De 10 Mest Berømte Malerier af Jesus

Jesus' figur er en af de mest ikoniske i historien.

Kunst omkring billedet af Jesus Kristus er blevet idealiseret både af amatørkunstnere og af store mestre.

Hvordan er det muligt at vise på lærred en figur, der både er fuldstændig menneskelig og fuldstændig guddommelig? Denne type kunstnerisk dristighed er noget, man endda skal være modig for at forsøge.

Kunstnerne, der har malet i den kristne tradition, har gjort præcis det i to årtusinder.

De 10 mest berømte malerier af Jesus

Dette er et kig på de 10 mest berømte malerier af Jesus gennem historien, ifølge klassificeringen foretaget af eksperterne fra Kuadros.

# 1 Den sidste nadver - Leonardo Da Vinci

Det mest berømte maleri af Jesus Kristus er uden tvivl Den sidste nadver af Leonardo Da Vinci.

Værket genskaber den sidste påskefrokost mellem Jesus og hans apostle, baseret på fortællingen beskrevet i Johannes' evangelium, kapitel 13. Kunstneren forestillede sig, og har formået at udtrykke, det spørgsmål, der lange har plaget apostlene om, hvem der forråder deres Mester.

Malet i slutningen af det 15. århundrede som vægmaleri i spisesalen i klosteret Santa Maria delle Grazie i Milano.

Freskomalerier laves normalt ved at påføre pigment på intonaco, et tyndt lag af våd kalkgips.

Dette er normalt den bedste teknik at bruge, da det tillader freskoen at tage sig af den naturlige respiration eller sved, som en væg udsender, når fugtigheden bevæger sig mod overfladen.

Dog besluttede Da Vinci at bruge oliefarve i Den sidste nadver, da dette materiale tørrer meget langsommere, hvilket gjorde det muligt for ham at arbejde på billedet på en meget langsommere og mere detaljeret måde.

Leonardo vidste, at den naturlige fugt, der trænger ind i de fleste murstensbygninger, skulle sigtes, hvis han brugte oliefarver, ellers ville fugten ødelægge hans arbejde.

Så kunstneren tilføjede et dobbelt lag gips, klæbemiddel og tjære for at modvirke skader fra fugt.

På trods af dette har kunstværket måtte blive restaureret mange gange i sin lange historie.

I dag er der meget lidt tilbage af det oprindelige top lag af oliefarve som følge af miljømæssige og også bevidste skader.

#2 Transfiguration - Rafael

Transfiguration af Rafael er det sidste værk af den store renæssancekunstner Rafael, som blev bestilt af kardinal Giulio de Medici fra Medici-bankerfamilien.

Oprindeligt var kunstværket tænkt som central altertavle i Narbonne-katedralen i Frankrig, og nu hænger det i Pinacoteca Vaticana i Vatikanstaten.

Efter Rafaels død blev maleriet aldrig sendt til Frankrig, og kardinalen hang det i stedet i højalteret i Beato Amadeo-kirken i San Pietro in Montorio, Rom, i 1523.

Men i 1797 blev maleriet taget af franske tropper som en del af Napoleons italienske kampagne og senere hængt op i Louvre.

Det kan betragtes, at maleriet afspejler en dikotomi på det mest grundlæggende niveau: Kristi forløsende styrke, symboliseret ved renheden og symmetrien i maleriets øverste halvdel. Dette står i kontrast til menneskets mangler, symboliseret i den nederste halvdel ved dystre og kaotiske scener.

Transfiguration relaterer til de efterfølgende fortællinger i Matteusevangeliet. Den øverste del af maleriet viser Kristus hævet op foran bølgende og oplyste skyer, og på begge sider af ham står profeterne Elias og Moses. I den nederste del af maleriet er apostlene vist, der forgæves forsøger at frigive den besatte dreng fra dæmonerne. Den øverste del viser Kristus transfigureret, som ser ud til at udføre et mirakel, helbrede drengen og befri ham fra det onde.

Dimensionerne af Transfiguration er kolossale, 410 x 279 cm. Rafael foretrak at male på lærred, men dette maleri blev udført med oliefarver på træ som valgte medier. Rafael viste faktisk tidlige tegn på manierisme og teknikker fra den barokke periode i dette maleri.

De stiliserede og forvrængede poser af de nedre halvfigurer indikerer manierisme. Den dramatiske spænding i disse figurer, og den frie brug af lys og skygge, eller chiaroscuro-kontraster, repræsenterer den barokke periode med overdreven bevægelse for at skabe drama, spænding, pragt eller belysning. Faktisk kom Transfiguration for sin tid, ligesom Rafaels død, som kom alt for tidligt.

Dette værk ville være Rafaels sidste maleri, som han ville arbejde på indtil sin død i april 1520.

Rengøringen af maleriet fra 1972 til 1976 viste, at kun nogle af de nederste venstre figurer blev afsluttet af assistenter, mens størstedelen af maleriet var lavet af kunstneren selv.

#3 Dommedag - Michelangelo

Dommens dag af Michelangelo findes på væggen bag alteret i Sixtinske Kapel. Hans skildring af Kristi anden komme i "Dommedag" skabte straks kontrovers i den katolske kirke under modreformasjonen.

Michelangelo skulle male tidens afslutning, evighedens begyndelse, når det dødelige bliver udødeligt, når de udvalgte forenes med Kristus i hans himmelske rige, og de fordømte kastes i evig ild.

Ingen kunstner i 1500-tallets Italien var bedre positioneret til denne opgave end Michelangelo, hvis sidste værk cementerede hans ry som den største mester af den menneskelige figur, især den nøgne mand. Pave Paul III var meget klar over dette, da han anklagede Michelangelo for at male altervæggen i kapellet med Dommedag. Med sit fokus på legemets opstandelse var dette det perfekte emne for Michelangelo.

Den magtfulde komposition centrerer sig om Kristus' dominerende figur, fanget i det øjeblik, hvor dommen i Dommedag skal afsiges.

Hans rolige og myndige gestus synes at tiltrække opmærksomheden og dæmpe den omkringliggende uro. I billedet indledes der en bred, langsom roterende bevægelse, hvor alle figurer deltager. De to øverste lunetter med grupper af engle, der bærer de symbolske genstande fra Pasionen i luften (til venstre korset, søm og tornekrone; til højre piskestolen, trapperne og spydet med svampen fugtet i eddike, udelukkes).

I centrum af den nederste sektion er apokalyptiske engle, der vækker de døde med lyden af lange trompeter. Til venstre genvinder de opstandne deres kroppe, mens de stiger op mod himlen (kødets opstandelse), til højre kæmper engle og dæmoner for at få de fordømte til at falde i helvede. Endelig, i baggrunden gør Charon med sine årer, sammen med sine dæmoner, at de fordømte går ud af sin båd for at føre dem frem for den infernale dommer Minos, hvis krop er indhyllet i den snoede slange.

Referencen i denne del til helvede i Dantes Den Guddommelige Komedie er klar. Udover ros skabte Dommedag også voldsom reaktion blandt samtidige. For eksempel sagde ceremonimester Biagio da Cesena, at "det var det mest usleste at have malet så mange nøgne figurer, der så useligt viser deres skam i et så hæderligt sted, og at det ikke var et arbejde for en pavens kapel, men for ovne og kroer" (G. Vasari, Le Vite). Kontroverserne, der fortsatte i årevis, førte i 1564 til beslutningen fra Tridentinerkonsilet om at dække nogle af de figurer i Dommedag, som blev betragtet som "usømmelige".

Opgaven at male dækningen blev givet til Daniele da Volterra, efterfølgende kendt som "braghettone". Daniele's "braghe" var kun de første, der blev udført. Faktisk blev flere tilføjet i de kommende århundreder.

#4 Kristus Bærer Korset - El Greco

Under sin lange karriere i Spanien malede El Greco adskillige værker af Kristus, der bærer korset. Kristus Bærer Korset er et perfekt billede på menneskeligheden. Værket fremhæver de karakteristiske penselstræk, hvor maleren bruger farven til at modellere volumener og forvrænger kroppe for at afspejle personens åndelige længsel.

El Greco maler Kristus' øjne med dramatiske og overdrevne tårer. Hans øjne er nøgleelementet i maleriet, da de udtrykker meget følelser.

Der er en delikat kontrast mellem hans robuste skuldre og den feminine skønhed i hans hænder. Men der er ingen tegn på smerte i hans ansigt. Ligesom hans passive hænder udtrykker ingen angst eller anstrengelse ved at bære korset.

El Greco transformerede billedet af Kristus, der var overvældet og smertefuld af det tunge kors, til en, der er rolig og klar til at møde sin skæbne. Kristus' ro i mødet med sit offer inviterer beskueren til at acceptere sin egen skæbne i stunder af frygt og tvivl.

#5 Kristus Korsfæstet - Diego Velázquez

Dette intens magtfulde billede af Jesus på korset blev malet i den kreative periode, der fulgte efter Velázquez' første inspirerende rejse til Italien. I modsætning til hans andre mandlige nøgne, der dukkede op i malerier som Apollo i Vulcan's Smedje og Josefs Kappe, er hans Kristus på korset en død eller døende krop, der ikke ledsages af andre narrative elementer bortset fra selve korset. Ikke desto mindre formår kunstneren at give værket stor værdighed og ro.

Man mener, at værket var en bestilling til sakristiet i konventet San Plácido, den strenge stilling af Kristus Korsfæstet viser fire søm, fødderne sammen og tilsyneladende støttet af en lille træhylde, der gør, at armene danner en subtil kurve i stedet for en trekant. Hovedet er kranset af en glorie, mens ansigtet hviler på brystet, hvilket giver os et glimt af hans ansigtstræk. Hans glatte og lige hår hænger over den højre side af hans ansigt, hans baggrund er præget af blod, der drypper fra såret på hans højre side.

Billedet er usædvanligt selvbiografisk i den forstand, at det illustrerer alle de vigtigste indflydelser på Velázquez' maleri. For det første husker det den fromme tone og ikonografien fra de malerier, han optog i sine tidlige år i Sevilla under Francisco Pacheco, et aktivt medlem af den spanske inkvisition.

For det andet afspejler det hans færdigheder i figurmaleri opnået i Spanien fra studiet af de spanske renæssancekunstnere og i Italien fra antik kunst, kunsten fra den høje renæssance i Rom og Venedig samt fra Caravaggios værker i Rom og Napoli.

Den klassiske indflydelse i værket ses i den overordnede ro i kroppen og den idealiserede stilling. Indflydelsen fra caravaggisme bliver tydelig i det dramatiske tenebrism, der centrere al opmærksomhed på Kristus' blege krop.

Det er sandt, at billedet ikke har den karakteristiske dramatik, der kendetegner barokmaleriet, som ses i religiøse værker som Sankt Peters korsfæstelse eller Korset nedstigning. I stedet har det en monumentalt skulpturel kvalitet, der hæver det i overensstemmelse med emnets spiritualitet. Kompositionen er helt simpel, men med en levende kontrast mellem den hvide krop og den mørke baggrund, og der er naturalisme i den måde, hvorpå Kristus' hoved falder over hans bryst. Det igangsatte hår er malet med den løshed, som Velázquez har set og beundret førstegangs i eksempler på venetiansk maleri.

Velázquez fik ry for at være en af ​​Spaniens bedste portrætmalere og blev den officielle maler for Filip IV (som regerede fra 1621 til 1640) og i sidste ende den største repræsentant for spansk maleri fra barokperioden. Men på trods af, at religiøs kunst var særligt vigtig i Spanien, et land, hvis herskende monarki priste sig selv for at være en af ​​de største sponsorer af den katolske modreformatoriske kunst, malede Velázquez relativt få bemærkelsesværdige religiøse malerier.

I stedet malede kunstneren den verden, han så omkring sig, specialiserede sig i portrætkunst, lidt genremaleri (stilleben) og nogle få historiske malerier. Ironisk, givet den ringe mængde af hans religiøse værker, blev han mere påvirket af den italienske geni Caravaggio, som udelukkende udmærker sig i sin bibelske kunst, udført i en aggressivt realistisk stil. Velázquez blev også stærkt påvirket af ideerne fra den italienske renæssance, som han fik fra sin sevilliske mester Francisco Pacheco.

#6 Kristus Bærer Korset - Tizian

Omkring 1508 eller 1509 malede Tizian et oliemaleri, der er kendt som Kristus Bærer Korset. De virkelige oprindelser af maleriet er noget mystiske, og selv flere kunsthistorikere har til tider tilskrevet det en anden italiensk maler, Giorgione. Begge malere tilhørte en kunstneres fagforening tilknyttet skolen og kirken, de arbejdede begge i samme tid og sted, og det er sandsynligt, at værket blev malet specifikt til institutionen. En anden mangel ved oliefarve-maleriet er, at den skulle have mirakuløse helbredende evner, som er blevet skrevet om i mange historiske beretninger. Pilgrimme bad i kirken ved et sidealter, hvor maleriet blev hængt, og rapporterede, at de var blevet helbredt for deres sygdomme.

Den generelle stemning i værket er dyster og mørk. De lyseste farver er de matte kødfarver, og farvepaletten domineres af forskellige nuancer af brun. På en næsten sort baggrund fremstår Kristus i halvgennemsigtighed bærende korset over skulderen. Mens han ser til venstre, strammer en rasende skafotvogn et reb omkring hans hals, og en anden figur lige bag skafotvognen ser ind i scenen. Kompositionen har en stil, der var innovativ på det tidspunkt, en nærbilledevisning, der undgik perspektiv og dybde til fordel for intimitet og detaljer. Karakteristisk for Tizian er maleriet fuld af bevægelse, og hvilen synes fjern for de afbildede figurer.

#7 Salvator Mundi - Leonardo Da Vinci

Dette berømte maleri, selvom det stadig er meget tiltalende, anses ikke længere for at være et værk af Leonardo da Vinci og har mistet sin plads på vores liste over de 100 mest berømte malerier i historien.

Oprindeligt blev det antaget, at Leonardo da Vinci malede Salvator Mundi til kong Louis XII af Frankrig og hans consort, Anna af Bretagne. I dag stiller eksperter spørgsmål ved tilskrivningen af maleriet til den italienske mester, på trods af at det blev solgt på auktion i november 2017 for $450.312.500, en rekordpris for et kunstværk.

Salvator Mundi var engang en del af vores liste over berømte malerier, men har givet plads til et andet maleri, der blev stemt af offentligheden og vores kunstnere.

#8 Disciplene fra Emmaus - Caravaggio

Dette værk af mester Caravaggio er også kendt som Vore Herres Pilgrimsrejse til Emmaus eller blot Emmaus' Middag. Maleriet viser det øjeblik, hvor de to apostle, der ledsager ham, indser, at det, der har talt til dem hele dagen, har været deres elskede mester.

Malet på toppen af kunstnerens berømmelse, Disciplene fra Emmaus er et af de mest imponerende religiøse malerier i kunsthistorien. I dette maleri fanger Caravaggio strålende det dramatiske klimaks i øjeblikket, det sekundære øjeblik, hvor disciplene pludselig forstår, hvem der har stået foran dem fra starten. Deres handlinger og den naturlige reaktion udtrykker deres dramatiske overraskelse: den ene er ved at springe op fra sin stol, mens den anden strækker armene ud i en gestus af vantro. Den hårde belysning fremhæver intensiteten i hele scenen.

I værket viser Caravaggio disciplene som almindelige arbejdere med skæggede, rynkede ansigtstræk og klæder i klud, i kontrast til den unge Kristus uden skæg, der ser ud til at være kommet fra en anden verden.

Der er nogle hemmeligheder gemt rundt omkring. I værket gemte kunstneren et påskeæg, for eksempel. Skyggen, der projiceres fra frugtkurven på bordet, synes også at fremstille en fisk, hvilket kunne være en henvisning til det store mirakel.

Og der er flere skjulte skatte i dette mesterværk. Nogle gange er en fejl ikke en fejl overhovedet, men et strejf af genialitet. Lad os tage for eksempel vævningen af kurven af flettet, der hænger på kanten af bordet i midten af maleriet.

Selv om utallige øjne har beundret det mystiske drama, der udfolder sig i den dystre kro, har betydningen af en næsten umærkelig fejl hidtil været overset gennem århundrederne.

En løs gren, der stikker ud fra vævets fletning, forvandler Caravaggios berømte lærred til en dristig handling, en åndelig udfordring for betrageren.

For at værdsætte alle implicerede betydninger af denne lille detalje er det værd at huske konturerne af det generelle miljø, som Caravaggio havde fremkaldt i sit værk.

Emnet for Emmaus' Middag er noget, der har inspireret store mestre gennem historien, fra Rembrandt til Velázquez. Det nøgleøjeblik, der fortælles i Lukas evangeliet i Det Nye Testamente. Her fortælles historien om Kristi intime måltid med de to disciple, Lukas og Cleofás, som er uvidende om deres ledsagers sande identitet. I maleriet er brødet allerede blevet brudt og velsignet, og det er kommet til det punkt, ifølge evangeliets beretning, at Kristus "åbner" øjnene for sine tilhængere og forsvinder "for deres syn".

Mesterværket fanger en mystisk grænse mellem skygge og lys, det magiske sekund, før Kristus, der er omgivet af silhuetten af en fremmed bag sig, forsvinder fra verden. I det ubarmhjertige øjeblik mellem afsløringen og forsvinden, væver Caravaggio sin fortælling, det magistrale møde mellem to verdener.

Når sandheden afsløres, rejser Kristus' onkel, Cleofás, sig fra sin stol, ramt af panik og forundring ved åbenbarelsen: hans albuer hæver sig dynamisk gennem ærmerne på hans frakke.

På den anden side av kurven af fletning, til højre, åbner Lukas sine arme bredt, som om han påkalder usandsynligheden i scenen, og tegner den samme posture som korset i øjeblikket af sin smertefulde død. I mellemtiden forbliver værtshusholderen uberørt, observerende uden at forstå, mens han lytter til de ord, Kristus har talt til sine forbavsede disciple, ude af stand til at gribe betydningen af et transcendent øjeblik for menneskeheden.

Disciplene fra Emmaus indtager plads nummer 82 på listen over berømte malerier

#9 Kristus Pantokrator

Kristus Pantokrator er et malet træpanel, der stammer fra det 6. århundrede fra klosteret St. Catherine beliggende i Sinai, Egypten. Dette maleri betragtes som et af de ældste byzantinske religiøse ikoner og er det ældste kendte værk i pantokrator-stilen.

Det malede panel har en højde på 84 cm med en bredde på 45,5 cm og en dybde på 1,2 cm. Det antages, at maleriet oprindeligt var større, men at det blev skåret i top og sider på et tidspunkt, af ukendte grunde, for at producere de nuværende dimensioner. Værket viser Kristus iført en purpurfarvet kappe.- en farve, der ofte vælges til at repræsentere dem med kejserlig status og kongelighed. Denne valg af farve til sin kappe er et symbol på hans status og betydning. Kristus er beskrevet med sin venstre hånd løftet til velsignelse og i den højre holder han en bog.

Vi kan antage, at denne bog sandsynligvis er et evangelium, da den er prydet med juveler i form af et kors. Maleriet er bevidst asymmetrisk for at symbolisere Kristi dualistiske karakter. Den venstre side af Kristus er et symbol på hans menneskelige natur, idet hans træk repræsenteres som meget blødere og lysere. Mens Kristus' højre side symboliserer hans guddommelighed med et strengt blik og intense træk. Øjnene i sig selv er forskellige i form og størrelse, ligesom håret på hans venstre side er samlet bag hans skulder.

Et af de vigtigste kristne ikoner er Kristus Pantokrator. Dette billede skildrer Jesus som verdens suveræne hersker. Kristus Pantokrator var et af de ældste billeder af Jesus og optræder i de mest fremtrædende steder i klippekirker.

Ordet Pantokrator betyder "Almighty". I den græske version af Det Gamle Testamente (LXX) er ordet pantokrator oversættelsen af "Hærernes Herre" og "Gud Allmægtig". I Åbenbaringsbogen optræder pantokrator ni gange som en titel, der understreger Guds suverænitet og magt.

Ikonet Kristus Pantokrator understreger Jesus' almagt, hans magt til at gøre alt. Jesus er "Herskeren over Alt", som holder alle ting. Symbolikken i Kristus Pantokrator (forklaret nedenfor) er inspireret af romersk kejserimagery for at projicere sin suveræne magt. De tidlige kristne brugte kulturelle symboler til at proklamere den suveræne magt af den opstandne Kristus.

Desuden har placeringen af Kristus Pantokrator i absiden (den forreste hellige væg) også en teologisk betydning. De byzantinske kirker havde modellen af den romerske basilika, kongens kammer til at fejre hoffet. Absiden var den autoriserede plads, hvor den regerende embedsmand sad. Kristus 'placering i absiden erklærer, at han er den legitimt herskende og suveræne dommer over alt.

Kristne begyndte at repræsentere Jesus visuelt i slutningen af 300-tallet, da truslen om forfølgelse ikke længere eksisterede. Disse tidlige billeder præsenterer Jesus som en stoisk skikkelse siddende på en trone med et pergament. I 600-tallet opstod Kristus Pantokrator som en forenkling af dette tidlige billede. Udseendet af Kristus Pantokrator har knap ændret sig i de seneste 1500 år.

De fleste af de tidlige billeder af Jesus blev ødelagt under billedstormen.

#10 Kristus af San Juan de la Cruz

Uden tvivl er Dalis mest populære religiøse værk "Kristus af San Juan de la Cruz", hvis figur dominerer bugten i Port Lligat. Maleriet blev inspireret af en tegning, der opbevares i Klosteret for Inkarnationen i Ávila, Spanien, udført af selve San Juan de la Cruz, efter at han havde set denne vision af Kristus under en ekstase. Menneskerne ved båden stammer fra et maleri af Le Nain og fra en tegning af Diego Velázquez til Maleren fra Breda.

Ved foden af sine studier til Kristus skrev Dalí: "For det første, i 1951, havde jeg en kosmisk drøm, hvor jeg så dette billede i farver, og som i min drøm repræsenterede det atomets kerne. I denne kerne fik efterfølgende en metafysisk betydning: Jeg betragtede 'den enhed, der er universet' i Kristus! For det andet, takket være instruktionspioneren, så jeg Kristus tegnet af San Juan de la Cruz, jeg geometriserede en trekant og en cirkel, der æstetisk opsummerede alle mine tidligere eksperimenter og indskrev min Kristus i denne trekant".

Dette værk blev betragtet som banalt af en betydelig kunstkritiker, da det første gang blev udstillet i London.

Maleriet var en af de mest kontroversielle indkøb, der blev foretaget af Dr. Tom Honeyman, dengang direktør for Glasgow Museums. Det anerkendes nu bredt, at Dr. Honeyman tog en meget klog beslutning ved at foreslå, at det daværende Glasgow Corporation købte maleriet.

Honeyman fik ikke kun maleriet for mindre end katalogprisen, men han købte også ophavsretten til værket fra Salvador Dalí, og sikrede dermed et langsigtet arv ved købet.

Men i begyndelsen blev maleriet ikke godt modtaget af alle, og studerende fra Glasgow School of Art argumenterede for, at pengene kunne have været brugt til at købe værker af skotske eller Glasgow-kunstnere.

Efter at det blev udstillet i Kelvingrove i 1952 tiltrak Dalí masser af besøgende.

Maleriet i samlingen af Glasgow Museums har ikke været fri for drama, da det har været beskadiget to gange, den mest berømte, da lærredet blev alvorligt revet af en besøgende med en skarp sten. Konservatorerne i Kelvingrove kunne reparere maleriet, så skaden nu knap er synlig.

Over 60 år efter det oprindelige køb viser maleriets vedvarende appel ikke tegn på at falme og er nu en af de mest populære udstillinger på museet.

KUADROS ©, et berømt maleri på din væg.