Mișcarea Vanguardistă (Avant-garde)

Avant Guarde, un termen francez care înseamnă avangardă sau gardă avansată, a fost folosit inițial pentru a denota avangarda unei armate și aplicat pentru prima dată în artă în Franța la începutul secolului XIX.

Aplicată în artă, avangardă înseamnă artă inovatoare, care introduce sau explorează forme sau teme noi.

Termenul se referă la orice artist, mișcare sau operă de artă care rupturează cu precedentul și este considerată inovatoare și transgresivă față de statut quo. Datorită naturii sale radicale și a faptului că contestă ideile stabilimentului artistic, procesele și formele existente, mișcarea de avangardă a întâmpinat adesea rezistență și controverse în lumea artei.

Începutul avangardei

Se poate spune că arta de avangardă a început în anii 1850 cu realismul de Gustave Courbet, care a fost puternic influențat de primele idei socialiste. Asta a fost urmat de succesiunea mișcărilor din arta modernă, iar termenul avangardă este mai mult sau mai puțin sinonim cu modern.

Unele mișcări de avangardă, cum ar fi cubismul, de exemplu, s-au concentrat în principal pe inovațiile de formă, altele, ca Futurismul , De Stijl sau Surrealismul, au avut programe sociale puternice.

Dezvoltarea Avant-garde

Deși termenul Avant-garde sau avangardă a fost aplicat inițial abordărilor inovatoare în creația artistică în secolul XIX și începutul secolului XX, acesta este aplicabil tuturor artelor care depășesc limitele ideilor și creativității și este folosit și astăzi pentru a descrie arta care este radicală sau reflectă originalitatea viziunii.

Noțiunea de avangardă consacră ideea că arta ar trebui să fie judecată în principal după calitatea și originalitatea viziunii și ideilor artistului.

Principalele exponate ale Avant-garde

Prin natura sa radicală și prin faptul că contestă ideile, procesele și formele existente, artiștii și operele de artă de avangardă merg adesea mână în mână cu controversea. Explorează despre operele de artă care au provocat un zgomot.

Dansatoarea de 14 ani - Edgar Degas

Deși poate părea inocent astăzi, dansatoarea de paisprezece ani de Edgar Degas a provocat indignare când a fost expus pentru prima dată la expoziția impresionistă din 1881 la Paris. Figura a fost descrisă în diverse moduri ca fiind "repulsivă" și "o amenințare pentru societate". Critica și publicul erau deranjați de realitatea operei, dar și pentru că Degas reprezentase un subiect modern provocator... dansatoarele erau considerate parte din partea mai sordidă a spectacolului și puțin mai mult decât prostituate.

Sticlă și Pești - Georges Braque (Cubism)

În jurul anului 1907, Pablo Picasso și Georges Braque au dezvoltat un nou și revoluționar stil de pictură care transforma obiecte cotidiene, peisaje și oameni în forme geometrice. Cubismul a deschis calea pentru multe dintre stilurile de artă abstractă din secolul XX, însă numele mișcării derivă din răspunsul disprețuitor al unui critic care a descris una dintre picturile de peisaj ale lui Braque ca "rare cubiste".

Picasso și Braque au conceput și dezvoltat cubismul, dar alți artiști au adoptat și ei stilul, în special Fernand Leger, Albert Gleizes și Louis Marcoussis. Din epicentrul său parizian, ideile cubiste s-au răspândit rapid și au marcat profund drumul avangardei ruse, futurismului italian și expresionismului german, printre altele. În paginile următoare, prezentăm o selecție specială de opere semnificative din diferitele mișcări de avangardă care au fost atinse prin prisma cubismului.

Prânzul Rameșilor - Renoir

Deși arta impresionistă poate să nu pară avangardistă conform standardelor contemporane, mișcarea a fost revoluționară în vremea sa. Respingeți de tradiționalulSalón de París, pictori precum Claude Monet , Edgar Degas și Pierre-Auguste Renoir au privilegiate peisajele și scenele din viața de zi cu zi în loc de subiectele istorice și mitologice acceptate. De asemenea, au rupt tradiția ieșind din studio și pictând în aer liber .

Portretul doamnei Matisse, Henri Matisse (Fauvismo)

Impresionismul a declanșat o avalanșă de artiști și stiluri inovative. Printre ele s-a aflat o mișcare scurtă, dar puternică numită Fauvism. Co-fondat de artiștii francezi Henri Matisse și André Derain, stilul de les Fauves, sau "bestii sălbatice", se caracterizează printr-o paletă de culori saturate, pensule groase și forme simplificate, adesea aproape abstracte. Fauvismul a acționat ca o perioadă de tranziție pentru mulți dintre artiștii asociați cu el, în special Matisse și Georges Braque. După concluzia sa în 1910, aceste figuri au folosit experiența lor fauvista pentru a se angaja în noi proiecte și a intra în noi perioade.

Dinamica unui câine cu lesă, Giacomo Balla (Futurism)

Fondat în 1909, Futurism a fost o mișcare de avangardă care a îmbrățișat inovația, tehnologia și transportul, toate componentele viitorului care au apărut după Primul Război Mondial. Un semn distinctiv al artei futuriste este reprezentarea vitezei și mișcării. În special, s-au atașat de principiile "dinamismului universal", ceea ce însemna că niciun obiect individual nu este separat de fundalul său sau de alte obiecte. Sculptorul italian și artistul futurist de marcă Umberto Boccioni a explicat mișcarea: "Sintetizăm fiecare moment (timp, loc, formă, ton de culoare) și așa pictăm tabloul".

Persistența memoriei, Salvador Dalí (Surrealism)

Surrealismul este un gen extrem de experimental bazat pe principiile minții subconștiente, preluate dintr-o tehnică literară numită automatism . Această ruptură cu realitatea a oferit artiștilor suprarealisti ca René Magritte, Salvador Dalí și Man Ray o libertate creativă completă, deoarece nu se mai ghidează după principii academice. Scenariul oniric al artei lor combină reprezentări realiste ale subiectelor fantastice. Suprarealistii erau, de asemenea, cunoscuți pentru incursiunile în multe forme de artă, de la pictură și sculptură până la fotografie și cinema.

Fasole Neagră - Andy Warhol

Recunoscut la sfârșitul anilor '60 ca lider al artei de avangardă în Statele Unite, cu interese în pictură, gravură, videoart, realizarea de filme, sculptură, asamblare și artă conceptuală, Warhol a folosit metode creative moderne precum serigrafia pentru a produce portrete iconice ale celebrităților precum Elvis Presley și Marilyn Monroe. A transformat stelele în obiecte de artă modernă și, în proces, s-a transformat pe sine, artistul, într-o stea. Asta i-a oferit acces la o serie de cercuri sociale exclusiviste cu intelectuali, magnati ai mass-media, stele de cinema din Hollywood și alți sponsori bogați. De asemenea, a folosit metode moderne de producție, angajând o varietate de asistenți în atelierele sale din New York, cunoscute sub numele de "Fabrica". De la moartea sa prematură în 1987, Warhol a fost subiectul numeroaselor expoziții retrospective din întreaga lume, precum și documentare, cărți și articole. În ultimii ani, arta lui Warhol, alături de lucrările suprarealistului Francis Bacon, au devenit cele mai căutate exemple de artă postmodernă timpurie.

Deși ideia de avangardă sugerează o preocupare pentru a deschide noi drumuri, în aproape toate cazurile aceasta nu reflectă un interes independent pentru noutate, ci se bazează pe dorința de a oferi o impresie mai clară a "realității". Pentru Gustave Courbet , aceasta a însemnat reprezentarea vieților dure de muncă care au fost exilate de pe pânza academică; pentru impresionisti, aceasta a însemnat capturarea efectelor luminii asupra retinei în momentul percepției; pentru constructiviști, aceasta însemna reprezentarea forțelor științifice invizibile care acționează sub suprafața realității vizibile. Dar, în toate cazurile, scopul subiacente era dorința de a reprezenta realitatea într-un mod nou și precis.

Noțiunea de avangardă a fost supusă, în mod tradițional, a două interpretări. Pe de o parte, este considerată indisolubil legată de un program social sau politic radical, astfel încât arta transgresivă devine vehiculul activității sociale și politice transgresive. Pe de altă parte, arta de avangardă a fost văzută ca domeniul experimentării pure stilistice, liberă de orice fel de preocupări sociale. Aceste două definiții au propriile lor cronologii, ierarhii și rubrici critice care le însoțesc, care adesea sunt surprinzător de în dezacord între ele.
Nașterea avangardei a fost, de asemenea, nașterea ideii de "anti-artă": că arta putea să își pună valoarea parțial subminând, subversând sau batjocorind noțiunile preexistente de valoare artistică. De la impresionisti, cu tușele lor rapide și libere, până la Marcel Duchamp cu readymades-urile sale, arta de avangardă a obținut întotdeauna o parte din impactul său din evidentul său dispreț față de normele existente și din abilitatea sa de a genera o impresie de non-artă, chiar de urâciune. 

KUADROS ©, o pictură faimoasă pe peretele tău.