De multe ori există mai multe imagini a ceea ce pare și multe dintre cele mai cunoscute opere de artă au secrete ascunse sub suprafață. Puteți studia pictura preferată de mai multe ori și puteți descoperi în continuare un nou simbol criptic sau detalii ascunse. Unii dintre cei mai cunoscuți artiști din lume lasă în mod intenționat mesaje secrete în tablourile lor, iar unii au trezit chiar teorii ale conspirației populare, fie pentru a subverti autoritatea, a contesta publicul sau a dezvălui ceva despre ei înșiși. Sute de ani mai târziu, datorită progreselor tehnologice, multe dintre aceste mesaje secrete sunt descoperite pentru prima dată. Kuadros la drag să dezvăluie acele mistere pentru tine. Acestea sunt celebrele tablouri pe care le -am considerat cele mai enigmatice.
No.1 The Last Cina - Leonardo da Vinci
Celebra reprezentare a lui Leonardo da Vinci de Jesús și a discipolilor săi în The Last Cina a fost în centrul unor teorii populare din ultimii ani, așa cum este descris în romanul din 2003 „Cod Da Vinci” de Dan Brown și adaptarea și adaptarea Cartea cinematografică 2006 cu Tom Hanks. Brown a propus că discipolul la dreptul lui Isus este de fapt Maria Magdalena deghizată în Ioan Apostolul. De asemenea, sugerează că forma „V” care se formează între Isus și „Ioan” reprezintă un uter feminin, ceea ce implică faptul că Isus și Maria Magdalena au avut un copil împreună. Istoricii de artă sunt însă sceptici. Ultima cină a lui Da Vinci este importantă pentru compoziția sa expresivă și pentru utilizarea perspectivei, care a fost o inovație la acea vreme. Da Vinci a aliniat figurile și pereții camerei pictate cu frânghii care radiază o unghie pe peretele în care este pictat originalul, deasupra unei sufragerii dintr -o mănăstire din Milano. Mulți sugerează că aspectul lui Ioan este feminin pur și simplu pentru că așa a fost reprezentat. Expertul Mario Taddei a declarat pentru ArtNet.com: „Leonardo a trebuit să copieze ultimele mese din fața lui, iar John arată ca o femeie”. Dar un mesaj secret mult mai convingător a fost descoperit de tehnicianul italian de calculator Giovanni Maria Pala. El afirmă că da Vinci a ascuns note muzicale din „The Last Cina”, care, atunci când este citit de la stânga la dreapta, corespund unui imn de 40 de secunde care sună ca un Requiem.
Când starețul mănăstirii s -a plâns că tabloul durează prea mult, s -a spus că artistul enervat a amenințat că va folosi chipul starețului ca model pentru trădătorul Iuda. În cele din urmă, Da Vinci a vizitat închisorile din Milano pentru a găsi chipul perfect de răufăcător pentru Iuda, care stă pe locul cinci din stânga. Istoricii de artă profesională spun că nu există nicio dovadă a teoriilor conspirației despre ultima cină expusă în „Codul da Vinci” și alte cărți care abordează subiectul; Și resping identificarea figurii în stânga lui Isus ca fiind adeptul său Maria Magdalena, în locul Apostolului Ioan.
Cumpărați o ultimă reproducere pentru cină în magazinul online din Kadros
Nr. 2 Creația lui Adam - Miguel Ángel
„Creația lui Adam” este probabil cea mai cunoscută dintre cele nouă panouri biblice pe care Miguel Ángel le -a pictat pe acoperișul Capelei Sixtine. Dar știați că scena conținea un creier uman? Mesajul ascuns se găsește în țesătura în care se poate distinge forma creierului. Aparent, artistul l -a prezentat la fresca sa, deoarece la acea vreme autopsiile erau interzise de biserică. Se dovedește că Miguel Ángel a fost un expert în anatomia umană. La 17 ani, el avea un loc de muncă oarecum înfricoșător de disecții cadavre ale cimitirului bisericii. Prin urmare, unii cred că i -ar fi plăcut să prezinte această pasiune pentru anatomie uneia dintre cele mai mari realizări ale sale, pe acoperișul Capelei Sixtine. Potrivit experților în neuroanatomie, Ian Suk și Rafael Tamargo, pictorul a așezat câteva ilustrații cu atenție ascunse ale anumitor părți ale corpului pe acoperișul Capelei Sixtine. Și dacă observați giulgiul care îl înconjoară pe Dumnezeu în „Creația lui Adam”, veți constata că creează o ilustrare anatomică a creierului uman. Suk și Tamargo consideră că Miguel Ángel intenționa ca creierul să reprezinte ideea că Dumnezeu îi dădea lui Adam nu numai viața, ci și cu cunoașterea umană.
Un medic spune că Miguel Ángel era foarte familiar cu creierul uman și că și -a folosit cunoștințele despre neuroanatomie pentru a reprezenta simbolic creierul în „creația lui Adam”. Alte interpretări merg și mai departe, acest tablou merge împotriva ideologiei religioase și transmite mesajul că totul se naște din om, în caz contrar. Ce gând de facto sacrilegios. O astfel de faimoasă lucrare de artă și încă găsim secrete ascunse secole după concepția sa.
Cumpărați o reproducere a creației lui Adam în magazinul online de Kadros
No.3 La Mona Lisa - Leonardo da Vinci
Și anume, Mona Lisa, cea mai cunoscută tablou printre celebrele tablouri, cea mai vizitată lucrare a Muzeului Louvre. Această doamnă enigmatică are cu adevărat mai multe de văzut aici că această jumătate de zâmbet infamă. În primul rând, se speculează că este însărcinată, având în vedere modul în care brațele lor sunt așezate pe burtă și văl în jurul umerilor, pe care femeile însărcinate îl foloseau în timpul renașterii italiene. Dar cele mai recente descoperiri sunt în ochii lor. În 2011, cercetătorul italian Silvano Vinceti a spus că a găsit litere și numere pictate microscopic în ele. El a declarat pentru Associated Press că „L” despre ochiul său drept reprezintă probabil numele artistului. Dar sensul literei „S” pe care îl vedeți în ochiul stâng și numărul „72” de sub podul arcuit în fundal este mai puțin clar. Vinceti consideră că „S” s -ar putea referi la o femeie din dinastia Sforza care a condus Milano, ceea ce înseamnă că femeia din tablou poate să nu fie Lisa Gherdini, așa cum se crede de mult timp. În ceea ce privește „72”, Vinceti susține că s -ar putea datora importanței numerelor atât în creștinism, cât și în iudaism. De exemplu, „7” se referă la crearea lumii, iar numărul „2” s -ar putea referi la dualitatea bărbaților și femeilor.
Și mai surprinzător, în 2015, un om de știință francez care a folosit tehnologia reflectoare a luminii a susținut că a găsit un alt portret al unei femei sub imaginea pe care o vedem astăzi. Consensul este că acesta a fost „primul proiect” al lui Da Vinci și că l -a pictat pentru a -și crea capodopera.
Cumpărați o reproducere a Lisa Mona în magazinul online de Kadros
No.4 Terrace Coffee Night - Vincent Van Gogh
Acest tablou al priveliștilor colorate în aer liber este o lucrare pitorească, viziunea unui spectator relaxat care se bucură de farmecul împrejurimilor sale, fără nicio preocupare morală. Amintiți -vă starea de spirit a lui Van Gogh când a scris că „noaptea este mai vie și cu mai multe culori decât ziua”. La prima vedere, pictura în ulei a lui Vincent Van Gogh din 1888 pare a fi pur și simplu ceea ce descrie titlul: o terasă pitorească de cafea într -un oraș francez colorat. Dar, în 2015, expertul lui Van Gogh, Jared Baxter, a propus teoria conform căreia pictura este de fapt versiunea artistului „The Last Cina”. Un studiu detaliat arată o figură centrală cu părul lung înconjurat de 12 persoane, dintre care unul pare să alunece în umbre precum Iuda. Există, de asemenea, ceea ce par a fi mici crucifixe ascunse pe tot parcursul tabloului, inclusiv una pe figura centrală similară cu Isus.
O aluzie religioasă nu ar fi prea în afara locului pentru Van Gogh. Înainte de a -și dedica atenția asupra picturii, faimosul artist olandez a dorit „predicarea Evangheliei de pretutindeni”, iar tatăl său, Theodorus Van Gogh, era un pastor al unei biserici renovate olandeze. În momentul în care a lucrat la Cafe Terrace noaptea, Van Gogh i -a scris fratelui său, Theo Van Gogh, și a explicat că are o „nevoie extraordinară, trebuie să spun cuvântul, religia”, cu referire directă la tablou.
Van Gogh nu a semnat niciodată „Café Terrace noaptea”. Cu toate acestea, el a menționat în mod specific pictura în trei piese de corespondență, astfel încât istoricii de artă sunt încrezători.
Cumpărați o redare a cafelei de terasă noaptea în magazinul online din Kadros
No.5 Portretul lui Arnolfini - Jan van Eyck
Imaginea este atârnată în Galeria Națională a Londrei și reprezintă probabil Giovanni di Nicolao Arnolfini și soția sa Costanza Treanta. Identitatea cuplului a fost redusă de la doar câteva posibilități, dar numai ei au trăit în vrăjitoare mult timp pentru a -l întâlni pe pictorul îndeaproape. Prima cheie a picturii este mediul, într -o casă destul de bogată, plină de obiecte și haine frumoase. Simbolurile din tablou sunt imposibil de ignorat, deși nu sunt dintr -o singură interpretare. Nici sensul imaginii nu este complet clar. De -a lungul secolelor, a fost interpretat ca un portret al unui cuplu nou căsătorit, cu simboluri extrase dintr -un eveniment de nuntă, începând cu simbolul evident al fertilității poziției gravide a corpului Constanței, ceea ce așa cum se arată că a fost doar o modă capriciu. De fapt, cuplul nu a avut în sfârșit copii. Alte simboluri ale fertilității sunt patul roșu și covorul. Încălțămintea care se afla pe podeaua de lemn aveau, de asemenea, un sens ca cadouri de nuntă obișnuite pentru prietena unui iubit. Portocalele simbolizează fertilitatea și dragostea, loialitatea cățelușului. Dar dacă te uiți cu atenție la oglinda din centrul camerei, vei vedea că există două cifre care intră în cameră. Se crede pe larg că unul dintre ei este destinat să fie însuși Van Eyck. El va observa, de asemenea, că există o inscripție latină într -o faptă foarte elaborată pe peretele de pe oglindă, care se traduce ca „Jan van Eyck a fost aici. 1434”.
Cu toate acestea, cea mai importantă parte a tabloului, care nu este arătată, este discrepanța din anii. Pictura, după cum am menționat anterior, a fost datată în 1434, în timp ce Costanza treizeci a murit în 1433. Tabloul ar fi putut avea și un context diferit de cel care a fost terminat. După cum a demonstrat o radiografie, Jan van Eyck a făcut mai multe modificări, iar dacă acestea ar fi legate de o astfel de apariție sau nu sunt supuse unor dispute.
Cumpărați o reproducere a portretului Arnolfini în magazinul online al Kadros
Nr .6 Ambasadorii - Hans Holbein the Young
Cu mult înainte ca paharele 3D sau căutarea ouălor de Paște să devină populare, pictorii renascentiste au reușit să privească piesele din unghiuri noi care se joacă cu perspectivă. Unul dintre cele mai faimoase exemple ale tehnicii este dublul portret al lui Hans Holbein, tânărul, ambasadorii, care are o poveste la fel de bogată ca numeroasele detalii ascunse din loviturile sale.
Interpretarea picturii ca alegorie a tumultului politic și religios al Angliei schismatice din Enrique VIII, în care nenorocirile sunt prinse, a fost acceptată în mod universal de mai bine de o sută de ani.
Pictura prezintă o iluzie destul de impresionantă la baza sa. Dacă te uiți la imaginea strâmbă din partea de jos a vopselei de la dreapta la stânga, pare a fi un craniu anamorfic. Academicienii consideră că este destinat să fie un memento că moartea este întotdeauna chiar după colț.
În colțul din stânga sus, în spatele perdelei verzi și exuberante, îl vei găsi pe Isus într -o poză iconică. Unii istorici de artă cred că acest cameo divin este legat de craniul Memento Mori și că face aluzie la un loc dincolo de mortalitate. Este un simbol destinat să sugereze că există mai mult decât moartea, adică o viață viitoare prin Hristos. Alții cred că pictograma ascunsă reprezintă diviziunea Bisericii că Enrique VIII își dădu compatrioții.
Figura din partea stângă a ambasadorilor este Jean de Dinteville, ambasadorul francez în Anglia. Eram pe punctul de a împlini 30 de ani la momentul acestui dublu portret. Prietenul și partenerul său diplomatic Georges de Selve, în fotografia din dreapta, avea doar 25 de ani la acea vreme și a servit deja ca ambasador francez la Republica Veneția de mai multe ori.
Portretul uleiului de stejar a fost făcut pentru a atârna în sălile casei din Dinteville. Cu toate acestea, Galeria Națională a expus pictura halucinantă a lui Holbein din 1890. De mai bine de 125 de ani, a fost una dintre cele mai prețioase expoziții ale Muzeului din Londra.
Cumpărați o reproducere a ambasadorilor în magazinul online de Kadros
No.7 Nașterea lui Venus - Sandro Botticelli
Nuditatea în faimoasa pictură din Botticelli a fost destul de inovatoare până la sfârșitul secolului al XV -lea. Dar nu este locul în care se termină îndrăzneala artistului. Unii istorici de artă consideră că coaja Vieira în care Venus călărește valurile oceanului este de fapt destinată să simbolizeze organele genitale feminine și, astfel, să se refere la fertilitate, care creează o scenă de naștere care să reflecte originile oceanice ale lui Venus, în timp ce se conectează simbolic cu nașterea umană.
Venus, zeița iubirii, este îndurerată în coaja de marina, fiind târâtă pe țărm de Zephyr, zeul vântului de vest. Acolo, unul din timp, zeițele stațiilor, este gata cu un strat pentru a îmbrăca zeitatea nou -născutului. A patra figură pe care o poartă Zephyr este destinată să fie o aură (nimfe de vânt) sau clori, o nimfă asociată cu arcul și flori în flori precum cele care curg prin imagine.
Inspirația creștină a fost dominantă în arta Evului Mediu, așa că rareori descrisă nuditatea. Cu toate acestea, apariția umanismului a dus la un interes reînnoit pentru miturile Romei antice și cu ea o înviere a nudelor.
În această perioadă a renașterii timpurii, vopseaua pe panouri de lemn era la modă. Dar popularitatea pânzei a crescut, în special în regiunile umede în care lemnul tinde să se deformeze. Întrucât pânza era mai ieftină decât lemnul, starea sa percepută a fost puțin mai mică, așa că a fost rezervată lucrărilor care nu erau destinate expozițiilor publice mari. Pictura iese în evidență ca prima lucrare pe pânză din La Toscana.
Nașterea lui Venus a fost destinată să stea într -o cameră. Goliciunea piesei dobândește un ton mai senzual atunci când știi că era destinat să stea pe un pat de căsătorie. Acest loc și reprezentarea sa îndrăzneață au contribuit la nașterea lui Venus ascuns de viziunea publicului timp de aproximativ 50 de ani. Vopseaua are o piesă însoțitoare. Deși a fost finalizat cu patru ani înaintea sora sa, Arc Poate fi văzut ca un fel de continuare a lui El Birth of Venus. În timp ce a doua reprezintă sosirea lui Venus într -o lume de la marginea înfloririi, primul arată lumea în floare în jurul figurii materne, acum îmbrăcată. Se spune că perechea de tablouri destinate să comunice modul în care „iubirea triumfă asupra brutalității”.
Botticelli a cerut să fie înmormântat la poalele lui Venus. Nu pictați, da. Am vrut să mint pentru totdeauna pentru inspirația sa pământească, Simonetta Cattaneo de Vespucci. Numită cea mai frumoasă femeie din Florența, precum și cea mai frumoasă femeie din Renaștere, Simonetta a fost muza care a inspirat mai multe lucrări ale lui Botticelli, inclusiv nașterea lui Venus și Spring. Când a murit în 1510, Botticelli a fost înmormântat în apropierea acestui nobil căsătorit, pentru care se speculează că adăpostea o dragoste nerecuperată.
Cumpărați o reproducere a nașterii lui Venus în magazinul online din Kadros
No.8 SelfporTrait - Rembrandt
Rembrandt a pictat, a atras și a înregistrat atât de multe autoportraite în viața sa, încât schimbările în apariția lor ne invită să le evaluăm starea de spirit comparând o imagine cu alta. O astfel de lectură biografică este încurajată de modul în care artistul se confruntă direct cu privitorul. Rembrandt a pictat acest autoportret în 1659, după ce a suferit un eșec financiar, în ciuda atâția ani de succes. Casa sa spațioasă din Sint-Anthonisbreestraat și alte posesiuni au fost scoase la licitație anul precedent pentru a-și satisface creditorii. În această lucrare târzie, ochii scufundați care sunt blocați în cei ai privitorului par să exprime forța și demnitatea internă. Cu toate acestea, interpretarea tablourilor pe baza biografiei unui artist este periculoasă, în special cu un artist a cărui viață a fost idealizată în măsura în care a făcut Rembrandt. Lumina care luminează capul atât de eficient accentuează și umărul stâng al lui Rembrandt și, într -o măsură mai mică, mâinile sale împreună, executate pe scară largă.
În 2001, artistul britanic David Hockney și fizicianul american Charles Falco au anunțat că au găsit indicii că Rembrandt și alți profesori vechi depindeau în mare măsură de utilizarea lentilelor și oglinzilor curbate pentru a -și crea scenele și portretele reale. Și în august 2016, doi cercetători din Regatul Unit, artistul Francisc O'Neil și fizica Sofia Palazzo Corner, au publicat un studiu în Journal of Optics care a explicat cum Rembrandt ar fi putut folosi combinații de oglinzi și ochelari curbați pentru a -și crea faimosul sine - Portrete. . Cercetătorii văd multe detalii în autoportraiturile Rembrandt care susțin teoria lor, incluzând lumină puternică în centrul portretelor și întunericul relativ la margini, care se vede și în reflecțiile proiectate de oglinzi curbate.
Artiștii folosesc constant pigmenți și uleiuri noi pentru a produce culori mai vibrante, luminoase și interesante. Rembrandt van Rijn nu a fost diferit. Vechiul profesor olandez a avut tehnică, creativitate și muncă minuțioasă pentru el. De asemenea, a avut chimie. O nouă analiză a lucrărilor sale arată că a folosit un compus rar în unele dintre tablourile sale: un mineral carbonat de plumb numit Plumdonacrita, PB5 (CO3) 3 (OH). Cunoașterea compoziției paletei artistului îi va ajuta pe conservatori să descopere cum să -și păstreze mai bine lucrările de artă în timp.
Cumpărați o reproducere a autoportretului Rembrandt în magazinul online Kuadros
No.9 Bacchus - Caravaggio
Pictura Bacchus a lui Caravaggio conține toată raza asociată cu libertina mitologică care se bulează sub suprafața sa. Acest sentiment de furtună sub calm este cel care îl face o operă de artă atât de puternică. Baco, zeul vinului, este de obicei arătat beat; Bacchusul lui Caravaggio este senin și autonom. Se vede adesea călărind o mașină triumfală întinsă de tigri, leoparde sau capre; În versiunea Caravaggio, procesiunea Bacchic este pe cale să înceapă sau s -a terminat. Sau poate că acest Bacch are planuri complet diferite.
Prima dată când a fost descoperit ceva ascuns în această lucrare a fost în 1922, un restaurator de artă curăța pânza acestei lucrări din 1595. Când acumularea de murdărie dispare timp de secole, un portret ascuns a devenit vizibil. În ulciorul de vin de sticlă din colțul din stânga jos, un caravaggio minuscul se află în micuța reflectare a luminii de pe suprafața vinului.
Astăzi, aproape un secol mai târziu, cercetătorii îl confundă. Nu pare să fie prea ascuns, dar datorită tehnologiei moderne numită reflectografie, experții în artă în 2009 au putut descoperi că imaginea unui om este cu adevărat ascunsă în ulciorul vinului din stânga jos. Și poate fi același da caravaggio. "Caravaggio a pictat o persoană pe verticală, cu un braț întins spre o pânză într -un șevalet. Se pare că este un portret al său în timp ce pictează", a spus Mina Gregori, la Telegraph.
Cumpărați o reproducere Bacchus în magazinul online al Kadros
Kuadros ©, o vopsea faimoasă pe peretele tău.
