tra la nostra lista dei 100 dipinti più famosi della storia.

Inizialmente si pensava che Leonardo da Vinci dipingesse il salvatore Mundi per il re Luigi XII di Francia e il suo consorte, Ana de Britain. Gli esperti oggi mettono in discussione l'attribuzione della pittura degli insegnanti italiani, sebbene sia stata venduta a un'asta a novembre 2017 per $ 450.312.500, un prezzo record per un'opera d'arte.

Salvator Mundi faceva parte di noi l'elenco di Dipinti famosi, ma ha lasciato il suo posto a un altro dipinto votato dal pubblico e dai nostri artisti.

#8 discepoli Emaus - Caravaggio

 

Questo lavoro del Maestro Caravaggio è anche noto come il pellegrinaggio di nostro Signore a Emaus o semplicemente la cena di Emaus. Il dipinto mostra il momento in cui i due apostoli che lo accompagnano si rendono conto che chi ha parlato con loro tutto il giorno è stato il suo amato insegnante.

Dipinto nell'apogeo della fama dell'artista, Discepoli di emaus È uno dei dipinti religiosi più impressionanti nella storia dell'arte. In questo dipinto, Caravaggio cattura brillantemente il drammatico climax del momento, il secondo exaxt in cui i discepoli capiscono improvvisamente chi è stato di fronte a loro fin dall'inizio. Le sue azioni e le sue reazioni naturali trasmettono il suo drammatico stupore: uno sta per saltare dalla sua sedia mentre l'altro estende le braccia in un gesto di incredulità. L'illuminazione grezza sottolinea l'intensità dell'intera scena.

Nel lavoro, Caravaggio mostra i discepoli come lavoratori ordinari, con volti con la barba, vestiti rugosi e brandelli, in contrasto con il giovane Cristo senza barba, che sembra provenire da un mondo diverso.

Ci sono alcuni segreti nascosti in vari punti. Nel lavoro l'artista ha nascosto un uovo di Pasqua, per esempio. L'ombra proiettata dal cesto di frutta sul tavolo sembra anche ritrarre un pesce, che potrebbe essere un'allusione al grande miracolo.

E ci sono più tesori nascosti in questo capolavoro. A volte, un difetto non è affatto un difetto, ma un colpo di genio. Prendiamo, ad esempio, il tessuto del cestino di vimini che oscilla sul bordo del tavolo al centro della vernice.

Sebbene gli innumerevoli occhi si siano meravigliati del misterioso dramma che si sviluppa all'interno di quella locanda, il significato di un'imperfezione quasi impercettibile è passato finora inosservato nel corso dei secoli.

Un ramoscello sciolto, che si distingue dalla treccia tissutale, trasforma la famosa tela di Caravaggio in un atto audace, una sfida spirituale per l'osservatore.

Per apprezzare tutte le implicazioni di questo piccolo dettaglio, vale la pena ricordare i contorni dell'ambiente generale che Caravaggio stava evocando nel suo lavoro.

Il tema della cena di Emaus è qualcosa che ha ispirato grandi insegnanti della storia, da Rembrandt a Velásquez. Il momento chiave è narrato nel Vangelo di Luca nel Nuovo Testamento. C'è la storia del cibo intimo di Cristo con i due discepoli, Lucas e Cleofás, che ignorano la verità del compagno. Nel dipingere il pane è già stato diviso e benedetto, e il tempo è arrivato, secondo la storia del Vangelo, che Cristo "apriva" gli occhi dei suoi seguaci e scompare "dalla sua vista".

Il capolavoro cattura una soglia mistica tra ombre e luce, la seconda magia davanti a Cristo, che è avvolta dalla silhouette di uno sconosciuto dietro di lui, scompare dal mondo. In quel momento incommensurabile tra rivelazione e scomparsa, Caravaggio Hila la sua trama, l'incontro principale tra due mondi.

Quando la verità è lo zio paterno di Cristo, Cleofás, si alza dalla sua sedia prigioniera di panico e stupore per la rivelazione: i suoi gomiti vengono sollevati dinamicamente attraverso le maniche del suo cappotto.

Dall'altro lato del vimini che fruttificano, a destra, Lucas apre le braccia alte, come rivendicando l'implausibilità della scansione, disegnando la stessa postura sulla croce al momento della sua morta morta. Nel frattempo, l'Innkeeper è imperturbabile, osservando senza capire mentre ascolta le parole che Cristo ha parlato ai suoi discepoli sbalorditi, incapace di catturare il significato di un momento trascendentale per l'umanità.

I discepoli di Emaus occupano la posizione n. 82 nell'elenco di Dipinti famosi 

#9 The Pantocrador Cristo

Il Pantocrador Cristo È un pannello di legno dipinto risalente al settimo secolo di Santa Catalina situata nel Sinai, in Egitto. Questo dipinto è considerato una delle più antiche icone religiose bizantino ed è la più antica opera conosciuta dello stile pantocrayano.

Il pannello dipinto ha un'altezza di 84 cm con una larghezza di 45,5 cm e una profondità di 1,2 cm. Si ritiene che la vernice fosse originariamente più grande, ma è stata tagliata nella parte superiore e ai lati ad un certo punto, per ragioni sconosciute, per produrre le dimensioni attuali. L'opera mostra Cristo vestito con una veste viola.- Un colore comunemente scelto per rappresentare quelli di status e royalty imperiali. Questa scelta di colore per la tua tunica è un simbolo del tuo stato e importanza. Cristo è rappresentato sollevando la mano sinistra come un segno di benedizione e con la destra detiene un libro.

Possiamo presumere che questo libro sia probabilmente un Vangelo perché è adornato con gioielli a forma di croce. Il dipinto è deliberatamente asimmetrico per simboleggiare la doppia natura di Cristo. Il lato sinistro di Cristo è un simbolo della sua natura umana con le sue caratteristiche rappresentate altrettanto morbide e più luce. Mentre il lato destro di Cristo simboleggia la sua divinità con il suo sguardo grave e le sue caratteristiche intense. Gli occhi stessi hanno una forma e una dimensione diversa, così come i capelli sul lato sinistro vengono raccolti dietro la spalla.

Una delle icone cristiane più importanti è il Pantocker Cristo. Questa immagine descrive Gesù come il sovrano sovrano del mondo. Il Pantocker Cristo era una delle immagini più antiche di Gesù e appare nei luoghi più importanti delle chiese della roccia.

La parola Pantocker significa "Onnipotente". Nella versione greca dell'Antico Testamento (LXX), la parola Pantocker è la traduzione di "Signore degli eserciti" e "Dio onnipotente". Nel libro di Apocalypse, Pantocrador appare nove volte come un titolo che enfatizza la sovranità e il potere di Dio.

L'icona Pantocrador Cristo enfatizza l'onnipotenza di Gesù, il suo potere di fare qualsiasi cosa. Gesù è il "sovrano di tutto" che detiene tutte le cose. Il simbolismo di Cristo Pantocrador (spiegato di seguito) si ispira alle immagini imperiali romane per proiettare il suo potere sovrano. I primi cristiani usarono simboli culturali per proclamare il potere sovrano del Cristo risorto.

Inoltre, anche la posizione del Pantocrador Cristo nell'apse (il muro del santuario anteriore) ha un significato teologico. Le chiese bizantino avevano il modello della Basilica romana, la camera del re per celebrare la corte. L'apse era la posizione di autorità in cui il funzionario dominante sapeva. La posizione di Gesù nell'apse dichiara di essere il legittimo sovrano e giudice sovrano soprattutto. 

I cristiani iniziarono a rappresentare visivamente Gesù alla fine del 300, una volta che non vi era più la minaccia di persecuzione. Queste prime immagini presentano Gesù come una figura stoica seduta su un trono con una pergamena. Nel 600, Cristo Pantocrador sorse come semplificazione di quell'immagine iniziale. L'aspetto del Pantocrador Cristo è appena cambiato negli ultimi 1.500 anni.

La maggior parte delle prime immagini di Gesù sono state distrutte durante la controversia sull'iconoclasta.

#10 Cristo di San Juan de la Cruz

Da lontano, il più popolare di tutte le opere religiose di Dalí è senza dubbio il suo "Cristo di San Juan de la Cruz", la cui figura domina la baia di Port Lligat. Il dipinto è stato ispirato da un disegno, conservato nel convento dell'incarnazione di Ávila, in Spagna, e realizzato dallo stesso San Juan de La Cruz dopo aver visto questa visione di Cristo durante un'estasi. Le persone accanto alla nave sono derivate da una foto di Le Nain e da un disegno di Diego Velázquez per la resa di Breda.

Ai piedi dei suoi studi per il Cristo, Dalí scrisse: "In primo luogo, nel 1951, ho fatto un sogno cosmico in cui ho visto questa immagine a colori e che nel mio sogno rappresentava il nucleo dell'atomo. Questo nucleo ha seguito Un senso metafisico: ho considerato in "The Unity of the Universe" to the Cristo! In secondo luogo, grazie alle istruzioni di Padre Bruno, un carmelita, ho visto il Cristo disegnato da San Giovanni della Croce, ho elaborato geometricamente un triangolo e A Circle, che ha riassunto esteticamente tutti i miei precedenti esperimenti, ha iscritto il mio Cristo in questo triangolo ".

Questo lavoro è stato considerato banale da un importante critico d'arte quando è stato esposto per la prima volta a Londra. 

Il dipinto è stato uno degli acquisti più controversi effettuati dal Dr. Tom Honeyman, allora direttore dei Musei Glasgow. Ora è ampiamente riconosciuto che il Dr. Honeyman ha preso una decisione molto astuta proponendo all'allora Glasgow Corporation che la città ha acquistato il dipinto.

Honeyman non solo ha ottenuto il dipinto a meno del prezzo del catalogo, ma ha anche acquistato il copyright del lavoro a Salvador Dalí, garantendo così un'eredità a lungo termine dell'acquisto.

Tuttavia, inizialmente, il dipinto non è stato ben accolto da tutti e gli studenti della Glasgow School of Art hanno sostenuto che i soldi avrebbero potuto essere usati per acquistare opere di artisti scozzesi o Glasgow.

Dopo aver esposto a Kelvingrove nel 1952, Dalí attirò visitatori di massa.

Il dipinto nella collezione del Museo Glasgow non è stato esente dal dramma, dal momento che è stato danneggiato due volte, il più famoso quando la tela è stata gravemente strappata da un visitatore che esercitava una pietra acuta. I conservatori di Kelvingrove sono stati in grado di riparare la vernice al punto che il danno è appena visibile.

Più di 60 anni dopo il suo acquisto originale, l'attrattiva duratura del dipinto non mostra segni di diminuzione ed è ora una delle mostre più popolari del museo.

KUADROS ©, una famosa vernice sul muro.