Основы истории искусства датируются десятками тысяч лет, когда древние цивилизации использовали методы и средства, доступные для представления культурно значимой темы. Из этих первых примеров они следовали многим художественным движениям, каждая из которых со своими собственными стилями и характеристиками, которые отражают политические и социальные влияния того периода, из которого они возникли.
Что означает фувизм и что такое концептуальное искусство? Говорить об искусстве кажется самой дисциплиной, и если вы новичок в мире искусства, у вас, вероятно, есть много вопросов, особенно о каждом движении в искусстве и различных типах искусства.
Влиятельные художественные жанры, от эпохи Возрождения до появления модернизма, несомненно, оставили свой след в истории.
Имея четкие концепции об истории и важности ее художественных движений, у нас будет более четкое понимание того, как известные художники, такие как Ван Гог, Пикассо и Уорхол, произвели революцию в мире искусства.
Кадрос составила список самых важных движений для вас.
№ 1 Итальянский ренессанс (1400–1550)
Некоторые показатели: Двери Гиберти, Брунеллески, Донателло, Боттичелли, Леонардо, Мигель Ангель, Рафаэль.
К концу четырнадцатого века д. C. Горстка итальянских мыслителей заявили, что они жили в новую эру. Барбара, не освещенная «средневековья», закончилась; Новым будет «rinincità» («Ренессанс») обучения и литературы, искусства и культуры. Это было рождение периода, известного как Ренессанс. На протяжении веков ученые согласились с тем, что итальянское возрождение (еще одно слово «перерождение») произошло именно таким образом: между четырнадцатым и семнадцатым веком, новый и современный образ мышления о мире и месте человека человека в нем Он заменил старые идеи. Фактически, многие из научных, художественных и культурных достижений SO, называемого эпохи Возрождения, разделяют общие проблемы, особенно гуманистическую веру в то, что человек был центром своей собственной вселенной.
Итальянский ренессанс в контексте Италия пятнадцатого века отличался от любого другого места в Европе. Он был разделен на независимые города-государства, каждый с различной формой правительства. Флоренция, где началось итальянское возрождение, была независимой республикой. Это был также банковский и коммерческий столица, а после Лондона и Константинополя, третьего по величине города в Европе. Богатые флорентинцы выставляли напоказ свои деньги и стали покровителями или сторонниками художников и интеллектуалов. Таким образом, город стал культурным центром Европы и Ренессансом.
Можно сказать, что ренессанс был разделен на две части:
Во время раннего возрождения художники начали отвергать византийский стиль религиозной живописи и изо всех сил пытались создать реализм в своем представлении человеческой формы и пространства. Эта цель в отношении реализма началась с Cimabue и Giotto и достигла своего пика в искусстве «идеальных» художников, таких как Андреа Мантегна и Паоло Уччелло. В то время как религия была важным элементом в повседневной жизни людей, которые жили во время эпохи Возрождения, мы также видим новый маршрут, открытый для задыхания: мифологическая тема. Многие ученые указывают Рождение Венеры Боттичелли как первая панельная живопись мифологической сцены.
Период, известный как высокое возрождение, представляет собой кульминацию целей раннего возрождения. Самыми самыми известными художниками этого этапа являются Леонардо да Винчи, Рафаэль, Тицяно и Мигель Ангель. Его картины и свежие являются одними из самых известных произведений искусства. Последний ужин Да Винчи, Афинская школа Рафаэль и картины крыши Сикстинской часовни Мигеля Ангеля являются шедеврами этого периода и воплощают элементы высокого возрождения.
Купить воспроизведение Лизы Моны в интернет -магазине Кадрос
№ 2 Барокко (1600–1750)
Некоторые показатели: Рубенс, Рембрандт, Караваджо, Веласкес, Паласио де Версаль.
В конечном итоге термин барокко вытекает из итальянского слова Barocco, которое философы использовали в средние века, чтобы описать препятствие в схематической логике. Впоследствии слово пришло, чтобы обозначить любую извращенную идею или процесс мышления. Другим возможным источником является барочное португальское слово (испанский Barrueco), которое используется для описания нерегулярной или несовершенной жемчужины, и это использование все еще выживает в термине ювелира в барокко. Барокко -это движение в искусстве и архитектуре, разработанное в Европе с начала семнадцатого века до середины 18 -го века. Он подчеркивает драматическое и преувеличенное движение и ясную и простую в интерпретации детализации, которые далеки от сюрреализма, для создания драмы, напряжения, изобилия и величия.
Первые проявления, которые произошли в Италии, датировались последними десятилетиями 16 -го века, в то время как в некоторых регионах, особенно в Германии и колониальной Южной Америке, некоторые кульминационные достижения барокко не происходили до 18 -го века.
Художники продолжали возродить идеалы красоты эпохи Возрождения, прививая произведения искусства, музыки и архитектуры того времени, которое подмигнуло, что еще больше улучшил классицизм, еще более улучшенной благодаря новой обильной экстравагантности и склонности к украшению. Этот высоко украшенный стиль был придуман как барокко и характеризовался его инновационными методами и деталями, предлагая новый и пышный визуальный язык в том, что было относительно ослабленным периодом для искусства. Барокко распространился по всей Европе, направленную в основном Папой в Риме и католическими правителями в Италии, Франции, Испании и Фландрии. Он распространился еще больше по мощным религиозным порядкам через свою обширную сеть монастырей и монастырей. Стиль быстро распространился на Францию, Северную Италию, Испанию и Португалию, затем до Австрии и южной Германии.
Стиль барокко, который развивался из этой программы, парадоксально, чувственного и духовного; В то время как натуралистическое обращение заставило религиозный образ был более доступным для среднего прихожана, драматические и иллюзорные эффекты использовались для стимуляции благочестия и преданности и передачи впечатления от великолепия божественного. Крыши барокко церквей растворились в окрашенных сценах, которые представляли яркие видения бесконечности наблюдателю и направили чувства к небесным проблемам.
В то время как тема и даже стиль могут варьироваться между картинками в стиле барокко, большинство произведений этого периода имеют общую вещь: драма. В работе художников, известных как Караваджо и Рембрандт, интерес к драме материализуется как интенсивные контрасты между сияющим светом и неизбежными тени.
Этот великий учитель католического региона, в основном управляемый испанцами, был художником Питер Пол Рубенс, чьи штормовые диагональные композиции и широкие фигуры полной крови являются воплощением барокко краски. Элегантные портреты Энтони Ван Дейка и надежные фигуративные произведения Джейкоба Джордана подражали примеру Рубенса. Искусство в Нидерландах было обусловлено реалистичными вкусами их доминирующих моделей среднего класса, и, следовательно, как бесчисленным жанром, так и ландшафтными художниками этой страны и внушительные учителя, такие как Рембрандт и Франс Халс, оставались независимыми от стиля баракко в важных аспектах в важных аспектах в важных аспектах в важных аспектах Полем Тем не менее, барокко оказал замечательное влияние на Англию, особенно на церкви и дворцы, разработанные, соответственно, сэром Кристофером Реном и сэром Джоном Ванбрухом.
Как и статуи эпохи Возрождения, в том числе знакового Дэвида Мигеля Ангела, скульптурам в барокко часто суждено было украсить величественные здания. Они также были заказаны для других великих сценариев, таких как интерьеры золотых церквей и настоящих садов.
Последнее цветение в барокко было в значительной степени католическая римская в южной Германии и Австрии, где коренные архитекторы отделялись от итальянских строительных моделей в 1720 -х годах.
Купить воспроизводство менинасов в интернет -магазине Кадрос
№ 3 Реализм (1848–1900)
Некоторые показатели: Коро, суд, дамье, просо.
Реализм, в искусстве, точное, подробное представление и без украшений природы или современной жизни. Реализм отвергает творческую идеализацию в пользу тесного наблюдения за внешними внешностью. Таким образом, реализм в его широком смысле охватывал множество художественных течений в разных цивилизациях. Например, в изобразительном искусстве реализм можно найти в древних эллинистических греческих скульптурах, которые точно изображают боксеры и старые витрины. Работы 17 -го века художников, таких как Караваджо, художники голландского жанра, испанские художники Хосе де Рибера, Диего Веласкес и Франциско де Зурбаран и братья Ле Наин во Франции, являются реалистичным подходом. Работы английских романистов 18 -го века Даниэль Дефо, Генри Филдинг и Тобиас Смоллетт также можно назвать реалистичным.
Реализм возник во Франции в 1850 -х годах. Сразу после революции 1848 года событие, которое установило «право на работу» в стране, движение представило идею среднего, рабочего класса, современных сценариев, современных сценариев и повседневных сцен как приличные художественные темы.
Реализм простирался по всей Европе, от России Алехандро II до Великобритании королевы Виктории, от Германии Гильермо I до Италии Рисаргименто и из Империи Габсбурга до Скандинавии и стран за пределами. 1855 год был значительным в создании реализма в Европе.
Густав Кубет Это часто считается основной фигурой реализма. Он заложил основы для движения в 1840 -х годах, когда начал изображать крестьян и рабочих. Тот факт, что Курбе не прославил их, но он смело подарил им и сильно создал жестокую реакцию в мире искусства.
Стиль и работа Курбе были построены в поле, уже сломленной художниками школы Барбизона. Теодор Руссо, Чарльз-Франсуа Дабиньи, Жан-Франсуа Миллет и другие в начале 1830-х годов были созданы во французском городе Барбизон с целью достоверного воспроизведения местного характера пейзажа.
Ориентировочный реализм вне Франции был, возможно, был лучше представлен в 19 веке в Соединенных Штатах. Там мощные и выразительные картины Уинслоу Гомера по морским вопросам и портретам, навигационным сценам и другим работам Томаса Икинса - откровенные, непривлекательные и очень наблюдаемые записи о современной жизни. Реализм был другим током в искусстве двадцатого века и, как правило, был получен из желания художников представить более искреннее, искреннее и без идеализации взглядов на повседневную жизнь или их попытки использовать искусство в качестве средства критики для критики социальной и политической Полем
Грубые, изложенные почти журналистские сцены городской жизни с швами группы американских художников, известной как восемь (8) падение в первой категории. Немецкое художественное движение, известное как Neue Sachlichkeit. Социалистический реализм, официально спонсируемый в Советском Союзе, использовал натуралистические методы идеализации для создания портретов бесстрашных работников и инженеров, которые были на удивление похожи как в их героическом позитивизме, так и в отсутствии реального доверия.
Кроме того, реализм непосредственно вдохновил важные движения современного искусства, такие как фотореализм и гиперреализм. На основании удивительно современного подхода реализма эти жанры демонстрируют непреходящее и эволюционное наследие инновационного движения.
Купить воспроизведение спецификаторов в интернет -магазине Kadros
№ 4 импрессионизм (1865–1885)
Некоторые показатели: Моне, Мане, Ренуар, Писсарро, Кассатт, Морисот, Дега.
Французский импрессионизм является важным движением, сначала в живописи, а затем в музыке, которое развивалось в основном во Франции в конце 19 -го и начала двадцатого веков. Наиболее заметной характеристикой импрессионизма в живописи была попытка точно и объективно зарегистрироваться для реалистичных представлений о мимолетных впечатлениях об их окружении, которые часто были снаружи. В музыке это должно было передавать идею или эффект с помощью промывки звука вместо строгой формальной структуры.
В конце 1860 -х годов искусство Мане Он отразил новую эстетику, которая должна быть направляющей силой в импрессионистской работе, в которой важность традиционной темы была уменьшена, и внимание было перемещено к манипуляциям с цветом, тоном и текстурой художника. Это заканчивается сами по себе.
В 1874 году группа художников назвала художников, скульпторов, рекордеров и т. Д. Он организовал выставку в Париже, которая запустила движение под названием «Импрессионизм». Среди его членов -основателей были Клод Моне, Эдгар Дега и Камилла Писсарро. Группа сделала свое первое шоу, независимо от официального зала Французской академии, который постоянно отвергал большинство своих работ. Картина Моне Восходящая солнечная печать (1872) принесли им первоначально насмешное имя «импрессионисты» журналиста Луи Леруа, который написал в сатирическом журнале Le Charivari в 1874 году. Вскоре художники приняли имя как описательное свое намерение точно передавать «визуальные впечатления». В то время как консервативные критики критиковали их работу за свою неполную внешность и эскиз, самые прогрессивные писатели восхваляли его за его описание современной жизни. Эдмонд Дюранти, например, в своем эссе 1876 года «Nouvelle Peinture» («Новая картина») написал о своем представлении о современной теме в адекватно инновационном стиле как революции в живописи.
С момента своей концепции импрессионизм определялся набором характеристик. К ним относятся: изобразительные мазки, отличительные цвета, представления общих проблем, акцент на свете и композициях, вдохновленных фотографией.
В середине 1880 -х годов группа импрессионистов начала растворяться, поскольку каждый художник все больше и больше преследовал свои собственные эстетические интересы и принципы. Однако в своем коротком существовании он достиг революции в истории искусств, предоставив техническую отправную точку для пост -импрессионистов Сезанна, Газа, Пол Гоген, Винсент Ван Гог и Жорж Сейрат и освобождение всей задней западной живописи традиционных техник. и подходит к предмету.
Наследство и наличие импрессионизма сегодня
Естественно, как отправная точка модернизма, импрессионизм повлиял на многие последующие движения. Постимпрессионисты приняли свой графический мазки; Абстрактные экспрессионисты нашли вдохновение в нетрадиционном подходе к форме Монет; И многие современные художники даже продолжают работать в неофекционном стиле.
Купить женщину репродукцию с помощью зонтика в интернет -магазине Kadros
№ 5 Пост -Импрессионизм (1885–1910)
Некоторые показатели: Ван Гог, Гоген, Сезанна, Сейрат
Пост -импрессионизм -это термин, используемый для описания реакции в 1880 -х годах против импрессионизма. Он был направлен Полом Сезанной, Полом Гогеном, Винсентом Ван Гогом и Жоржем Сейратом. Пост -импрессионисты отвергли беспокойство импрессионизма о спонтанном и натуралистическом представлении света и цвета.
Все эти художники, кроме Ван Гога, были французскими, и большинство из них начинались как импрессионисты; Каждый из них отказался от стиля, чтобы сформировать свое собственное личное искусство.
Как и импрессионисты, они подчеркнули искусственность изображения. Пост -импрессионисты также считали, что цвет может быть независимым от формы и композиции как эмоционального и эстетического носителя смысла. Как импрессионизм, так и пост -импрессионизм включают некоторые из самых известных современных произведений искусства, таких как Монетские лилии, серия водных пейзажей и Звездная ночь Ван Гог.
Пост -импрессионисты поделились своей работой с общественностью через независимые выставки по всему Парижу. В 1910 году выдающийся художественный критик, историк и куратор Роджер Фрай придумал термин «пост -импрессионизм» со своим шоу, Мане и Пост -импрессионистами. Как и пост -импрессионисты, Фрай полагал, что красота искусства по своей сути укоренилась в восприятии. «Искусство - это выражение и стимул для творческой жизни, а не копии реальной жизни», - объясняет Фрай в эссе в эстетике.
Как объяснил Фрай, пост -импрессионисты полагали, что произведение искусства не должно вращаться вокруг стиля, процесса или эстетического подхода. Вместо этого вы должны подчеркнуть символику, передавая сообщения от подсознания художника.
Пост -импрессионисты часто выставлялись вместе, но, в отличие от импрессионистов, которые начинали как очень объединенная и сердечная группа, нарисованная в основном в одиночестве. Сезанна нарисована в изоляции в AIX-EN-Provence на юге Франции; Его одиночество было сопоставлено со стороны Пола Гогена, который в 1891 году был установлен на Таити, и Ван Гог, который нарисовал на поле в Арле. Как Гоген, так и Ван Гог отвергли безразличную объективность импрессионизма в пользу более личного духовного выражения.
"Какой глубокий и загадочный цвет!
В отличие от импрессионистов, которые изо всех сил пытались запечатлеть влияние естественного света на оттенок, пост -импрессионисты использовали в специальной цветовой палитре как способ изобразить их восприятие мира, который окружал их. Насыщенные тона, разноцветные тени и богатые цветовые диапазоны очевидны в большинстве постимпрессионистских картин, демонстрируя инновационный и образный подход художников к представлению.
В целом, пост -импрессионизм отошел от натуралистического подхода и пошел к двум основным движениям искусства раннего двадцатого века, которое заменило его: кубизм и фувизм, которые стремились вызвать эмоции через цвет и линию.
Купить звездную репродукцию в интернет -магазине Kadros
№ 6 Фаувизм и экспрессионизм (1900–1935)
Живопись, размещенная в толстых цветах, которые выходят из страницы, и антинатуральные тона: фувизм и экспрессионизм, - это два движения, которые давали жизнь этим характеристикам. Так в чем же разница между ними, если их можно описать таким же образом? Во -первых, мы будем объяснять фувизм и экспрессионизм самостоятельно.
Фаувизм
Некоторые показатели: Matisse, Derain, Signac
Fauvismo захватил художественную сцену с 1905 по 1910 год, более или менее, и характеризуется интенсивными цветами и смелыми мазками. В некоторых случаях художники этого периода применяли краску прямо из бутылки. Цвета не должны были быть верными природе, обязательно. Они могут измениться, чтобы показать эмоции. Они выбрали простые проблемы, и из -за этого картины казались почти абстрактными. Художественный критик Луи Воксцелл придумал этот термин после того, как он описал работу Анри Матисса и Андре Дерэна, таких как «Les Fauves» или «Звери» во время выставки 1905 года в гостиной D’Am Automne в Париже. Работа на выставке Matisse и Derain была полна неестественных вариантов цвета и пятен диких красок на холсте. Это станет началом фувизма.
Художники Фаувизма были глубоко заинтересованы в научной теории цвета девятнадцатого века. В частности, с использованием дополнительных цветов Fauvistas понимали, как сделать цвета, кажущиеся ярче и смелыми, чтобы включить эти теории.
Картина Анри Матисса "Женщина с шляпой". Это подвергалось критике анти -естественными цветами на лице женщины. Пол Сингейк (1863-1935) известен своей точкой зрения. Он также был наставником Анри Матисса. Puntillismo - это метод, где небольшие точки основных цветов расположены вместе. Когда вы уходите, он объединяется в одном изображении. Это можно сравнить с пикселями на экране компьютера. Каждый отдельный пиксель - это другой цвет, но когда вы видите небольшое расстояние, они создают изображение. Стиль Point Rill показал, что художники могут делать с основными цветами, и как они могли использовать оптические иллюзии в своей работе.
В дополнение к Matisse и Derain, другие важные художники Fauvistas включают Жоржа Брака, Рауля Дюфи, Жоржа Руу и Мориса де Вминанка.
Экспрессионизм
Некоторые показатели: Munch, Carr, Kandinsky, Klee
Экспрессионизм - это общий термин для любого произведения искусства, которое искажает реальность, совпадает с внутренними чувствами, взглядами или идеями художника. Короче говоря, это искусство, которое выражает внутренние реалии во внешнем мире. Это довольно обобщенное определение, но есть некоторые отличительные характеристики экспрессионизма. В частности, цвета, используемые в экспрессионизме, будут интенсивными и часто неестественными, что означает, что чья -то кожа может быть окрашена в синюю часть вместо коричневого или коричневого. Краска также часто используется в больших количествах в стиле экспрессии, что создает много текстуры на холсте.
Экспрессионизм появился из «Изнутри», что является отражением чувств художника больше, чем представление сцены. Два влиятельных экспрессионистских художников была Эмили Карр и Эдвард Мунк.
Что касается предмета, экспрессионистское искусство имеет тенденцию быть эмоциональным и иногда даже мифическим, предполагая, что экспрессионизм является продолжением романтизма. Поскольку экспрессионизм является таким широким термином, легко начать приписывать его искусству любого времени. Затем, по большей части, экспрессионизм обычно относится к искусству двадцатого века. Говорят, что это началось с работы Винсента Ван Гога и распространяется на современное искусство, как мы его знаем сегодня.
Основными налогоплательщиками для экспрессионистского движения являются такие художники, как Matisse, Rouault, Oskar Kokoschka, Пол Кли, Макс Бекманн, Пабло Пикассо, Фрэнсис Бэкон, Эрнст Людвиг Кирхнер, Грэм Сазерленд, Эдвард Мунк и другие.
Купить воспроизведение крика в интернет -магазине Kadros
Фаувизм можно рассматривать как подмножество экспрессионизма. Экспрессионизм может включать в себя такой широкий спектр искусств и движений, что почти невозможно разделить их за то, что они действительно отличаются. Они используют одни и те же методы и классифицируются по тем же характеристикам, и единственное реальное различие - это специфическая природа фавизма в отличие от общей природы экспрессионизма.
Что -то, что можно считать Фависта, также может быть частью области экспрессионизма. Но то, что считается экспрессионистом, не обязательно в стиле Фависта. Фаувизм немного более дикий, но с более упрощенной темой.
Таким образом, фовизм против экспрессионизма - это не одна вещь. Они не конкурируют друг с другом, потому что одна - просто одна версия другой.
№ 7 Кубизм (1905–1920)
Некоторые показатели: Пабло Пикассо, Жорж Брак
Кубизм, очень влиятельный стиль изобразительного искусства двадцатого века, созданное главным образом художниками Пабло Пикассо и Жорж Брак в Париже в период с 1907 по 1914 год. Кубистский стиль подчеркивал плоскую и двухмерную поверхность плоскости изображения, отвергая традиционные методы Полем перспективы, Скорзо, моделирования и ясного и опровержения древних теорий, которые искусство должно подражать природе. Кубисты полагали, что традиции западного искусства исчерпаны, и для оживления их работы, они прибегали к выразительной энергии искусства других культур, особенно африканского искусства.
Кубизм получает свое название от комментариев, сделанных критиком Луи Воксселлесом, который избавился от работы Брак в 1908 годах дома в Л'Астеке, состоящие из кубиков. На живописи Брака объемы домов, цилиндрические формы деревьев и коричневая и зеленая схема запоминают ландшафты Пола Сезанны, которые глубоко вдохновили кубистов на первой стадии развития (до 1909 года). Тем не менее, это были Les Demoiselles D'Avignon, нарисованный Пикассо в 1907 году, который предвещал новый стиль; В этой работе формы пяти женских обнаженных становятся угловатыми и сломанными формами.
Можно видеть, что кубизм развился в двух разных фазах: начальный и более строгий аналитический кубизм и задний фаза кубизма, известный как синтетический кубизм. Аналитический кубизм был разработан между 1908–12. Его произведения искусства выглядят более серьезными и образуются сочетанием самолетов и линий в тонах от черных, серого и охры. Синтетический кубизм является задней фазой кубизма, обычно считается, что он датируется примерно 1912 по 1914 год и характеризуется более простыми формами и яркими цветами. Синтетические кубистские работы также обычно включают в себя комбинированные реальные элементы, такие как газеты. Включение реальных объектов непосредственно в искусство было началом одной из самых важных идей современного искусства.
В то время как создание этого нового визуального языка приписывается Пикассо и Браке, он был принят и разработан многими художниками, в том числе Фернанд Легер, Роберт и Соня Дельунай, Хуан Грис, Роджер де ла Фреснай, Марсель Дюшан, Альберт Глеиз и Джин Метцингер. Хотя это в основном связано с живописью, кубизм также оказал глубокое влияние на скульптуру и архитектуру двадцатого века. Основными кубистскими скульпторами были Александр Архипенко, Рэймонд Дюшамп-Виллон и Жак Липхиц. Принятие кубистской эстетики швейцарским архитектором Ле Корбюзье отражено в формах домов, которые он разработал в 1920 -х годах.
Зимой 1912–13 годов Пикассо выполнил большое количество папьеров. С этой новой техникой вставки кусочков цветной или печатной бумаги в их композициях, Пикассо и Браком охватили последние остатки трехмерного пространства (иллюзионизм), которые все еще оставались в их «высокой» аналитической работе.
Формальные освобождающие концепции, инициированные кубизмом, также имели высокие последствия для дады и сюрреализма, а также для всех художников, которые преследуют абстракцию в Германии, Голландии, Италии, Англии, Соединенных Штатах и России.
№ 8 Дада и сюрреализм (1917–1950)
Дадаист
Некоторые показатели: Хьюго Болл, Марсель Дюшан, Эмми Хеннингс, Ханс Арп, Рауль Хаусманн, Ханна Хёч, Фрэнсис Пикабия, Джордж Грош
Международная масштаб и разнообразное художественное производство, как данным, так и сюрреализмом были художественными, литературными и интеллектуальными движениями начала двадцатого века, которые были фундаментальными для определения модернизма. Данное движение, запущенное в Цюрихе в 1916 году поэтами и художниками, такими как Тристан Цара и Ханс Арп, было прямой реакцией на резню, пропаганду и безумие Первой мировой войны. Независимые группы, связанные с общими идеями, появились вскоре после этого в Нью -Йорке. , Берлин, Париж и другие места. Эти различные группы не разделяли универсальный стиль, но были связаны с отказом от идеализма, устаревших художественных и интеллектуальных соглашений и неконтролируемого объятия современного общества к «рационализму» и «прогрессу».
Учитывая, что это было европейское художественное движение авангарда, с ранними центрами Цюриха, Швейцарии и Нью -Йорка.
Название, извлеченное из словаря в Цюрихе в 1916 году, означает «качалка» на французском или «да» на румынском и русском языке. Но как имя движения на самом деле ничего не значит вообще. Устоил культуру, которая произвела бойню Первой мировой войны, учитывая, что она бросила вызов всем священным коровам, бросая выражение и авторство через окно и празднование случайности и абсурда.
Корни DADA встречаются в авангарде до войны. Термин Antiarte, предшественник DADA, был придуман Марселем Дюшаном около 1913 года для характеристики работ, которые бросают вызов принятым ограничениям искусства.
Дадаистское движение включало публичные встречи, демонстрации и публикацию искусства / литературных журналов; Страстное освещение искусства, политики и культуры часто обсуждалось в различных средствах массовой информации.
Движение повлияло на задние стили, такие как авангарда и центральные музыкальные движения, и группы, которые включают сюрреализм и поп -искусство.
Затем сюрреализм прибыл, чтобы направить анти -реальные энергии дадаистов, таких как Марсель Дюшан, обратно в музей, который вызвал чрезвычайно успешное, но безумное движение, которое опустошило Европу между войнами и обняло много СМИ.
Сюрреализм
Некоторые показатели: Макс Эрнст, Андре Массон, Сальвадор Дали, Рене Магритт
Одно из наиболее важных и подрывных движений двадцатого века, сюрреализм процветал, особенно в 1920 -х и 1930 -х годах, и обеспечил радикальную альтернативу рациональным и формальным качествам кубизма. Литературное, философское и художественное движение двадцатого века, в котором изучалось функционирование ума, защищая иррациональные, поэтические и революционные.
В отличие от DADA, из которого он возник во многих отношениях, подчеркивал позитивный отказ, а не пессимистичный по отношению к предыдущим традициям.
Слово «сюрреалист» (который предполагает «за пределами реальности») было придумано французским поэтом авангарда Гийома Аполлинарером в работе, написанной в 1903 году и представленной в 1917 году. Но это был Андре Бретон, лидер новой группы поэтов и художников. В Париже, который в своем сюрреалистическом манифесте (1924) определил сюрреализм как: чистый психический автоматизм, с помощью которого предлагается выразить, либо устно, в письменной форме или каким -либо иным образом, реальное функционирование мышления. Диктовка мысли при отсутствии какого -либо контроля, осуществляемого по разуму, за пределами любой эстетической и моральной проблемы.
Несколько разных нитей можно различить в визуальном проявлении сюрреализма. Такие художники, как Макс Эрнст и Андре Массон, предпочитали автоматизм, при котором сознательный контроль подавляется, и подсознание разрешено взять под контроль. Напротив, Сальвадор Дали и Рене Магритт преследовали удивительное чувство сверхреальности, в котором представленные сцены не имеют реального смысла. Третий вариация была сопоставлением неродственных элементов, установив нереалистичную реальность за пределы нормальной реальности. Сюрреализм первоначально возник в Париже. Его влияние было расширено через серию международных журналов и выставок, что является самым важным примером последней международной сюрреалистической выставки в новой Берлингтоне, Лондоне и Фаде фантастического искусства, сюрреализм в музее современного искусства Нью -Йорк, оба сделаны в 1936. С началом Второй мировой войны центр сюрреалистической деятельности был перенесен в Нью -Йорк, и в конце войны движение потеряло свою согласованность. Тем не менее, это сохранило мощное влияние, явно очевидно в аспектах абстрактного экспрессионизма и других художественных проявлений второй половины двадцатого века.
Многие утверждают, что сюрреализм, как идентифицируемое культурное движение, закончилось смертью Бретона в 1966 году. Другие считают, что сегодня он остается жизненно важной и соответствующей силой.
№ 9 абстрактный экспрессионизм (1940–1950)
Некоторые показатели: Джексон Поллок, Кунинг Виллем, Франц Клайн
«Абстрактный экспрессионизм» никогда не был идеальным ярлыком для движения, который был разработан в Нью -Йорке в 1940 -х и 1950 -х годах. В некотором роде ему было суждено охватить не только работу художников, которые заполнили свои полотна с полями с цветом полей и абстрактные формы, но также и те, кто атаковал их холсты с энергичным жестным выражением. Все были привержены искусству как выражения самого себя, рожденного из глубоких эмоций и универсальных тем, и большинство из них были сформированы наследием сюрреализма, движением, которое переводилось в новый стиль, который приспособился к пост -волну о беспокойстве и травме. В своем успехе эти нью -йоркские художники украли Париж как свою мантию в качестве лидера современного искусства и подготовили сцену для мастерства Соединенных Штатов в мире международного искусства. Абстрактный экспрессионизм ознаменовал начало влияния Нью -Йорка как центра мира западного искусства. Мир абстрактных экспрессионистских художников был твердо укоренился в низком Манхэттене. Прогулка по 8 -й улице взяла бы его из кафетерии Вальдорфа, где художники без денег, заработанные «томатным супом» с горячей водой и свободным кетчупом; После Школы пластиков Школы Ганса Хофманна, основанной художником с одноименным именем; В клуб, чердак, где конференции и жаркие аргументы об искусстве продолжались до поздней ночи. Исследование Джексона Поллока находилось на Восточной 8 -й улице, Кунинг и Филипп Густон Виллем были в восточном 10 -м, и хотя Франц Клайн переехал в несколько домов и учебы в этом районе, большинство ночей нашли его и многие из его современников на Сидар -стрит в таверне в Университетский сайт.
Движение включало много разных живописных стилей, которые варьировались как в технике, так и в качестве выражения. Они часто используют степени абстракции; То есть они представляют собой нереалистичные или, в крайних формах, формы, не извлеченные из видимого мира (необъективного). Они подчеркивают свободное, спонтанное и личное эмоциональное выражение и осуществляют значительную свободу техники и выполнения для достижения этой цели, с особым акцентом на эксплуатацию переменного физического характера живописи для вызывания выразительных качеств (например, чувственность, динамизм ) , насилие, тайна, лиризм).
Большинство художников, связанных с абстрактным экспрессионизмом, созрели в 1930 -х годах. На них повлияла левая политика того времени, и они стали ценить искусство, основанное на личном опыте. Мало кто сохранит свои предыдущие радикальные политические взгляды, но многие продолжали принимать позицию Фрэнка Аванта -Гарда.
Несмотря на разнообразие абстрактного экспрессионистского движения, можно различить три общих подхода. Один из них, живопись, характеризуется свободной, быстрой, динамичной или энергетической обработкой краски при сканировании или резании мазков и в техниках, частично продиктованных случайно, такими как капля или разливка краски непосредственно на холст. Художники: Поллок, Кунинг.
Средний термин в рамках абстрактного экспрессионизма представлен несколькими разнообразными стилями, начиная от более лирических, деликатных и жидких форм. Художники: Густон, Франкенталер, Мазервелл, Готлиб.
Третьим менее выразительным подходом был Ротко, Ньюман и Рейнхардт. Эти художники использовали большие участки или поля, плоскую и тонкую краску и диафанные для достижения тихого, тонкого и почти медитативного эффекта.
Хотя движение было представлено в значительной степени на протяжении всей исторической документации как принадлежащего героическому художнику -мужчинам, усеянным живописью, было несколько важных женских абстрактных экспрессионистов, которые появились из Нью -Йорка и Сан -Франциско в 1940 -х и 1950 -х годах, которые теперь получают кредит в качестве элементарных членов плата.
№ 10 Pop Art (1960)
Некоторые показатели: Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн, Джеймс Розенквист и Клас Олденбург
Поп -арт начинался с нью -йоркских художников Энди Уорхола, Роя Лихтенштейна, Джеймса Розенквиста и Класа Олденбурга, которые были вдохновлены популярными изображениями и фактически были частью международного явления.
Это было восстание против доминирующих подходов искусства и культуры и традиционных мнений о том, каким должно быть искусство. Молодые художники чувствовали, что то, чему они учили их в школе искусств и то, что они видели в музеях, не имело никакого отношения к их жизни или тому, что они видели вокруг них каждый день. Вместо этого источники, такие как голливудские фильмы, реклама, упаковка продуктов, поп -музыка и комиксы для получения их изображений. После популярности абстрактных экспрессионистов реинтродукция идентифицируемых изображений POP (извлеченным из средств массовой информации и популярной культуры) стало важным изменением в направлении модернизма.
В 1957 году поп -артист Ричард Гамильтон перечислил «характеристики поп -арта» в письме своим друзьям «Архитекторы Питер и Элисон Смитсон: Поп -арт»: популярно (разработан для массовой аудитории), временное (краткосрочное решение), расход (Легко забыть), низкая стоимость, производится массой, молодым (направленным на молодежь), гениальные, сексуальные, жаркие, гламурные, крупные предприятия. Модернистские критики были в ужасе от использования поп -художников такой «низкой» темы и, по -видимому, их, по -видимому, мало критического обращения с этим. На самом деле, Поп принес искусство в новые тематические области и разработал новые способы представления его в искусстве и может рассматриваться как одно из первых проявлений постмодернизма.
Хотя они были вдохновлены подобными проблемами, British Pop часто рассматривается как отличительная американская поп. Раннее поп -искусство в Британии было обусловлено американской популярной культурой, которую наблюдали на расстоянии, в то время как американские художники были вдохновлены тем, что они видели, и испытали жизнь в этой культуре. В Соединенных Штатах поп -стиль был возвращением к репрезентативному искусству (искусству, которое представляло визуальный мир узнаваемым образом) и использование жестких краев и различных форм после изобразительной ослабления абстрактного экспрессионизма. Используя безличные и мирские изображения, поп -художники также хотели уйти от акцента на личных чувствах и личной символизме, которые характеризовали абстрактный экспрессионизм. В Британии движение было более академическим в своем подходе. Используя иронию и пародию, он больше сосредоточился на том, что представляют американские популярные образы и их способность манипулировать образом жизни людей. Художественная группа 50 -х годов, независимая группа (IG), считается предшественником британского поп -арт -движения. Поп -арт был потомком Дады.
Большинство поп -артистов стремились к безличному и городскому отношению в своих работах. Тем не менее, некоторые примеры поп -арта тонко выражали социальную критику, например, падшие объекты Ольденбурга и монотонные повторения Уорхола того же банального образа, несомненно, оказывают тревожный эффект, а некоторые, как таинственные и одинокие кадры Сегал, они открыто экспрессионисты.
Возможно, из -за включения коммерческих изображений Pop Art стало одним из самых узнаваемых стилей современного искусства.
№ 11 постмодернизм (1970–)
Некоторые показатели: Герхард Рихтер, Синди Шерман, Ансельм Кифер, Фрэнк Гери, Заха Хадид
Мэрилин в небе ©Джеймс Гилл
Это постмодерство неопределяемое - это правда. Однако его можно описать как набор критических, стратегических и риторических практик, в которых используются такие понятия, как различие, повторение, след, моделирование и гиперреальность для дестабилизации других концепций, таких как присутствие, идентичность, исторический прогресс, эпистемическая уверенность и однозначная смысл.
Термин «постмодернистское искусство» относится к широкой категории современного искусства, созданной примерно с 1970 года. Отличительной печатью «постмодернистского искусства» является его отказ от эстетики, на которой основывался его предшественник «Современное искусство» (1870-1970). Одна из этих отвергнутых ценностей - это идея, что «искусство» - это нечто «особенное», которое должно быть «высоким из« популярного вкуса ». Совместное с серией новых технологических разработок, постмодернизм привел к почти пяти десятилетиям художественных экспериментов с новыми средствами массовой информации и новыми формами искусства, включая «концептуальное искусство», различные типы «производительного искусства» и «инсталляционное искусство», а также вспомогательные Движения, такие как деконструктивизм и проекционное искусство. Используя эти новые формы, постмодернистские художники расширили определение искусства до такой степени, что «все стоит».
Первым важным художественным стилем после эпохи Возрождения стало академическое искусство, классический материал, который преподавали учителя в академиях. Академическое искусство является художественным эквивалентом традиционного «костюма и галстука». Далее, около 1870 года, идет «современное искусство». Это художественный эквивалент «рубашки и брюк» или «куртки и брюк». Далее, около 1970 года, идет «постмодернистское искусство», которое является художественным эквивалентом «джинсов и мала». Точно так же, как коды одежды стали менее формальными и больше «все стоит», современные художники менее впечатлены старыми идеями о том, какими должны быть искусство, и больше сосредоточены на создании чего -либо (чего -либо), чем оно замечено.
Антиавторитарная по своей природе постмодернизм отказался признать авторитет любого стиля или определения того, каким должно быть искусство. Различие между высокой культурой и массовой культурой было разрушено между искусством и повседневной жизнью. Поскольку постмодернизм нарушил установленные правила стиля, представила новую эру свободы и ощущение, что «все стоит». Часто смешные, ироничные или нелепые; Это может быть противоречивым и противоречивым, оспаривая границы вкуса; Но самое главное, что он отражает самоуважение самого стиля. Часто, смешивая разные стили и художественные и популярные СМИ, постмодернистское искусство также может заимствовать сознательно или сознательно или иронически комментировать различные стили прошлого. Таким образом, постмодернистские считают, что их теоретическая позиция является исключительно инклюзивным и демократическим, поскольку она позволяет им распознать несправедливую гегемонию дискурсов иллюстрации на одинаково достоверных перспективах неэлитовых групп.
В 1980 -х и 1990 -х годах академические защитники во имя нескольких этнических, культурных, расовых и религиозных групп приняли постмодернистскую критику современного западного общества, и постмодернизм стал неофициальной философией новой «политики идентичности».
Куадрос ©, знаменитая краска на твоей стене.
