I 10 dipinti astratti più famosi

Nel titolo - Primo acquerello astratto Troviamo una buona esplosione di colore, come si trova nella maggior parte dei suoi dipinti, ma l'uso di acquerelli invece di oli lascia un rifinito visibilmente diverso che rende questo lavoro interessante e abbastanza unico per la sua produzione nel 1910. Il lavoro sembra essere da vicino Completato rapidamente, il che è tipico di questa forma d'arte poiché la pittura si asciuga molto velocemente. Lavora anche espressamente, senza preoccuparsi troppo della precisione, ma concentrarsi maggiormente sulla scelta dei colori e riempie la tela con forme e linee diverse. Era davvero astratto e questo era qualcosa che appariva sempre più mentre avanzava nella sua carriera, mentre si allontanava sempre di più dalla realtà nei modi in cui usava.

Kandinsky si è specializzato in oli ma di tanto in tanto ha lavorato con acquerelli. Avrei trovato questo mezzo facile per lavorare e qualcosa che si adattava anche ai rapidi pezzi di studio, dove ho cercato di capire il design per un pezzo futuro. Ha anche fatto uso di litografie, xilografi e incisione altre volte, in particolare nelle prime fasi della sua carriera quando era particolarmente sperimentale.

Lavorando con acquerelli, Kandinsky potrebbe completare questo dipinto in soli tre giorni. Tuttavia, nonostante la sua fretta, Kandinsky ha condotto diversi studi per questo lavoro d'arte prima di iniziare la composizione finale. Ciò che si è unito alla velocità che può essere interpretato nel titolo è stata la sua scelta di colore, dal momento che Kandinsky ha scelto ingegnosamente i colori che sapeva che avrebbero rappresentato fedelmente le sue emozioni in quel momento. Le linee e le forme che sono state anche disegnate, enfatizzate e sottolineavano il caos e l'urgenza che si sperimenta per vedere questo dipinto.

L'astrazione è anche chiaramente dimostrata all'interno di questa opera d'arte attraverso le linee sciolte e vaghe rappresentate, che a quel tempo suscitavano un notevole interesse tra la folla artistica. Nessun titolo esiste come un importante istigatore del movimento artistico astratto, poiché era la prima volta che qualcosa di remoto separato e senza restrizioni veniva accettato come tema adeguato all'interno delle opere d'arte in quel momento. Senza titolo Ha segnato un punto determinante all'interno dell'arte europea come la partenza delle opere d'arte tradizionali verso opere d'arte più astratte e disinibite.

Il periodo tra il 1910 e il 1914 fu considerato il picco della carriera di Kandinsky e l'apice dei suoi più grandi successi artistici. Pertanto, senza un titolo esisteva come una delle prime opere d'arte che ha palesemente scartato tutti i riferimenti a forme riconoscibili ed è emerso dalle limitazioni poste dalle convenzioni della rappresentazione della pittura dell'Europa occidentale.

Questa nozione di totale libertà ha continuato ad occupare un posto di rilievo nella maggior parte delle opere create da Kandinsky durante questo periodo.

No. 2 Exdacthood #7 - Hilma Af Klint

Sebbene non sia così conosciuta come molti degli artisti maschi del suo tempo, l'artista svedese Hilma Af Klint era un artista pionieristico astratto i cui dipinti radicali sono prima di molti dei suoi contemporanei maschi. Ha chiesto che il suo grande lavoro, la maggior parte dei quali non è mai stato esposto durante la sua vita, è rimasto nascosto fino a 20 anni dopo la sua morte. 

La collezione rappresenta le fasi della vita, tra cui infanzia, giovani, maturità e vecchiaia. Combinano elementi botanici e oggetti organici riconoscibili che si riferiscono alla nascita e alla crescita.

IL Età Adulto No. 7 di Hilma Klint È una tela enorme, alta 3 metri e larga 2 metri, è stata dipinta su carta, sul pavimento dello studio e poi bloccato su una tela.

AF Klint interpreta l'età adulta in piena fioritura di pittura diverse forme che scorrono liberamente in diverse dimensioni e colori su uno sfondo di lilla. Il simbolo giallo centrale ricorda un fiore, mentre le spirali e le forme biomorfiche sono simboli di crescita e fertilità.

No. 3 Senecio - Paul Klee

Completato nel 1922, SENECIO PITTURA È una manifestazione del senso dell'umorismo e della cultura africana di Paolo. Colori e forme semplici, Paul fa uso di diversi toni di arancione, rosso e giallo per rivelare il ritratto di un vecchio. L'uso artistico delle forme dà la falsa impressione che sia sollevato un occhio. Il suo sopracciglio sinistro è rappresentato da un triangolo mentre l'altro è formato da una semplice linea curva. Il ritratto è anche chiamato capo di un uomo che diventa senile e imita intenzionalmente le opere d'arte dei bambini attraverso l'uso di forme e forme ambigue con dettagli facciali minimi.

Questo adattamento del viso umano è diviso per il colore nei rettangoli. I quadrati geometrici piatti vengono mantenuti all'interno di un cerchio che rappresenta una faccia mascherata e mostra la tuta multicolore di un arlecchino. Un ritratto dell'artista di Senecio può essere visto come un simbolo della mutevole relazione tra arte, illusione e mondo del dramma. Questo dipinto dimostra i principi dell'arte di Klee, in cui gli elementi grafici dei piani di linea, colore e spazio sono messi in moto da un'energia dalla mente dell'artista. Nei suoi scarabocchi fantasiosi, gli piaceva, con le sue stesse parole, "Elimina una linea di piedi".

No. 4 Etail Bleue - Joan Miró

Etoile Bleue Painting Era la transizione di Miró tra arte figurativa e astratta.

Questo dipinto è noto per essere uno dei dipinti più importanti nella carriera di Miro. In particolare, il blu torrido usato può essere visto in molte delle sue opere future e persino di influenzare i pittori come Mark Rothko e Yves Klein.

Etoile Bleue è un grande dipinto, ma è un dipinto di domande più che risposte.

Miró era il grande sintetizzatore di un'era di molte idee diverse, qualcosa di simile oggi, ma le idee artistiche di allora erano molto più complesse di oggi.

Il dipinto combina colori di fauistas, forme cubiste e intenzioni surreali in un'opera che lo spettatore può esplorare visivamente ancora e ancora. È tra tante cose che hai molte domande le cui risposte sono oniriche come l'immagine.

Se si osserva la forma blu nell'angolo in alto a sinistra. È un uccello. Molto probabilmente lo è, ma ciò che Bird non è chiaro. Guardandolo per un po ', può sicuramente dire che si tratta di una forma dinamica, ma può facilmente sostenere che vola a sinistra oa destra o addirittura giù e verso di noi.

Il grande pezzo rosso nel centro inferiore. È un piede? È sicuramente visto come stabile e ancorato poiché il pezzo blu è dinamico.

Questo dipinto è un gioiello per i tuoi amanti. A prima vista, vacilla un po 'e si muove, ma un momento si muove contro quella figura elastica in basso a destra.

Miró, a Catalan artist born in Barcelona in 1893, called his surreal dream landscape Peinture (Étoile Bleue) of 1927 a key image, incorporating symbols that he would use repeatedly in later years, and even the colorful blue color influenced later painters, including Mark Rothko e Yves. Klein

No. 5. Composizione VII - Wassily Kandinsky

IL Composizione di pittura VII Di Wassily Kandinsky è considerato da molti fan dell'arte astratta, come la più importante opera di arte del ventesimo secolo, forse anche la pittura astratta più importante mai creata.

Questo lavoro è una continuazione logica della composizione V e Composizione VI . I tre dipinti sono collegati dal tema di Apocalypse. Tali elementi di composizione VI come il diluvio e la risurrezione possono essere rintracciati in questo lavoro. Il suo tema principale è il giudizio finale, ma non è visto come un disastro ma come una liberazione, il passaggio dal mondo dal materiale allo spirituale. Pertanto, la composizione VII differisce dalle altre opere della serie per i suoi colori chiari e le sue frizzanti linee di contrasto.

Kandinsky costruì ciascuna delle sue composizioni in modo che lo spettatore potesse entrare nell'immagine come se si girasse dentro di lei. Ha reso più pesante il bordo inferiore della composizione, spingendola in avanti, mentre la parte superiore rimane più leggera e più lontana per lo spettatore. Uno dei principali contrasti dell'artista, blu e giallo formano l'area centrale del movimento attivo dentro e fuori.

Kandinsky ha trascorso molti mesi a preparare la sua composizione VII, ma ci sono voluti solo quattro giorni per dipingerla. L'artista ha condotto circa 30 studi su questo dipinto. Alcuni di loro ricordano Caravaggio o Leonardo da Vinci con i loro studi dettagliati sulle pieghe del tessuto, sulle foglie degli alberi o gli arti umani. In questa serie alcune opere presentano ripetutamente la stessa linea curva, altri mostrano schematicamente gli elementi strutturali di base della composizione e alcuni contengono un piano dettagliato della composizione. Inoltre, ci sono circa 15 dipinti diversi legati alla composizione VII: questi sono gli schizzi dell'olio o matita, acquerelli, vetro e dipinti incisi.

Gabrielle Minter, che ha assistito alla creazione di questo dipinto, scrisse nel suo giornale il 25 novembre 1913 che la tela per la composizione VII veniva consegnata a casa sua a Murnau e Kandinsky iniziò a lavorare quella stessa notte. La mattina dopo scattò la prima fotografia del dipinto e dopo pranzo prese la seconda. L'ingresso del 28 novembre nel Diario de Minter ha dichiarato che il dipinto era completo. Il 29 novembre ha scattato una foto del lavoro finito. Così è stata registrata la nascita di un grande capolavoro.

La composizione VII occupa la posizione n. 100 nella nostra lista di Dipinti famosi

N. 6 Composizione X - Kandinsky

Citato come uno dei primi campioni di dipinto astratto, Wassily Kandinsky non era solo un pittore russo, ma anche un teorico dell'arte. L'influenza che ha istigato e lasciato nel mondo dell'arte e in astrazione è stata immensa da quando il gruppo artistico Phalanx e il nuovo gruppo di artisti da allora in poi, organizzando mostre per i loro contemporanei durante i suoi anni come artista. Ha prodotto più di 600 opere durante la sua carriera, con un dipinto del 1913 che ha raggiunto il suo prezzo record di asta di 41,6 milioni di dollari nel 2017. 

Nonostante questo record impressionante, il suo lavoro più significativo era forse Composizione x. Ultimo nella sua vita di "composizioni". Con esso ha cercato di culminare le sue ricerche sulla purezza della forma e dell'espressione attraverso questo lavoro. Avendo usato il colore nero con moderazione nella sua pratica a questo punto, è stato criticato che questo lavoro evoca sia il cosmo che l'oscurità del presagio che si sta avvicinando alla fine della sua vita. 

Inizialmente, la creazione della composizione X è stata influenzata dalle forme biomorfiche di surrealismo.

Tuttavia, Wassily Kandinsky in seguito ha usato l'arte di usare forme organiche nei suoi dipinti. Questo è uno stile che in seguito ha usato in tutti i suoi dipinti.

Lo stile ha dato al suo lavoro la singolarità. È stato facile e quasi impossibile non riconoscere i dipinti creati da Wassily Kandinsky quando sono stati mostrati in mostre o in altri luoghi.

Inoltre, la composizione X è stata creata in Francia. Vedendo la vernice da vicino mostra che il pittore ha usato uno sfondo nero. Il motivo principale per usare lo sfondo nero era che i colori in primo piano fossero chiaramente visti.

N. 7 Convergence - Jackson Pollock

Convergenza "Un dipinto in bianco e nero su cui Pollock ha lanciato colori primari", riflette la crisi della guerra fredda. È uno dei suoi capolavori e potrebbe anche essere la pittura più conosciuta di un espressionista astratto. Nel 1964, le edizioni di Springbok produssero un puzzle di pittura, che fu promosso come "più difficile puzzle al mondo", e centinaia di migliaia di americani lo acquistarono.

Nel 1951, Pollock disse: “Mi sembra che il moderno pittore non possa esprimere il suo tempo, l'aereo, la bomba atomica, la radio, nelle vecchie forme del Rinascimento o in qualsiasi altra cultura passata. Ogni era trova la propria tecnica ". Pollock ha trovato la sua tecnica nel dipinto di case e gocce e la ha usato per esprimere il suo tempo.

Con una dimensione di 237 x 394 centimetri, la convergenza è una delle Dipinti più ambiziosi di Pollock. È noto per la sua brillantezza visiva ed evocando profonde emozioni nello spettatore. Sebbene le opere di Jackson siano ancora difficili da decifrare anche per gli esperti d'arte, i suoi dipinti sono considerati manifestazioni di libertà di espressione. La convergenza, che è un esempio di spicco in questo senso, rimane uno dei suoi capolavori più famosi.

N. 8 Elegorio alla Repubblica spagnola -Robert Motherwell

Sebbene Robert Motherwell aveva solo 21 anni quando scoppiò la guerra civile spagnola, le sue atrocità lo colpirono molto negli anni seguenti. Questo lo ha portato a creare una serie di oltre 200 dipinti in risposta a lui. La serie "eletta alla Repubblica spagnola" funge da molteplicità di commemorazione della sofferenza umana, nonché "simboli astratti e poetici per l'inesorabile ciclo di vita e morte".

A proposito delle elegie, Motherwell dichiarò che: “Dopo un periodo di dipingerli, ho scoperto il nero come uno dei miei problemi e con bianco nero, contrastante, un senso della vita e della morte che per me è abbastanza spagnolo. Sono essenzialmente la morte nera spagnola in contrasto con il bagliore di una luce del sole come Matisse. "

Le sue elegie costituiscono una meditazione astratta estesa sulla vita e la morte. Durante tutta la serie, le tele orizzontali bianche sono ritmicamente divise per due o tre barre verticali disegnate liberamente e punteggiate in diversi intervalli da forme ovoidali. I dipinti sono generalmente completamente composti da bianco e nero, i colori del lutto e il bagliore, la morte e la vita. Motherwell ha commentato l'ingrollo di queste forze come metafora per la loro comprensione dell'esperienza di essere in vita.

Ha scelto la Repubblica spagnola descrive un maestoso passaggio del biologico e del geometrico, dell'incidente e del deliberato. Come altri espressionisti astratti, Motherwell è stato attratto dal principio surrealista dell'automatismo - di metodi che sono sfuggiti all'intenzione cosciente dell'artista - e il suo ictus ha un carico emotivo, ma all'interno di una struttura generale di una certa gravità. In effetti, Motherwell ha visto gli accordi arrangiamenti di colore e forma come il cuore dell'arte astratta, che "è spogliato di altre cose per intensificarlo, i suoi ritmi, intervalli di spazio e struttura del colore".

No. 9 Iris Black - Georgia O'Keeffe

Questo monumentale dipinto di fiori è uno dei primi capolavori di O'Keeffe. Aumentando i petali ben oltre le proporzioni della dimensione naturale, costringe lo spettatore ad osservare i piccoli dettagli che altrimenti potrebbero trascurare. Quando i dipinti di questo gruppo furono esposti per la prima volta nel 1924, anche Alfred Stieglitz, suo marito e commerciante, fu sorpreso dalla sua audacia.

L'iride nera di Georgia O'Keeffe è un esempio di una delle sue tante opere sul tema dei fiori e in particolare l'iride, un fiore ricco di simbolismo. Tuttavia, in Black Iris III, l'obiettivo di O'Keeffe non era fare riferimento a questo simbolismo o aggiungerlo, ma piuttosto incoraggiare lo spettatore a guardare e vedere il fiore e considerare i diversi modi in cui le persone vedono. Diventa così una profonda meditazione sull'arte di guardare, non solo all'arte ma alla vita. In questo articolo, Singulart analizza il simbolismo proiettato nel dipinto di O'Keeffe, nonché le sue intenzioni quando si crea Iris Iris Black. 

Georgia O'Keeffe era preoccupata per il problema della pittura di Iris per molti anni, in particolare l'Iris Black, che era più difficile da trovare ed era disponibile solo per poche settimane all'anno a New York. Iris è un simbolo di famiglia nel mondo occidentale: nella mitologia greca, la dea Iris personifica l'arcobaleno e la connessione tra cielo e terra; Nel cristianesimo l'iride simboleggia la passione di Cristo e della risurrezione, nonché la sofferenza di Maria. Da parte sua, Linda Nochlin, storica dell'arte, trasformò l'iride di O'Keeffe in un simbolo femminista quando li descriveva come una "metafora morfologica" dei genitali femminili, riflettendo "l'unità del femminile e dell'ordine naturale". Black Iris IIIY Descrizione di Black IIIY Gli altri dipinti di Iris di O'Keeffe li hanno ancorati nella storia dell'arte e nella storia del femminismo e dell'arte femminista.

Tuttavia, O'Keeffe ha respinto questa descrizione, affermando che: “Nessuno vede un fiore, davvero, è così piccolo. Non abbiamo tempo e vediamo il tempo avere un amico richiede tempo. Se potessi dipingere il fiore esattamente come lo vedo, nessuno vedrebbe quello che vedo perché lo dipingerei piccolo poiché il fiore è piccolo. Così mi sono detto: dipingerò quello che vedo, quello che è il fiore per me, ma lo dipingerò in grande e sarò sorpreso quando ti prendi il tempo per guardarlo, farò anche ai newyorkesi occupati che impiegherò il tempo Per vedere cosa vedo sui fiori. Ti ho fatto prendere il tempo di guardare quello che ho visto e quando hai preso il tempo di notare davvero il mio fiore, hai messo tutte le tue associazioni con i fiori nel mio fiore e hai scritto sul mio fiore come se pensassi e vedessi cosa ne pensi e Vedere . Il fiore, e io no.

N. 10 Exchange - William de Kooning

Nel 1955, Kooning Willem completò lo scambio di lavoro. Si era concentrato a lungo per rielaborare gli studi di personaggi coinvolti nelle donne che iniziarono nel 1948. Questi erano associati alla loro mostra individuale nel 1953, dipinti sul tema delle donne, che a quel tempo si aprirono a New York City. Alcuni titoli di queste opere includono Women I, Woman III e Women V, così come due donne con natura morta.

Nel 1955, da Kooning aveva smesso di dipingere figure umane e continuava a usare rappresentazioni astratte di architettura e comunità a New York City.

Kooning Willem ha usato segni gestuali veloci sulla tela. L'immagine mostra una donna seduta su una sedia, ma le donne appaiono solo come una massa di picco. Quando ha nominato i suoi dipinti, preferiva sempre un collegamento all'area in cui viveva. Lo scambio ottenne il nome dell'ambiente circostante, il centro di New York, il luogo in cui viveva durante quel periodo.

Originariamente il dipinto fu venduto dall'artista nel 1955 per $ 4.000.

È stato quindi venduto dalla David Geffen Foundation a Kenneth C. Griffin per $ 300 milioni a settembre 2015, posizionandolo al secondo posto nella lista di dipinti più costosi, superati solo dal salvatore Mundi de Leonardo da Vinci, che è stato venduto per 450.3 milioni di dollari a novembre 2017.

KUADROS ©, una famosa vernice sul muro.