Sanat tarihinin temelleri, eski uygarlıkların kültürel olarak anlamlı konuları temsil etmek için mevcut teknikleri ve malzemeleri kullandıkları on binlerce yıl öncesine kadar uzanır. Bu ilk örneklerden bu yana, her biri kendi döneminin siyasi ve sosyal etkilerini yansıtan belirgin stiller ve özellikler ile birçok sanatsal hareket ortaya çıkmıştır.
Fovizm ne anlama geliyor ve kavramsal sanat nedir? Sanat hakkında konuşmak, kendisi içinde bir disiplindir ve bu dünyaya yeniyseniz, muhtemelen özellikle her hareket ve farklı sanat türleri hakkında birçok sorunuz vardır.
Rönesans'tan Modernizmin yükselişine kadar etkili sanat türleri tarihte silinmez bir iz bıraktı.
Sanat tarihinin ve sanatsal hareketlerin önemi hakkında kavramları netleştirerek, Van Gogh, Picasso ve Warhol gibi ünlü sanatçıların sanat dünyasını nasıl devrimleştirdiğini daha derin bir anlayışa sahip olacağız.
Kuadros, senin için en önemli hareketlerin bir listesini hazırladı.
No.1 İtalyan Rönesansı (1400–1550)
Bazı önde gelenler: Ghiberti Kapıları, Brunelleschi, Donatello, Botticelli, Leonardo, Michelangelo, Raphael.
14. yüzyılın sonlarına doğru, bir grup İtalyan düşünce lideri yeni bir çağda yaşadıklarını ilan etti. Karanlık ve barbar "Orta Çağ" sona ermişti; öğrenim, edebiyat, sanat ve kültürün bir "rinascità" ("yeniden doğuş") başlamıştı. Bu, artık Rönesans olarak bilinen dönemin doğuşuydu. Yüzyıllar boyunca, araştırmacılar İtalyan Rönesansı'nın bu şekilde gerçekleştiği konusunda hemfikir oldular: 14. ve 17. yüzyıllar arasında, dünyanın ve insanın yerinin düşünülmesinde modern bir bakış açısı eski düşüncelerin yerini almıştır. Bu dönem boyunca bilimsel, sanatsal ve kültürel başarıların çoğu ortak temalar taşır; özellikle de insanın kendi evreninin merkezi olduğu yönündeki insani inanç.
15. yüzyıldaki İtalya, Avrupa'daki diğer yerlerden farklıydı. Her biri kendi hükümeti ile bağımsız şehir-devletlerine bölünmüştü. İtalyan Rönesansı'nın başladığı yer olan Floransa, bağımsız bir cumhuriyet ve bir banka ve ticaret merkeziydi. Zengin Floransalılar, sanatçılara ve entelektüellere destek vererek şehrin Avrupa ve Rönesans'ın kültürel merkezi olmasını sağladılar.
Rönesans iki ana kısma ayrılır:
Erken Rönesans döneminde sanatçılar, dini resmin Bizans stilini reddetmeye başladılar ve insan formu ve uzayda gerçekçiliği yaratmak için çabaladılar. Bu hedef Cimabue ve Giotto ile başladı ve Andrea Mantegna ve Paolo Uccello gibi sanatçılarla zirveye ulaştı. Din, günlük yaşamda hala önemli olmaya devam etmesine rağmen, mitolojik konu da gelişti. Birçok kişi Botticelli'nin Venüs'ün Doğuşu eserini mitolojik bir sahnenin ilk panel resmi olarak belirtir.
Yüksek Rönesans olarak bilinen dönem, Erken Rönesans'ın hedeflerinin doruk noktasıdır. Öne çıkan sanatçılar Leonardo da Vinci, Raphael, Titian ve Michelangelo'dur. Resimleri ve freskleri, dünyanın en tanınmış eserleri arasında yer alır; örneğin Son Akşam Yemeği, Atena Okulu ve Michelangelo'nun Sistine Şapeli'nin tavanındaki resimler.
Kuadros'un çevrimiçi mağazasında La Mona Lisa'nın bir reprodüksiyonunu satın al.
No.2 Barok (1600–1750)
Bazı önde gelenler: Rubens, Rembrandt, Caravaggio, Velázquez, Versailles Sarayı.
Barok terimi muhtemelen İtalyanca "barocco" kelimesinden gelmektedir, bu da Orta Çağ'da mantıksal engelleri tanımlamak için kullanılıyordu. Daha sonra karmaşık fikirler veya çarpık düşünce süreçleri anlamına gelmeye başladı. Diğer bir olası kaynak ise, düzensiz veya kusurlu bir inciri tanımlayan Portekizce "barroco" (İspanyolca "barrueco") kelimesidir. Barok, 17. yüzyılın başlarından 18. yüzyılın ortalarına kadar Avrupa'da gelişmiş bir sanat ve mimari hareketidir. Dramatik ve abartılı hareketlerin yanı sıra ayrıntılı ayrıntılara vurgu yaparak drama, gerilim, ihtişam ve büyüklük üretir.
İlk tezahürleri, 16. yüzyılın son on yıllarında İtalya'da ortaya çıkarken, Almanya ve sömürge Güney Amerika gibi bölgelerde barok döneminin bazı zirve başarıları 18. yüzyıla kadar gerçekleşmedi.
Sanatçılar, Rönesans'ın güzellik ideallerini yeniden canlandırarak, sanat eserlerine, müziğe ve mimariye yeni bir ihtişam ve süsleme kattılar. Bu stil, barok olarak bilinir, yenilikçi teknikler ve ayrıntılı tasarımlar ile karakterizedir; sanatta nispeten ılımlı bir dönemde lüks bir görsel dil sunar. Barok, Roma'daki Papa ve İtalya, Fransa, İspanya ve Flandre'deki Katolik yöneticiler tarafından desteklenerek Avrupa genelinde yayıldı. Ayrıca manastırlar ve manastırlar aracılığıyla dini siparişler aracılığıyla da yayıldı.
Ereğialan barok tarzı hem duyusal hem de ruhsal olarak ortaya çıktı. Doğal bir işleme, dini görüntüleri daha erişilebilir hale getirdi, dramatik ve yanıltıcı etkiler ise dini duyguları harekete geçirdi ve ilahi ihtişamı iletti. Kilise tavanları, duyguların gökyüzüne yönlendiren boyalı manzaralara dalıyordu.
Barok resimlerde konu ve stil değişiklik gösterse de, çoğunluğu drama unsurunu ortak bir unsur olarak paylaşıyor. Caravaggio ve Rembrandt gibi sanatçılara ait eserlerde, drama konusunda ilgi, yoğun ışık ve gölge kontrastlarında kendini gösterir.
İspanyollar tarafından yönetilen katolik bölgedeki büyük ustalardan biri, dinamik kompozisyonları ve enerjik figürleri ile barok resminın özüdür. Peter Paul Rubens. Anthony van Dyck'in zarif portreleri ve Jacob Jordaens'ın güçlü eserleri onun örneğini izledi. Hollanda'daki sanat, orta sınıfın gerçekçi zevklerinden etkilendi, bu yüzden Rembrandt ve Frans Hals gibi ressamlar önemli yönlerden barok stilinden bağımsız kaldılar. Ancak, barok, özellikle Sir Christopher Wren ve Sir John Vanbrugh tarafından tasarlanan kiliseler ve saraylar gibi İngiltere'de dikkate değer bir etki yarattı.
Rönesans'ın ikonik heykelleri gibi, Michelangelo'nun David'i gibi, barok heykeller genellikle görkemli binaları ve diğer büyük mekanları, kilise iç mekanları ve imparatorluk bahçeleri gibi yerleri süslemek için tasarlandı.
Barok'un son çiçeklenmesi, 1720'lerde yerel mimarların İtalyan modellerinden uzaklaştığı güney Almanya ve Avusturya'da gerçekleşti.
Kuadros'un çevrimiçi mağazasında Las Meninas'ın bir reprodüksiyonunu satın al.
No.3 Gerçekçilik (1848–1900)
Bazı önde gelenler: Corot, Courbet, Daumier, Millet.
Gerçekçilik, doğanın veya çağdaş yaşamın doğru, ayrıntılı ve süssüz bir temsilidir. Dış görünüşlerin yakın gözlemi lehine idealizasyonu reddeder. Bunun sonucunda, gerçekçilik birçok sanatsal akımı farklı uygarlıklarda kapsar. Örneğin, Yunan heykellerinde boksörler ve yaşlı kadınları tasvir eden Hellenistik Dönem eserlerinde bulunabilir. 17. yüzyıldan kalma Caravaggio'nun eserleri, Hollanda türü ressamları, İspanyol José de Ribera, Diego Velázquez ve Francisco de Zurbarán, ve Fransa'daki Le Nain kardeşlerin eserleri realistik bir yaklaşım taşır. 18. yüzyıl İngiliz romancierlerin eserleri de gerçekçi olarak adlandırılabilir.
Gerçekçilik, 1850'lerde Fransa'da, 1848 Devrimi sonrasında ortaya çıktı; bu, ülkede "çalışma hakkı"nı kurdu. Sıradan insanları, çağdaş sahneleri ve gündelik yaşam anlarını değerli sanatsal konular olarak tanıttı.
Avrupa'nın her yanına yayıldı; Aleksandr II Rusya'sından, Kraliçe Victoria'nın Britanya'sına, Wilhelm I Almanyasından, Risorgimento İtalya'sına kadar. 1855 yılı, Avrupa'da gerçekçiliğin yerleşmesinde önemli bir yıl oldu.
Gustave Courbet, gerçekçiliğin ana figürü olarak kabul edilir. 1840'larda çiftçiler ve işçileri yüceltilmeden cesur bir şekilde ve ciddi bir şekilde tasvir ederek, hareketin temellerini attı ve bu tartışmalara yol açtı.
Courbet'nin tarzı ve teması, Barbizon Okulu sanatçılarının çalışmalarından etkilendi. Théodore Rousseau, Charles-François Daubigny, Jean-François Millet ve diğerleri, Fransız Barbizon köyünde yerel manzarayı sadık bir şekilde yeniden yaratmayı hedefleyerek yerleşti.
Fransa dışındaki gerçekçi resim, 19. yüzyılda Amerika Birleşik Devletleri'nde iyi temsil edilmiştir. Deniz konulu etkileyici resimleriyle Winslow Homer ve Thomas Eakins'in eserleri, çağdaş yaşamın samimi ve çok gözlemli kayıtlardır. Gerçekçilik, 20. yüzyıl sanatında önemli bir akım olarak, sanatçıların gündelik yaşamın daha dürüst ve idealize edilmemiş görünümlerini sunma arzularından kaynaklandı veya sanatın sosyal ve politik eleştirinin bir aracı olarak kullanılmasını sağladı.
Ünlü sekiz kişilik grup olan The Eight'in neredeyse gazeteci benzeri sert yaşam sahneleri bu kategoriye girer. Alman Neue Sachlichkeit (Yeni Nesnellik) hareketi, Almanya'daki Birinci Dünya Savaşı sonrası kaybedilen inanç ve hayal kırıklıklarını ifade etmek için gerçekçi bir tarzda çalıştı. Sovyetler Birliği'ndeki sosyalist gerçekçilik, cesur işçiler ve mühendislerin portrelerini oluşturmak için doğal idealizasyon tekniklerini kullandı.
Ayrıca, gerçekçilik doğrudan fotorrealizm ve hiperrealizm gibi çağdaş sanat hareketlerine ilham verdi; bu da kalıcı ve evrimsel mirasını kanıtlamaktadır.
Kuadros'un çevrimiçi mağazasında Las Espigadoras'ın bir reprodüksiyonunu satın al.
No.4 İzlenimcilik (1865–1885)
Bazı önde gelenler: Monet, Manet, Renoir, Pissarro, Cassatt, Morisot, Degas.
Fransız İzlenimciliği, esasen 19. yüzyıl sonları ve 20. yüzyılın başlarında Fransa'da gelişmiş önemli bir akımdır. En dikkat çekici özelliği, geçici ışık ve renk etkileri açısından görsel gerçeği doğru ve nesnel bir şekilde kaydetme girişimidir. İzlenimci sanatçılar, dünyayı gözlemleme ve temsil etmenin yeni bir yolunu gösterdiler; genellikle dış mekanlarda, gerçekçi temsil için geçici izlenimlerden vazgeçerek çevrelerini anlık izlenimlerle temsil ettiler. Müzikte, katı bir yapının yerine bir fikir ya da etki iletme çabası vardır.
1860'ların sonlarına doğru, Manet'in sanatı, izlenimci çalışmalarında rehber bir güç olacak yeni bir estetiği yansıttı; burada geleneksel temanın önemi azaldı ve dikkat, renk, ton ve doku manipülasyonuna kaydı.
1874'te, "İzlenimcilik" adını taşıyan hareketi başlatan bir grup sanatçı, Paris'te Painter, Sculptors, Engravers, vb. Anonymous Society adıyla bir sergi düzenlediler. Kurucu üyeleri Claude Monet, Edgar Degas ve Camille Pissarro'dur. Monet'in İzlenim, Gün Doğumu (1872) adlı tablosu, gazeteci Louis Leroy tarafından alaycı bir şekilde "İzlenimciler" olarak adlandırılmalarına sebep oldu. Sanatçılar hemen bu ismi, "görsel izlenimleri" doğru bir şekilde aktarma niyetlerini tanımlamak için kabul ettiler. Muhafazakar eleştirmenler, eserleri tamamlanmamış ve taslağa benzer görünüşlerinden dolayı eleştirirken, daha ilerici yazarlar, modern yaşamı tarif etme konusunda övdüler.
İzlenimcilik, ortaya çıktığı andan itibaren gevşek fırça darbeleri, belirgin renkler, sıradan konuların temsili, ışığa odaklanma ve fotoğrafçılıktan ilham alan kompozisyonlar gibi özelliklerle tanımlandı.
1885 ortalarında, izlenimci grup dağılmaya başladı, çünkü her ressam kendi ilgi alanlarını ve estetik ilkelerini takip etmeye başladı. Ancak, sanat tarihinin bir devrimini gerçekleştirdiler ve Cézanne, Degas, Gauguin, Van Gogh ve Georges Seurat gibi izlenim sonrası sanatçılar için teknik bir başlangıç noktası sağladılar; Batı resmini geleneksel tekniklerden ve yaklaşımlardan kurtardılar.
İzlenimciliğin Mirası ve İhtiyacı Bugün
Modernizmin başlangıcı olarak, izlenimcilik sonraki birçok harekete etki etti. İzlenim sonrası sanatçılar, gevşek fırça vuruşlarını benimsediler; soyut ifade sanatçıları, Monet'in alışılmadık yaklaşımından ilham aldılar; ve birçok çağdaş sanatçı neoizlenimci tarzda devam ediyor.
Kuadros'un çevrimiçi mağazasında Mujer con Sombrilla'nın bir reprodüksiyonunu satın al.
No.5 Post İzlenimcilik (1885–1910)
Bazı önde gelenler: Van Gogh, Gauguin, Cézanne, Seurat.
Post İzlenimcilik, 1880'lerde İzlenimciliğe karşı bir tepkiyi tanımlamak için kullanılan bir terimdir. Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent van Gogh ve Georges Seurat liderlik etti. Post İzlenimciler, İzlenimciliğin ışık ve rengi spontane ve doğal bir şekilde temsil etme kaygısını reddettiler.
Bu ressamlar, Van Gogh dışında, Fransızdı ve çoğunluğu İzlenimci olarak başlayıp, her biri stili terk edip, kendi son derece kişisel sanatlarını oluşturdular.
İzlenimciler gibi, görüntünün yapaylığını vurguladılar. Rengin şekil ve kompozisyondan bağımsız olabileceğine ve bir duygusal ve estetik anlam taşıyabileceğine inanıyorlardı. Hem izlenimcilik hem de post izlenimcilik, Monet'nin nilüferleri ve Van Gogh'un La Noche Estrellada gibi modern sanatın en ünlü eserlerini içermektedir.
İşlerini bağımsız sergiler aracılığıyla kamuya sundular. 1910 yılında, sanat eleştirmeni Roger Fry, "post izlenimcilik" terimini "Manet ve Post İzlenimciler" sergisiyle icat etti. Fry, sanatın güzelliğinin algıya dayanarak yerleşik olduğunu savundu. "Sanat, gerçek yaşamın bir kopyası olmaktan ziyade, hayali yaşam için bir ifade ve bir teşvik" dedi "An Essay in Aesthetics" adlı eserinde.
Post İzlenimciler, bir eserin stil, süreç veya estetik yaklaşıma odaklanmaması gerektiğine, bunun yerine sembolizmi vurgulayarak sanatçının bilinçaltından mesajlar iletmesi gerektiğine inanırlardı.
Sık sık birlikte sergilediler, ancak alaylı bir grup olarak başlayan İzlenimcilerin aksine genellikle yalnız başına resim yaptılar. Cézanne Aix-en-Provence'da yalnız resim yaptı; Gauguin 1891'de Tahiti'ye yerleşti; ve Van Gogh Arles'te kırsalda resim yaptı. Hem Gauguin hem de Van Gogh, İzlenimciliğin nesnelliğini reddederek daha kişisel bir ruhsal ifade arayışına girdiler.
"Renk! Ne derin ve gizemli bir dil, hayallerin dili." - Paul Gauguin
İzlenimcilerin doğal ışığın etkisini yakalamayı amaçladıkları yerde, post izlenimciler, dünyalarını temsil etmek için yapay bir renk paleti kullandılar. Doymuş tonlar ve çok renkli gölgeler, yenilikçi yaklaşımlarını sergileyen eserlerinde belirgindir.
Post İzlenimcilik, doğal bir yaklaşımdan uzaklaşarak, renk ve çizgi yoluyla duyguları uyandırmayı amaçlayan hareketlere, örneğin Kübizm ve Fovizm'e doğru yöneldi.
Kuadros'un çevrimiçi mağazasında La Noche Estrellada'nın bir reprodüksiyonunu satın al.
No.6 Fovizm ve Dışavurumculuk (1900–1935)
Kalın boyama, sayfadan fırlayan renkler ve doğal olmayan tonlar: fovizm ve dışavurumculuk bu özellikleri taşıyan iki harekettir. O halde, aynı şekilde tanımlanabiliyorlarsa, aralarındaki fark nedir? Öncelikle fovizmin ve dışavurumculuğun ayrı ayrı açıklamalarını yapalım.
Fovizm
Bazı önde gelenler: Matisse, Derain, Signac
Fovizm, 1905 ve 1910 yılları arasında sahneye egemen oldu ve yoğun renkler ve cesur fırça darbeleri ile karakterizedir. Bazı durumlarda sanatçılar, boyayı doğrudan tüpten uyguladılar. Renkler doğaya sadık olmak zorunda değildi; duyguları göstermek için değiştirilebilirdi. Basit konuları tercih ettiler ve bu nedenle resimler neredeyse soyut görünüyordu. Sanat eleştirmeni Louis Vauxcelles, Henri Matisse ve André Derain'in eserlerini bir sergide "les fauves" yani "canavarlara" benzer bir dille tanımlayarak fovizm terimini icat etti. Bu iş, doğal olmayan renkler ve kanvasta vahşi boya lekeleri ile doluydu. Fovizmin başlangıcı olacaktı.
Fovist sanatçılar, 19. yüzyılın bilimsel renk teorilerine derin bir ilgi duyuyorlardı. Özellikle, tamamlayıcı renklerin kullanımıyla renklerin nasıl daha parlak ve cesur görünmesi gerektiğini anlamışlardı.
Matisse'in "Şapkalı Kadın" tablosu, kadının yüzündeki doğal olmayan renkler yüzünden eleştiri aldı. Paul Signac, puntillizmi ile tanınır ve Matisse'in mentorudur. Puntillizm, bir araya getirilen küçük ilkel renk noktaları yerleştirerek gerçekleştirilir; geriye çekildiğinizde tek bir görüntü haline gelir. Bu, bir bilgisayar ekranındaki piksellere benzetilebilir.
Matisse ve Derain'in yanı sıra, diğer önemli fovist sanatçılar arasında Georges Braque, Raoul Dufy, Georges Rouault ve Maurice de Vlaminck bulunmaktadır.
Dışavurumculuk
Bazı önde gelenler: Munch, Kandinsky, Klee
Dışavurumculuk, bir sanat eserinin sanatçının içsel hisleri, bakış açıları veya fikirleriyle örtüşmesini sağlamak için gerçeği çarpıtan herhangi bir sanat eseri için genel bir terimdir. Kısacası, dışavurumculuk dış dünyadaki içsel gerçeklikleri ifade eden bir sanattır. Dışavurumculuğun ayırt edici özellikleri yoğun ve doğal olmayan renkler ile boyanın büyük miktarlarda uygulanmasıdır, bu da tuvalde doku yaratır.
Dışavurumculuk, sanatçının hislerinin bir yansımasıdır; bu yüzden süreci temsil etmek yerine daha içsel olan bir ifade sunarlar. Dışavurumculuk üzerinde etkili olan iki sanatçı Emil Nolde ve Edvard Munch'dir.
Konu açısından dışavurumcu sanat genellikle duygusaldır ve bazen mitolojik bir yapıya sahiptir. Dışavurumculuk, bu kadar geniş bir terim olduğundan, herhangi bir dönemdeki sanata atfedilmesi de kolaydır; ancak genellikle 20. yüzyıl sanatına uygulanır. Vincent van Gogh'un çalışmalarıyla başladığı ve günümüz modern sanatına kadar uzandığı düşünülmektedir.
Dışavurumculuk hareketine önemli katkılarda bulunan sanatçılar arasında Wassily Kandinsky, Paul Klee, Max Beckmann, Ernst Ludwig Kirchner ve diğerleri yer alır.
Kuadros'un çevrimiçi mağazasında El Grito'nun bir reprodüksiyonunu satın al.
Fovizm, dışavurumculuğun bir alt kümesi olarak görülebilir. Benzer teknikleri kullanırlar ve aynı özelliklerle sınıflandırılırlar; gerçek farklılık, fovizmin özgün doğası ile dışavurumculuğun genel doğası arasındadır.
Fovist olarak kabul edilebilecek bir şey aynı zamanda dışavurumculuğun alanına da girebilir, ancak her dışavurumculuk fovizm değildir. Fovizm biraz daha vahşi, ancak daha basit bir temaya sahiptir.
No.7 Kübizm (1905–1920)
Bazı önde gelenler: Pablo Picasso, Georges Braque
Kübizm, 20. yüzyılın oldukça etkili bir görsel sanatlar stilidir ve esas olarak Pablo Picasso ve Georges Braque tarafından 1907 ile 1914 yılları arasında Paris'te geliştirilmiştir. Kübist stil, görüntü düzleminin düz ve iki boyutlu yüzeyine vurgu yaparak geleneksel perspektif, foreshortening, modelleme ve chiaroscuro tekniklerini reddetmektedir ve sanatın doğayı taklit etmesi gerektiği eski teorileri çürütmektedir. Kübistler, Batı sanatının geleneklerine son vermiş olduklarına inanıyorlardı ve işlerini yeniden canlandırmak için diğer kültürlerin, özellikle de Afrika sanatının ifadeli enerjisine başvurdular.
Kübizm adını, 1908'de Braque'ın işlerini küçümseyen bir yorumcu Louis Vauxcelles'in "kübik" kelimesini kullanmasından alır. Braque'ın resimlerinde, evlerin hacimleri, ağaçların silindirik şekilleri ve renk düzeni, Kübistleri ilk gelişim aşamasında derinden etkileyen Paul Cézanne’nın manzaralarını anımsatmaktadır (1909’a kadar). Ancak, Picasso'nun 1907'de yaptığı Les Demoiselles d'Avignon, yeni stile dair bir kehanette bulunuyordu; bu çalışmada, beş kadın çıplak figürünün şekilleri köşeli ve kırık figürler haline dönmektedir.
Kübizm, iki ana aşamada gelişmiştir: analitik kübizm ve sentetik kübizm. Analitik kübizm (1908–1912) daha serttir ve donuk tonlarda düzlemler ve çizgilerle karakterize edilir. Sentetik kübizm (1912–1914), daha basit şekiller ve daha parlak renklerle, gazete gibi gerçek unsurları bir araya getirerek karakterize edilir. Gerçek nesnelerin sanata doğrudan dahil edilmesi, modern sanatın en önemli fikirlerinden birinin başlangıcı olmuştur.
Bu yeni görsel dili yaratmak Picasso ve Braque'a atfedilse de, birçok ressam onu benimseyip geliştirmiştir, bunlar arasında Fernand Léger, Robert ve Sonia Delaunay, Juan Gris ve diğerleri yer alır. Kübizm, 20. yüzyıl heykel ve mimarlığı üzerinde de derin bir etki yapmıştır.
Kübizmin başlattığı özgürleştirici biçimsel kavramlar, Dada ve sürrealizm gibi akımlar için çok yönlü sonuçlar doğurmuş ve dünyada soyutlamayı hedefleyen sanatçılar üzerinde etkili olmuştur.
No.8 Dada ve Sürrealizm (1917–1950)
Dada
Bazı önde gelenler: Hugo Ball, Marcel Duchamp, Emmy Hennings, Hans Arp, Raoul Hausmann, Hannah Höch, Francis Picabia, George Grosz
Dada, Avrupa'nın avangart sanat hareketiydi ve merkezleri Zürih ve New York'tu. Birinci Dünya Savaşı'nın kan dökücülüğü, propagandası ve deliliğine doğrudan bir tepki olarak ortaya çıktı. Ortak fikirler etrafında birleşen bağımsız gruplar Berlin, Paris ve diğer yerlerde ortaya çıkmıştır. Evrensel bir üslup paylaşmamışlardı; ancak idealizme ve eski sanatsal ve entelektüel geleneklere karşı çıkan bir tutumda birleşiyorlardı.
"Dada" adı, 1916'da bir sözlükten rastgele çıkarılmıştır, Fransızca "minder", Rumence ve Rusça "evet evet" anlamına gelir. Ancak bir hareket adı olarak tam olarak bir anlamı yoktur. Birinci Dünya Savaşı'nın yarattığı kargaşadan bıkan dadaist sanatçılar, tüm gelenekleri sorguladılar ve şansın ve absürdün kutlamasını yaptılar.
Dada'nın kökleri savaş öncesi avangardada bulunmaktadır. "Anti-sanatı" tanımlayan terim, Marcel Duchamp tarafından 1913 civarında kabul edilmiştir; bu, sanata dair kabul edilen kısıtlamalara meydan okuyan eserleri tanımlamak için kullanılmıştır.
Dada hareketi kamusal toplantılar, gösteriler ve sanat ve edebiyat dergileri yayınlamaları içeriyordu. Sanat, siyaset ve kültür, farklı medyalarda sık sık tartışılan konulardı.
Sürrealizm
Bazı önde gelenler: Max Ernst, André Masson, Salvador Dalí, René Magritte
Sürrealizm, 20. yüzyılın en önemli ve devrimci hareketlerinden biriydi. 1920'lerde ortaya çıktı ve kübizmin rasyonel ve biçimsel özelliklerine radikal bir alternatif sundu. Zihnin işleyişini keşfeden edebi, felsefi ve sanatsal bir hareketti; irrasyonel, şairane ve devrimci olanı savunuyordu.
Dada'dan çıkan birçok yönü olsa da, geçmiş geleneklerin reddedilmesine vurgu yapması bakımından önemli bir değişikliktir. Paris'teki şairler ve sanatçılardan oluşan yeni bir grubun lideri André Breton, 1924'teki "Sürrealist Manifesto"sunda sürrealizmi şu şekilde tanımladı: "Belli bir düşünce işleyişini ifade etmek için saf psikolojik otomatik."
Sürrealizmin görsel manifestosunda çeşitli temalar ayırt edilebilir. Max Ernst ve André Masson gibi sanatçılar, bilinçli kontrolün reddedildiği ve bilinçaltının yönlendirilmesine izin verildiği otomatiği tercih ettiler. Aksine, Salvador Dalí ve René Magritte, temsil edilen sahnelerin gerçek bir anlamı olmayan alüminyum dışavurum düşünce yapılarına yöneldiler. Üçüncü bir varyasyon, ilişkisi olmayan unsurların yan yana yerleştirilmesi ve normal sınırların dışındaki bir gerçeği belirlemektir.
Sürrealizm Paris'te doğmuş, ancak etkisi uluslararası dergi ve sergiler aracılığıyla yayılmıştır. İkinci Dünya Savaşı'nın patlak vermesiyle birlikte, sürrealist faaliyetlerin merkezi New York'a kaydırılmıştır. Hareket, savaştan sonra bütünlüğünü yitirirken, çağdaş sanatta güçlü bir etki bırakmıştır.
No.9 Abstrakt Dışavurumculuk (1940–1950)
Bazı önde gelenler: Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline
"Abstrakt Dışavurumculuk", 1940'lar ve 1950'lerde New York'ta gelişen bir hareketti. Terim ideal olmasa da, resimlerini renk alanları ve soyut şekillerle dolduran ve tuvallere güçlü dışavurumculukla saldıran sanatçıları kapsamaktadır. Hepsi, duygu derinliklerinden ve evrensel temalardan doğarak bireysel kendilik ifadesine bağlı olan sanata kendilerini adamışlardır.
Hareket, birçok farklı resim tarzını kapsıyordu. Jackson Pollock ve Willem de Kooning gibi sanatçılar, boyayı gevşek ve dinamik bir şekilde kullanmalarıyla bilinirken, Mark Rothko gibi diğer sanatçılar, ince ve meditasyon yapan etkiler yaratmak için düz renk alanları kullandılar.
Hareket büyük ölçüde erkek sanatçılara ait olarak tasvir edilmiş olmasına rağmen, bu dönemde ortaya çıkan önemli kadın abstrakt dışavurumcuydu.
No.10 Pop Sanatı (1960)
Bazı önde gelenler: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist, Claes Oldenburg
Pop sanatı, Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist ve Claes Oldenburg gibi New York sanatçılarının ilham aldığı popüler imajlarla başlayan uluslararası bir fenomenin parçasıydı. Dominant sanat ve kültür yaklaşımlarına ve sanatın ne olması gerektiği konusundaki geleneksel görüşlere karşı bir asi hareketti. Genç sanatçılar, sanat okulunda öğrendikleri ile müzelerde gördüklerinin yaşamlarıyla bir ilgisi olmadığını hissetmişlerdir.
1957'de, pop sanatçısı Richard Hamilton, pop sanatının karakteristiklerini bir mektupta sıraladı: "Pop sanatı şudur: popüler, geçici, gereksiz, düşük maliyetli, kitlesel olarak üretilmiş, genç, zeki, seksi, kanlı, görkemli, büyük iş."
Pop, sanatı yeni tematik alanlara götürdü ve sunmak için yeni yollar geliştirdi; bu da onu postmodernizmin ilk belirtilerinden biri olarak görmekte mümkün olmuştur.
No.11 Postmodernizm (1970–)
Bazı önde gelenler: Gerhard Richter, Cindy Sherman, Anselm Kiefer, Frank Gehry, Zaha Hadid
Marilyn en el Cielo de James Gill
"Postmodern sanat" terimi, yaklaşık 1970'ten itibaren üretilmiş çağdaş sanatın geniş bir kategorisini ifade etmektedir. Belirleyici özellikleri, ondan önceki "modern sanat"ın temel estetiğini reddetmesidir. Reddedilen değerlerden biri ise, "sanat"ın "özel" bir şey olduğu ve popüler zevkten ayrı olması gerektiği fikridir.
Anti-otoriter doğası gereği, postmodernizm, herhangi bir stilin veya sanatın ne olması gerektiğine dair tanımın otoritesini tanımayı reddetti. Yüksek kültür ile pop kültürü, sanat ile günlük yaşam arasındaki ayrım ortadan kalktı. Yeni bir özgürlük ve "her şeyin mubah olduğu" hissi getirdi.
Farklı stilleri ve medyaları sıkça harmanlayarak, postmodern sanat, geçmiş stilleri de alıntılayabilir veya ironik bir şekilde yorumlayabilir. Postmodernler, teorik pozisyonlarını kapsayıcı ve demokratik olarak görmektedirler.
1980'ler ve 1990'larda, postmodernizm "kimlik politikası" hareketinin gayri resmi felsefesi haline geldi.
KUADROS ©, duvarda ünlü bir tablo.
