Taidehistorian perusteet ovat peräisin kymmenistä tuhansien vuosien ajan, jolloin muinaiset sivilisaatiot käyttivät tekniikoita ja keinoja käytettävissä edustaakseen kulttuurisesti merkittävää teemaa. Näistä ensimmäisistä esimerkeistä he ovat seuranneet paljon taiteellisia liikkeitä, joilla jokaisella on omat erilaiset tyylinsä ja ominaisuutensa, jotka heijastavat niiden ajanjakson poliittisia ja sosiaalisia vaikutuksia.
Mitä fauvismi tarkoittaa ja mikä on käsitteellinen taide? Taiteen puhuminen näyttää itsessään kurinalaiselta ja jos olet uusi taidemaailmassa, sinulla on todennäköisesti monia kysymyksiä, etenkin jokaisesta taiteen ja erityyppisen taiteen liikkeestä.
Vaikuttavat taidegenrit renessanssista modernismin syntymiseen ovat epäilemättä jättäneet jälkensä historiaan.
Selkeät käsitteet historiasta ja sen taiteellisten liikkeiden merkityksestä meillä on selkeämpi käsitys siitä, kuinka kuuluisat taiteilijat, kuten Van Gogh, Picasso ja Warhol, mullistivat taidemaailman.
Kadros on laatinut luettelon sinulle tärkeimmistä liikkeistä.
No.1 Italian renessanssi (1400–1550)
Jotkut eksponentit: Giberti -ovet, Brunelleschi, Donatello, Botticelli, Leonardo, Miguel Ángel, Rafael.
Neljännentoista vuosisadan loppua kohti d. C., kourallinen italialaisia ajattelijoita ilmoitti asuvansa uudella aikakaudella. Barbara, joka ei ole valaistu "keskiajalla", oli ohi; Uusi olisi "rinincità" ("renessanssi") oppimisesta ja kirjallisuudesta, taiteesta ja kulttuurista. Tämä oli renessanssi, joka tunnetaan nyt nimellä Renaissance. Tutkijat ovat vuosisatojen ajan sopineet, että italialainen uudestisyntyminen (toinen sana "uudestisyntymiselle") tapahtui täsmälleen tällä tavalla: että neljännentoista ja seitsemännentoista vuosisadan välillä, uusi ja moderni ajattelutapa maailmaa ja ihmisen paikkaa siinä Hän korvasi vanhat ideat. Itse asiassa monilla niin kutsuttujen renessanssin tieteellisistä, taiteellisista ja kulttuurisista saavutuksista on yhteisiä kysymyksiä, etenkin humanistista uskoa, että ihminen oli oman maailmankaikkeuden keskus.
Italialainen renessanssi viidennentoista vuosisadan Italian kontekstissa oli erilainen kuin kaikki muut paikat Euroopassa. Se jaettiin itsenäisiin kaupunkivaltioihin, jokaisella oli erilainen hallitusmuoto. Firenze, missä Italian uudestisyntyminen alkoi, oli itsenäinen tasavalta. Se oli myös pankki- ja kaupallinen pääoma ja Lontoon ja Konstantinopolin jälkeen, Euroopan kolmanneksi suurin kaupunki. Rikkaat Firenzen flatunted heidän rahansa ja voidakseen tulla taiteilijoiden ja intellektuellien suojelijoiksi tai kannattajiksi. Tällä tavalla kaupungista tuli Euroopan kulttuurikeskus ja renessanssi.
Voidaan sanoa, että renessanssi jaettiin kahteen osaan:
Varhaisen uudestisyntymisen aikana taiteilijat alkoivat hylätä uskonnollisen maalauksen bysanttilaista tyyliä ja yrittivät luoda realismia esittäessään ihmisen muotoa ja avaruutta. Tämä tavoite realismin suhteen alkoi Cimabue ja Giotto, ja saavutti huipunsa "täydellisten" taiteilijoiden, kuten Andrea Mantegnan ja Paolo Uccellon, taiteessa. Vaikka uskonto oli tärkeä tekijä renessanssin aikana asuvien ihmisten jokapäiväisessä elämässä, näemme myös uuden reitin, joka on avoin Gasp: Mytologinen teema. Monet tutkijat huomauttavat Venuksen syntymä Botticellin ensimmäisenä paneelimaalauksena mytologisesta kohtauksesta.
Korkean uudestisyntymisen niminen ajanjakso edustaa varhaisen uudestisyntymisen tavoitteiden huipentumista. Tämän vaiheen tunnetuimpia taiteilijoita ovat Leonardo da Vinci, Rafael, Tiziano ja Miguel Ángel. Hänen maalauksensa ja tuoreet ovat tunnetuimpia taideteoksia. Viimeinen ehtoollinen Da Vinci, Ateenan koulu Rafael ja Miguel Ángelin Sikstuksen kappelin katon maalaukset ovat tämän ajanjakson mestariteoksia ja ilmentävät korkean renessanssin elementtejä.
Osta Lisa Monan jäljennös Kadrosin verkkokaupasta
Nro2 Barocco (1600–1750)
Jotkut eksponentit: Ruubeenit, Rembrandt, Caravaggio, Velázquez, Palacio de Versailles.
Barokkitermi johtuu lopulta italialaisesta sanasta Barocco, jota filosofit käyttivät keskiajalla kuvaamaan esteen kaavamaisessa logiikassa. Myöhemmin sana tuli merkitsemään kaikki vääntyneen ajatuksen tai ajatusprosessin. Toinen mahdollinen lähde on barokkiportugalilainen sana (espanjalainen Barrueco), jota käytetään kuvaamaan epäsäännöllistä tai epätäydellistä helmiä, ja tämä käyttö säilyy edelleen jalokivikaupan barokkihelmissä. Barokki on taiteen ja arkkitehtuurin liikettä, joka on kehitetty Euroopassa 1700 -luvun alusta 1800 -luvun puoliväliin asti. Se korostaa dramaattista ja liioiteltua liikettä ja selkeää ja helppo tulkita yksityiskohtia, jotka ovat kaukana surrealismista, tuottamaan draamaa, jännitystä, ylenmääräisyyttä ja suuruutta.
Ensimmäiset Italiassa tapahtuneet ilmenemismuodot ovat peräisin 1500 -luvun viimeisistä vuosikymmenistä, kun taas joillakin alueilla, etenkin Saksassa ja Etelä -Amerikassa, tietyt barokin saavutukset tapahtuivat vasta 1800 -luvulla.
Taiteilijat jatkoivat renessanssin kauneuden ihanteiden elvyttämistä, jotka herättivät taiteen, musiikin ja arkkitehtuurin teoksia, jotka ovat eläneet klassismia, joka paransi entistä parempaa uudella ylenmääräisellä ylenmääräisyydellä ja koristeellisella ylenmääräisyydellä. Tämä erittäin koristeltu tyyli keksittiin barokkina, ja sille oli ominaista sen innovatiiviset tekniikat ja yksityiskohdat, jotka tarjoavat uuden ja rehevän visuaalisen kielen, joka oli ollut taiteen suhteellisen heikentynyt ajanjakso. Barokki levisi kaikkialla Euroopassa, jonka ohjaavat pääasiassa Rooman paavi ja katoliset hallitsijat Italiassa, Ranskassa, Espanjassa ja Flanderissa. Se leviää entistä enemmän voimakkaiden uskonnollisten määräysten avulla laajan luostarien ja luostarien verkoston kautta. Tyyli ulottui nopeasti Ranskaan, Pohjois -Italiaan, Espanjaan ja Portugaliin, sitten Itävaltaan ja Etelä -Saksaan.
Tästä ohjelmasta kehitetty barokkityyli oli paradoksaalisesti, aistillinen ja henkinen; Vaikka naturalistinen kohtelu sai uskonnollisen kuvan keskimääräiselle seurakunnan jäsenelle helpommin, dramaattisia ja illuusorisia vaikutuksia käytettiin hurskauden ja omistautumisen stimuloimiseksi ja jumalallisen loistosta vaikutelman välittämiseen. Barokkikirkkojen katot liuotettiin maalattuihin kohtauksiin, jotka esittelivät tarkkailijan äärettömyydestä eläviä visioita ja ohjasivat aisteja taivaallisiin huolenaiheisiin.
Vaikka teema ja jopa tyyli voivat vaihdella barokkimaalausten välillä, suurimmalla osalla tämän ajanjakson kappaleista on yhteinen asia: draama. Maalareiden työssä, joka tunnetaan nimellä Caravaggio ja Rembrandt, kiinnostus draamasta toteutuu voimakkaina kontrasteina säteilevän valon ja välittömien varjojen välillä.
Tuo katolisen alueen suuri opettaja, pääosin espanjalaisten hallinnassa, oli maalari Peter Paul Rubens, jonka myrskyiset diagonaaliset koostumukset ja laajat täydellisen veren hahmot ovat barokkimaalin ruumiillistuma. Anthony Van Dyckin tyylikkäät muotokuvat ja Jacob Jordaensin vankat figuratiiviset teokset jäljittelivät esimerkkiä Rubensista. Alankomaiden taidetta edellytti hallitsevien keskiluokan kuvioiden realistisia makuja, ja siksi sekä lukemattomat genren että kyseisen maan maisemamaalarit että mahtavat opettajat, kuten Rembrandt ja Frans Hals, pysyivät riippumattomina barokin tyyliä tärkeissä näkökohdissa . Barokkilla oli kuitenkin huomattava vaikutus Englantiin, etenkin Sir Christopher Wrenin ja Sir John Vanbruchin suunnittelemiin kirkoihin ja palatseihin.
Kuten renessanssin patsaat, mukaan lukien Miguel Ángelin ikoninen David, barokkiveistokset oli usein tarkoitettu koristamaan majesteettisia rakennuksia. Heidät tilattiin myös muihin suuriin skenaarioihin, kuten kultaisten kirkkojen ja todellisten puutarhojen sisätilat.
Viimeinen barokin kukinta oli suurelta osin katolinen roomalainen Etelä -Saksassa ja Itävallassa, missä alkuperäiset arkkitehdit erottuivat italialaisista rakennusmalleista 1720 -luvulla.
Osta kopio Meninasista Kadrosin verkkokaupasta
No.3 Realismi (1848–1900)
Jotkut eksponentit: Corot, tuomioistuin, Daumier, hirssi.
Realismi, taiteessa, tarkka, yksityiskohtainen esitys ja ilman luonnon tai nykyajan koristeita. Realismi hylkää mielikuvituksellisen idealisoinnin ulkoisten esiintymisten tarkan havainnon hyväksi. Sellaisenaan realismi sen laajassa merkityksessä on käsitellyt monia taiteellisia virtauksia eri sivilisaatioissa. Esimerkiksi visuaalisessa taiteessa realismi löytyy muinaisista hellenistisistä kreikkalaisista veistoksista, jotka kuvaavat tarkasti nyrkkeilijöitä ja vanhoja rappeutumisia. 17. vuosisadan maalarien, kuten Caravaggio, hollantilaisen genren, espanjalaisten maalarien José de Riberan, Diego Velázquezin ja Francisco de Zurbaránin sekä veljen Le Nainin teokset Ranskassa ovat realistisia. 1800 -luvun englanninkielisten kirjailijoiden teoksia Daniel Defoe, Henry Fielding ja Tobias Smollett voidaan kutsua myös realistiseksi.
Realismi syntyi Ranskassa 1850 -luvulla. Heti 1848 -vallankumouksen jälkeen, tapahtuma, joka perusti "oikeuden työskennellä" maassa, liike esitteli ajatuksen keskimääräisestä, työväenluokasta, nykyaikaisista skenaarioista, nykyaikaisista skenaarioista ja arjen kohtauksista kunnollisina taiteellisina teemoina.
Realismi ulottui kaikkialla Euroopassa, Alejandro II: n Venäjältä kuningatar Victorian Iso -Britanniaan, Guillermo I: n Saksasta Risorgimenton Italiaan ja Habsburgin valtakunnasta Skandinaviaan ja sen ulkopuolella oleviin maihin. Vuosi 1855 oli merkittävä realismin perustamisessa Euroopassa.
Gustave Coubet Sitä pidetään usein realismin päähahmana. Hän loi perustan liikkeelle 1840 -luvulla, kun hän alkoi kuvata talonpojia ja työntekijöitä. Se tosiasia, että Courbet ei kunnioittanut heitä, vaan että hän esitteli rohkeasti heille ja loi vakavasti väkivaltaisen reaktion taidemaailmassa.
Courbetin tyyli ja liikkeeseen lasketut työt rakennettiin Barbizon -koulun maalareiden jo murtaneelle kentälle. Théodore Rousseau, Charles-François Daubigny, Jean-François Millet ja muut 1830-luvun alkupuolella perustettiin Ranskan Barbizonin kaupunkiin tavoitteena toistaa uskollisesti maiseman paikallista luonnetta.
Kuvallinen realismi Ranskan ulkopuolella oli ehkä paremmin edustettuna 1800 -luvulla Yhdysvalloissa. Siellä Winslow Homerin voimakkaita ja ilmeikkäitä maalauksia merikysymyksistä ja muotokuvista, navigointikohtauksista ja muista Thomas Eakinsin teoksista ovat rehellisiä, houkuttelemattomia ja erittäin havaittuja nykyajan elämästä. Realismi oli erilainen nykyinen 1900 -luvun taiteessa, ja se johdettiin yleensä taiteilijoiden halusta esitellä vilpittömämpiä, vilpittömiä ja idealisoimalla näkemyksiä jokapäiväisestä elämästä tai heidän yrityksiään käyttää taidetta välineenä kritiikin kritiikkiin sosiaalinen ja poliittinen .
Karkeat, hahmotetut, melkein journalistiset kaupunkielämän kohtaukset, jotka ovat saumassa amerikkalaisten maalareiden ryhmäksi, joka tunnetaan nimellä kahdeksan (8) pudotusta ensimmäiseen luokkaan. Saksan taiteellinen liike, joka tunnetaan nimellä Neue Sachlichkeit. Neuvostoliitossa virallisesti sponsoroitu sosialistinen realismi käytti naturalistisia idealisointitekniikoita luodakseen muotokuvia tunkeutuneista työntekijöistä ja insinööreistä, jotka olivat yllättävän samanlaisia sekä sankarillisessa positivismissaan että todellisen uskottavuuden puuttuessa.
Lisäksi realismi inspiroi suoraan nykytaiteen tärkeitä liikkeitä, kuten fotorealismia ja hyperrealismia. Realismin huomattavan modernin lähestymistavan perusteella nämä tyylilajit osoittavat innovatiivisen liikkeen kestävän ja evoluutioperinnön.
Osta Spimaattoreiden jäljennös Kadrosin verkkokaupasta
Nro 4 impressionismi (1865–1885)
Jotkut eksponentit: Monet, Manet, Renoir, Pissarro, Cassatt, Morisot, Degas.
Ranskalainen impressionismi on tärkeä liike, ensin maalauksessa ja sitten musiikissa, joka kehittyi pääasiassa Ranskassa 19. ja kahdennenkymmenennen vuosisadan lopulla. Maalauksen impressionismin merkittävin ominaisuus oli yritys rekisteröidä tarkasti ja objektiivisesti realistisiin esityksiin ympäristönsä ohimenevistä vaikutelmista, jotka olivat usein ulkopuolella. Musiikissa se oli idean tai vaikutuksen lähettäminen äänen pesun kautta tiukan muodollisen rakenteen sijasta.
1860 -luvun lopulla taide Manipa Se heijasti uutta estetiikkaa, jonka tulisi olla opasvoima impressionistisessa teoksessa, jossa perinteisen teeman merkitys väheni ja huomio siirtyi taiteilijan värin, sävyn ja tekstuurin manipulointiin. Se päättyy itsessään.
Vuonna 1874 ryhmä taiteilijoita nimeltään maalarit, kuvanveistäjät, tallentimet jne. Hän järjesti Pariisissa näyttelyn, joka käynnisti impressionismin nimeltä liikkeen. Sen perustajajäseniä olivat muun muassa Claude Monet, Edgar Degas ja Camille Pissarro. Ryhmä teki ensimmäisen näyttelynsä riippumattoman Ranskan akatemian virallisesta salista, joka oli jatkuvasti hylännyt suurimman osan teoksistaan. Monetin maalaus Nouseva aurinkotulostus (1872) ansaitsi heille alun perin pilkkaavan nimen "Impressionistit" toimittaja Louis Leroy, joka kirjoitti Satiirisessa Le Charivarissa vuonna 1874. taiteilijat hyväksyivät nimen pian kuvaileviksi aikomuksestaan välittää "visuaaliset vaikutelmat" tarkasti. Konservatiiviset kriitikot kritisoivat heidän työtään epätäydellisen ulkonäkönsä ja luonnoksensa puolesta, edistyneimmät kirjoittajat kiittivät häntä kuvauksestaan nykyaikaisesta elämästä. Esimerkiksi Edmond Duranty kirjoitti vuonna 1876 Nouvelle Peinture -esseessä (uusi maalaus) hänen esityksestään nykyajan teemasta riittävän innovatiivisessa tyylissä maalauksen vallankumouksena.
Käsityksensä jälkeen impressionismi on määritelty joukko ominaisuuksia. Näitä ovat: Kuvalliset harjakokot, erottuvat värit, yleisten kysymysten esitykset, keskittyminen valoon ja valokuvauksen inspiroimiin koostumuksiin.
1880 -luvun puolivälissä impressionistinen ryhmä oli alkanut liukenemista, kun jokainen maalari jatkoi yhä enemmän omia esteettisiä etujaan ja periaatteitaan. Lyhyessä olemassaolossaan se saavutti kuitenkin taidehistorian vallankumouksen tarjoamalla teknisen lähtökohdan post -impressionistisille taiteilijoille Cézanne, Kaasu, Paul Gauguin, Vincent van Gogh ja Georges Seurat ja vapauttaa kaikki perinteisten tekniikoiden länsimaalaukset. ja lähestymistavat aiheeseen.
Impressionismin perintö ja läsnäolo nykyään
Luonnollisesti modernismin lähtökohtana impressionismi vaikutti moniin myöhempiin liikkeisiin. Postimpressionistit hyväksyivät kuvallisen harjapojansa; Abstraktit ekspressionistit löysivät inspiraatiota epätavanomaisesta lähestymistavasta muotoon Raha; Ja monet nykytaiteilijat jatkavat jopa uusien impressionistisen tyylin työskentelyä.
Osta naisten jäljennös sateenvarjolla Kadrosin verkkokaupasta
Nro 5 post -impressionismi (1885–1910)
Jotkut eksponentit: Van Gogh, Gauguin, Cézanne, Seurat
Post -impressionismi on termi, jota käytetään kuvaamaan reaktiota 1880 -luvulla impressionismia vastaan. Sen ohjasivat Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent Van Gogh ja Georges Seurat. Post -impressionistit hylkäsivät impressionismin huolen valon ja värin spontaanista ja naturalisistisesta esityksestä.
Kaikki nämä maalarit, paitsi Van Gogh, olivat ranskalaisia, ja suurin osa heistä alkoi impressionisteina; Jokainen heistä hylkäsi tyylin muodostamaan oman erittäin henkilökohtaisen taiteensa.
Kuten impressionistit, he korostivat kuvan keinotekoisuutta. Post -impressionistit uskoivat myös, että väri voisi olla riippumaton muodosta ja koostumuksesta merkityksen emotionaalisena ja esteettisenä kantajana. Sekä impressionismi että post -impressionismi ovat joitain tunnetuimmista moderneista taideteoksista, kuten Monet -vesililjat, sarja vesimaisemia ja Tähtikunta kirjoittanut Van Gogh.
Post -impressionistit jakoivat työnsä yleisön kanssa riippumattomien näyttelyiden kautta koko Pariisissa. Vuonna 1910 näkyvä taidekriitikko, historioitsija ja kuraattori Roger Fry loi termin "post -impressionism" näytöksensä, Manet- ja post -impressionistien kanssa. Kuten post -impressionistit itse, Fry uskoi, että taiteen kauneus juurtuu luonnostaan havaintoon. "Taide on ilmaisu ja ärsyke mielikuvitukselliselle elämälle todellisen elämän kopion sijasta", selittää Fry esteessä estetiikassa.
Kuten Fry selitti, post -impressionistit uskoivat, että taideteoksen ei tulisi kiertää tyylin, prosessin tai esteettisen lähestymistavan ympärillä. Sen sijaan sinun on korostettava symbolismia, viestinnän viestejä taiteilijan alitajuntaan.
Post -impressionistit näyttivät usein yhdessä, mutta toisin kuin erittäin yhtenäisenä ja sydämellisenä ryhmänä aloittaneet impressionistit, jotka maalasivat pääasiassa yksin. Cézanne maalattiin eristykseksi Aix-en-provenssissa Etelä-Ranskassa; Hänen yksinäisyyttään vastasi Paul Gauguinin, joka vuonna 1891 asennettiin Tahittiin, ja Van Goghiin, joka maalasi kentällä Arlesissa. Sekä Gauguin että Van Gogh hylkäsivät impressionismin välinpitämättömän objektiivisuuden henkilökohtaisemman henkisen ilmaisun hyväksi.
"Mikä syvä ja salaperäinen väri!
Toisin kuin impressionistit, jotka yrittivät kaapata luonnollisen valon vaikutusta sävyyn, post -impressionistit käyttivät tarkoituksella keinotekoista värivalikoimaa keinona kuvata heidän käsityksensä heitä ympäröivästä maailmasta. Kyllästetyt sävyt, moniväriset varjot ja rikkaat värialueet ovat ilmeisiä useimmissa postimpressionistisissa maalauksissa, jotka osoittavat taiteilijoiden innovatiivisen ja mielikuvituksen lähestymistavan esitykseen.
Yleensä post -impressionismi siirtyi pois naturalistisesta lähestymistavasta ja meni kahdennenkymmenennen vuosisadan alun taiteen kahteen pääliikkeeseen, jotka korvasivat sen: kubismi ja fauvismi, jotka yrittivät herättää tunteita värin ja linjan kautta.
Osta tähtijäännös Kadrosin verkkokaupasta
Nro 6 fauvismi ja ekspressionismi (1900–1935)
Paksuihin asetettu maalaus, värejä, jotka tulevat sivulta ja antinatuurit sävyt: fauvismi ja ekspressionismi ovat kaksi liikkeitä, jotka antoivat elämän näille ominaisuuksille. Joten mitä eroa heidän välillä on, jos ne voidaan kuvata samalla tavalla? Ensinnäkin selitämme fauvismia ja ekspressionismia yksin.
Fauvismi
Jotkut eksponentit: Matisse, Derain, Signac
Fauvismo tarttui taiteelliseen kohtaukseen vuosina 1905–1910, enemmän tai vähemmän, ja sille on ominaista voimakas väri ja rohkeasti siveltimet. Joissain tapauksissa tämän ajanjakson taiteilijat levittivät maalaa suoraan pullosta. Värien ei tarvinnut olla uskollisia luonnon kannalta, välttämättä. He voivat muuttua tunteiden näyttämiseksi. He valitsivat yksinkertaisia ongelmia, ja tämän vuoksi maalaukset näyttivät melkein abstraktiin. Taidekriitikko Louis Vauxcelles loi termin sen jälkeen kun hän kuvasi Henri Matissen ja Andre Derainin, kuten "Les Fauvesin" tai petojen, teoksia vuonna 1905 pidetyn näyttelyn aikana olohuoneessa D’Am Automne Pariisissa. Matissen ja Derain -näyttelyn teos oli täynnä luonnotonta värivaihtoehtoja ja villi maalitahroita kankaalla. Se olisi fauvismin alku.
Faupism -taiteilijat olivat syvästi kiinnostuneita yhdeksästoista vuosisadan värin tieteellisestä teoriasta. Erityisesti täydentävien värien avulla fauvistit ymmärsivät kuinka tehdä värit näyttävät kirkkaammilta ja rohkeilta sisällyttääkseen nämä teoriat.
Henri Matissen maalaus "nainen hattu". Sitä kritisoivat naisen vastaiset värit naisen kasvoissa. Paul Signac (1863-1935) on kuuluisa huomautuksestaan. Hän oli myös Henri Matissen mentori. Puntillismo on tekniikka, jossa pienet päävärien pisteet sijoitetaan yhteen. Kun muutat pois, se yhdistetään yhdeksi kuvaksi. Tätä voidaan verrata tietokoneen näytön pikseliin. Jokainen yksittäinen pikseli on eri väri, mutta kun näet pienen etäisyyden, ne luovat kuvan. Point -rillin tyyli osoitti, mitä taiteilijat voisivat tehdä ensisijaisilla väreillä, ja kuinka he voisivat käyttää optisia illuusioita työssään.
Matissen ja Derainin lisäksi muita tärkeitä fauvistas -taiteilijoita ovat Georges Braque, Raoul Dufy, Georges Rouault ja Maurice de Vlaminck.
Ekspressionismi
Jotkut eksponentit: Munch, Carr, Kandinsky, Klee
Expressionismi on yleinen termi kaikille taideteoksille, jotka vääristävät todellisuutta samaan aikaan taiteilijan sisäisten tunteiden, näkemysten tai ideoiden kanssa. Lyhyesti sanottuna, se on taide, joka ilmaisee sisäisiä todellisuuksia ulkomaailmassa. Tämä on melko yleinen määritelmä, mutta ekspressionismin ominaispiirteitä on joitain erottuvia ominaisuuksia. Erityisesti ekspressionismissa käytetyt värit ovat voimakkaita ja usein luonnollisia, mikä tarkoittaa, että jonkun iho voitaisiin maalata siniseksi ruskean tai ruskean sijasta. Maalia käytetään myös usein suurina määrinä ekspressionistisessa tyylissä, mikä luo paljon tekstuuria kankaalle.
Expressionismi tuli "sisäpuolelta", mikä heijastaa taiteilijan tunteita enemmän kuin kohtauksen esittämistä. Kaksi vaikutusvaltaista ekspressionistista taiteilijaa olivat Emily Carr ja Edvard Munch.
Aiheen suhteen ekspressionistinen taide on yleensä tunnepitoinen ja joskus jopa myyttinen olettaen, että ekspressionismi on romantiikan jatko. Koska ekspressionismi on niin laaja termi, on helppo alkaa osoittaa sitä milloin tahansa. Sitten, suurimmaksi osaksi ekspressionismi koskee yleensä 2000 -luvun taidetta. Sanotaan, että se alkoi Vincent Van Goghin työstä ja ulottuu nykyaikaiseen taiteeseen sellaisena kuin tiedämme sen tänään.
Ekspressionistisen liikkeen tärkeimmät veronmaksajat ovat taiteilijat, kuten Matisse, Rouault, Oskar Kokoschka, Paul Klee, Max Beckmann, Pablo Picasso, Francis Bacon, Ernst Ludwig Kirchner, Graham Sutherland, Edvard Munch ja muut.
Osta kopio itkusta Kadrosin verkkokaupasta
Fauvismia voidaan pitää ekspressionismin osajoukona. Ekspressiomissa voi olla sellainen laaja valikoima taidetta ja liikkeitä, että niitä on melkein mahdotonta erottaa todella erilaisista. He käyttävät samoja tekniikoita ja ne luokitellaan samoilla ominaisuuksilla ja ainoa todellinen ero on fauvismin erityinen luonne, toisin kuin ekspressionismin yleinen luonne.
Jotain, jota voidaan pitää fauvista, voi olla myös osa ekspressionismin kenttää. Mutta jotain, jota pidetään ekspressionistina, ei välttämättä ole fauvista -tyyliä. Fauvismi on vähän villimpi, mutta yksinkertaisemmalla teemalla.
Joten fauvismi versus ekspressionismi ei ole yksi asia. He eivät kilpaile keskenään, koska yksi on yksinkertaisesti yksi versio toisesta.
No.7 Kuubismi (1905–1920)
Jotkut eksponentit: Pablo Picasso, Georges Braque
Kuubismi, erittäin vaikutusvaltainen kuvataiteen tyyli 2000 -luvulle, jonka ovat luoneet pääasiassa taiteilijat Pablo Picasso ja Georges Braque Pariisissa vuosina 1907–1914. Kuubistinen tyyli korosti kuvan tason litteää ja kaksi dimensioista pintaa hylkäsivät perinteiset tekniikat perinteiset tekniikat ja kaksi. . näkökulmasta, Scorzo, mallintaminen ja selkeä ja kumota muinaiset teoriat, joiden taiteen tulisi jäljitellä luontoa. Kuubistit uskoivat, että länsimaisen taiteen perinteet olivat uupuneet ja heidän teoksensa elvyttämiseksi he turvautuivat muiden kulttuurien, etenkin afrikkalaisen taiteen, ilmeikkäin energiaan.
Kuubismi saa nimensä kriitikon Louis Vauxcellesin kommentteista, jotka luovuttivat Braquen teoksen L'taquessa sijaitsevissa Braquen teoksissa kuutioista koostuvan L'Estaquen taloissa. Braquen maalauksessa, talojen määrät, puiden lieriömäiset muodot ja ruskea ja vihreä kaavio muistavat Paul Cézannen maisemat, jotka inspiroivat syvästi kuutioita heidän kehitysvaiheessaan (vuoteen 1909 asti). Uuden tyylin ennakoi kuitenkin Les Demoiselles d'Avignon, maalaama Picasso vuonna 1907; Tässä työssä viiden naispuolisten alastomien muodoista tulee kulma- ja murtuneita muotoja.
Voidaan nähdä, että kubismi kehittyi kahdessa eri vaiheessa: alku- ja karkeamman analyyttisen kubismin ja synteettisen kubismina kutsutun kubismin takafaasi. Analyyttinen kubismi kehitettiin vuosina 1908–12. Hänen taideteoksensa näyttävät vakavemmilta ja muodostetaan yhdistelmällä tasoja ja linjoja mustien, harmaan ja ocherin sävyissä. Synteettinen kubismi on kuubismin takavaihe, katsotaan yleensä, että se on noin 1912 - 1914, ja sille on ominaista yksinkertaisemmat muodot ja kirkkaammat värit. Synteettisiä kubistisia teoksia sisältävät yleensä myös yhdistetyt oikeat elementit, kuten sanomalehdet. Oikeiden esineiden sisällyttäminen suoraan taiteeseen oli alku yhden nykyaikaisen taiteen tärkeimmistä ideoista.
Vaikka tämän uuden visuaalisen kielen luominen johtuu Picassolle ja Braquelle, se adoptoi ja kehitti monet maalarit, mukaan lukien Fernand Léger, Robert ja Sonia Delaunay, Juan Gris, Roger de la Fresnaye, Marcel Duchamp, Albert Gleizes ja Jean Metzinger. Vaikka kubismi liittyy pääasiassa maalaukseen, se vaikutti myös syvään vuosisadan veistokseen ja arkkitehtuuriin. Tärkeimmät kubistiset kuvanveistäjät olivat Alexander Archipenko, Raymond Duchamp-Villon ja Jacques Lipchitz. Sveitsiläisen arkkitehdin Le Corbusierin kubistisen estetiikan omaksuminen heijastuu 1920 -luvulla suunnittelemien talojen muodoissa.
Talvella 1912–13 Picasso teloitti suuren määrän Papiers Collés. Tällä uudella tekniikalla, joka koski värillisiä tai painetut paperit koostumuksiinsa, Picasso ja Braque pyyhkäisivät viimeiset kolmen dimensioisen tilan (illuusionismin) jäämät, jotka pysyivät edelleen heidän "korkeassa" analyyttisessä työssään.
Kuubismin aloittamilla muodollisilla vapauttavilla käsitteillä oli myös suuria vaikutuksia Dadalle ja surrealismille sekä kaikille taiteilijoille, jotka harjoittavat abstraktiota Saksassa, Hollannissa, Italiassa, Englannissa, Yhdysvalloissa ja Venäjällä.
Nro 8 Dada ja surrealismi (1917–1950)
Dadais
Jotkut eksponentit: Hugo Ball, Marcel Duchamp, Emmy Hennings, Hans Arp, Raoul Hausmann, Hannah Höch, Francis Picabia, George Grosz
Kansainvälinen laajuus ja monipuolinen taiteellinen tuotanto sekä annettu että surrealismi olivat taiteellisia, kirjallisia ja älyllisiä liikkeitä 1900 -luvun alkupuolella, jotka olivat perustavanlaatuisia modernismin määrittelemiseksi. Runoilijoiden ja taiteilijoiden, kuten Tristan Tzaran ja Hans Arpin, Zürichissä vuonna 1916 julkaisema liike, oli suora reaktio ensimmäisen maailmansodan joukkomurhaan, propagandaan ja hulluuteen I. Yleisiin ideoihin liittyvät riippumattomat ryhmät syntyivät pian sen jälkeen New Yorkissa. , Berliini, Pariisi ja muut paikat. Näillä eri ryhmillä ei ollut universaalia tyyliä, vaan ne olivat yhteydessä idealismin hylkäämiseen, vanhentuneisiin taiteellisiin ja älyllisiä sopimuksia sekä modernin yhteiskunnan hallitsemattoman halauksen "rationalismiin" ja "edistymiseen".
Koska se oli eurooppalainen avant -garde -taiteellinen liike, jossa varhaiset keskukset olivat Zürichissä, Sveitsissä ja New Yorkissa.
Nimi, joka on poistettu Zürichissä vuonna 1916, tarkoittaa "keinuvaa hevosta" ranskaksi tai "kyllä" romaniaksi ja venäjäksi. Mutta koska liikkeen nimi ei todellakaan tarkoita mitään. Sairas kulttuurista, joka oli tuottanut ensimmäisen maailmansodan verilöylyn, koska se haastoi kaikki pyhät lehmät, heittäen ilmaisun ja kirjoittamisen ikkunan läpi ja juhlimaan mahdollisuutta ja järjetöntä.
Dada -juuret löytyvät avant -gardeista ennen sotaa. Marcel Duchamp keksi termin Aniarte, Dadan edeltäjä, vuonna 1913 karakterisoimaan teoksia, jotka haastavat taiteen hyväksytyt rajoitukset.
Dadaist -liike sisälsi julkiset kokoukset, mielenosoitukset ja taiteen / kirjallisten aikakauslehtien julkaiseminen; Taiteen, politiikan ja kulttuurin intohimoisesta kattavuudesta keskusteltiin usein useissa tiedotusvälineissä.
Liike vaikutti takaosan tyyleihin, kuten avant -garde- ja keskusmusiikkiliikkeisiin, sekä ryhmiä, jotka sisältävät surrealismia ja pop -taidetta.
Sitten surrealismi saapui kanavoimaan dadaisten, kuten Marcel Duchampin, vastaiset energiat takaisin museoon, joka laukaisi erittäin menestyvän, mutta kiihkeän liikkeen, joka tuhosi Euroopan sotien välillä ja halasi monia media.
Surrealismi
Jotkut eksponentit: Max Ernst, André Masson, Salvador Dali, René Magritte
Yksi 2000 -luvun tärkeimmistä ja kumouksellisimmista liikkeistä, surrealismi kukoisti erityisesti 1920- ja 1930 -luvuilla ja tarjosi radikaalin vaihtoehdon kubismin rationaalisille ja muodollisille ominaisuuksille. 1900 -luvun kirjallinen, filosofinen ja taiteellinen liike, joka tutki mielen toimintaa, puolustaen irrationaalista, runollista ja vallankumouksellista.
Toisin kuin Dada, josta se syntyi monin tavoin, korosti positiivista hylkäämistä pikemminkin kuin aikaisempien perinteiden pessimististä.
Sana 'surrealisti' (joka ehdottaa 'Beyond Reality') keksi ranskalainen avant -garde -runoilija Guillaume Apollinaire vuonna 1903 kirjoitetussa teoksessa ja edustettuna vuonna 1917. Mutta se oli André Breton, uuden runoilijoiden ja taiteilijoiden johtaja André Breton Pariisissa, joka määritteli surrealistisessa manifestissaan (1924) surrealismin nimellä: puhdas psyykkinen automatismi, jonka kautta ehdotetaan ilmaisemaan joko suullisesti kirjallisesti tai millään muulla tavalla ajatuksen todellinen toiminta. Ajatuksen saneleminen, jos minkäänlaisen esteettisen ja moraalisen huolenaiheen ulkopuolella ei ole syytä harjoitettua valvontaa.
Useita erilaisia säikeitä voidaan erottaa surrealismin visuaalisesta ilmenemismuodosta. Taiteilijat, kuten Max Ernst ja André Masson, suosittivat automatismia, jossa tietoinen hallinta on tukahdutettu ja alitajunta saa hallita. Päinvastoin, Salvador Dalí ja René Magritte jatkoivat hämmästyttävää superrealiteetin tunnetta, jossa kohtauksilla ei ole todellista järkeä. Kolmas variaatio oli toisiinsa liittymättömien elementtien vastakkaisuus, joka muodosti toteuttamattoman todellisuuden normaalin todellisuuden rajojen ulkopuolelle. Surrealismi on alun perin peräisin Pariisista. Sen vaikutusta laajennettiin kansainvälisten aikakauslehtien ja näyttelyiden sarjan avulla, ja ne olivat tärkeimpiä esimerkkejä viimeksi mainituista kansainvälisestä surrealistisesta näyttelystä uudessa Burlingtonissa, Lontoossa ja fantastisen taiteen fadassa, surrealismissa modernissa taiteen museossa, molemmat valmistettuina 1936. Toisen maailmansodan puhkeamisen myötä surrealistisen toiminnan keskus siirrettiin New Yorkiin ja sodan lopussa liike oli menettänyt johdonmukaisuuden. Se on kuitenkin säilyttänyt voimakkaan vaikutuksen, mikä selvästi ilmenee abstraktin ekspressionismin ja muiden 1900 -luvun jälkipuoliskon taiteellisten oireiden näkökohdissa.
Monet väittävät, että surrealismi tunnistettavissa olevana kulttuuriliikkeinä päättyi Bretonin kuolemaan vuonna 1966. Toiset uskovat, että se on edelleen tärkeä ja asiaankuuluva voima.
Nro 9 abstrakti ekspressionismi (1940–1950)
Jotkut eksponentit: Jackson Pollock, Kooning Willem, Franz Kline
"Abstrakti ekspressionismi" ei ollut koskaan ihanteellinen etiketti liikkeelle, joka kehitettiin New Yorkissa 1940- ja 1950 -luvuilla. Joillakin tavalla oli tarkoitus kattaa paitsi niiden maalarien työ, joka täytti kankaansa kentällä kentävärillä ja abstraktit muodot, mutta myös ne, jotka hyökkäsivät kankaansa voimakkaalla eleellä. Kaikki olivat sitoutuneita taiteeseen itseilmaisina, syntyneet syvistä tunneista ja yleismaailmallisista teemoista, ja suurin osa muodostettiin surrealismin perintö, liike, joka kääntyi uuteen tyyliin, joka sopeutui ahdistuksen ja trauman sodan jälkeiseen tunnelmaan. Heidän menestyksessään nämä New Yorkin maalarit varastivat Pariisin vaipansa modernin taiteen johtajana ja valmistivat Yhdysvaltojen mestaruuden lavan kansainvälisen taiteen maailmassa. Abstrakti ekspressionismi merkitsi New Yorkin vaikutuksen alkua länsimaisen taiteen maailman keskukseksi. Abstraktien ekspressionististen taiteilijoiden maailma juurtui tiukasti matalaan Manhattaniin. Kävely 8. kadun varrella ottaisi sen Waldorf -kahvilasta, jossa taiteilijat ilman rahaa tekivät "tomaattikeittoa" kuumalla vedellä ja ilmaisella ketsupilla; Samannimisen maalari Hans Hofmannin muovitaiteilijoiden koulun jälkeen; Klubille parvi, jossa konferenssit ja lämmitetyt taidetta koskevat väitteet jatkuivat myöhään iltaan asti. Jackson Pollockin tutkimus oli East 8th Street -kadulla, Kooning ja Philip Guston Willem olivat East 10., ja vaikka Franz Kline muutti useisiin alueen taloihin ja tutkimuksiin, suurin osa yöistä löysi hänet ja monet hänen aikalaisistaan Cedar Street Tavern -kadulla The Cedar Street Tavernissa Yliopistosivusto.
Liike sisälsi monia erilaisia kuvatyylejä, jotka vaihtelivat sekä tekniikassa että lausekkeen laadussa. He käyttävät usein abstraktioastetta; Toisin sanoen ne edustavat epärealistisia tai äärimmäisissä muodoissa muotoja, joita ei ole poistettu näkyvästä maailmasta (ei -objektiivi). He korostavat vapaata, spontaania ja henkilökohtaista emotionaalista ilmaisua ja käyttävät huomattavaa tekniikan ja toteutuksen vapautta tämän tavoitteen saavuttamiseksi, painottaen erityisesti maalauksen muuttuvan fyysisen luonteen hyödyntämistä ilmaisun ominaisuuksien herättämiseksi (esimerkiksi aistillisuus, dynaamisuus ). , väkivalta, mysteeri, lyyrisyys).
Suurin osa taiteilijoista, jotka liittyvät abstraktiin ekspressionismiin, joka kypsyi 1930 -luvulla. Ajan vasemmistopolitiikka vaikutti niihin, ja he tulivat arvostamaan henkilökohtaista kokemusta perustuvaa taidetta. Harvat säilyttäisivät aiemmat radikaalit poliittiset näkemyksensä, mutta monet jatkoivat Frank Avant -garden aseman omaksumista.
Abstraktin ekspressionistisen liikkeen monimuotoisuudesta huolimatta voidaan erottaa kolme yleistä lähestymistapaa. Yhdelle, toimintamaalaukselle, on ominaista löysä, nopea, dynaaminen tai energinen maalin käsittely skannaamisessa tai leikkaamisessa harjapoistoissa ja osittain sattumanvaraisesti saneltuissa tekniikoissa, kuten maalin tiputtaminen tai vuotaminen suoraan kankaalle. Taiteilijat: Pollock, Kooning.
Keskimääräinen termi abstraktissa ekspressionismissa edustaa useita erilaisia tyylejä, jotka vaihtelevat lyyrisemmistä, herkistä ja nestemäisemmistä muodoista. Taiteilijat: Guston, Frankenthaler, Motherwell, Gottlieb.
Kolmas vähemmän ilmeikäs lähestymistapa oli Rothko, Newman ja Reinhardt. Nämä maalarit käyttivät suuria alueita tai kenttiä, litteää ja hienoa maalia ja diafaania, jotta saavutettiin hiljaiset, hienovaraiset ja melkein meditatiiviset vaikutukset.
Vaikka liike on edustettuna suurelta osin koko historiallisen dokumentoinnin ajan, joka kuului sankarilliselle miestaiteilijalle, joka on pistetty maalauksella, New Yorkista ja San Franciscosta syntyi useita tärkeitä abstrakteja ekspressionisteja 1940- ja 1950 -luvulla, jotka nyt saavat luottoa ala -asteen jäseninä. maksu.
No.10 pop -taide (1960)
Jotkut eksponentit: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist ja Claes Oldenburg
Pop -taide aloitettiin New Yorkin taiteilijoiden Andy Warholin, Roy Lichtensteinin, James Rosenquistin ja Claes Oldenburgin kanssa, jotka ovat inspiroineet suositut kuvat ja olivat tosiasiallisesti osa kansainvälistä ilmiötä.
Se oli kapinan taiteen ja kulttuurin hallitsevia lähestymistapoja ja perinteisiä mielipiteitä siitä, minkä taiteen pitäisi olla. Nuoret taiteilijat kokivat, että mitä he opettivat heille taidekoulussa ja mitä museoissa näkivät, ei ollut mitään tekemistä heidän elämänsä tai asioiden kanssa, joita he näkivät heidän ympärillään joka päivä. Sen sijaan lähteet, kuten Hollywood -elokuvat, mainonta, tuotepakkaus, popmusiikki ja sarjakuvat saadakseen kuviensa. Abstraktien ekspressionistien suosion jälkeen tunnistettavien kuvien palauttaminen POP: lla (poistettu mediasta ja populaarikulttuurista) oli tärkeä muutos modernismin suuntaan.
Vuonna 1957 pop -taiteilija Richard Hamilton luetteloi pop -taiteen ominaisuudet kirjeessä ystävilleen arkkitehdit Peter ja Alison Smithson: Pop Art IS: Popular (suunniteltu joukkoyleisölle), siirtymävaihe (lyhyt aikaväli), käytettävä (Helppo unohtaa), edullinen, tuottama Mass, Young (suunnattu nuoruudelle), nerokas, seksikäs, trukulentti, lumoava, suuret yritykset. Modernistiset kriitikot kauhistuttivat pop -taiteilijoiden käyttöä sellaisella ”matalalla” teemalla ja heidän ilmeisesti pienestä kriittisestä kohtelustaan. Itse asiassa Pop toi taidetta uusille temaattisille alueille ja kehitti uusia tapoja esitellä sitä taiteessa, ja sitä voidaan pitää yhtenä postmodernismin ensimmäisistä ilmenemismuodoista.
Vaikka brittiläinen popia inspiroivat samanlaiset kysymykset, ne pidetään usein erottuvana amerikkalaisena popina. Ison -Britannian varhainen pop -taide ajoi etäisyydeltä nähty amerikkalainen populaarikulttuuri, kun taas amerikkalaiset taiteilijat inspiroivat sitä, mitä he näkivät ja kokenut asumisen kyseisessä kulttuurissa. Yhdysvalloissa pop -tyyli oli paluu edustavalle taiteeseen (taide, joka edusti visuaalista maailmaa tunnistettavissa olevalla tavalla) ja kovien reunojen ja eri muotojen käyttöön abstraktin ekspressionismin kuvallisen löysyyden jälkeen. Käyttämällä persoonattomia ja arkipäiväisiä kuvia, pop -taiteilijat halusivat myös päästä eroon henkilökohtaisten tunteiden ja henkilökohtaisen symbolismin painotuksesta, joka luonnehti abstraktia ekspressionismia. Britanniassa liike oli lähestymistavassaan akateemisempi. Ironiaa ja parodiaa käyttäessään hän keskittyi enemmän siihen, mitä amerikkalaiset suositut kuvat ja heidän voimansa manipuloida ihmisten elämäntapoja. 50 -luvun taideryhmää, riippumatonta ryhmää (IG), pidetään brittiläisen pop -taiteen liikkeen edeltäjänä. Pop -taide oli Dadan jälkeläinen.
Useimmat pop -taiteilijat pyrkivät persoonattomaan ja kaupunkisuunnitteluun teoksissaan. Joitakin esimerkkejä pop -taiteesta ilmaisi kuitenkin hienovaraisesti sosiaalista kritiikkiä, esimerkiksi Oldenburgin kaatuneita esineitä ja saman banaalin kuvan Warholin yksitoikkoisia toistoja on epäilemättä häiritsevä vaikutus, ja toisilla, kuten salaperäisinä ja yksinäisinä segalilajeilla, jotka he ovat avoimesti ekspressionisteja.
Ehkä kaupallisten kuvien sisällyttämisen vuoksi pop -taiteesta on tullut yksi modernin taiteen tunnetuimmista tyyleistä.
Nro11 postmodernismi (1970–)
Jotkut eksponentit: Gerhard Richter, Cindy Sherman, Anselm Kiefer, Frank Gehry, Zaha Hadid
Marilyn taivaalla ©James Gill
Se, että postmodernillisuus on määrittelemätön, on totuus. Sitä voidaan kuitenkin kuvata joukkoon kriittisiä, strategisia ja retorisia käytäntöjä, joissa käytetään käsitteitä, kuten eroa, toistoa, jäljitystä, simulointia ja hyperrealisuutta, epävakauttamaan muita käsitteitä, kuten läsnäolo, identiteetti, historiallinen kehitys, varmuus episteminen ja merkityksen yksikkö.
Termi "postmodernistinen taide" viittaa laajaan nykytaiteen luokkaan, joka on luotu noin vuodesta 1970 lähtien. "Postmodernistisen taiteen" erottuva sinetti on sen estetiikan hylkääminen, johon sen edeltäjä "Modern Art" (1870-1970) perustui. Yksi näistä hylätyistä arvoista on ajatus, että "taide" on jotain "erityistä", jonka pitäisi olla "suositun maun korkea. Samanaikaisesti uuden teknologisen kehityksen sarjan kanssa postmodernismi on johtanut lähes viiden vuosikymmenen taiteelliseen kokeiluun uusien media- ja uusien taiteen muotojen kanssa, mukaan lukien "käsitteellinen taide", erityyppiset "performanssitaide" ja "installaatiotaide", sekä avustettu liikkeet, kuten dekonstruktivismi ja projektiotaide. Näitä uusia muotoja käyttämällä postmodernit taiteilijat ovat laajentaneet taiteen määritelmää siihen pisteeseen, että "kaikki on arvoista".
Ensimmäinen tärkeä taidetyyli renessanssin jälkeen oli akateeminen taide, klassinen materiaali, jota opettajat opettivat akatemioissa. Akateeminen taide on perinteisen "puku ja solmio" taiteellinen vastine. Seuraavaksi, noin 1870, tulee "moderni taide". Tämä on "paita ja housut" tai "takki ja housut" taiteellinen vastine. Seuraavaksi, noin 1970, tulee "postmoderni taide", joka on "farkut ja t -paidan" taiteellinen vastine. Samalla tavalla, että vaatekoodeista on tullut vähemmän muodollisia ja enemmän "kaikki on arvoista", nykypäivän taiteilijat ovat vähemmän vaikuttuneita vanhoista ideoista siitä, minkä taiteen pitäisi olla ja keskittyvät enemmän jotain (mitä tahansa) luomiseen kuin se havaitaan.
Luonnonvastainen valtuuttaja, postmodernismi kieltäytyi tunnustamasta minkä tahansa tyylin tai määritelmän auktoriteettia siitä, minkä taiteen pitäisi olla. Ero korkean kulttuurin ja massakulttuurin välillä oli romahtanut taiteen ja päivittäisen elämän välillä. Koska postmodernillisuus rikkoi vakiintuneita tyyliä koskevat säännöt, esitteli uuden vapauden aikakauden ja tunteen, että "kaikki on arvoista". Usein hauska, ironinen tai naurettava; Se voi olla ristiriitainen ja kiistanalainen, haastaen maun rajat; Mutta tärkeintä on, että se heijastaa itse tyylin itsetietoisuutta. Usein erilaisten tyylien ja taiteellisen ja suositun median sekoittaminen postmodernistinen taide voi myös lainata tietoisesti tai tietoisesti tai ironisesti kommentoida erilaisia menneisyyden tyylejä. Siten postmodernit katsovat, että heidän teoreettinen kanta on poikkeuksellisen osallistava ja demokraattinen, koska se antaa heille mahdollisuuden tunnistaa kohtuuttoman hegemonian havainnollistamisen epäoikeudenmukaisista hegemoniasta ei -eliittiryhmien yhtä pätevistä näkökulmista.
1980- ja 1990 -luvulla akateemiset puolustajat useiden etnisten, kulttuuristen, rotu- ja uskonnollisten ryhmien nimissä hyväksyivät nykyajan länsimaisen yhteiskunnan postmodernikritiikat, ja postmodernismista tuli "identiteettipolitiikan" uuden liikkeen epävirallinen filosofia
Kuadros ©, kuuluisa maali seinällesi.
