Art Deco är en populär designstil under decennierna 1920 och 1930, särskilt kännetecknad av eleganta geometriska eller stiliserade former och genom användning av människo -tillverkade material.
Egenskaperna hos Art Deco -stilen har sitt ursprung i Frankrike mitt i och i slutet av 1910 1930 -talet.
De karakteristiska egenskaperna hos Art Deco återspeglar beundran för moderniteten i maskinen och genom designkvaliteterna som är inneboende i föremålen som gjorts av maskinen, till exempel relativ enkelhet, planaritet, symmetri och oundviklig upprepning av element. Art Deco -objekt uppvisar ofta enkla och rena former, vanligtvis med ett "stiliserat" utseende; Geometrisk eller stiliserad prydnad från figurativa former som blommor, djur och solstrålar; och användningen av människa ämnen, inklusive plast, vitaminglas och armerad betong, ofta i kombination med naturliga material som jade, silver, elfenben och krom.
Art Deco - affisch
Bland Art Decos formativa påverkan är Art Nouveau, Bauhaus, Cubism och Russes Ballets av Serge Diaghilev. Art Deco -utövare hittade också inspiration i källorna till de amerikanska indierna, egyptierna och tidiga klassiker, liksom i naturen.
Liksom Art Deco är Art Nouveau en prydnadsstil som gäller media som arkitektur, inredning, smycken och illustration. Båda stilarna var populära i Europa och USA, men Art Nouveau blomstrade före, mellan 1890 och 1910.
I sin tur nådde Art Deco sin topp i slutet av 1920 -talet och början av 1930 -kapulter av blommor, vinrankor, insektvingar och andra känsliga naturliga föremål. Art Deco firade å andra sidan den moderna maskinen och främjade geometriska linjer och eleganta former.
Dess huvudsakliga skillnad med Art Nouveau är påverkan av kubismen som ger Art Deco -design en mer fragmenterad geometrisk karaktär. Bilder baserade på växter och sinuösa kurvor förblev emellertid i vissa Art Deco -mönster, till exempel de av Clarice Cliff i Storbritannien. Art Deco var mycket varierad i dess påverkan, inspirerad av forntida egyptisk konst, aztekisk konst och annan forntida centralamerikansk konst, liksom i utformningen av moderna fartyg, tåg och bilar. Det inspirerades också av den moderna arkitekturen och designen av Bauhaus och arkitekter som Le Corbusier och Mies van de Rohe.
Art Deco härledde sitt namn från utställningen Internationale Des Arts Decoratifs et Industries Modernes, som hölls i Paris 1925, där Style först ställdes ut. Art Deco -designen representerade modernismen förvandlades till mode. Deras produkter inkluderade både lyxartiklar individuellt tillverkade som massproducerade artiklar, men i alla fall var avsikten att skapa en elegant och antitradiktiv elegans som skulle symbolisera rikedom och sofistikering.
Majoriteten av de framstående skaparna av Art Deco utformade artiklar gjorda för hand eller begränsad upplaga. De inkluderade möbeldesigners Jacques Ruhlmann och Maurice Dufrène; arkitekten Eliel Saarinen; Goldsmith Jean Puiforcat; designern av smycken och kristaller René Lalique; modedesignern Erté; Artists-Murms Raymond Templier, HG Murphy och Wiwen Nilsson; och Chiparus -figurativ skulptör.
Konstdekor
Art Deco del Opberes Jean Puiforcat
Tidig art deco
I slutet av 1800 -talet i Frankrike erkände många av konstnärerna, arkitekterna och anmärkningsvärda designers som hade spelat en viktig roll i utvecklingen av Art Nouveau -stilen att den blev allt tidigare fashionabla. I slutet av ett sekel som såg den industriella revolutionen etablerade, blev det samtida livet mycket annorlunda än några decennier innan. Det var dags för något nytt, något som utropar "det tjugonde århundradet" från modernistisk och god smak.
Society of Decorative Artists of France
Från denna önskan att gå mot det nya århundradet till passagen av innovation istället för att stoppas av nostalgi bildade en grupp franska konstnärliga innovativ en organisation som heter Societé des Artistes Décoralateurs (The Society of Decorative Artists). Gruppen bestod av erkända figurer som Art Nouveau Eugene Grasset, och arkitekten Art Nouveau Hector Guimard, tillsammans med nya dekorativa konstnärer och designers som Pierre Chaareou och Francis Jourdain. Den franska staten stödde och uppmuntrade denna riktning av konstnärlig aktivitet.
Art Deco - Society of Decorative Artists
Ett av de viktigaste målen för den nya gruppen var att utmana den hierarkiska strukturen för den visuella konsten som förflyttade dekorativa konstnärer till en status som är mindre än det mest klassiska sättet att måla och skulptur. Jourdain citeras berömd: "Därför beslutade vi att återlämna den dekorativa konsten, som inte behandlas som en Askepott eller en fattig släkting som fick äta med tjänarna, till den viktiga platsen, nästan övervägande som han ockuperade tidigare, av allt, av allt Tiderna och hela tiderna "av Globe -länderna".
Planen för en stor utställning som presenterade en ny typ av dekorativ konst utformades ursprungligen 1914, men måste avbrytas tills efter att första världskriget var över och sedan försenades av flera skäl fram till 1925.
Utställningen som officiellt lanserade Art Deco -rörelsen
Den franska regeringen, som var värd för utställningen mellan Esplanade of Les Invalides med en gyllene kupol och ingångarna till Petit Palais och Grand Palais på båda sidor av Sena -floden, kämpade för att visa den nya stilen. Mer än 15 000 konstnärer, arkitekter och designers ställde ut sitt arbete i utställningen. Under de sju månaderna av utställningen turnerade mer än 16 miljoner människor de många enskilda utställningarna. Denna utställning var katalysatorn för rörelsens början.
Art Nouveau och Art Deco
Art Deco var ett direkt och filosofiskt direkt svar på Art Nouveau -stilen och det bredare kulturella fenomenet modernism. Art Nouveau började bli fashionabla under första världskriget, eftersom många kritiker ansåg att de utvecklade detaljerna, känsliga mönster, ofta dyra material och stilproduktionsmetoder inte anpassade sig till en modern, instabil, instabil värld och mer och mer bearbetade. Medan Art Nouveau -rörelsen härledde sina intrikata och stiliserade former av natur och upphöjde dygderna av vad som gjordes för hand, betonade Art Deco -estetiken aerodynamik och elegant geometri i maskinen.
Art Deco och modernism
Utställningsinternationalen samlade inte bara fungerar i Art Deco -stil, utan placerade också hantverksartiklar nära exempel på avant -garde -målningar och skulpturer i stilar som kubism, konstruktivism, Bauhaus, STIJL och futurism. På 1920 -talet var Art Deco en frodig kontrapunkt, men till stor del konventionell, den mest hjärnestetiken Bauhaus och Stijl. De tre delade en betoning på rena och starka linjer som en organiserande designprincip. Art Deco -utövare antog teknisk innovation, moderna material och mekanisering och försökte betona dem i själva stilen i själva stilen. Utövarna lånade och lärde sig också av andra modernistiska rörelser. Art Deco beaktades av fans som var uppdaterade med framtida perspektiv på samtida avant -garde -rörelser. Ironiskt nog spelade modernistisk målning och skulptur en sekundär roll i utställningen med de få undantagen från den sovjetiska paviljongen och Esprit Nouveau Pavilion av Le Corbusier.
Art Deco efter det stora depressionen
Början av den andra fasen av Art Deco sammanföll med början av det stora depressionen. Stramhet kan faktiskt vara central estetik av både pragmatiska och konceptuella skäl för denna andra utveckling av Art Deco. Medan Art Deco -arkitekturen, till exempel, hade varit orienterad vertikalt med skyskrapor som steg till stora höjder, symboliserade senare Art Deco -byggnader med sina exteriörer mestadels utan ornament, eleganta kurvor och horisontell betoning symboliserade robusthet, tyst värdighet och motstånd. Under de värsta år av ekonomisk katastrof, från 1929 till 1931, gick American Art Deco från att följa trender för att etablera dem.
Strömlinjeformad modrne
Streamline Modrne blev den amerikanska fortsättningen av den europeiska Art Deco -rörelsen. Utöver den allvarliga ekonomiska och filosofiska påverkan är den estetiska inspirationen för den första strömlinjen Modrne i början av -Siglo xx.
Art Deco - Streamline Modrne
Konstnärerna och arkitekterna för den nya objektiviteten inspirerades av samma typ av nykter pragmatism som tvingade försvararna av Streamline Modrne att eliminera överskott, inklusive känslomässigheten i expressionism. Arkitekterna för den nya objektiviteten koncentrerade sig på att producera strukturer som kan betraktas som praktiska, till exempel en återspegling av verkliga krav. De föredrog att deras mönster anpassar sig till den verkliga världen istället för att få andra att anpassa sig till lite praktisk estetik. För detta ändamål var nya objektivitetsarkitekter till och med pionjärer inom prefabriceringsteknik (hjälpte till att snabbt och effektivt hysa de fattiga i Tyskland).
Jag saknar ornament, den strömlinjeformade moderna arkitekturen hade rena kurvor, långa horisontella linjer (inklusive Windows -band), glasstenar, oxögonfönster och cylindriska former och ibland nautiska. Mer än någonsin var det en tonvikt på aerodynamik och andra uttryck för modern teknik. De dyraste och ofta exotiska materialen i Art Deco ersattes av betong-, glas- och kromhårdvara i Streamline Modern. Färgen användes med mått, eftersom vitaktiga, beige och jordtoner ersatte de mest livliga färgerna på Art Deco. Stilen introducerades först i arkitekturen och utvidgades sedan till andra föremål, liknande den traditionella Art Deco -stilen.
Art Deco heter retroaktivt
Ursprungligen användes termen "Art Deco" pejorativt av en berömd motståndare, den modernistiska arkitekten Le Corbusier, i artiklar där han kritiserade stilen för sin prydnad, en egenskap som han ansåg onödig i modern arkitektur. Medan stilförsvarare hyllade honom som ett modernistiskt och förenklat svar på överdriven prydnad, särskilt jämfört med hans omedelbara föregångare, Art Nouveau, eftersom någon dekoration var överflödig för Le Corbusier. Det var först i slutet av 1960 -talet, när intresset för stil återupplivades, att den brittiska historikern och kritikern Bevis Hillier använde termen "Art Deco" på ett positivt sätt.
Art Deco i USA
I USA utvecklades mottagandet av Art Deco -rörelsen i en annan bana. Herbert Hoover, den amerikanska handelssekreteraren. Vid den tiden beslutade han att amerikanska designers och arkitekter inte kunde ställa ut sitt arbete i den internationella utställningen eftersom den hävdade att landet fortfarande var tvungen att bli en tydlig amerikansk konststil som var tillfredsställande " Ny nog. " Som ett alternativ skickade han en delegation till Frankrike för att utvärdera erbjudandena i utställningen och tillämpa sedan vad de såg på en samtida amerikansk konstnärlig och arkitektonisk stil. I kontingenten av estetiska utsändare som skickades av Hoover ingick viktiga figurer från American Institute of Architecture, Metropolitan Museum of Art och New York Times. Uppdraget inspirerade en nästan omedelbar boom av konstnärlig innovation i USA.
År 1926 turnerade en mindre version av den franska mässan "en utvald samling föremål från den internationella utställningen av modern, industriell och dekorativ konst" , Boston, Minneapolis. och Philadelphia. American World Fairs i Chicago (1933) och New York City (1939) framhöll Art Deco -designen, medan Hollywood adopterade estetik och gjorde det glamoröst i hela landet. Till och med amerikanska företag som General Motors och Ford byggde paviljonger på New York World Fair.
Art Deco - World Fair i New York
Bland de mest kända exemplen på den amerikanska Art Deco -stilen är skyskrapor och andra stora byggnader. Faktum är att Art Deco's American Iteration in Buildings Designs har kallats Zigzag Modern för sina vinkel- och geometriska mönster som utarbetade arkitektoniska fasader. Den amerikanska Art Deco i allmänhet är emellertid ofta mindre dekorativ än dess europeiska föregångare. Utöver rena linjer och starka kurvor, djärva geometriska former, intensiva färger och ibland lyxig prydnad, är den amerikanska versionen enklare. Såsom viktiga påverkningar som den nya objektiviteten och den internationella arkitekturstilen, såväl som de allvarliga ekonomiska bakslagen i slutet av 1920 -talet och början av 1930 -talet, började de påverka Art Deco -estetik, stilen blev mycket mindre lyxig.
Art Deco - Zig Zag Modern
Den amerikanska Art Deco -stilen utvecklades som en firande av teknisk utveckling, inklusive massproduktion, och en tro återställdes i sociala framsteg. I huvudsak kan dessa prestationer betraktas som en återspegling av nationell stolthet. På 1930 -talet under Works Progress Administration (WPA) av Roosevelt var många av de verk som skapades Art Deco, från kommunala strukturer som bibliotek och skolor till massa offentliga väggmålningar. WPA avsåg att öka ekonomin efter kriget genom skapandet av jobb i offentliga arbeten och försökte tjäna samhället genom att skapa jobb och införa USA: s värderingar inom design. Användningen av amerikansk Art Deco gav ett uttryck för demokrati genom design. Vissa material som ofta användes i art deco -skapelsen var dyra och var därför utanför räckhåll för den genomsnittliga mannen. Användningen av nya eller lågkostnadsmaterial gjorde det emellertid möjligt att producera ett brett utbud av prisvärda produkter och därför förde skönhet till den offentliga sfären på ett nytt sätt.
Global tillväxt av Art Deco
Art Deco -stilen stärktes i världskapitaler så olika som Havanna, Kuba, Mumbai och Yakarta. Havanna har ett helt kvarter inbyggt i Art Deco -stil. Londons underjordiska järnvägssystem innehåller till stor del stilen. Hamnen i Shanghai innehåller mer än femtio Art Deco -strukturer, varav de flesta designades av den ungerska Laszlo Hudec. Från krigsmonument till sjukhus har städer som är så avlägsna som Sydney och Melbourne i Australien också absorberat den fenomenala stilen.
Art Deco - Laszlo Hudec
De viktigaste visuella egenskaperna hos Art Deco härrör från den repetitiva användningen av linjära och geometriska former som inkluderar triangulära former, i sicksack, trapezoidal och med Chevrons mönster. Liksom föregångaren, Art Nouveau, när föremål som blommor, djur eller mänskliga figurer representeras, är dessa stiliserade och förenklade mycket för att upprätthålla den allmänna estetiken för Art Deco. Arten och omfattningen av stilisering och förenkling eller förenkling varierar beroende på den regionala iterationen av stilen. Till exempel är en figur som Fire Bird (1922) av den franska designern René Lalique elegant smal och dämpad, medan Atlasen i Lee Lawrie (1937) utanför Rockefeller Center är solid och robust med en eftertrycklig linjärt muskulatur, även om båda betraktas som goda representationer av deco -stilen.
Art Deco - Atlas de Lee Lawrie i Rockerfeller -byggnaden
Enligt rörelsens betoning inom modern teknik utnyttjade konstnärer och designers Art Deco moderna material som plast, baquelita och rostfritt stål. Men när en touch av rikedom och förfining behövdes införlivade designers mer exotiska material som elfenben, horn och sebrahud. Liksom med Art Nouveau och konst- och hantverksrörelser, var Art Deco -stilen mycket mindre tillämpad på formerna av uttryck för visuell konst traditionellt av högsta rang: målning och skulptur.
Art Deco Design
Art Deco -stilen utövade sitt inflytande på grafik på ett sätt som avslöjar påverkan av italiensk futurism med sin kärlek till maskinens hastighet och dyrkan. Futuristkonstnärer använde linjer för att indikera rörelsen, känd som "hastighet mustascher", som kom ut ur hjulen på bilar och snabba rörelse. Dessutom använde Art Deco -utövare parallella linjer och koniska former som antyder symmetri och aerodynamik. Typografin påverkades av det internationella inflytandet från Art Deco och typerna av Bifur, Broadway och Peignots teckensnitt minns stilen.
Art Deco - Fuente Bifur
När det gäller bilder påminner enkla former och stora fasta färgområden japanska trägraveringar, som hade blivit en viktig källa till inflytande för västerländska konstnärer, särskilt i Frankrike, efter slutet av isolationsperioden Edo 1868. Den efterföljande tillströmningen av Japans Japans Konst till Europa hade en enorm inverkan. I synnerhet konstnärer som hittades i den formella enkelheten i trägraveringar en modell för att skapa sina egna distinkta moderna stilar, börjar med impressionisten.
Art deco möbler
Fram till slutet av 1920 -talet bestod designen av avant -garde -möbler i Frankrike huvudsakligen av variationer i Art Nouveau -stilen, men förenklad och mindre kröklig. När decenniet fortsatte framkom émile-jacques Ruhlmann som den viktigaste möbeldesignern (Ruhlmann hade sin egen paviljong i utställningen 1925). Även om hans mönster huvudsakligen inspirerades av bitar av 1700 -talet som producerades i den neoklassiska stilen, eliminerade han mycket av prydnaden medan han använde exotiska material som föredrogs av designers Art Nouveau, som Mahogny, Ebony, Palisandro, Ivory och Turtle Shell. Naturligtvis var deras bitar ofta för dyra för någon att förvärva dem, med undantag för de rikaste.
Till skillnad från de lyxiga mönster av Ruhlmann, som tycktes vara på hästryggen bland Styles Art Nouveau och Art Deco, var den definitivt Art Deco Furniture Designer i Frankrike Jules Leleu. Han hade varit en traditionell designer tills den nya stilen ersatte Art Nouveau och är känd för utformningen av den stora matsalen i Elysium Palace i Paris och de lyxiga stugorna på det första klassens däck i den eleganta Normandie -ångbåten.
Art Deco - Jules Leleu Möbler
I motsats till Leleu och Ruhlmann var Le Corbusier en försvarare av en mycket liten version och utan ornament av Art Deco -stilen, vilket ofta skapade adekvata möbler för de stränga interiörerna i sina egna arkitektoniska strukturer. Hans avsikt var att designa prototyper, särskilt stolar, som kunde produceras av massa och därför var överkomliga för en AMP -marknad
röra. Det bör också noteras att inredningen av Donald Desey från den berömda intressanta platsen i New York City, City Music Hall, är ett utmärkt exempel på designen av amerikanska Art Deco -möbler som fortfarande förblir intakt i sin ursprungliga form i närvarande.
Art Deco - Le Corbusier Möbler
Art Deco -arkitektur
Art Deco -arkitektur kännetecknas av hårda kantdesigner, ofta rikt utsmyckade, accentuerade av glänsande metalldetaljer. Många av dessa byggnader har en vertikal betoning, byggd med avsikt att locka uppmärksamhet upp. Rektangulära former, ofta i block, är geometriskt arrangerade, med tillsats av nålar på taket och/eller böjda prydnadselement för att ge en aerodynamisk effekt. New York Skyscrapers och Miamis pastellfärgade byggnader är bland de mest berömda amerikanska exemplen, även om stilen implementerades i en mängd olika strukturer över hela världen.
I USA hjälpte Works Progress -administrationen arkitektur Art Deco att generalisera. Intressant nog är sammansmältningen av klassisismens art deco och Beaux-Arts som ses i många offentliga verk av depressionen känd som Pwa Modrne eller Moderne Depression.
Art déco PWA Moderne - Modern depression
Efterföljande utveckling: Efter art deco
Art Deco gick ur stil under åren av andra världskriget i Europa och Nordamerika, med åtstramningen i krigstiden som gjorde stilen mer och mer slående och dekadent. Metallerna återhämtade sig för att använda dem i byggandet av beväpningar, istället för att dekorera byggnader eller inre utrymmen. Möblerna ansågs inte längre statusobjekt. Andra tekniska framsteg möjliggjorde en billigare produktion av grundläggande konsumtionsartiklar, vilket eliminerar behovet och populariteten hos Art Deco -designers.
En rörelse som på många sätt försökte bryta med det förflutna har nu blivit en klassiker som genererar högsta nostalgi och kommer ihåg med kärlek. Sedan 1960 -talet har det varit ett konstant och kontinuerligt intresse för stil. Du kan se Art Deco ekar i den moderna designen av mitten av århundradet, som utför den aerodynamiska estetiken för Deco och granskar Bauhaus rena enkelhet. Deco hjälpte också till att inspirera Memphis -gruppen, en design- och arkitekturrörelse centrerad på Milan under 1980 -talet. Memphis baserades också på popkonst och kitsch som källor för deras färgglada och medvetet postmoderna mönster.
Kuadros ©, en berömd färg på din vägg.
