История за 10 самыми известными религиозными картинами западного искусства

На протяжении веков христианское искусство представляло множество различных видов живописи, выполненных в широком спектре СМИ.

Религиозное искусство использует религиозные проблемы и мотивы, которые обычно имеют узнаваемое моральное повествование или пытаются вызвать сильные духовные эмоции у зрителя. В западном мире религиозное искусство может быть определено как любое произведение искусства, которое имеет христианскую тему. В западной религиозной живописи преобладают сцены из Ветхого Завета и жизнь Иисуса Христа.

Среди наиболее представленных тем - представления Девы Марии с ребенком Иисуса и Христа на кресте. Многие из самых известных религиозных картин были созданы во время Ренессанса, влиятельного культурного движения, которое возникло в Италии.

Три великих мастера эпохи Возрождения Леонардо да Винчи, Мигеля Ангеля и Рафаэля появляются в этом списке несколько раз. Кадрос приносит вам 10 самых известных религиозных картин.

№ 1 Создание Адама - Мигель Ангель (1512)

Самая известная часть крыши Сикстинской часовни - это создание Адама Мигеля Ангеля. Эта сцена расположена рядом с созданием Евы, которая является панелью в центре комнаты, и собранием вод, которая ближе к алтарю.

Работа, проделанная Мигелем Ангелем, является краеугольным камнем эпохи эпохи Возрождения. Картина иллюстрирует библейское повествование о создании Книги Бытия, в которой Бог отказался от жизни Адаму, первого человека.

Создание Адама отличается от типичных сцен, нарисованных до сих пор. Здесь доминируют две фигуры: Бог справа и Адам слева. Бог показан в плавающей туманности, состоящей из штор и других фигур. Форма основана на ангелах, которые летают без крыльев, но полет которого явно виден шторами, которые прорастают под ними. Бог представлен как старик, но мускулистый, с седыми волосами и длинной бородой, которая реагирует на переднее движение полета. Это далеко не имперские образы Бога, которые иначе создали на Западе и датируются временем поздней древности. Вместо того, чтобы использовать настоящую одежду и представленную в качестве всемогущего правителя, он использует только легкую халату, которая оставляет большую часть его рук и ног. Вы могли бы сказать, что это гораздо более интимный портрет Бога, потому что он показан в состоянии, не неприкосновенном и вдали от человека, но доступным для него.

В отличие от фигуры Божьей, которая расширена и высокая, Адам представлен как ленивая фигура, которая безразлично реагирует на неизбежное прикосновение Бога. Это прикосновение не только даст жизнь Адаму, но и даст жизнь всем человечеству. Следовательно, это рождение человеческой расы. Тело Адама принимает вогнутую форму, которая повторяет форму тела Божьего, которое находится в выпуклой позе в туманности и плавающей форме. Эта переписка одним способом с другим, кажется, подчеркивает более широкую идею, что человек соответствует Богу; То есть, кажется, отражает идею о том, что человек был создан по образу и подобию Бога, идее, с которой Микеланджело должен был быть знаком.

Краска была проанализирована много, и, среди прочего, было обнаружено, что края краски коррелируют с канавками на внутренней и внешней поверхности мозга, стволом мозга, базилярной артерией, гипофизой и с Оптическая хиазма. Рука Бога не касается Адама, но Адам уже жив, как будто искра жизни передавалась через синаптическую расщелину. Под правой рукой Бога в области мозга есть печальный ангел, который иногда активируется в исследовании домашних животных (томографии), когда кто -то испытывает грустную мысль. Бог перекрывает лимбическую систему, эмоциональный центр мозга и, возможно, анатомический аналог человеческой души. Правая рука Бога распространяется на префронтальную кору, самую креативную и уникальную человеческую область мозга; Красная ткань, окружающая Бога, имеет форму человеческой матки; И считается, что зеленый шарф - это недавно вырезанный пуповина. Сотворение Адама, пожалуй, самая известная картина после Моны Лизы; И вместе с последним ужином это самая воспроизводимая религиозная картина всех времен. Образ почти тронутых рук Бога и Адама стал иконой человечества и был имитирован и пародированные времена.

Крыша Сикстинской часовни пострадала от вредного воздействия столетий дыма, что заставило крышу значительно темнеть. Только в 1977 году началась очистка потолка. Уборка была удивительной после ее завершения в 1989 году; То, что было ранее темным и монотонным, стало ярким. Изменение в предыдущей очистке последующей очистки было настолько великим, что некоторые изначально отказались верить, что Мигель Ангель нарисовал. Сегодня мы понимаем цветную палитру Микеланджело намного лучше, и мир, который он нарисовал, красиво захвачен на крыше систинской часовни.

Купить воспроизведение создания Адама Мигелем Ангелем в интернет -магазине Кадрос.

 № 2 Последняя ужина - Леонардо да Винчи (1495-1498)

Последний вечерний, или итальянский сенаколо, одна из самых известных произведений искусства, нарисованного Леонардо да Винчи, вероятно, между 1495 и 1498 годами для Доминиканского монастыря Санта -Мария Делле Грази в Милане.

Эта знаменитая картина представляет драматическую сцену, описанную в несколько мгновений, тесно связанных в Евангелиях, в том числе Матфея 26: 21-28, в которой Иисус заявляет, что один из апостолов будет предавать его, а затем установить Евхаристию. Согласно убеждению Леонардо, что позиция, жест и выражение должны проявлять «понятия разума», каждый из 12 учеников реагирует таким образом, что Леонардо считал адекватным для личности апостолов. Результатом является сложное исследование различных человеческих эмоций, экспрессируемое в обманчиво простой композиции.

Леонардо не работал в такой большой картине и не имел опыта в стандартной фреске фрески. Краска проводили с использованием экспериментальных пигментов непосредственно на сухой штукатурной стенке, и, в отличие от фресков, где пигменты смешиваются с влажной штукатуркой, время от времени не сопротивлялось хорошо. Еще до того, как он был закончен, были проблемы с краской на стене, и Леонардо пришлось ее восстановить. За эти годы он рухнул, он подвергался вандализму, бомбардировано и восстановленному. Сегодня мы, вероятно, видим очень мало оригинальной картины.

Тема Тайной ужина - последняя еда Христа с его апостолами до того, как Иуда идентифицирует Христа перед властями, которые арестовывают его. Последняя вечеря (считается, что соответствует седеру Еврейской Пасхи), его помнят для двух событий: Христос говорит своим апостолам: «Один из вас предаст меня», а апостолы отреагируют, каждый в соответствии с их личностью. Ссылаясь на Евангелия, Леонардо представляет Фелипе, спрашивая: «Господь, это я?» Христос отвечает: «Тот, кто кладет руку на меня на тарелку, даст мне» (Матфея 26). Мы видим, как Христос и Иуда распространяются одновременно в сторону блюда, которое среди них, даже когда Иуда возвращается к обороне. Леонардо также одновременно представляет Христос, благословляя хлеб и рассказывая апостолам: «Возьми, ешь; Это мое тело »и благословение вина и сказать« пить все это; Потому что это моя кровь из пакта, которая проливается за прощение грехов »(Матфея 26). Эти слова являются основополагающим моментом таинства Евхаристии (чудесное преобразование хлеба и вина в теле и крови Христа).

Сбалансированная композиция закреплена равносторонним треугольником, образованным телом Христа. Он сидит под арочным фронтоном, который, если он будет завершен, привлекает круг. Эти идеальные геометрические формы относятся к интересам эпохи Возрождения к неоплатонизму (элемент гуманистического возрождения, который примиряет аспекты греческой философии с христианским богословием). В своей аллегории «La Cueva» греческий философ Платон подчеркнул несовершенство земного царства. Геометрия, используемая греками для выражения небесного совершенства, использовалась Леонардо, чтобы отпраздновать Христа как воплощение Небеса на земле. Леонардо вытащил зеленый пейзаж за окнами. Часто интерпретируется как рай, было высказано предположение, что это небесное святилище может быть достигнуто только через Христа. Двенадцать апостолов расположены в четырех группах по три, а также три окна. Номер три часто является ссылкой на Святую Троицу в католическом искусстве. Напротив, номер четыре важен в классической традиции (например, четыре добродетели Платона).

С тех пор, как был завершен последний ужин, когда он был объявлен шедевром, фреска заслужила похвалу таких артистов, как Рембрандт Ван Риджн, Питер Пол Рубенс и писатели, такие как Иоганн Вольфганг фон Гете и Мэри Воллстонкрафт Шелли. Он также вдохновил бесчисленные размножения, интерпретации, теории заговора и художественные работы. Деликатное состояние последнего ужина не снизило привлекательность картины; Вместо этого это стало частью наследия произведения искусства. 

Купить воспроизведение последнего ужина Леонардо да Винчи в интернет -магазине Kadros 

№ 3 возвращение блудного сына - Рембрандт (1669)

В притче о блудном сыне у отца двое детей; Самый младший просит его наследство, потратил впустую свое состояние и вернулся домой после того, как остановился в страданиях. Он намеревается попросить своего отца сделать его одним из его слуг, но отец, с другой стороны, празднует его возвращение. Когда его старший сын выступает, отец говорит ему, что они празднуют, потому что его брат, который был потерян, теперь восстановил смысл.

Последнее слово Рембрандта происходит в его монументальной картине возвращения блудного сына. Здесь он интерпретирует христианскую идею милосердия с необычайной торжественностью, как будто это была его духовная воля для мира. Это выходит за рамки произведений всех других художников в барокко в результате вызова религиозного юмора и человеческого сочувствия. Сила реализма пожилого художника не уменьшается, но увеличивается с психологическим восприятием и духовным сознанием. Освещение и выразительный цвет, а также волшебное предложение его техники вместе с селективной простотой обстановки помогают нам почувствовать все влияние события.

Основная группа отца и блудного сына выделяется в свете на огромной темной поверхности. Особенно яркие - взрывавшее платье Сына и рукава старшего, которые окрашены охры с золотой оливкой; Цвет охры в сочетании с интенсивным алым красным в мантии отца образует незабываемую колористскую гармонию. Наблюдатель просыпается на ощущение необычайного события. Сын, разрушенный и отвратительный, с лысой головой и появлением изгоем, возвращается в дом своего отца после долгих приключений и многих превратностей. Он потратил впустую свое наследство на иностранных землях и погрузился в состояние бродяги.

Его старый отец, одетый в богатую одежду, как и помощники фигуры, бросился принять его у двери и получает потерянного сына с величайшей отцовской любовью. Мероприятие лишено каких -либо мгновенных насильственных эмоций, но поднимается до торжественного спокойствия, которое дает фигуры некоторые качества статуй и дает эмоциям длительный характер, который больше не подлежит изменению во времени. Незабываемый -образ раскаявшегося грешника, поддерживаемого грудью его отца и старомодного отца на его сыне. Особенности отца говорят о возвышенном и августовском добрах; Так же, как и их расширенные руки, не свободные от жесткости старости. Все представляет собой символ каждого возвращения домой, о темноте человеческого существования, освещенной нежностью, утомленного и греховного человечества, которое укрывается в убежище Божьей милости.

Врученное сообщение, которое передает эта знаменитая картина, ясно. Бог всегда будет простить раскаявшегося грешника, что бы ни случилось.

Религиозная иконоклазия, которая произошла после освобождения Нидерландов колониального иго Испании и католической церкви, превратила кальвинистские церкви в голые раковины, посвященные поклонению, проповеди и молитве. Голландские власти не имели желания украшать свои места поклонения алтарями, свежим или любым другим типом религиозного искусства.

С другой стороны, Голландия прославилась голландским реализмом, типом стиля живописи и небольшим гендерным портретом, подробным и очень реалистичным, многие из которых содержали моралистические послания различных типов.

Третий тип искусства, в котором голландские реалистичные художники выделялись, была картина мертвой природы (особенно живопись Ванитаса), которая также содержала моральное послание, иногда религиозное. Это было самое близкое, что многие голландцы пришли к «протестантскому искусству».

Поэтому еще более удивительно, что голландский протестантский художник, такой как Рембрандт, становится таким проницательным интерпретатором библейских сцен.

Купить воспроизведение возвращения блудного сына - Рембрандт в интернет -магазине Куадрос

№ 4 Свадьбы Кана - Паоло Веронезе (1562-1563)

Тема этой знаменитой картины основана на библейской истории, рассказанной в Евангелии от Святого Иоанна (Иоанна 2: 1-11), на браке, состоявшемся в Кане, Галилеи, в которой присутствуют Мария, Иисус и ее ученики. К концу свадебной вечеринки, когда вино начинает выбежать, Иисус просит, чтобы каменные банки были заполнены водой, которую учитель затем превращается в вино. Этот эпизод, первый из семи признаков Евангелия от Иоанна, который свидетельствует о божественном состоянии Иисуса, является предшественником Евхаристии.

Свадьбы Кана (или свадебный банкет Кана) Паоло Веронезе - это холст, который был нарисован в 1563 году для бенедиктинского монастыря Сан -Джорджо Маггиоре в Венеции. Веронезе преобразовала библейскую историю самой современной сцене типично экстравагантной венецианской свадьбы.
Свадьба Каны сочетает в себе элементы нескольких различных стилей, адаптируясь к композиции, выброс высокого возрождения, иллюстрированные работами Леонардо, Рафаэля и Мигеля Ангеля. К этому добавили одну или две характеристики манеры, а также количество аллегорических и символических особенностей.

Содержание картины также состоит из сложной смесью священной и прохладной, религиозной и светской, театральной и мирской, европейской и восточной. Представленный в великом стиле современного венецианского общества, банкет проходит во внутреннем дворике, окруженном дорическими и коринфскими колоннами, и граничит с низкой балюстрадой. На расстоянии вы можете увидеть портику -башню, разработанную архитектором, родившимся в Падуа Андреа Палладио. На переднем плане группа музыкантов затрагивает несколько лютов и струнных инструментов. Музыкальные фигуры включают четырех великих художников Венеции: сам Веронес (одетый в белый, играя на Виоле да Гамбе), Якопо Бассано (во флейте), Тинторетто (скрипка) и Тизиано (одетый красный, касаясь виолончели).

Посетители на свадебном столе, все они ждут, вместе с смущающим разнообразием членов королевской семьи, благородных, чиновников, сотрудников, слуг и других, представляющих репрезентативную выборку венецианского общества и плать и украшенные костюмы, украшенные роскошными прическами и статьями ювелиров. Многочисленные исторические фигуры появляются на свадьбах Кана, в том числе: Император Карлос V, Леонор де Австрия, Франциско I из Франции, Мария I из Англии, Солиман Великолепные, Виттория Колонна, Джулия Гонзага, Карденал -Поле и Соколлу Мехмет. В общей сложности в этой знаменитой переладительной картине представлены около 130 уникальных фигур.

В работе религиозные символы страсти включены наряду с роскошными серебряными сосудами 16 -го века. Мебель, удобная, кувшин, бокалы и вазы показывают вечеринку во всем ее великолепии. У каждого гостя на столе есть отдельное место, в комплекте с салфеткой, вилкой и ножом. В этом дублировании смысла ни одна деталь не ускользает от глаз художника.
Художник выбрал дорогие пигменты, импортируемые с востока венецианскими купцами: оранжевый желтый, интенсивные красные и лапислазули широко используются в занавесках и на небесах. Эти цвета играют важную роль в читаемости живописи; Они вносят свой вклад в их контрасты, индивидуализации каждой из фигур.

Примечание. Хотя многие цифры на изображении взаимодействуют друг с другом, ни один из них не говорит. Это должно соответствовать Кодексу молчания, наблюдаемом всеми бенедиктинскими монахами в ерунде, где будет повешена картина.

Свадебная вечеринка Кана содержит много символики. Например, вся работа символизирует взаимодействие между земным удовольствием и земной смертностью. За балюстрадой, на фигуре Иисуса, животное приносится в жертву, намекая на следующую жертву Иисуса, такую ​​как Агнец Божий, ссылка, которая опирается на собаку, которая жует кость у подножия картины. Тем временем слева от Иисуса Дева Мария Ахаека ее руки, чтобы представлять бокал, который будет содержать новое вино человечества, то есть кровь Христа. Кроме того, перед музыкантами есть песчаные часы, стандартная ссылка на пророст земных удовольствий, включая человеческое тщеславие.

Бенедиктины монастыря Сан -Джорджо Маггиоре -де -Венеция поручили этой огромной картине в 1562 году украсить свою новую конферию. Контракт, который совершил Veronese в реализации свадебного банкета, был чрезвычайно точным. Монахи настаивали на том, чтобы работа была монументальной, чтобы заполнить всю стену границы. Подвешен на высоте 2,5 метра от земли, он был разработан для создания иллюзии расширенного пространства. Эта работа 70 м² заняла веронезе в течение 15 месяцев, скорее всего, с помощью его брата Бенедетто Калиари. Комиссия стала поворотным моментом в карьере Веронезе; После успеха картины другие религиозные общины будут плакать о аналогичной работе в своих собственных монастырях. Несмотря на свои исключительные размеры, картина была конфискована, зарегистрирована и отправлена ​​в Париж войсками Наполеона в 1797 году.

Купить воспроизведение свадеб Кана -де -Паоло Веронезе в интернет -магазине Кадрос.

 № 5 Афинская школа - Рафаэль (1509-1511)

Миллионы глаз восхищались вечным собранием бывших философов и математиков, государственных деятелей и астрономов, которые Рафель ярко представляет в своей знаменитой фреске.

В частности, фреска Рафаэля, Афинская школа стала символом союза искусства, философии и науки, которая была отличительной печатью итальянского возрождения. Нарисованный между 1509 и 1511 годами, он расположен в первой из четырех комнат, разработанных Рафаэлем, Stanza Della Segnatura. В то время комиссия Папы была порогой карьеры любого художника. Для Рафеля это была проверка уже процветающей карьеры.

Рафаэль соответствовал вызову, создав обширный каталог подготовительных набросков для всех его фресков. Затем они будут расширены до крупных мультфильмов, чтобы помочь перенести дизайн на мокрую штукатурку. Работая в то же время, что и Мигель Ангель на крыше систинской часовни, считается, что это помогло повысить и вдохновить Рафаэля, стимулируя его конкурентный характер.

Рафель поднял эту идею на совершенно новый уровень с массовыми композициями, которые отражали философию, богословие, литературу и юриспруденцию. Читайте в целом, они сразу же передали интеллект Папы и вызвали дискуссию между образованным умом, которым посчастливилось войти в это частное пространство. Афинская школа была третьей картиной, которую Рафаэль завершил после спора (который представляет богословие) и Парнас (который представляет литературу). Он выступает против спора и символизирует философию, устанавливая контраст между религиозными и светскими убеждениями.

Афинская школа, расположенная в огромной архитектурной иллюзии, является шедевром, который визуально представляет интеллектуальную концепцию. В картине Рафаэль использовал группы фигур, чтобы представить сложный урок об истории философии и различных убеждениях, разработанных великими греческими философами. Рафаэль, безусловно, был бы известен о частных выставках Сикстинской часовни в Прогресо, которые были организованы Браманте.

Кто является фигурами Афинской школы?
Два мыслителя самого центра, Аристотель, справа и Платона, слева, указывая вверх, были очень важны для западного мышления в целом. По -разному их разные философии были включены в христианство.

Слева от Платона Сократ узнаваем благодаря его отличительным чертам. Говорят, что Рафаэль мог бы использовать старый портрет философа старого бюста в качестве гида. Он также идентифицируется по жесту его руки, как указывает Джорджио Васари в жизни художников.

На переднем плане Пифагор сидит с книгой и Inkwell, также окруженным студентами. Хотя Пифагор хорошо известен своими математическими и научными открытиями, он также твердо верит в метемпсихоз.
Отражая положение Пифагора на другой стороне, Евклид склонен продемонстрировать что -то с компасом. Их молодые ученики пытаются извлечь уроки, которые они преподают.

Великий математик и астроном Птолемей находятся рядом с Евклидом, спиной к зрителю. С желтой одеждой он держит сухопутный воздушный шар в руке. Считается, что бородатый человек остановился перед ним, держащий небесный воздушный шар, является астроном Зороастро. Интересно, что молодой, стоящий рядом с Зороастрами, глядя на зрителя, - это не кто иной, как сам Рафаэль. Включение такого типа самопортрии не является чем -то неслыханным в то время, хотя для художника было смелое движение, чтобы включить его сходство с работой такой интеллектуальной сложности.

Общепринято, что старший лорд лежит на шагах, - это Диоген. Основатель Cynical Philosophy был спорной фигурой в свое время, проживая простую жизнь и критикуя культурные соглашения.
Одна из самых ярких фигур композиции - вдумчивый человек, сидящий на переднем плане, а рука в голове в классическом положении «мыслителя».

В области философов он -ираклит, пионер самостоятельной мудрости. Он был меланхоличным персонажем и не наслаждался компанией других, что сделало его одним из немногих персонажей, изолированных от фрески.

Завершая программу Рафаэля, две великие статуи находятся в нишах в задней части школы. Справа Платона мы видим Аполлон, а слева от Аристотеля находится Минерва. Минерва, богиня мудрости и справедливости, является достаточным представителем на стороне моральной философии фрески. Интересно, что его позиция также приближает его к фреске Рафаэля на юриспруденции, которая развивается непосредственно слева от него.

Купите воспроизведение в школе Афин Рафаэля в интернет -магазине Kuadros

№ 6 Преображение - Рафаэль (1520)

 

В 1517 году Кардинал Джулио де Медичи (1478-1534) (из флорентийской семьи Медичи), которая вскоре станет папой Клементе VII (1523-34), как алтарь Французского собора Нарбонна (в соревнованиях с соревнованиями. Воскресение Лазаро из Себастьяно-дель-Пиомбо), в котором он был архиепископом, эта знаменитая работа религиозного искусства была незакончена Рафаэлем до его смерти в 1520 году и был завершен его помощниками Джулио Романо (1499-1546) и Джованни Франческо Пенни (1496 г. - 1536).

В конце концов, кардинал сохранил картину в Риме и, получив доход до папства в 1523 году, он отдал ее в церковь Сан -Пьетро в Монторио, Рим. В 1774 году новый папа Пий VI (1775-99) заказал копию в мозаике и установил ее в базилике Сан-Педро. Сама картина была разграблена Наполеоном в 1797 году и доставлена ​​в Париж, откуда она была репатриирована в 1815 году.

Эта работа рассказывает два не связанных библейских события. Выше история преображения Христа. В нижней части - история молодого человека, которого одержит демона.

Иисус показывает на вершине горы Табор (Израиль) с белой одеждой, как блестящий снег, а рядом с ним пророки Моисей справа и Илия слева. Облака, стоящие за Иисусом, освещены. Иисус поднимает свои руки и смотрит на Бога.

При Иисусе три из его учеников, слева направо, Сантьяго, Педро и Иоанн. Они покрывают их лицо руками, потому что небеса слишком ярко для его глаз. Две фигуры слева, вероятно, Юстус и пастор. Это два христианских мученика, на которые предназначена церковь, в которой картина изначально была предназначена для размещения.

Ниже вы можете увидеть девять учеников Иисуса, которые не поднялись на гору, расположенную на левой стороне. Они пытаются вылечить молодого человека, которого одержит злой дух. Фигура синей туники в нижней части левой, вероятно, матео. Проконсультируйтесь с книгой, но не найдите решение, чтобы вылечить молодого человека. Молодой ученик желтой туники - Фелипе. Справа от Фелипе, с красной одеждой, есть Андрес. Человек позади Андреса, указывающий на больного ребенка, - это Иуда Тадео, а самый старый человек слева - Саймон. Человек в крайнем левом, вероятно, Иуда Искариот. Ученики не могут вылечить молодого человека. Это может объяснить, почему красный ученик указывает на Иисуса на вершине горы. У больного молодого человека справа есть синяя ткань, обернутая вокруг его талии, и выглядит очень бледно, делая дикий жест. Вы можете видеть, что ваши глаза выглядят в разных направлениях. Человек позади него с зеленой одеждой - его отец, который держит его, и одновременно смотрит на учеников с надеждой и страхом. Перед молодым человеком две женщины смотрят на учеников, указывая на молодого человека.

Обе истории описаны в Евангелии от Матфея 17, Маркоса 9 и Луки 9. История Библии описывает, как Иисус превращается в сияющую славу, когда он молится с тремя своими учениками в горе. Иисус говорит с Моисеем и Илией, а также слушает голос Бога. Партия по преобразованию все еще отмечается во многих церквях, либо 6 августа, либо 19 августа.

Размеры трансфигурации составляют 403x276 CMS. Рафаэль предпочел рисовать на холсте, но эта картина была сделана из масляных картин на дереве в качестве выбранных носителей. Рафаэль на самом деле показал передовую манеру и методы периода барокко в этой картине. Стилизованные и извращенные позы фигур нижней половины указывают на манеру. Драматическое напряжение в этих фигурах и либеральное использование света во тьме или контрасты Chiaroscuro представляют собой период преувеличенного движения в барокке для производства драмы, напряжения, изобилия или освещения. А Преображение Он продвинулся до своего времени, так же, как смерть Рафаэля пришла слишком рано.

А Преображение было UБольшая работа Рафаэля и несомненное шедевр итальянского ренессанса Альто, в настоящее время находится в апостольском Pinacoteca, одном из музеев Ватикана. В результате важного восстановления, проведенного в 1977 году экспертами по сохранению Ватикана, цветовая палитра Ренессанса Рафаэля теперь полностью заметна, и картина восстановила свое нетронутое великолепие. Восстановление также рассеяло любые постоянные вопросы о создателе картины. Несмотря на незаконченную, этот великий шедевр был полностью продуктом гения Рафаэля.

Купить преображение RAFAEL RAFAEL в интернет -магазине Kadros

№ 7 Окончательное решение - Мигель Ангель (1475-1564)

 

Куадрос придает читателю более внимательный взгляд на историю этой культовой фрески, чтобы лучше понять, как окончательное суждение оказало длительное влияние на мир религиозного искусства.

Западные пророческие религии (то есть Zoroastrismo, иудаизм, христианство и ислам) разработали концепции окончательного суждения, богатого изображениями.

«Это придет, чтобы судить живым и мертвым» (от вероисповедания апостолов, одно из первых утверждений христианской веры).

Последнее решение было одним из первых произведений искусства, которые Павел III поручил выбрать папство в 1534 году. Церковь, которую он унаследовал, была в кризисе; Грабирование Рима (1527) все еще было недавним воспоминанием. Павел попытался обратиться не только к многим злоупотреблениям, которые вызвали протестантскую реформу, но также подтвердили легитимность католической церкви и православием его доктрин (включая институт папства). Визуальное искусство будет играть ключевую роль в их повестке дня, начиная с сообщения, которое он обратился к своему интимному кругу, когда он заказал окончательное решение.

Нарисованный, когда Мигель Ангел был полностью в своем зрелом стиле, произведение искусства оказало непосредственное влияние и вызвало споры. Хотя это последнее суждение человечества не было необычной темой для художника эпохи Возрождения, Мигель Ангель сделал это исключительно, используя стиль, который был оценен и принижен.

Эта новая стена Сикстинской часовни будет иметь конкретную тему: окончательное суждение. Описание второго пришествия Иисуса Христа и окончательного суда Бога о человечестве было популярной темой на протяжении всего эпохи Возрождения. Видение Мигеля Ангеля по этому вопросу со временем стало знаковым. На фреске мы видим более 300 фигур, нарисованных экспертами для выполнения этой истории. Христос сидит посередине, с поднятой рукой, чтобы судить осужденных, которые погружаются в глубины ада. С волнообразными мышцами этот Христос - внушительная фигура. Слева от него сидит Дева Мария. Он принял опубликованное владение и смотрит на тех, кто был спасен. Сразу же вокруг этой центральной пары есть группа важных святых. Сан -Педро, у которого есть ключи небес, и Святой Иоанн Креститель показан в том же масштабе, что и Христос. Каронте и души осужденных. Общая композиция вращается в плавном движении, а те, которые спасены слева от Христа на фотографии, поднимаясь с их могил, в то время как осужденные попадают в ад. В нижней части фрески мы видим Каронте, мифологическую фигуру. В греческой и римской мифологии он перенес души в подземный мир. Здесь он ведет их непосредственно в ад, который полон мрачных персонажей.

Как Данте в своем великом эпическом стихотворении «Божественная комедия» Мигель Ангел стремился создать эпическую картину, достойную величия момента. Он использовал метафоры и аллюзии, чтобы украсить свой предмет. Его образованная аудитория радовалась бы его визуальными и литературными ссылками. Первоначально предназначенный для ограниченной аудитории, репродуктивные гравюры фрески быстро распространили его везде, разместив его в анимированные дискуссии о достоинствах и злоупотреблениях религиозного искусства.

В то время как некоторые приветствовали эту знаменитую картину как вершину художественных достижений, другие считали это воплощением всего, что может пойти не так с религиозным искусством, и просили об их разрушении. В конце концов, было достигнуто обязательство. Вскоре после смерти художника в 1564 году Даниэле да Волтерра была нанята, чтобы покрыть налги и английский, обнаженные с кусочками штор и перекраски Санта -Каталина де Алехандрия, изначально изображаемая без одежды, и Сан -Блас, который парил угрозу ее стальными расчесываниями (то, что взвешивает. !).

В отличие от его ограниченной аудитории в 16 веке, теперь тысячи туристов видят окончательное суждение ежедневно. Однако во время папских конклав снова становится мощным напоминанием о кардинальном колледже своего места в истории спасения, поскольку они встречаются, чтобы выбрать земного викария Христа (следующий папа), человека, которого он будет нести ответственность за выпас скота верующие. в сообществе избранных.

Купить воспроизведение окончательного суждения Мигеля Ангеля в интернет -магазине Кадрос.

№8 Башня Вавилона - Питер Брюгель Эль Вихо (1563)

Согласно истории Ветхого Завета, Бог наказал человечество тремя способами.

Первым было изгнание Адама и Евы из Эдема после первоначального греха. Затем наступил великий наводнение, наказание за множество человеческих беззаконий. И третьим было, когда Бог, не доверяющий гордости и презумпции граждан о насильственном городе Вавилон, «смутил речь всех и распространяет их через широкое лицо земли».

Что вавилоняне сделали так воспалительны? В глазах Бога они бросили вызов порядок вещей с их заявленным желанием стать «великим людей», представленным строительством огромной башни, «с пульсом, который достигает небес». Люди должны были стремиться к таким высоким высотам, физическим или метафорическим. Наказание, выбранное Богом за это, заключалось в том, чтобы положить конец общему языку, который использовал для объединения всех народов, и создать множество разных языков, «чтобы их не могли понять». Получающаяся путаница означала, что «строительство города подошло к концу». Согласно Библии, «Вот почему город назывался Вавилон» или Вавилон. Из всех художественных представлений этой великой башни, которая так сильно обидела Бога, самой запоминающейся является Башня Вавилона Питера Брюгеля Эль Вихо (1563).

Эта знаменитая картина, одна из многочисленных картин, посвященных религиозному искусству, была второй из трех версий башни Вавилона, нарисованной Питером Брюгелем. Первая версия (теперь потерянная) была миниатюра из слоновой кости, которая находилась в инвентаре итальянского миниатюриста, родившегося в Хорватии Джулио Кловио (1498-1578), с которым Брюгель сотрудничал в Риме в 1553 году. на дереве, датированном 1564 году, который в настоящее время расположен в музее Boijmans Van Beuningen в Роттердаме. Обычно считается, что картина Роттердама датируется примерно через год после изображения Вены. «Великая» Венская башня почти вдвое большую, чем «маленькая» башня Роттердам, и характеризуется более традиционным обращением с предметом. Основываясь на Бытии 11: 1-9, в котором Господь путает людей, которые начали строить «башню, чья вершина может достичь небес», включает, как и другая версия, сцена короля Нимрода и его окружающего округа. Перед множеством рабочих на коленях. Это событие не упоминается в Библии, но было предложено в антиквариате евреев Флавио Иосиф.

Для Брюгеля это было важно, потому что он подчеркнул грех гордости и высокомерия короля, который должен подчеркнуть образ.

Подробный реализм Башня Вавилона представляет большое количество тщательных деталей, связанных со строительством здания, без сомнения, с помощью сложных знаний Брюгеля о методах строительства, приобретенных во время выполнения нескольких картин, которые иллюстрируют раскопки Амбер-Бузелы канал. Справа есть огромный кран, очень похожий на тот, который явно помещен на порт в Бревиари Гримани.

Муравьи, схожие работники, заняты, неся его с огромными каменными плитами, которые они получили ниже, и будут проходить к верхней рампе, где другие готовы их принять. Работник поднимается по лестнице к этому разделу, который превращается из камня в архитектуру, структурированную множеством других людей. Слева часть фасада уже заканчивается частично; Женщина входит через одну из дверей, в одном из верхних окон появляется лестница. Выше, еще одно большое множество рабочих работает на крыше и т. Д. До бесконечности.

Какова бы ни была разумность этих индивидуальных действий, и этот момент еще не был полностью исследован, зритель сразу же чувствует гротескную недостаточность инженерных СМИ, а также безумие всей строительной компании.

Как и трудолюбивые эти «муравьи», они сталкиваются с отчаянными невзгодами, которые блестяще продемонстрированы. В пределах того же уровня прекращение последней детали выступает против обнаженных начинаний, с промежуточными этапами в середине, что намекает на безумную гонку против неумолимого времени, в то время как верхняя часть все еще захватывается облаками.

Когда мы посмотрели на картину Брейгеля и попытались ее интерпретировать, мы также погружены в упражнение по переводу: он просто давал визуальное выражение библейской истории? Или я пытался сделать что -то более широкое? Или просто комбинация обоих?

Мы не должны удивлять, что в мире искусства не обязательно соглашается на намерения Брюгеля. Вместо того, чтобы быть открыто спорным, учитель встроил свою работу с знаками и оставляет нас, его верные зрители, чтобы интерпретировать их для себя.

Купите воспроизведение Torre de Babel Pieter Bruegel El Viejo в интернет -магазине Kuadros

№ 9 Вирген дель Джилгеро - Рафаэль (1505-1506)

 

Вирген дель Джилгеро, одна из флорентийских панелей Рафаэля, была нарисована Рафаэлем за брак ее подруги Лоренцо Наси и Сандры ди Маттео Ди Джованни Канигиани. Картина была серьезно повреждена после частичного краха дома Наси в 1547 году, как упоминает Васари. Впоследствии это было, вероятно, было восстановлено Мишель Ди Ридольфо Дель Гирландио (Мишель Тосини), работник, работающий в семинаре Girlandio, на которого глубоко повлиял Рафаэль.

Ребенок Иисус с любовью поглаживает птицу Джилгеса, которую только что дал баптистский ребенок. Таким образом, символ страсти (пик, потому что он питается между шипами), таким образом, объединяется в сцене, которая на первом уровне смысла можно рассматривать просто как дети играют.

Рафаэль поглотил достижения флорентийского искусства, которое было в то время на переднем крае в Европе. На художника сильно повлияла фигура Леонардо. Влияние великого художника-научного, проявляется в прекрасной Мадонне дель-Джилгеро («Мадонна дель Карделлино») (1506), недавно восстановленной (2008) мудро и квалифицированным. Рафаэль принимает подход пирамидального композиции, мягкие эффекты тусклого света и эмоционального диалога между персонажами, раскрывая элементы картины Леонардо. Несмотря на это, также ясно, каким будет личный стиль Рафаэля: чрезвычайная сладость лиц, особенно мадонны, мастерское использование цветов, реалистичное воспроизведение ландшафта и глубокая близость между фигурами.

Дева Мария одета в красное и синее. Красный - символ Страсти Христа, а синий - символ церкви и Марии. Это был один из самых дорогих пигментов и, следовательно, подходящей для использования в важной фигуре, такой как Мария. Европейский джилгеро связан с распятием Иисуса. В этой картине Святой Иоанн передает птицу Иисусу как предупреждение о его насильственной смерти. Из книги, которую держит Мэри, эксперты определили слова «Spepientiae». Это один из религиозных названий, данных Марии, и означает «место мудрости». Это подчеркивает, что Мария родила Иисуса (которая представляет мудрость). Когда Мария представлена ​​в роли «места мудрости», его обычно показывают на троне с Иисусом на коленях. Однако в этом случае камень, на котором чувствует себя Мария, служит престолом.

На картине вы можете увидеть несколько цветов. Хотя не все цветы были окончательно идентифицированы, многие считают, что цветы: анемны (которые представляют боль Марии страсти Иисуса), маргариты (которые представляют невиновность ребенка Иисуса), бананы (которые представляют путь к Следуйте за Иисусом) и фиалками. (который представляет смирение).

В европейском искусстве пик часто используется в качестве символа. Европейский Джилгеро, Кардуэлис Кардуэлис, имеет красное лицо и голова в черно -белом. Сотни картин возрождения представляли Jilguero. Европейский Jilguero часто ассоциируется с воскресением, а также с душой, жертвоприношением и смертью. Легенда гласит, что игрок получил красное пятно на своей голове во время распятия Иисуса, когда он хотел вырвать шип из короны Иисуса, и капля крови Иисуса разбрызгала его голову. Фактически, известно, что игрок ест чертополох и шипы и, следовательно, был связан с короной шипов, которую Иисус использовал в Его распятии.

Ландшафт, и особенно архитектурные формы, которые он содержит, отражает влияние искусства фламенко, хотя он все еще структурирован на пути Умбрии. Это влияние было таким же живым во Флоренции, как во второй половине Quattrocento. Возможно, это более заметно на наклонных крышах и высоких иголках, необычных элементах в средиземноморском ландшафте. Влияние Мигеля Ангеля снова очевидно в хорошо структурированной фигуре ребенка Христа.

Эта знаменитая картина получила серьезный ущерб в конце 16 -го века из -за краха здания, где оно было. Он получил серьезный ущерб, такой как глубокие и длинные порезы, которые изуродовали деревянную панель. Многие реставрации последовали на протяжении веков, но только благодаря последнему (сделанному в 2008 году) работа вернулась к первоначальному великолепию. Таким образом, Вирген дель Джилгеро можно снова полюбить и восхищаться как одним из самых красивых примеров великого художника Рафаэля «Божественного».

Купить воспроизведение Virgen del Jilguero - Рафаэль в интернет -магазине Кадрос

№ 10 Христос Сан -Хуан де ла Круз - Сальвадор Дали (1951)

 Христос Сан -Хуан -де -ла -Круз был нарисован испанским сюрреалистическим художником Сальвадором Дали в 1951 году в то время, когда он вышел из сильного антирелигиозного атеизма из своей юности и снова обнял католическую веру.

Без сомнения, наиболее известной религиозной работой Дали является его «Христос Сан -Хуан -де -ла -Крус», чья фигура доминирует в заливе Порт -Лигат. Картина была вдохновлена ​​рисунком, сохранившейся в монастыре воплощения в Авиле, Испания, и самого Сан -Хуан -де -ла -Крус после того, как увидел это видение Христа во время экстаза.

На картине Дали люди рядом с кораблем происходят из изображения Ле Наина и рисунка Диего Веласкеса для сдачи Бреды. В конце его обучения для Христа Дали писал: «Во -первых, в 1950 году у меня была« космическая мечта », в которой я видел этот цветный образ, и что в моей мечте представлял ядро ​​атома. Это ядро. Позже приобрел метафизический смысл: я рассмотрел в «Единстве вселенной», ко Христу! Во -вторых, когда, благодаря инструкциям отца Бруно, кармелита, я увидел Христа, нарисованного святым Иоанном Креста, я работал Геометрически треугольник и круг, который эстетически подвел все мои предыдущие эксперименты и зарегистрировал моего Христа в этот треугольник ».

На портрете Сальвадор Дали изобретательно использовал два разных реалистичных цвета, которые включают синий и зеленый, чтобы изобразить удивительный ландшафт моря, вероятно, аллегорию Галилее. Художник использовал уникальную технику, чтобы нарисовать море на уровне глаз, в то время как тело Христа висит в воздухе креста. За крестом художник использовал черную масляную краску. Это должно было сделать тело Христа центром внимания.

Дали смог изобразить мышцы Христа тонким тоном. Кроме того, ему удалось покрасить тени, которые создали глубину. Кроме того, Сальвадор рисовал отдаленные горы на высоте глаз. В нижней части изображения вы можете увидеть одинокого человека, стоящего на причале с его лодкой. Известный художник смог объединить реалистичные цвета и упорядоченный дизайн, чтобы создать впечатляющий сюрреалистический портрет религиозной фигуры.

Было сказано, что в оригинальной версии 16 -го века изображен распятие под углом, в котором умирающий увидит его, когда он покажет, что он почитает его.

Дали заставляет нас видеть Христа и крест прямо сверху и смотреть вниз в наборе облаков под и земли внизу. Это небесная перспектива, на самом деле, Бога Отца. Интересно, что Сын, Христос, разделяет ту же точку зрения, что и Отец: его точка зрения следует и продолжает с точки зрения Отца. Четвертое Евангелие подчеркивает, что Сын исходит от Отца и один с ним, видя и делает все, что отец говорит ему. В некотором смысле, отец также предлагает сыну миру, чтобы спасти его.

На картине Христа Сан -Хуана священное сердце Иисуса не отражается извне, а вовлечено в художественное развертывание силы, которая преодолевает позорное крест. Дали рисует нас победителя Христа. Это показывает, что Христос Сан -Хуан -де -ла -Круз истекает к смерти за любовь.

Во время «Христа Сан -Хуан -де -ла -Крус» из Дали Иисус, повесившись на кресте, разоружен силы и власти и сделал их публичным зрелищем, одержав победу над ними с силой их любви на кресте (полковник 2: 15).

Таким образом, крест - это место, где добра истекает к злу, где тьма побеждена светом, где семя женщины наконец -то раздавит голову змеи (Быт. 3:15), где обвинения против мира были уничтожены и прибитый при пересечении. Прежде всего, именно там любовь побеждает ненависть и все формы злобы.

Эта знаменитая работа Дали считалась банальной важным художественным критиком, когда она была впервые выставлена ​​в Лондоне. Тем не менее, несколько лет спустя он был вырезан фанатом, когда его повесили в музее Глазго, доказательство удивительного противоположного воздействия на зрителей.

На картине есть несколько перспектив, признак феноменального таланта Дали.

Поскольку работы Дали еще не находятся в общественном достоянии, Кадрос не делает копии этого художника, не переставая восхищаться им, конечно. 

Куадрос ©, знаменитая краска на твоей стене.